2010

 

 

Exposiciones

 

 

Miguel Ángel Gaüeca. Deals, Shapes and Void

30/01/2010 > 25/04/2010 (Sala Este Baja)

Artista:  Miguel Ángel Gaüeca 

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Deals, Shapes and Void es una instalación que recoge parte del trabajo artístico realizado por Miguel Ángel Gaüeca (Gatica, 1967) en los últimos ocho años. Agrupadas en series, las imágenes invitan a generar relaciones entre distintos ámbitos de la vida del artista. Pero estas conexiones no buscan ser autobiográficas sino un desarrollo en torno a la construcción del sujeto contemporáneo.

La serie Objects & Things (2004-2009) parte de un género de la Historia del Arte, el bodegón o naturaleza muerta, vinculado tradicionalmente con la fugacidad de los triunfos y bienes materiales. La relectura contemporánea de este tipo de imágenes, en el marco de una sociedad hipercapitalista, invita a distintas consideraciones en torno al objeto, su simbología y el decorativismo.

Kidology (2007-2009) conecta la elaboración de un inconsciente colectivo en torno a la infancia, con la gestación de conflictos en torno a la influencia que ésta tiene en la construcción de nuestra vida adulta. Este trabajo plantea a su vez una deconstrucción de las mécanicas del deseo infantil y los conflictos que se generan con la realidad.

The Gaüeca Portrait Gallery (2003-2009) plantea una revisión del retrato al tiempo que ofrece un ámbito de relación del artista con personas de su entorno. Esta serie, junto con otros trabajos del autor, es además una investigación sobre los medios de difusión y venta del arte contemporáneo, presentándose como una sección fija en una publicación de distribución gratuita.

Me, Myself And I (2001-2004) utiliza el autorretrato como hilo conductor de la serie, unido a la idea del logo/marca del autor, cada imagen expone distintos tópicos y realidades vinculadas a la figura del artista. Esta reflexión sobre una personalidad fragmentada y expuesta como un bien de consumo analiza, de forma irónica, la construcción del individuo contemporáneo.

Por último se presenta una serie de objetos y esculturas (2002-2009), construidos en numerosas ocasiones para que formen parte de las imágenes fotográficas, se adentran en el universo del trofeo y el registro de distintas realidades tratadas en las series anteriores. El artista busca generar un espacio donde la excepción se plantea como norma, generando así su propia Wunderkammer o Cámara de Maravillas, espacios creados como vehículos para aprehender el mundo.

 

Documentación asociada a la exposición

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 INVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUM VIDEO

VÍDEO TVPÁGINA WEB ELABORADA PARA LA EXPOSICIÓN

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Praxis: Teo Sabando

13/04/2010 > 15/05/2010 (Sala Sur)

Artista:  Teo Sabando

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En el mes de noviembre de 2009 recibimos la propuesta del artista Teo Sabando de donar varias de sus obras a la Fundación ARTIUM. Se trata de dos de sus más importantes series: El Jardín del mismo día, una única obra que reúne 24 piezas entre dibujos y fotografías de gran formato, y El jardín del hombre pobre, compuesta por 14 obras relacionadas entre sí. Estas series tienen su origen en dos libros de artista con el mismo título, adquiridos recientemente por el museo. En su conjunto, dibujos, obras, libros y proceso se pueden ver en PRAXIS durante los meses de abril y mayo.

A lo largo de este tiempo, el autor planteará un recorrido por su obra partiendo del trabajo recogido en sus libros de artista. Estos objetos, nacidos como parte de un proceso natural de compilación de datos e ideas, han tomado numerosas formas y tamaños, e integran en un todo el desarrollo conceptual de su trabajo, proyectos, dibujos, fotografías, poemas…. Resulta de algún modo paradójico que estas pequeñas piezas que aglutinan el universo creativo e intelectual de los hermanos Sabando, Félix y Teo, y posteriormente de éste último, sean prácticamente desconocidos, quedando hoy en manos de unos pocos privilegiados coleccionistas privados. La cámara grabará la manipulación de estos libros que dos días por semana serán recorridos y contextualizados por el artista. Esto nos permitirá en un futuro el acceso y la difusión de su contenido y conceptualización.

El proyecto se irá completando de forma paulatina con la incorporación en la muestra de otros de sus libros a medida que, semana a semana, los vaya comentando el autor. Los ya visitados estarán accesibles a través de un monitor que también aportará otros datos sobre el autor y su obra. En una vitrina se presentan varios objetos que forman parte del proceso creativo del artista. Papeles, anotaciones y cuadernos de notas, bocetos y poemas comparten con los cantos rodados, minerales, conchas de moluscos y espinos un mismo orden lógico. Naturaleza como modo de conocimiento, que en la obra de Teo Sabando, en un soplo vital se traslada al arte a través de una exquisita y elaborada ejecución técnica.

 

Documentación asociada a la exposición

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Juan Hidalgo. Desde Ayacata

27/03/2010 > 29/08/2010 (Sala Norte)

Comisario: Carlos Astiarraga

Artista:  Juan Hidalgo 

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I

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Quizás el problema de la larga marginación crítica e historiográfica de Juan Hidalgo haya sido su muy diversificada actividad como artista: músico, poeta, accionista (más que performer), creador de formas e imágenes fotográficas… Artista de largo recorrido e inclasificable, incluso dentro de los movimientos de vanguardia «oficiales», Hidalgo ha resultado incómodo para muchos porque la suya era una actitud de no-vinculación a líneas políticas que aspiraran a hacerse con el poder, a asaltarlo desde la clandestinidad o desde la oposición, sino, más bien, una actitud de no querer tener nada que ver con ninguna forma de articulación (política o artística) organizada, más allá de su personal y ácrata concepción del arte (él, un «anartista») y de la vida.
Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal).

Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos. En la actualidad, muchos jóvenes artistas encuentran en Hidalgo un predecesor claro del trabajo que realizan, ahora por fin llevado a cabo con la naturalidad de la que otras décadas no rodearon el quehacer de Hidalgo, este «joven» de más de 80 años.

La década pasada supuso el reconocimiento del trabajo artístico de ZAJ, grupo en el que Hidalgo estuvo integrado, con la exposición realizada por el MNCARS en 1996, y 1997 significó el desvelamiento de su trayectoria individual, con la retrospectiva en el CAAM que reunía obra de entre 1957 y 1997. Aquel año de 1997 Juan Hidalgo decidió instalarse en la aldea grancanaria de Ayacata y desde allí desplegar una fase más de su trayectoria creativa, la última de momento, más objetual y fotográfica que otras anteriores. Desde unas alturas situadas alrededor de los 1.300 metros sobre el nivel del mar, desde Ayacata, nos llega la última obra de Juan Hidalgo. La última… por el momento.

 

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 INVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUM VIDEO 1a parte

 

VIDEO 2a parteWEB DEL ARTISTA

DOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUM

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Txuspo Poyo. U.N(INVERSE)

12/05/2010 > 05/09/2010 (Sala Este Baja)

Artista:  Txuspo Poyo 

Actividades relacionadas con la exposición: cine

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Por medio de un complejo dispositivo que incluye vídeo, escultura, dibujo e instalación, Txuspo Poyo indaga en los mitos de la libertad, la transparencia política y la participación democrática a través de referencias cruzadas entre el cine, el arte y la arquitectura modernas. UN(inverse) es una reflexión sobre los orígenes del sistema político actual y las formas de representación que éste ha generado, especialmente en torno a la Declaración Universal de los Derechos Humanos y la limpia arquitectura construida en su sede de Nueva York como cristalización simbólica de la nueva época. Armonía social, valores democráticos y fraternidad de todos los pueblos: valores organizados en torno a la imagen del monolito ideado por Le Corbusier y reutilizado años después por Stanley Kubrick.

La muestra toma el título de la pieza central de la muestra, UN(inverse), una animación en 3D que alude simultáneamente a las siglas en inglés de la Organización de Naciones Unidas y los conocidos estudios cinematográficos de Hollywood, creando un conglomerado entre arquitectura sublime, ficción cinematográfica e ideales políticos. En los cuatro episodios en los que está dividida, UN(inverse) lleva a cabo un seguimiento de la iconografía —entre lo literal y lo metafórico— que forma parte del imaginario colectivo. El proceso de gestación del ideal de una casa común y las tendencias de ruptura, la creación de símbolos unificadores y su conversión en emblemas de desintegración. UN(inverse) lleva a cabo un recorrido virtual por el exterior y el interior de ese edificio, emblema de transparencia y, a la vez, alegoría del secreto: tanto los planos de la edificación como las fotografías están vetadas por razones de seguridad. Las únicas referencias a las que podemos acceder del edificio son imágenes nocturnas, fotos turísticas y algunas escenas cinematográficas. Pero UN(inverse) no es una pieza documental, no pretende revelar secretos; es una ficción poética que explora la fragilidad del mundo con un denso repertorio de imágenes de alta intensidad metafórica.

Txuspo Poyo, (Alsasua, Navarra, 1963) es un artista de amplia trayectoria y reconocimiento que ha realizado su trabajo en los últimos años fundamentalmente en el campo audiovisual. Con un extenso recorrido, que incluye Bilbao, Nueva York, Canadá o Centroamérica, Txuspo Poyo ha ido construyendo una obra que aúna referencias a la realidad y al imaginario, a la actualidad y el pasado reciente, al mundo cotidiano y a la tradición moderna del arte.

 

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Ars Itineris. El viaje en el arte contemporáneo

02/07/2010 > 12/09/2010 (Sala Este Alta)

 

Comisarios: Xosé Luis Canido, Oliva María Rubio

Artistas: Alexander Sokurov,  Alfredo Jaar, Christian Boltanski, Pepe Espaliú, Anke Doberauer, Nan Goldin, Craigie Horsfield, Doug Aitken, Santiago Sierra, Huan, Zhang, Jonathan Monk, Chema Alvargonzález, Eugenio Ampudia, Manolo Bautista, Angels Viladomiu, Félix Curto, Michèle Barbé,  Richard  Long.

 

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ARTIUM acoge la exposición Ars Itineris. El viaje en el arte contemporáneo. La muestra presenta diecisiete piezas de otros tantos artistas que revelan diferentes perspectivas del hecho de viajar, desde el itinerario vital que es la propia vida hasta los viajes simbólicos a la memoria, pasando lógicamente por los desplazamientos a tierras extrañas ya sea por placer o por fuerza. La exposición que se presenta en ARTIUM forma parte del programa de actividades organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) con motivo del Año Xacobeo 2010, que, entre otras cosas, incluye exposiciones en siete ciudades distintas. Además, las distintas partes de una instalación realizada por Eugenio Ampudia, Nubes de la memoria (siete nubes de PVC llenas de helio con capacidad de almacenar imágenes digitales), partirán de cada exposición y recorrerán, llevadas por peregrinos y almacenando imágenes durante el trayecto, todo el camino hasta Santiago. La presentación de Ars Itineris en ARTIUM está patrocinada por el Gobierno Vasco, con la colaboración de la Diputación Foral de Álava, el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y la Obra Social “la Caixa”.

