Durante los años 30 y 40 el documental tuvo un marcado contenido político coincidiendo con dos hechos principales: La Gran Depresión, una crisis económica mundial que se prologaría durante la década de 1930 y en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial, y el New Deal, nombre dado por el presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt a su política intervencionista, para luchar contra los efectos de la Gran Depresión en Estados Unidos.

Los grandes estudios norteamericanos entregaban cada año por contrato 52 películas, y otros tantos cortometrajes y noticiarios a las salas de todo el mundo.  Estos noticiarios tenían un contenido  normalmente de entretenimiento y espectáculo, sobre todo porque los directores ejecutivos pensaban que la controversia podría generar trastornos.  En 1931 la Fox Corporation publicó un documento en que se prohibía exhibir en sus salas noticieros que tuvieran un contenido controvertido.

Ante este panorama en 1930 se fundó en la ciudad de Nueva York la Liga de Trabajadores Cinematográficos y Fotográficos, que rápidamente se extendería a otros lugares.  Los despidos, las huelgas y las protestas fueron documentadas por las ligas y comenzaron a exhibirse en algunas salas bajo en nombre de “Noticiario de los trabajadores”.  En 1934 las Ligas de Cinematografía y Fotografía se reunieron en Chicago para organizar una Conferencia Cinematográfica Nacional con el objetivo de exhibir y discutir  40 rollos de películas hechas en anterior año.

En 1933 Franklin D. Roosevelt  es elegido presidente de los Estados Unidos  y a partir de ese  momento la documentación visual promovida por las ligas contará con el apoyo oficial.  Uno de los primeros ejemplos fue Hands (Manos, 1934) de Ralph Steiner y Willard Van Dyke.

Posteriormente se realizaron proyectos más ambiciosos patrocinados por AR, Administración del Restablecimiento, que se ocupaba de vendavales de polvo, de la erosión y las víctimas humanas.  Al frente de su división informativa estaba Roy Stryker encargado de un grupo de fotógrafos como Dorothea Lange, Walters Evans o Carl Mydans. Comenzaron a recorrer el país mostrando a la nación la devastación y la miseria de los campos.

En 1936 el norteamericano Pare Lorentz  dirigió The Plow That Broke the Plains (El arado que labró las llanuras), documental que  analizaba las causas de las tormentas de arena que arrasaron la zona central de los Estados Unidos en los años 30. Dos años después rodó The River (El río)  documento que analizaba la importancia del río Mississippi en la historia de los Estados Unidos, a la vez que criticaba la degradación ambiental por cultivos abusivos y la sobreexplotación de los recursos forestales. La cinta tuvo un gran éxito y obtuvo varios premios como el de mejor documental en el Festival de Venecia de ese año. Cuando el presidente Franklin D. Roosevelt vio el filme le felicitó y juntos planearon la creación de un Servicio Cinematográfico de los Estados Unidos para hacer filmes de esa clase.

Fueron varias las películas que el servicio cinematográfico rodó como La energía y el país o La tierra de Robert Flaherty. Sin embargo en 1940, el Servicio Cinematográfico de los Estados Unido terminó desapareciendo debido a que la Comisión de Asignaciones de la Cámara de Representantes estadounidense suprimió  el  presupuesto que tenía asignado para ellos. De esta manera el gobierno renunciaba a la hegemonía que tenía en la producción de documentales. La actividad fílmica volvió a manos de las empresas privadas.

En estos años el grupo más prolífico en la producción de documentales fue el Frontier Films, un grupo formado por antiguos componentes de las Ligas de Cinematografía y Fotografía.  Algunas de las producciones de Frontier Films fueron People of the Cumberland (Gente de Cumberland)  de Sidney Meyers y  Jay Leyda,  película sobre la Escuela Folklórica que promovía la sindicalización de los montañeses de Cumberland, y Native Land (Tierra nativa) de Paul Strand y Leo Hurwit, sobre las violaciones de derechos civiles tratadas en las vistas de causas judiciales.

Mientras esto sucedía en los Estados Unidos en Europa el cine documental continuó mostrando un desarrollo paralelo. Los filmes en defensa de alguna causa eran rodados como una película muda a que luego se le añadía una voz en off. En España Luis Buñuel realizó el documental con voz en off Tierra sin pan o Las Hurdes (1932) que fue prohibida a causa de la descripción que hacía de esta tierra. Este recurso de voz en off también fue empleada en la película belga L’ile de Pâques (La Isla de Pascua, 1935) de John Ferno o en la francesa La vie es à nous (La vida es nuestra, 1936). Entre los cineastas que abogaron por una causa  destacó la del holandés Joris Ivens. Ya desde sus primeras películas mostró un gran interés por las cuestiones sociales. 

Joris Ivens (1898-1989) fue un realizador holandés de cine documental. Sus comienzos en el mundo del cine fueron sobre todo en cortometrajes de tipo experimental, con imágenes en movimiento como en El puente (1928) y La lluvia (1929), sin embargo, ya desde entonces las cuestiones sociales estarán muy marcadas en el trabajo del director holandés.

En Amsterdam, la Filmliga ofrecía exihibiciones de películas extranjeras que estaban prohibidas en las salas holandesas. El rápido crecimiento de la Filmliga facilitó la organización de reuniones en las que se invitaba a grandes figuras del mundo del cine para debatir. Por la filmliga pasaron figuras destacadas como Alberto Cavalcanti, Sergei Eisenstein, Dziga Vertov o Vsevold Pudovkin. En una de sus visitas el director Vsevold Pudovkin tuvo acceso a la película de Joris Ivens El puente. La impresión fue tan buena que decidió invitar a Ivens a visitar la Unión Soviética. Una vez allí, Ivens se dedicó a dar conferencias y a promocionar su trabajo, incluso fue invitado a dirigir una película sobre el tema que él eligiera. El resultado fue Canto de héroes (1932) sobre la nueva acería de Magnitogorsk.