El proyecto Ars Itineris reúne 200 obras de cerca de cien artistas internacionales en siete exposiciones que se celebran simultáneamente en otras tantas ciudades –Huesca, Pamplona, Logroño, Oviedo, Vic, Vigo y Vitoria-Gasteiz-. Pinturas, esculturas, fotografías, vídeo arte e instalaciones profundizan en la definición del viaje y en las diferentes formas que toma el tránsito según los viajeros, los destinos y sus intervalos.

En ese sentido, los artistas pueden reflejar en sus obras el deseo de conocer otros mundos, otras tierras, otras gentes. Sin embargo, también tienen presencia en la muestra las alusiones al viaje al que muchas personas se ven obligados por causas ajenas a su voluntad ya sean sociales, políticas o económicas. Este último se ha visto incrementado a todo lo largo del siglo XX y lo que llevamos del siglo XXI. Las figuras del emigrante y el exiliado, pero también del expatriado por el hambre o las guerras que siguen asolando nuestro mundo globalizado adquieren un enorme protagonismo en las sociedades contemporáneas, y ello se aprecia también en los intereses de los creadores actuales. Igualmente se aprecia el interés por viajes de otro tipo, más simbólicos, como el viaje a la memoria o el viaje interior, el viaje soñado o imaginado.

Junto con las siete exposiciones, el proyecto se completa con dos instalaciones de José Freixanes y Eugenio Ampudia que se desarrollarán, respectivamente, en Vigo y a lo largo del Camino hasta desembocar en Santiago de Compostela.


Ars Itineris en ARTIUM

La exposición que se presenta en ARTIUM muestra la obra de diecisiete artistas entre los que se encuentran, junto a Chema Alvargonzález, Manolo Bautista, Pepe Espaliú, Félix Curto, Angels Viladomiu y Santiago Sierra, la alemana Anke Doberauer, el chileno Alfredo Jaar, el chino Zhang Huan, los norteamericanos Nan Goldin y Doug Aitken, los franceses Christian Boltanski y Michèle Barbé, los británicos Craigie Horsfield, Richard Long y Jonathan Monk, y el ruso Alexander Sokurov.

La exposición se organiza a partir de una gran pieza de Richard Long, Standing Stone Line, una serie de fragmentos de pizarra que forman una suerte de camino empedrado de aristas afiladas por el que caminar sería tortuoso. En torno a esta obra se encuentran, entre otras, las fotografías de Nan Goldin (Christine on the train), Alfredo Jaar (Lagos), Craigie Horsfield (From Vía Layetana to East, Barcelona), Doug Aitken (Who’s under the influence) Santiago Sierra (20 trabajadores en la bodega de un barco), Zhang Huan (Pilgrimage to Santiago), Jonathan Monk (la serie de ocho fotografías Waiting for famous people), Manolo Bautista (Meeting point II) y Félix Curto (When the music is over).

Aunque en la muestra predomina la fotografía, también se encuentran en la exposición cuatro pequeñas pinturas de Anke Doberauer (Cuatro caminos al Mont Ventoux), sendas esculturas de Christian Boltanski (Reliquaire) y Pepe Espaliú (Carrying I), piezas de técnica mixta de Angels Viladomiu (Wanderlust IV, que presenta unas vías de tren en miniatura surcadas por barcos de papel) y Michèle Barbé (Sin título), una instalación audiovisual de Chema Alvargonzález (Alma viajera) y un vídeo de Alexander Sokurov (Elegy of a voyage).

Las nubes de Eugenio Ampudia

El mismo día de la inauguración de Ars Itineris en Vitoria-Gasteiz, el jueves 1 de julio, se instalará en el exterior de ARTIUM una de las siete piezas que constituyen Nubes de la memoria, la instalación realizada por Eugenio Ampudia para este proyecto. La pieza consiste en una nube de PVC de seis metros de longitud, de forma irregular y rellena de helio, con cuatro entradas USB, cuatro pendrives y varios anclajes. El objeto flotará en el espacio desde el primer día de la inauguración con el objetivo de que el público, mediante un sencillo proceso, pueda introducir imágenes y vídeos en los pendrives relacionados con el Camino de Santiago.

A partir del día 12 de julio la nube iniciará su viaje hacia Santiago de Compostela a donde será transportada a pie por distintos peregrinos durante las diferentes etapas. En los descansos de cada etapa del camino la nube se colgará en un albergue o en un espacio público con el objetivo de que el público pueda ver, proyectadas sobre la nube, las distintas imágenes que la nube ha ido grabando en su recorrido unidas a las que los peregrinos o los visitantes de las distintas exposiciones han querido incluir en los pendrives. La proyección irá acompañada por un audio compuesto para la ocasión por Juan Manuel Artero (Madrid, 1969). Se inicia así un proceso a lo largo de la ruta que reunirá hasta siete nubes, cada una procedente de una de las exposiciones, que se reunirán en la plaza de la Quintana de Santiago de Compostela el 22 de julio. En Santiago de Compostela se organizará un espectáculo audiovisual que proyectará sobre éstas y la plaza de Quintana todas las imágenes y vídeos recogidos durante el Camino.

Para Ampudia “las nubes no son sólo formas. Llevan dentro la mirada del hombre. En su continuo hacerse y deshacerse, mutar y renacer, acarrean sueños, imaginaciones y recuerdos. Alguien, alguna vez y en algún lugar, levantó la vista hacia el cielo de nubes y eligió una donde dejar su visión. Una nube tiene memoria. Una memoria absoluta, formada por su inagotable capacidad para modelarse con la imaginación de quien la contempla. Una sola nube contiene todas las imágenes. Las nubes transportan información y la transforman mientras viajan. De aquella nube, que al pasar se llevó la imagen de nuestro pensamiento, queda esta otra que recoge el vuestro”.