Antes de comenzar su rodaje regresó a los Países Bajos para rodar Sinfonía industrial (1931). Un año después, y gracias a sus contactos con el belga Henri Storck, rodó Borinage, un filme sobre los problemas de los mineros de carbón en el Borinage de Bélgica. En 1934 inició un nuevo proyecto Nueva Tierra, un filme protesta contra el sistema que colocaba el precio del trigo por encima del hambre de millones de personas.

Con todas estas películas a sus espaldas, Joris Ivens se creó cierta fama de director que apoyaba las causas sociales. Por ello fue invitado a ir a los Estados Unidos y participar en un grupo que reunía a importantes escritores y artistas, la Contemporary Historians Inc. En una de sus reuniones surgió la idea de encargar a Ivens una película sobre la lucha antifascista en España. El resultado fue Tierra de España (1937). Para entonces Joris Ivens se había convertido ya en una de las grandes figuras de cine documental mundial.

El mismo grupo que había encargado el documental en España le volvió a contratar para que cubriera la guerra chino-japonesa. En 1938 Joris Ivens y John Ferro comenzaron una largo y dificil rodaje. Un año después, en 1939 presentó la película Los 400 millones.

Joris Ivens fue galardonado con el premio de la Paz Internacional en 1954. En los años sesenta Joris Ivens orientó su compromiso social y político hacia la pobreza de Latinoamérica y la agresión sufrida por Vietnam. Joris Ivens se había convertido ya en uno de los mejores documentalistas del cine a nivel mundial.

La Escuela Documental Británica, verdadera precursora tanto del Free Cinema como del Neorrealismo Italiano y la Nouvelle Vague surgió durante la década de los años 30, siendo su etapa de máximo esplendor en el periodo de entreguerras y su máximo representante fue John Grierson.

John Grierson (1898-1972) fue uno de los primeros y más influyentes documentalistas de la historia del cine. De origen escocés estudió Comunicación y Audiovisuales en la Universidad de Glasgow.  Ya desde sus comienzos, Grierson fue consciente de la importancia e influencia que los medios populares de comunicación como el cine tenían en la sociedad, un papel hasta entonces reservado a las Iglesias y a las escuelas.

En 1924 viajó a los Estados Unidos para perfeccionarse en Ciencias Sociales. Allí aprovechó para relacionarse con directores de cine, políticos y periodistas. También coincidió con el director Robert Flaherty comenzando entre ellos una relación de amor-odio. Por un lado, quedó impresionado con la película de Flaherty Moana (1926), de hecho, el escocés utilizó por primera vez el término "documental" (documentary), derivada del término francés "documentaire", en febrero de 1926 en una crítica que escribió en el New York Sun.  Por otro lado, Grierson no compartía la pasión de Flaherty de rodar en tierras lejanas y primitivas, y abogaba más por el drama cotidiano.

En 1927 regresó a Inglaterra y consiguió financiación para rodar un filme sobre la industria del arenque Drifters (A la deriva, 1929). La cinta obtuvo gran éxito y fue premiada por la Sociedad Cinematográfica de Londres.

Después del estreno de A la deriva, Grierson dejó aparcada su función de director de filmes y se convirtió en organizador creativo. Creó el llamado EMB Film Unit (Unidad Cinematográfica de la Empire Marketing Board), un grupo compuesto por jóvenes cineastas como Basil Wright, John Taylor, Arthur Elton, Edgar Anstey, Paul Rotha, Donald Taylor, Stuart Legg o Harry Watt. Grierson era el encargado de supervisar su trabajo y de poner en marcha los proyectos. El grupo apostaba por el documental social, imágenes de la vida real de la sociedad civilizada, muy diferente a lo que se había realizado hasta el momento, donde había un mayor interés por mostrar regiones lejanas y las costumbre de pueblos primitivos.

En 1934 el grupo terminó por disolverse y la unidad fímica se trasladó al General Post Office (Correo Central), convirtiéndose en la GPO Film Unit. De esta nueva etapa surgirían películas como Correo nocturno (1936) de Harry Watt y Bail Wright. La unidad fue creciendo y se llegaron a formar numerosas ramas. Grierson continuó siendo director del grupo hasta 1938 cuando fue invitado por el Gobierno de Canadá a estudiar la producción de films en Canadá. En 1939 creó la comisión nacional de films, que luego se transformó en la Junta Nacional Fílmica del Canadá. Años después, con la entrada de Canadá en la II Guerra Mundial Grierson se dedicó a la producción y dirección de films de tipo propagandístico.

“El documental no es más que el tratamiento creativo de la realidad. De esta forma, el montaje de secuencias debe incluir no sólo la descripción y el ritmo, sino el comentario y el diálogo”.

John Grierson

La llegada de Hitler al poder en 1933 vino acompañada de un férreo control de todos los medios de comunicación de la mano del ministro de Ilustración Popular y Propaganda del Tercer Reich Joseph Goebbels. Hasta ese momento los cineclubes alemanes habían funcionado de una manera independiente a las reglas de la censura. Sin embargo la llegada de Groebbels cambió el panorama y llegó a diezmar los cineclubes existentes, para evitar que hubiera algún movimiento cinematográfico independiente. Sin embargo toda regla tiene su excepción y en este caso su nombre fue: Leni Riefenstahl.

Leni Riefensthal fue bailarina, actriz y estrella de cine antes de ser directora de películas. Dirigió varias películas de un género muy característico de Alemania, los denominados "filmes de montaña". La directora alemana tuvo numerosos admiradores entre los que se encontraba Adolf Hitler que la llamaría para una entrevista personal en 1933. En aquel encuentro Hitler le convenció para que rodase Victoria de la fe (1933) financiado por el partido nazi. A su vuelta de España, Leni es nuevamente contratada para filmar una película sobre el desarrollo del congreso del Partido Nacionalsocialista en 1934 en Núremberg. Así surgió El triunfo de la voluntad (1935), premiada en el Festival de Cine de Venecia y en el Festival de París. 

Con este nuevo triunfo, Leni Riefensthal propone realizar un proyecto sobre los juegos olímpicos que se desarrollarían en Alemania en 1936. A pesar de que en un principio la idea no fue acogida con gran entusiasmo, finalmente Leni rodaría Olympia siendo presentada dos años después de acabar los juegos. El filme alcanzó un gran éxito, pero en algunos sitios como en Gran Bretaña fue prohibido. Leni viajó a los Estados Unidos para promocionar su película, sin embargo solo recibió silencio. En vísperas de la guerra regersó a Alemania y continuó rodando películas de ficción.

Cuando a finales de 1939 los ejércitos alemanes penetraron en Polonia se intensificó la producción de documentales cuya misión era la de ensalzar la gloria nacionalista y provocar al mismo tiempo el terror en el enemigo. El depliegue de medios fue importante, así en la conquista de Noruega llegaron a reunirse cerca de 300 camarógrafos alemanes. Las tomas de la batallas eran procesadas y convertidas en noticiarios como los que aparecían en la Revista Semanal Alemana (Deutsch Wochenschau). Las escenas recogidas eran variadas desde batallas, toma de prisioneros, mapas animados. A estas filmaciones les solía acompañar narraciones y músicas muy emotivas. Entre los filmes rodados en Polonia destacan: Feuertaufe (Bautismo de fuego, 1940) de Hans Bertam o Feldzug in Polen (Campaña en Polonia, 1940) de Fritz Hippler. 

 Fritz Hippler fue un director alemán ligado en sus comienzos a la división de noticieros del Ministerio de Propaganda. Su primer éxito documental fue Campaña en Polonia (1940). También rodó Sieg im Westem (Victoria en el Oeste, 1941) y Der Ewige Jude (El eterno judío, 1940), un filme claramente antisemita. La carrera de Hippler terminó al ser hecho prisionero por el ejército británico.

Además de esta producción de tipo bélico, también hubo un pequeño espacio para los cortometrajes de tipo irónico-humorístico como Caballeros (1940) que criticaba a diferentes personajes británicos, o Rund um die Freiheitsstatue (Alrededor de la Estatua de la Libertad, 1941) donde se ironizaba sobre los Estados Unidos.

El éxito de las producciones bélicas alemanas se mantuvo sobre todo en la etapa de las victorias del ejército alemán. Posteriormente, con los fracasos el tono lírico de las pelícuas fue reduciéndose hasta casi su desaparición.

"El cine-ensayo es como escribir un ensayo sociológico en forma de novela y que para ello sólo dispusiera de notas musicales”.

(Jean-Luc Godard)

 "Hablamos de películas que serían el equivalente cinematográfico de la larga tradición del ensayo literario. Películas que no ofrecerían una narración dramática (como el cine de ficción) ni tampoco una representación del mundo histórico (como el cine documental). Un ensayo cinematográfico presentaría una reflexión sobre el mundo, un discurso en primera persona conducido por la palabra pero anclado en técnicas exclusivas del cine".

(Antonio Weinrichter)

 "El vídeo-ensayo se sitúa en algún lugar entre el documental y el vídeo-arte: ... en cuanto que documentales, se ven como algo demasiado experimental, subjetivo y autoreflexivo; en cuanto que videoarte llaman la atención por su compromiso social y su carácter explícitamente político."

(Ursula Biemann)
 

Como vemos el cine ensayo es un tipo de cine dificil de clasificar y más aún de definir, un cine a medio camino entre el documental, el cine experimental y  el video realizado por artistas, pero que a diferencia del reportaje, no pretende ser objetivo ni pretende llegar a conclusiones y sí en cambio generar reflexiones.

Las primeras aproximaciones teóricas al cine-ensayo llegaron de la mano del  cineasta alemán Hans Richter y de Alexandre Astruc, crítico y director de cine francés, uno de los teóricos más importantes del cine europeo de los cuarenta. Sin embargo será  el influyente crítico de cine y teórico cinematográfico francés, André Bazin,  quien utilizará por primera vez el término cine-ensayo para referirse al trabajo de Chris Marker, Lettre de Sibérie (1957).  

Chris Marker

Chris Marker fue el gran desconocido, no sólo por su fobia a las entrevistas y a las fotografías, sino también por su trabajo, poco conocido por la mayoría del público mundial, a pesar de que cada vez más la prensa especializada le ha dado su lugar en el séptimo arte. Marker pasará a la historia del cine como el inventor del denominado ensayo fílmico. Sus documentales y cortometrajes  a veces confusos y difíciles de clasificar, pero casi siempre tienen un punto de compromiso social, como el conflicto israelí, Cuba, Vietnam, China o la Unión Soviética.

Christian François Bouche-Villeneuve, más conocido como Chris Marker, nació el 29 de julio de 1921 en Neuille-sur-Seine, Francia. Estudió Filosofía en la Sorbona y tras la Segunda Guerra Mundial se decantó por la crítica literaria y la novela, así, en 1947 escribe en Espirit, revista de la izquierda católica, y en 1950 publicó algunos artículos sobre cine en la revista Cine y Cultura. En este clima de posguerra en Francia, Marker hará amigos como Gérard Lorin, Remo Forlani y Alain Resnais. En 1949 Marker publica su primera y única novela titulada Le coeur net, que obtuvo en 1950 el Prix Orion del Ministerio del Aire francés. Sin embargo, y a pesar de su reconocimiento, el joven Chris Marker no volverá a publicar ninguna otra novela.