Las sedes de Ars Itineris
Museo de Navarra, Pamplona. Del 30 de junio al 10 de octubre
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz. Del 2 de julio al 12 de septiembre
Museo de Huesca. Del 2 de julio al 10 de octubre
Sala Banco Herrero, Oviedo. Del 7 de julio al 31 de agosto
Museu de l’Art de la Pell ciudad de Vic. Del 9 de julio al 26 de septiembre
Museo do Mar, Vigo. Del 5 de julio al 10 de octubre
Sala Amós Salvador, Logroño. Del 13 de julio al 3 de octubre

 

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 INVITACIÓNPUBLICACIÓN  MOSAICO OBRAS

 

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Praxis: Jacobo Castellano. El mantel y el telón

14/06/2010 > 05/09/2010 (Sala Sur)

Artista:  Jacobo Castellano

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En esta ocasión el artista invitado es Jacobo Castellano, que se embarca en un llamado El mantel y el telón, que desde un primer momento se genera en el propio espacio expositivo y en el que componentes como lo relacional, lo procesual y lo improvisatorio son fundamentales.

Al comienzo del proyecto una escultura da la bienvenida al público. Se trata de una placa conmemorativa sin ningún tipo de inscripción y cubierta con una cortinilla. No hay nada que inaugurar.

A partir de aquí, el punto de partida es el envío de una serie de dibujos mediante correo electrónico y fax a diez personas, las cuales pueden a su vez reenviarlos hasta formar una cadena indefinida de participantes. Éstos deberán reenviar al museo cualquier documentación que les sugiera la información recibida, bien a modo de ideas, nuevos dibujos, esquemas o comentarios de cualquier tipo. Los faxes/emails se recibirán de manera continuada en la propia sala de exposición mientras dure todo el proyecto, y se utilizarán como una de las herramientas clave de las obras que se realizarán, ya sea como medio físico o como puramente documental. El público entra en la sala durante todo el proceso y además de ser testigo de las variantes a tiempo real, tiene el poder de modificar la obra a partir de un simple envío. Cualquier documento recibido puede cambiar el curso de ejecución de la obra en una dirección inesperada…

Jacobo Castellano (Jaén 1976) lleva tiempo abordando temas como la memoria y el espacio habitable como lugar de conflicto. Para este proyecto toma como punto de partida una experiencia vivida en Nueva York, que será el motivo de inspiración de la documentación enviada por fax y que dará origen al proyecto.

Hace aproximadamente un año, Jacobo hizo una visita a Coney Island, una especie de decadente parque de atracciones obsoleto, con una variedad de espectáculos circenses cuyos protagonistas bien podrían formar parte de una película de Tim Burton, por no mencionar alguna de Buñuel.

Entre todas ellas destacaba una caseta cuyo cartel prometía la posibilidad no sólo de contemplar, sino de —incluso— hablar con «la mujer mas pequeña del mundo», por en módico precio de medio dólar. Cuando entra en la sala descubre a Elizabeth sentada delante de una anticuada mesa camilla sobre la que pueden verse documentos que certifican que, efectivamente, se trata de la mujer más pequeña del mundo. Deforme, delgadísima y despeinada. En ese momento, la sensación de degradación y malestar es insuperable. Cuando Jacobo vuelve meses después para fotografiar tal atracción —abramos el abanico de las múltiples lecturas que sugiere esta curiosa acepción— un feriante le comenta que en invierno se llevan el espectáculo a Florida, donde la temperatura es más agradable. Más valdría que estuviese en invierno para poder como excusa citar el dicho: «Hace un frío que se hielan las palabras».

 

Documentación asociada a la exposición

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La letra filmada: del libro a la gran pantalla

23/04/2010 > 17/09/2010 (Sala Seminario)

Comisariado: Biblioteca y Centro de Documentación

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Una nueva exposición bibliográfica nos introduce en esta ocasión en el apasionante mundo del cine a través de una selección de más de 150 adaptaciones cinematográficas de la literatura universal.

Durante la exposición el usuario puede disponer de las novelas –algunas incluso en formato audiolibro- y disfrutar del visionado individual de las películas. Además, se incluye una selección de las mejores bandas sonoras, biografías de grandes directores y actores, ensayos sobre teoría del cine y la adaptación, y un extenso dossier en el que se analiza, una por una, cada película con su correspondiente novela, con una extensa bibliografía para quienes deseen profundizar en el tema. La exposición se complementa con una página web desde la cual se accede a toda esta información y que aporta, desde un punto de vista lúdico, una sección en la que los visitantes podrán demostrar sus conocimientos sobre el tema.

Una exposición dedicada a los amantes de la literatura y el Séptimo Arte, con fondos procedentes de la Biblioteca y Centro de Documentación de ARTIUM.

 

Documentación asociada a la exposición

FOTOS EN PRENSACARTEL

VÍDEO DOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUM

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Avelino Sala. Praxis. Discursos fragmentados. Detente

02/10/2010 > 23/11/2010 (Sala Norte)

Artista:  Avelino Sala

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Trabajando sobre la idea del proyecto como un ejercicio de evolución continua, esta pieza se desarrolla con una primera acción: pintar en el suelo de la sala un «discurso» inventado, con una tipografía clásica de maquina de escribir antigua –tipo de fuente Courier new–, se escribe un discurso que se forma extrayendo frases de discursos de Francisco Franco y Benito Mussolini, esta hibridación hace que se genere un nuevo discurso, que carece de localización ni temporal ni contextual por ser mixto, pero que nos dice mucho de la vacuidad de los discursos totalitarios. El fusionar discursos totalitarios, en este caso de dos dictadores de marcadas ideas de derechas, no es más que abrir desde una mirada poética el absurdo de un pasado en dos países diferentes: España, país de procedencia del artista, e Italia, lugar en el que ha vivido este ultimo año y donde ha desarrollado un cuerpo de trabajo que se ha basado precisamente en estos términos: el totalitarismo y las reminiscencias del pasado fascista en Roma, desde la perspectiva de la Academia de España, donde aun quedaban recuerdos de la dictadura, sus lecturas paralelas y sus similitudes, bastantes evidentemente. Revisar de una manera poética estos discursos genera desde la perspectiva estética una reflexión ética.