Será a mediados de los años cincuenta cuando comienza a trabajar en el mundo del cine dentro de la llamada rive gauche, movimiento artístico fundado en 1957, y encaminado al desvío y la descomposición del producto artístico en sí. La rive gauche surgió de la revista Positif, y contaría con cineastas como Alain Resnais, el propio Marker, y escritores como Marguerite Duras y Alain Robbe-Grillet. El cine que proponían los miembros de este grupo se caracterizará por ser más retórico y literario que sus homólogos de la Nouvelle Vague. Así, uno de sus primeros trabajos fue un documental sobre los Juegos Olímpicos de Oslo titulado Olympia 52. En 1953 codirigirá junto a Alain Resnais el cortometraje Les status meurent aussi, considerada como una obra precursora del anticolonialismo y que sería censurada en Francia durante algún tiempo.

En 1954 el director francés inició una nueva faceta editora con la fundación de una serie de guías de viaje llamada Petite planète y que se caracterizó por sus fotografías y el material gráfico que incluían. En 1955 Marker trabajó como ayudante de dirección de su amigo Alain Resnais, en el documental Noche y niebla. Al año siguiente trabajará en dos documentales sobre China y la Unión Soviética titulados Dimanche à Pekín (1956) y Lettre de Siberie (1957).

A principios de los años sesenta comienza a trabajar en un par de documentales sobre el conflicto israelí Description d'un combat (1960), y ¡Cuba sí!, rodada en enero de 1961 y montada en plena invasión de Bahía de Cochinos, la cinta supuso un contacto con la Revolución cubana. 1962 será un año decisivo para el director francés, ya que estrenará su cortometraje La Jetée. La cinta obtuvo un gran éxito internacional y, además, serviría de inspiración a Ferry William en su trabajo Doce monos. A La jetée le seguirán durante la década de los sesenta, títulos como Le joli mai (1963); Le mystère Koumiko (1965), un documental sobre las Olimpiadas de Tokio; Si j’avais quatre dromadaires (1966); Rhodiacéta (1967); Loin du Vietnam (1967), un film colectivo en el que participó Marker sobre la Guerra del Vietnam; Cinétracts (1968); La sixième face du pentagone (1968); À bientôt, j’espère (1968); Tour de tournage (1969); On vous parle du Brésil: Tortures (1969) y Classe de lutte (1969). 

Con la llegada de los años setenta, Chris Marker continúa con su trabajo en documentales como On vous parle du Brésil: Carlos Marighela (1970), donde el director analiza la figura del político brasileño Carlos Marighela. A este trabajo le seguirán, On vous parle de Paris: Maspero. Les mots ont un sens (1970), On vous parle de Prague: le deuxième procès d’Arthur London (1971), Le train en marche (1971), La bataille de dix millions (1972), L’ambassade (1973), y La solitude du chanteur de fond (1974). En 1977 Chris Marker rodará uno de sus trabajos más reconocidos, Le Fond de l’air est rouge, donde el director analiza los movimientos sociales surgidos en diferentes países del mundo a finales de los años sesenta.

En la década de los ochenta continúa trabajando en proyectos como Junopia (1981), por el que consiguió el César al mejor cortometraje documental de 1983. En este mismo año rodará Sans soleil, recibiendo nuevamente varios premios de la crítica especializada, como el Gran Premio de la Crítica Internacional en Londres, el Gran Premio del Festival Des Peuples en Florencia y el Premio del British Film Institute de Londres. En los años posteriores rodaría: 2084 (1984), From Chris to Christo (1985), A.K. (Akira Kurosawa) (1985), Mémoires por Simone (1986) y L’héritage de la chouette (1989).

En los noventa, Chris Marker dirige Berliner Ballade, un reportaje realizado para el programa Envoyé Special emitido por la cadena Antenne 2 sobre las primeras elecciones en el antiguo Berlín. A este trabajo le siguieron: Le facteur sonne toujours chaval (1992), Le 20 heures dans les camps (1993), La tombeau d’Alexandre (The last Boshevik) (1993), Casque Bleu (1995) y Level five (1997). En 1998 Chris Marker aceptó comisariar una retrospectiva de su obra en la Cinémathèque Française.

Entre sus últimos trabajos destacan Un maire au Kosovo (2000), una entrevista de Bajram Rexhepi, alcalde de Mitrovica; Cinéma, de notra temps (2000), La souvenir d’un avenir (2001), otra de sus obras compuesta únicamente de fotografías, y Chats perchés (The case of the grinning cat) (2004).

Otra figura clave del cine de ensayo fue Jean-Luc Godard.

Jean–Luc Godard nació en París el 3 de diciembre de 1930. Se formó en el Liceo Buffon de su ciudad natal, en Nyon, Suiza, y en La Sorbona, donde se graduó en Etnología. Gracias a su acomodada situación familiar Jean-Luc pudo dedicarse al cine, su gran pasión, llevando a cabo ideas tan originales como la creación de la Gazette du Cinéma, junto a Rohmer  y Jacques Rivette, conocidos también como “la banda de Scherer”.

Los años cincuenta son para Godard el despegue de su carrera como director cinematográfico. En 1950 publicó sus primeros textos, entre junio y octubre, en la Gazette du Cinéma y poco después realizó su primer corto, Opération Béton, seguido de Unne femme coquette, de 1955, Le coup du berger, de 1956, Tous les gaçons s’appellet Patrick, de 1957.