También ese hacer en la sala corresponde al absurdo de dar impronta, es decir, trabajar el texto sobre el espacio del museo como idea del discurso de poder en sí, de perpetuación procesual en el espacio blanco que es una metáfora de la nada, del no-lugar. El uso de la pintura y la sucesión de los días en el proceso, acentúan esa metáfora de fragilidad, temporalidad y vacuidad del discurso. El ejercicio de «borrarlo» –pasar cada cierto tiempo, una vez acabado el discurso, la fregona– es un gesto más, una acción simbólica que nos recuerda que no solo hay que recordar lo ocurrido, también hay que saber concluir con el pasado, sin olvidarlo.

Vídeos

El proyecto sigue desarrollándose con una instalación de dos vídeos. En ellos, una chica canta a capela Cara al sol y Faccetta nera, los dos himnos de los dos regímenes. Se ha realizado una interpretación de Cara al sol y Facetta nera en la que, manteniéndose la melodía y el compás de ambas canciones, se ha hecho hicapié en los aspectos líricos de las mismas, de manera que se pusiera en duda su asociación con una canción de marcha militar. Se ha intentado tratar la interpretación de estas canciones casi como si fueran arias de ópera o Lieder.

Los audios se entremezclan mientras esta muchacha se canta a si misma, ya que las pantallas están enfrentadas. Es una obra reflexiva que nos habla de lo absurdo del poder, de la actividad sin sentido, de lo endogámico de lo totalitario, de las pocas diferencias entre unos y otros. La voz dulce, casi angelical de esta muchacha, contrasta con las connotaciones políticas de sus dos actuaciones. Noemí de Haro, la muchacha que se canta a si misma las dos canciones, representa ese fin de la propaganda: despertar los sentimientos nacionales, exaltarlos, con unas letras sencillas pero emocionantes, dirigidas al pueblo en general. Su alto contenido emocional contrasta con la dulzura y candidez de esta muchacha, que con una voz angelical recrea este sentimentalismo facilón con una nueva perspectiva. Se ha jugado con aspectos de interpretación musical de una partitura que podría ser la misma para el militar que para la soprano, y se ha adaptado la altura de las notas a la tesitura de las voces.

 

Documentación asociada a la exposición

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      EN PRENSA WEB DEL ARTISTA

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Carlos Quintana. Sentados

03/02/2010 > 14/02/2010 (Antesala)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea 

Artista:  Carlos Quintana

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, inicia una nueva propuesta expositiva denominada De frente con la exhibición de Sentados, una gran pintura del cubano Carlos Quintana fechada en 2004. De frente pretende mostrar durante un plazo reducido de quince días obras de la Colección ARTIUM, en general piezas no expuestas hasta la fecha, con el triple propósito de ofrecerlas por vez primera al público, propiciar una investigación a fondo de la obra y ofrecer un punto de vista desde el arte y el museo hacia distintos temas de actualidad. En este sentido, con Sentados ARTIUM dirige su mirada hacia las víctimas del terremoto de Haití. La selección de las obras y preparación de los textos corre a cargo del conservador de la Colección ARTIUM, Enrique Martínez Goikoetxea.

De frente recibe su nombre del modo en que los visitantes encuentran las obras seleccionadas, instaladas en el muro que queda de frente al último tramo de escaleras en el acceso a las salas de exposiciones, en la Antesala de ARTIUM, pero también hace referencia al propósito de enfrentarse a las cosas cotidianas, a la actualidad más viva, al contexto social, político y cultural local y global. En ese sentido, cada obra se expondrá junto con un breve texto que muestre las conexiones entre ella y lo que sucede fuera de los muros del centro-museo. Esta vinculación con la actualidad hace de De frente una propuesta dinamica, en la que cada obra permanecerá expuesta durante quince días para ser sustituida a continuación por una nueva.

Tal y como explica Enrique Martínez Goikoetxea en el blog de ARTIUM, “la selección de obras se realizará primordialmente entre aquellas que, estando en los fondos, no han sido mostradas anteriormente. De esta manera, al tiempo que sirve para ofrecer un primer contacto del público con esa obra, será también una ocasión para enfrentarla a la mirada de los técnicos del museo. Cada pieza mostrada se investigará a fondo, se catalogará y fotografiará y los datos obenidos engrosarán el archivo que el museo pone a disposición del público y los investigadores en nuestra página web”.

El conservador de la Colección ARTIUM añade que “con ello se pretende además explotar la cualidad de la colección del centro-museo como fondo de memoria para nuestro día a día, como lugar del que poder extraer experiencias y formas diferentes de mirar (…) sin ser ajenos a lo que nos ocurre en el resto de la jornada”.


Sentados

La obra con la que se inicia De frente es Sentados, una pintura de gran formato del artista cubano Carlos Quintana que ingresó en 2009 en la Colección ARTIUM gracias al depósito de la Colección Jauregia de Irurita. La obra, un lienzo de 230x400 cm, representa varias figuras sobre un paisaje abstracto. En primer plano, dos adultos sentados, uno de los cuales sostiene un niño, dirigen al espectador una mirada perpleja y desamparada. Para Enrique Martínez Goikoetxea, se trata de “una mirada que trae a la memoria la de los afectados por el terremoto de Haití frente a la catástrofe que les asola, ante el desajuste de la colaboración internacional y ante el caos habitual de una nación ya construida sobre pedazos coloniales.

Es una realidad que no cae lejos de La Habana, lugar de nacimiento y residencia de Carlos Quintana, uno de los artistas cubanos de referencia internacional. Aunque desde 1993 vive y trabaja entre su ciudad natal y Madrid, sus obras se exponen regularmente tanto en España y Cuba como en Estados Unidos y México. La Galería Kur de Donostia le dedicó una exposición individual en 2006. Su obra presenta una compilación ecléctica de estilos y técnicas, desde el expresionismo al surrealismo, de la abstracción informalista a la figuración, desde la pintura al dibujo y al uso de texto. Con ello, Quintana activa el espacio del lienzo con espacios evocadores imaginados, atemporales, desolados.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOS      EN PRENSA   

  BLOG ARTIUM NOTA DE PRENSA

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Colección Recorridos Fotográficos. Fotografías de Rogelio López Cuenca, Cristina García Rodero y Luis Asín

30/01/2010 > 25/04/2010 (Antesala)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea 

Artistas:  Rogelio López Cuenca, Cristina García Rodero y Luis Asín

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En 1989, con motivo del 150 aniversario de la invención de la fotografía, la Asociación de Amigos de ARCOmadrid inicia una experiencia llamada Recorridos Fotográficos. Cada año se invita a varios fotógrafos, tanto jóvenes como de reconocida trayectoria, nacionales e internacionales, a recorrer la feria desde que comienzan los montajes de stands hasta su clausura. Los 449 trabajos que 87 autores han realizado desde entonces pasan a formar parte de un fondo que constituye un auténtico archivo documental. La colección de Recorridos Fotográficos es, por tanto, un elemento clave en la historia de la feria de Madrid, una experiencia que año tras año va creciendo y que, desde finales de 2006 forma parte de la Colección ARTIUM en calidad de depósito.

Desde Cristina García Rodero en 1990 hasta Luis Asín, en 2009, distintos fotógrafos han dado su particular testimonio de 20 años de la feria ARCO.Esta feria, situada entre el evento cultural y una demostración de puro mercado, ha visto en serio peligro la celebración de la actual edición por la conjunción de la crisis económica y una agria polémica en torno a los de criterios de admisión. Sin embargo, al tiempo que varias de las galerías históricas no van a participar en ARCO 2010, una nueva feria, justMadrid, se suma a las anteriores ArtMadrid y Dearte, y consolida la llamada al enjambre cultural y económico que desde hace 28 años se congrega en febrero en la capital española.

Entre las diversas secciones de ARCO podrán visitarse 218 galerías y cerca de 3000 artistas, 65 galerías más en ArtMadrid, 32 en justMadrid y aproximadamente 200 artistas en Dearte. En torno a este complejo cultural se presentan convocatorias como Madrid Abierto o el programa Panorama Los Ángeles que se añadirá a la programación de la mayoría de los centros e instituciones madrileñas.

Es, sin duda, una ocasión única para testar el evento comercial, pero también la lectura que de nuestra contemporaneidad hace el arte.

Volviendo a ARTIUM, a estas fotografías, Rogelio López Cuenca, invitado a participar en los Recorridos del año 2004, nos recuerda que finalmente, quien pone los titulares a nuestro día a día somos cada uno de nosotros.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOSWEB ROGELIO LÓPEZ CUENCA

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Carlos Pazos. The Floor of Fame

12/04/2010 > 26/04/2010 (Antesala)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea 

Artista:  Carlos Pazos

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Artista fuera de formato, el trabajo de Carlos Pazos (Barcelona, 1949) es heredero de las posturas que han acercado arte y vida.

Comenzó a trabajar en los años 70. El Pop, el espectáculo en Warhol y los ready mades de Duchamp, el accionismo y la performance vinculados al arte conceptual de Gilbert & George o Acconci, forman parte de sus influencias para dar lugar a una obra inteligente y analítica de nuestra sociedad. Se define como un trabajador de lo inútil, con capacidad para provocar reacciones en el público y dirigirlas hacia la construcción de un personaje, él mismo.

La autenticidad del artificio, el deslizamiento de significados, el intersticio y la simulación son las herramientas con las que construye su obra. Crea un ciclo artístico bajo el epígrafe genérico de La nostalgia del tiempo vivido que Pazos fue desarrollando en una serie de exposiciones: Voy a hacer de mi una estrella (1975), Conocerle es amarle (1978), The Floor of Fame (1978) y Bonjour melancolía (1980). Nostalgia, cultura popular o narcisismo son ideas que te sugieren sus propuestas y es especialmente, a partir de los 80 cuando incorpora objetos, juguetes, kitch, souvenir que sitúa en el espacio a modo de una escenificación o collage tridimensional. De esta manera su trabajo, con una mayor narratividad, incluye nuestros propios recuerdos, memoria sentimental y biografía personal a sus propuestas.

Su trabajo se encuentra bien representado en la colección de ARTIUM con tres obras en nuestros fondos, a los que sumamos esta nueva adquisición y una donación de fotografías de descartes del proyecto Voy a hacer de mi una estrella. La sala Amárica, en el año 2000, le organizó su primera exposición individual en Vitoria-Gasteiz. En el año 2004 fue premio nacional de Bellas Artes y recientemente, el MNCARS de Madrid y el MACBA de Barcelona han coproducido un proyecto retrospectivo bajo el título No me digas nada (2007).