Como posteriormente se observó, Jean-Luc fue considerado un cineasta provocador cuya actitud profesional rompió con los moldes establecidos en su disciplina creando a su paso tanto ardientes seguidores de sus obras como radicales detractores. Desde muy joven mantuvo relación con los Cahiers du Cinéma, denominado como “...un medio cerrado, febril y apasionado...”, participó en esta como en Arts, con artículos muy polémicos. Defienden la figura del autor, reconociéndole el derecho de creación, es decir, autor es aquel quien dirige el filme, quien busca contar historias, hechos, pero de diferente manera, romper con las formas convencionales, abrir una puerta a la creatividad y explorar otras posibilidades, crear al mismo tiempo que se idea, hacer frente a las necesidades según van surgiendo. Se trata de una tendencia innovadora que propone la fusión de documental con ficción, que busca otros rostros, otros personajes y que aúna el azar de la creación con los medios existentes.

Como él mismo afirmó, le interesan los filmes diferentes, “fallidos y regulares”, entre sus directores preferidos destacan Nicholas Ray, Bergman o Jean Renoir. El estilo godardiano está siempre ligado a sus escritos, textos que redacta a lo largo de toda su vida y trayectoria, siendo éstos fiel reflejo de sus pensamientos y su forma de concebir el séptimo arte, puesta en escena de su provocadora creatividad.

El cine de Godard se caracteriza por su irreverencia y rebeldía respecto al montaje considerado clásico, hay quienes lo encajan por ese carácter provocador como un exhibicionista, aunque sin duda alguna, resulta difícil hablar de la historia del cine sin hablar de él. Se consolida así como un referente dentro del cine moderno y en especial dentro de la ya tan citada Nouvelle Vague del cine francés. Pero su influencia en el mundo de la cultura no se ceñía única y exclusivamente al del cine ya que su repercusión en el arte contemporáneo es notable.

Ejemplo de ello es número especial que editó Art Press reconociendo la repercusión que tuvo sobre algunos artistas de la década de los setenta. Su forma de trabajar otorgó al vídeo, considerado el medio por excelencia del siglo XX, un reconocimiento especial dentro del arte actual. Es Jean-Luc Godard un genio del cine del siglo XX, provocador, inconformista e innovador, crítico con su entorno y consigo mismo, que mantuvo su postura fiel a los postulados de la Nouvelle Vague.

Jean-Luc Godard en el rodaje de Masculin-Feminine, 1965-66.1967 definirá una tercera etapa con la realización de filmes tan controvertidos como La chinoise o Week-End. La cuarta abarca desde 1968 y 1972, trabaja junto a asociados de diferentes países y característicos de éste periodo son los filmes British Sounds, One plus One o Tout va bien.

Entre 1974 y 1979, desarrolla su quinta etapa, conocida como “años de laboratorio” en la que los resultados son Ici et ailleurs o Coment ça va. Durante el sexto periodo el director realiza una andadura en solitario consiguiendo que las películas realizadas en esta etapa se difuminen con las de la siguiente, acotada por los años 1987 y 1994, de la que son representativos filmes como Allemagne 90, Historie (s) du Cinéma y Nouvelle Vague. Jean-Luc Godard es quizás uno de los más controvertidos directores franceses de los últimos tiempos. Abordando todos los géneros, crea un cine en permanente mutación, revelador de las realidades políticas, económicas y morales.

Histoire(s) du cinéma (1998) supuso uno de los proyectos más ambiciosos del cineasta francés. En una serie de ocho episodios realizados a lo largo de diez años (1988-1998) Godard nos muestra un relato sobre el cine y la historia, utilizando para ello la técnica del collage, con fragmentos de otras películas, textos, citas, fotografías, músicas, sonidos, y lecturas a cargo del propio director y de actores franceses como Juliette Binoche, Alain Cuny o Julie Delpy. (ampliar info +)

Por otra parte, es importante resaltar los aportes del cineasta lituano Jonas Mekas, uno de los máximos exponentes del cine experimental estadounidense, y del checo Harun Farocki, con trabajos como El fuego inextinguible (1969), Imágenes del Mundo y Epitafios de Guerra (1988), Las palabras del presidente (1969),  o Los creadores de los mundos de compras (2001).

Para definir el término dogumental debemos referirnos a una corriente cinematográfica creada en los años noventa por 5 directores (Kristian Levring, Jean Marc Barr, Thomas Vinterberg, Lars Von Trier y Soren Kragh-Jakobsen) y que denominaron dogma 95. El grupo realizó un manifiesto con las condiciones para que un film fuera incluido dentro del dogma.

•  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
• 2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
• 3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o Inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
• 4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo Una luz sobre la cámara).
• 5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
• 6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
• 7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la Película sucede aquí y ahora).
• 8. Las películas de género no son válidas.
• 9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
• 10. El director no debe aparecer en los créditos.

Del grupo dogma 95 surgieron cinco películas:  The celebration (1998) de Thomas Vinterberg, The king is alive (2000) de Kristian Levring, Mifune (1999) de Sidste Sang, Lovers (1999) de Jean Marc Barr, y Los idiotas (1998) de Lars Von Trier.

En 2002 y de la mano del director Lars Von Trier nace el Dogumentalismo, una corriente que recuperara la esencia del documental: La veracidad. Al igual que en dogma 95, el dogumentalismo también tenía sus propias normas o "mandamientos".

1.- Deben darse a conocer todas las locaciones en el filme. (Insertando texto en la imagen. Esto constituye una excepción a la regla número 5. Todo texto debe ser legible).

2.- El comienzo del filme debe esbozar los fines e ideas del director. (Esto debe ser mostrado a los “actores” y técnicos del filme antes de iniciado el rodaje).

3.- El final de la película debe consistir en dos minutos de libre expresión por parte de la “víctima”, quien debe aprobar esta parte del filme terminado. Si ninguno de los colaboradores se opone, no habrá “víctimas”. Para explicar esto, se insertará un texto al final del filme.

4.- Todos los cortes en la edición deberán ir acompañados por 6 a 12 cuadros (entre un cuarto y medio segundo) en negro.