The Floor of Fame

En 1978, en el marco de la exposición Seny i rauxa, Carlos Pazos realizó una acción titulada The floor of fame en el recientemente inaugurado Centro Geourge Pompidou de Paris. La acción consistía en la aparición del propio artista, elegantemente vestido, en una limusina acompañado de varios guardaespaldas; era recibido por el director del Centro. Antes de entrar juntos a ver la exposición, Pazos firmaba y dejaba sus huellas de zapatos y manos sobre una losa de cemento fresco ante la atenta mirada de decenas de curiosos.

La acción culminaba una serie de trabajos que bajo el título genérico de Voy a hacer de mí una estrella Carlos Pazos comienza a comienzos de los 70. En ella el artista se construye una identidad ficticia a semejanza de la imaginería de las estrellas del cine y de la música. Esta obra nos da pie a plantear una reflexión sobre el arte de acción, con la presencia en el museo y en un mismo momento de los proyectos individuales de Juan Hidalgo y Teo Sabando.

ZAJ, grupo fundado por Hidalgo y en el que participó activamente la donostiarra Esther Ferrer, marca en este país el inicio más consecuente de arte de acción. El grupo funciona de catalizador conceptual para varias generaciones de artistas posteriores. Poesía, música y arte se mezclaban indistintas en sus acciones, marcadas por cierto nivel de escándalo, el humor y la ironía. Sin pretenderlo, la ruptura y ampliación de los lenguajes artísticos son su legado más importante.

Si ZAJ marca la dirección, Carlos Pazos aporta la desmitificación del artista: “Yo quería ser nada. En realidad, yo no quería ser. Pero puesto que estaba ahí, puestos a estar, con las estrellas. Ser star.” No es difícil acordarse de Warhol y los cinco minutos de fama que pronosticó para nuestra sociedad del espectáculo.

Compartiendo posicionamientos radicales del lenguaje, por innovadores, las acciones de Teo Sabando están marcadas por la trascendencia del conocimiento y la comunión con la naturaleza.

Estas propuestas, junto con varias de las propuestas del fotógrafo Miguel Ángel Gaüeca, forman un universo que cuestiona los límites del arte y el rol del artista y conectan en un mismo universo poético vida, cultura y cotidianeidad.

 

Documentación asociada a la exposición

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Jordi Colomer. Big Sunday Sun

17/05/2010 > 30/05/2010 (Antesala)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea 

Artista:  Jordi Colomer

[Consultar documentación]

 

Jordi Colomer (Barcelona, 1962) realizó en 1986 sus primeras exposiciones individuales, en Reus y el Espai 10, de la Fundación Joan Miró de Barcelona, al tiempo que abandona el cuarto año de sus estudios de arquitectura. Más tarde, realiza en Charleville, Francia, su primera muestra fuera de España. Ha expuesto posteriormente en diferentes países europeos, especialmente en Francia, lugar donde reside intermitentemente, y en Alemania. En 1988 recibió el premio de Escultura Pablo Gargallo. Desde esta fecha su trabajo incluye el vídeo y la fotografía, sin abandonar un fuerte componente escultórico. Como declarará el artista, "con el vídeo puedo dilatar las esculturas en el tiempo". Sus últimas exposiciones importantes se han realizado en el Macba y el Centro de Arte Santa Mònica de Barcelona, y en Villa Arson, Niza.

Artista interdisciplinar, incorpora la complejidad del vídeo, la arquitectura, el relato y la ciudad a su noción como escultor. Trabaja sobre la relación del hombre con el espacio, con los escenarios humanos. Ficción y realidad son situaciones que se confunden en su obra. La realidad es un concepto que se demuestra como convención, y a fuerza de contarse se convierte en ficción, en decorado. Sus colaboraciones con el mundo del teatro le han llevado a realizar escenografías para obras de Brossa, Beckett o Ashley entre otros. Sus últimos trabajos incorporan el concepto del viaje. Obras como Père Coco (2001), Anarchitekton (2002-04), Arabian Stars (2006), o En la Pampa (2008) incluyen el viaje, la ficción y la provocación con tintes de orígenes utópicos en el espacio real, en la calle.

Big Sunday Sun

Big sunday sun, de 1989, es una construcción "pobre", no sólo por los materiales y su escasa manipulación, sino por la propia naturalidad del dispositivo formal y compositivo. La estructura del "cuadro ventana", que sólo desde una visión lateral nos muestra su profundidad, ha evacuado hacia el marco el elemento referencial de la pieza: una improvisada construcción de bloques de plomo en el que aparece el texto 1 SUNDAY SUN, escrito a mano en torpes letras blancas. Las cifras 1, 2 y 3, pintadas en ocre rojizo en la estructura de hierro son un recomienzo del 1 pintado en la parte superior, el retorno del tiempo y, además, con su color "biológico" de sangre frente al inerte hierro, anuncian el futuro óxido que el tiempo, el sol y la humedad inscribirán inevitablemente en la dura estructura de metal.

 

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Francisco Ruiz de Infante. BlueSky-VGA 2009-10

02/10/2010 > 09/01/2011 (Diversos espacios de ARTIUM)

Artista:  Francisco Ruiz de Infante [+info]

[Consultar documentación]

La ficción en la Ficción nos hace perder el norte o inventar nortes múltiples altamente contaminados por algunas realidades inquietantes. BlueSky es la metáfora de un mundo en crisis en el cual reinan la autosugestión y la aceptación más o menos consentida del error.

BlueSky es un Laboratorio de ficciones; un proyecto temático que mediante la intervención (individual o colectiva) de varios artistas está desarrollando formas diversificadas en varios países.