5.- La manipulación del sonido y/o la imagen no debe tener lugar. El filtrado, la iluminación creativa y/o efectos ópticos están estrictamente prohibidos.

6.- Pistas sonoras adicionales –música o diálogo- no podrán mezclarse con posterioridad al rodaje.

7.- La reconstrucción del concepto, así como la dirección de los actores, no es aceptable. Se prohíbe el agregado de elementos tales como los escenográficos.

8.- Todo uso de cámaras escondidas está prohibido.

9.- No debe haber nunca imágenes de archivo ni material usado para otros programas.

Un ejemplo de dogumental fue presentado en 2003 por Lars Von Trier y Jorgen Leth, Cinco condiciones. El filme estaba basado en el cortometraje The perfecto human, realizado en 1967 por Jorgen Leth sobre el comportamiento humano. Lars von Trier propuso a Jorgen Leth rodar cinco variaciones de dicho corto.

Existen varios términos para denominar a esta práctica de apropiación documental: Desmontaje documental (propuesto por Eugenio Bonet en 2002), Écahntillonage (Francia), Filme aus gefundenem Material (Alemania), Klippfilm (Suecia)..., sin embargo el más extendido es el término Found footage (Material de Archivo Encontrado).

El Found Footage supone la apropiación y manipulación de imágenes con el objetivo de utilizarlas en un nuevo contexto para crear una nueva obra. En este caso las imágenes quedarían desposeídas del sentido y propósito que tuvieron en su origen.

A finales de los años 70, el cineasta Kevin Rafferty, el documentalista Pierce Rafferty y la periodista Jayne Loader recopilaron lo que ellos denominaron "films efímeros" (publicitarios, de propaganda, institucionales...) que habían sido elaborados con un carácter propagandístico durante los años de la denominada "guerra fría". Esta recopilación abrió nuevos campos en el género documental. Otro hecho que contribuyó al desarrollo del Found Footage fue la cesión a la Bibliteca del Congreso de los Estados Unidos por parte del archivista, escritor y cineasta Rick Prelinger, de una colección de 51.000 películas educaciones, publicitarias, amateurs que había recopilado. El objetivo de la cesión fue la de distribuir libremente todo el material que poseía.

Algunos ejemplos de este tipo de documental fueron The Atomic Cafe (El café atómico, 1982), de los directores Jayne Loader y Kevin y Pierre Rafferty que utilizaron propagandas de la época para realizar dicho documental sobre la guerra fría y la guerra nuclear. En Panorama Ephemera (2004) el director Rick Prelinger realizó un "collage" de secuencias de "films efímeros" dando como resultado un documental crítico sobre los Estados Unidos.

Otro ejemplo de Found Footage fue Moeder Dao, de schildpadgelijkende (Madre Dao, con forma de tortuga, 1995), del director Vicent Monnikendam y que fue realizada con material filmado por cineasta holandeses entre 1912 y 1933. El resultado fue un documental que denunciaba el racismo y el expolio realizado por su país en Indonesia.

En Humans Remains (Restos humanos, 1998), el director Jay Rosenblatt utiliza imágenes de archivos de Hitler, Franco, Stalin, Mussolini y Mao para mostrarnos a unos personajes desmitificados utilizando para ello un toque humorístico. También el director Pèter Forgács utilizaría un "collage" de películas caseras en su filme The black dog. Stories from the Spanish Civil War (El perro negro. Historia de la guerra civil española, 2004). Del mismo director tenemos Miss Universe 1929. Lisl Goldarbeiter - A Queen In Wien (2006), un documental sobre la figura de Lisl Goldarbeiter, la única Miss Universo austríaca.

El director estadounidense Craig Baldwin es también una de las figuras más destacadas del cine experimental contemporáneo. En Tribulation 99: Alien Anomalies Under America (Tribulación 99: anomalías extraterrestres debajo de los Estados Unidos, 1991), el director realiza una sátira de la politica interior y exterior de los Estados Unidos utilizando para ello material varias de películas de terror, ciencia ficción, dibujos animados e incluso noticieros.

"Para mi el montaje es el juego del cine, es donde hago descubrimientos. Mis filmes no se ensamblan a partir de ideas preconcebidas o construcciones apriorísticas. Es como si comenzara con el lienzo en blanco, pongo algo y miro cómo queda. Cada día cuestiono lo que hago, una y otra vez"

(Alan Berliner)

Alan Berliner nació en Brooklyn, Nueva York. Estudió cine en la universidad, donde además de ver y analizar películas, estudiaba otros campos artísticos como la fotografía, la escultura o el vídeo. Esta formación tan amplia le sirvió posteriormente para realizar trabajos paralelos como director de cine y como creador de instalaciones audiovisuales. Durante sus primeros años como cineasta su trabajo será muy abstracto, minimalista y conceptual. Sin embargo, evolucionaría hasta conseguir que sus películas fueran algo muy diferente. Realizará películas muy personales sobre su familia, que nada tienen que ver con sus inicios abstractos.Según ha confesado Alan Berliner, entre los cineastas que más han influido en su carrera están Vertov, Ruttmann, Orson Welles y algunos cineastas experimentales contemporáneos como Michael Snow, Hollis Frampton, Bruce Conner, Ernie Gehr y Larry Gottheim.

Después de diez años trabajando dentro de la tradición del llamado cine de metraje encontrado, a través de cortometrajes como City Edition, Myth in the Electric Age o Everywhere at Once, en 1986 se da a conocer en todo el mundo gracias a la película The Family Album, su primer largometraje documental. Esta película fue realizada con películas domésticas de más de setenta y cinco familias norteamericanas rodadas entre 1920 y 1950. A esta película le siguen otros tres trabajos que también estarán relacionados con en tema de la familia y de la identidad personal. Intimate Stranger de 1991, Nobody’s Businnes de 1996 y The Sweetest Sound de 2000.

En el caso de la directora de origen mexicano Lourdes Portillo, también recurrirá a las raíces de su familia para el documental The devil never sleeps (El diablo nunca duerme, 1994). La directora vuelve a su lugar de nacimiento para investigar la muerte de su tío. La mayor parte de las películas de Portillo tienden a centrarse en América Latina y la experiencia de América Latina en los Estados Unidos. En Las madres: The mothers of Plaza de Mayo (1986), la directora se vuelca en la lucha por la justicia de la famosas madres de mayo argentinas.

A diferencia de los anteriormente mencionados, existe otro tipo de documentalista en el que la estrella del documental es el propio director como en el caso de los directores Michael Moore, Nick Broomfield o Morgan Spurlock.

Michael Moore es un cineasta documentalista estadounidense muy conocido su visión crítica de la globalización, la invasión de Irak,  y las políticas del gobierno de George W. Bush... A finales de los años 80 consiguió un gran éxito con Roger & Me (Roger y yo), un documental que narraba lo sucedido en su pueblo natal cuando la empresa General Motors cerró y decidió instalarse en México para abaratar costes. En 1997 realiza The big one, donde denunciaba la explotación de las grandes multinacionales. La fama internacional le llegaría en 2002 con Bowling for Columbine, una dura crítica contra la posesión de armas y la violencia en su país.

El director londinense Nick Broomfield abandonó el estilo observacional de sus inicios para pasar a un tipo de cine más experimental y de investigación. En Heidi Fleiss: Hollywood Madam (Heidi Fleiis: La Madam de Hollywood, 1996), una película documental sobre la figura de Heidi Lynne Fleiss, una proxenetaestadounidense, conocida como la "Madam de Hollywood". En Driver and the driver's wife (El líder, su chofer y la mujer de éste, 1991), Bromfield mostró la lucha personal por conseguir una entrevista a Eugène Terre Blanche, un policía que sembró el terror en Sudáfrica.  

En el caso del director estadounidense Morgan Spurlock pasó a ser conocido internacionalmente por el documental Super Size Me. Durante el mes Spurlock comió durante tres veces al día los alimentos de la cadena McDonalds, el resultado fue un alarmante empeoramiento de su salud.

identibuzz. Zumbidos de identidades híbridas

Nuevas narrativas, participación, ciudadanía, teléfonos móviles.

Identibuzz es un proyecto participativo de comunicación social que representa las nuevas identidades que se están construyendo en los barrios multiculturales de distintas ciudades europeas.

Las experiencias de diferentes grupos sociales son grabadas con dispositivos móviles, dando voz a sus opiniones sobre una cultura cambiante y  fomentando relaciones interculturales. Este proceso se articula en torno a talleres de capacitación mediática y digital de la ciudadanía a través de los cuales se generan contenidos audiovisuales.

El proyecto piloto se desarrolló simultáneamente en los barrios de Mouraria –en Lisboa– y en el de San Francisco –en Bilbao– durante los meses de  Octubre y Noviembre de 2011. identibuzz es un proyecto de Úbiqa. Tecnología, Ideas y Comunicación

Web: http://www.identibuzz.org/

Aquel no era yo

Crespo, Esteban

Madrid: Africanauan, 2012

Paula y Kaney, un niño africano y una mujer española, que podrían no tener nada en común, pero que llegarán a unir sus vidas irremediablemente a través de un disparo. Un disparo que da vida.

25 minutos. Castellano

El desarrollo que queremos. Visiones desde los colectivos de personas inmigrantes en la CAPV

Bilbao: ALBOAN; Fundación Social Ignacio Ellacuria, 2011

Este estudio quiere ofrecer un modo de abordar esta relación y aportar pistas para la construcción de programas y políticas de desarrollo en la que impliquen a colectivos y/o personas migrantes en la Comunidad Autónoma del País Vasco. El trabajo se estructura en cuatro partes que permiten acercarnos al ejercicio participativo que ha supuesto este estudio y a los resultados y conclusiones que extraemos del mismo.

Libro + DVD de 11 minutos de duración
 

Jin Lu 10 años

Idirin, Juan Carlos Ezinezko producciones, 2011

Este documental observa la vida de Jin Lu, una chica de 10 años llegada hace apenas unos meses a Bilbao. Su esfuerzo por absorber una lengua y una cultura ajenas, sin olvidar las propias, siempre resulta difícil, pero ella cuenta con una ventaja: su edad.

40 minutos. Castellano

La vida de Alex: todo el mundo es inmigrante

EDEX

Bilbao: Diputación Foral de Bizkaia = Bizkaiko Foru Aldundia; Cedex, 2011

Mezcla de ficción y documental, “La vida de Alex” es un audiovisual que cuenta la historia de un chico de Costa de Marfil que llega a Bilbao con la ilusión de mejorar sus condiciones de vida y ayudar a su familia. A su llegada empieza a vender CDs pirata en la calle hasta que es sorprendido por la policía y enviado a un centro de menores. A partir de entonces su vida da un giro en positivo, que comparte con Collins, Ahmed, Issouf, Braim y Mohammed, quienes cuentan sus historias y experiencias: cómo han llegado y qué es lo que están haciendo para salir adelante. 20 minutos. Castellano y euskera

Miedo, quién dijo miedo

Proyecto: Charo Garaigorta
Artista: Susana Talayero
Servicio de Toxicomanías de Álava: Víctor Puente

Miedo, quien dijo miedo es un proyecto educativo del Departamento de Educación y Acción Cultural de ARTIUM en colaboración con el Hospital de Día de Adicciones de Álava, que consiste en la creación de una serie de cuadernos-diarios y un vídeo que funcionan como altavoz de los pensamientos, las emociones, las preocupaciones y los miedos de sus siete participantes. La creación artística se plantea como una manera de compartir y debatir cuestiones que tienen que ver con las propias experiencias vitales, en una mezcla de humor y crítica en la que el grupo forma parte activa. (+ info)

Bizi naizen lekutik Gernikatik

Plaza, Oier

Gernika: Gernika Gogoratuz; Bilgune Sarea, 2009

El documental muestra algunas de la historias de vida de esas personas que tuvieron que dejar sus hogares y que hoy día viven en Gernika-Lumo.

56 minutos. Euskera y castellano

Trabajadoras invisibles

Oke, Omer

Bilbao: Gobierno Vasco = Eusko Jaurlaritza; Social Prod, 2009

Documental que recoge los testimonios de mujeres inmigrantes que viven en Euskadi y que, independientemente de su perfil profesional, trabajan realizando tareas domésticas, cuidados de menores y de personas ancianas o con problemas de salud.

52 minutos. Castellano

Nire lagunak kontatu zidan...

Bilbao: Berdinak gara, 2008

Testimonios de niños y niñas de varios colegios de Bilbao que opinan sobre la realidad de las personas migrantes. Como fondo dibujos realizados por ellos y ellas que nos ilustran su particular visión de las migraciones.

19 minutos. Castellano

Huellas africanas en Briñas

Rey, Román

Bilbao: ALBOAN; Elixir Films, 2007

Testimonios recogidos de personas que se encuentran en campos de refugiados. Nos cuentan sus dificultades y las limitaciones con que se encuentran en su día a día.

20 minutos. Castellano y euskera
 

Rostros y rastros de personas refugiadas

Rey, Román

Bilbao: ALBOAN; Elixir Films, 2007

DVD elaborado por ALBOAN en colaboración con el Servicio Jesuita a Refugiados (SJR)–Grandes Lagos, que quiere presentar diferentes rostros y vidas de personas refugiadas. A través de los testimonios de las propias personas refugiadas se abordan la realidad de estas personas.

30 minutos. Castellano y euskera
 

Lo invisible de las migraciones. Estresores y factores de protección

Pamplona: Alter Nativas, 2006

DVD elaborado en el marco de las jornadas organizadas por Alter Nativas en 2006 en Pamplona sobre diversas problemáticas psicológicas que afectan a las personas migrantes y refugiadas. Por un lado Joseba Achotegi, director del servicio de atención psicopatológica y psicosocial para inmigrantes y refugiados, SAPPIR, habla del síndrome de Ulises, y por otro, Cristina Villalba, doctora en Psicología Social, nos acerca al concepto de resiliencia. Aparecen además testimonios de las personas protagonistas.

18 minutos. Castellano

Asociación ProDoumentales Cine y TV [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.prodocumentales.org> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web de la Asociación ProDoumentales Cine y TV con la que pretenden impulsar la producción y difusión de documentales.

Cine Documental  online [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web en la que puede consultarse información sobre la historia, la actualidad y reflexiones del cine documental.

Docma - Asociación de cine documental [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://docma.es/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web de la asociación Docma, que supone un punto de encuentro para los documentalistas, cuyo propósito es colocar el cine documental en el lugar que merece; además pueden consultarse distintos apartados para conocer la actualidad y los cursos existentes.

Dock Of The Bay [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://dockofthebay.es> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web del Festival de Cine Documental Musical de Donostia.

Documenta Madrid 13 [Recurso electrónico]. Dirección URL: <www.documentamadrid.com/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web del festival internacional Documenta Madrid, mediante su convocatoria buscan una mayor difusión del cine de no-ficción.

Escuela libre de Cine Documental [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://historiacinedocumental.blogspot.com.es/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Blog sobre cine documental en el que pueden consultarse distintos aspectos de este género y una una serie de post que ahondan en las figuras y hechos más relevantes del mismo.

European Foundation Joris Ivens [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.ivens.nl> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web oficial de la fundación que lleva por nombre Joris Ivens, destacado realizador holandés de cine documental.

Fantomas. "Dziga Vertov: creador de la teoría del Cine-Ojo" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://cinemauniverse.blogspot.com.es/2009/06/dziga-vertov-creador-de-la-teoria-del.html> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Artículo que recoge información sobre la vida y trayectoria de Dziga Vertov director de cine vanguardista soviético.

IV Festival Internacional de Cine Documental sobre Género [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://mujerdoc.com> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web del IV Festival Internacional de Cine Documental sobre Género.

Institut Lumiere [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.institut-lumiere.org/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web oficial del Museo Lumière en Lyon.

"Pare Lorentz Center" [Recurso electrónico]. Senses of cinema. Dirección URL: <http://www.parelorentzcenter.org/>[Consulta: 6 de junio de 2016].
*Página web oficial del Pare Lorentz Center, en la que puede consultarse información sobre la vida y trayectoria del cineasta Pare Lorentz.

Punto de Vista - Festival Internacional de Cine Documental de Navarra [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.puntodevistafestival.com/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web oficial del Festival Internacional de Cine Documental de Navarra, en ella puede consultarse infomarción sobre el propio festival, las últimas novedades en este campo, así como adquirir publicaciones de su colección.

"Robert Flaherty" [Recurso electrónico]. Senses of cinema. Dirección URL: <http://sensesofcinema.com/2002/great-directors/flaherty/>[Consulta: 6 de junio de 2016].
*Página web que recoge la biografía y trayectoria de Robert Flaherty.

Thomas Edison [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.thomasedison.com/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web oficial del inventor estadounidense Thoma Edison.

Zinebi55 [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.puntodevistafestival.com/> [Consulta: 6 de junio de 2016].

*Página web de ZINEBI, Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, puede consultarse en euskera e inglés y dispone de un histórico de ediciones anteriores.