Algunas preguntas extrañamente complejas constituyen su motor: ¿Para sobrevivir hay que creer en las cosas que sabemos que no existen? ¿El cielo es azul? … ¿La polisemia de los actos humanos pueden llevarnos a la perfecta contradicción? ¿El Sí puede ser un hermano gemelo del No?…

Entre las presentaciones públicas más importantes de BlueSky podemos citar : “BlueSky-Laboratorio de laboratorios” (Fundación Telefónica de Buenos Aires), “BlueSky-Algoritmos del fin de semana” (galería Interface de Dijón), “BlueSky-Pontoon Effect” (Nuit Blanche de Metz), “BlueSky-Simuladores de Vuelo” (aeródromo de Rolapomt), “BlueSky-La Jaula” (Galería Elba Benítez de Madrid)…

BlueSky-VGA

Desde febrero del 2009, Francisco Ruiz de Infante, en complicidad con diversos departamentos de ARTIUM y la participación como comisaria de Nekane Aramburu, infiltran BlueSky en el museo a través de varias reuniones más o menos secretas, más o menos públicas : ahí nace BlueSky-VGA.

El término VGA (Video Graphics Array) se refiere tanto a la resolución estándar mínima de una pantalla de ordenador (640 x 480) como a la denominación del más común conector de vídeo para computadoras. Así pues, VGA es lo que se ve y lo que permite que se vea. VGA corresponde también a las siglas de (Vitoria Gasteiz Artium) cuando se asocia al Proyecto BlueSky.

A partir de ese momento, sin tiempos ni espacios predefinidos comienza la concepción y la puesta en marcha de un plan de inoculaciones en Artium. La tienda, los pasillos, la mediateca, las salas de exposiciones, los servicios, los almacenes, el auditorio e incluso el espacio interior de algunos muros del museo han sido contaminados de manera intermitente teñiéndose de un sospechoso tono azul.

Lentamente y de manera tentacular, BlueSky ha ido cuestionando algunos hábitos de la institución.

En la fase final del proyecto BlueSky-VGA en Vitoria-Gasteiz y antes de que una publicación retrace la aventura, varias presentaciones públicas simultáneas van a densificar su presencia :

BlueSky-VGA.doc del 2 de octubre al 27 de noviembre de 2010. Lugar : Sala Seminario

Esta intervención se ha instalado en el espacio normalmente dedicado a las exposiciones de la mediateca del Museo y en cierta medida, tomado elementos de su forma.

Referencias directas e indirectas a las acciones realizadas por Ruiz de Infante desde febrero del 2009, prótesis, comentarios y tentativas de multiplicar los espacios componen la forma y el contenido de este particular Centro de Documentación. Un lugar en el cual libros, films y máquinas en Stand-By se acumulan dentro de un orden enigmático.

BlueSky-VGA… y el factor suerte del 23 de noviembre al 9 de enero. Lugar : Sala Praxis

Artistas invitados : Paul Souviron, Félix Ramon, Paul Guilbert (+ vía Skype : Anne Lise Le Gac y Fanny Chassot).

A partir de un desafío lanzado al museo, introducir elementos de azar ligados al juego, una parte del budget de BlueSky-VGA ha sido y será utilizado para intentar una particular Ludopatía en ARTIUM. ¿Jugar para ganar?

Durante el periodo de la presencia de BlueSky-VGA en la sala, se producirán dos acciones corales de los agentes involucrados en esta nueva intervención. Así mismo, será editado un número evolutivo del fanzine asociado a Praxis.

BlueSky-VGA / DiscoDuro-La puerta del 23 al 27 de noviembre. Lugar: “Muro de Frente”.

Ruiz de Infante construirá lentamente un dispositivo audiovisual en el cual mensajes, tiempos y espacios serán cargados de inestabilidades : un esquema escrito en la pared al lado de una puerta inquietante ira cobrando vida para activar rumores en el museo.

Suma de Factores seguido de La Piedra de New York (sinfonía)

Sábado, 27 de noviembre. 19:00 h. (Lugares : Sala Praxis, Muro de Frente, Sala Este-Alta)

Como colofón a la presencia de BlueSky en Artium, los artistas invitados propondrán una visita guiada a las realizaciones.

Al final del recorrido, Ruiz de Infante y el compositor Christian Sebille realizarán el concierto La Piedra de New-York. Esta experiencia audiovisual es construida a partir de la amplificación de las acciones producidas en una gran mesa de trabajo. Sobre ella, acuarios, tierra, animales y máquinas para el control son catapultados hacia tres grandes pantallas de vídeo y un sistema de inmersión sonora.

La piedra de Nueva York es una coproducción de ARTIUM con CaixaForum Barcelona, Césaré Studio de Création Musical Reim, y Association Autour de la Terre, y será visible en ARTIUM gracias a la participación del servicio cultural de la Embajada de Francia en España.

 

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Jaime Davidovich. Morder la mano que te da de comer

02/10/2010 > 09/01/2011 (Sala Norte)

Comisario: Arturo / Fito Rodríguez

Artista:  Jaime Davidovich

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I, cine

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«Dentro de 20 años tendremos mil canales de TV y nada para ver». Jaime Davidovich, 1982

La presente exposición se centra en la obra de Jaime Davidovich (Buenos Aires 1936) y se plantea como una mirada a su producción artística entre 1968 y 1984, a modo de viaje que va desde su obra pictórica, pasando por la experimentación con el vídeo, hasta su encuentro con las posibilidades creativas de la televisión (en el sistema de acceso público por cable de la ciudad de Nueva York).

Todo este relato se centra en un «espacio-tiempo» muy concreto y fundamental para entender el sentido de la muestra: el barrio del SoHo de Nueva York entre finales de los años sesenta y principios de los ochenta, una circunstancia que modela la carrera del artista.

A finales de los años sesenta la pintura de Davidovich desemboca en los Tape projects: se trata de cuadros, superficies, pero también de intervenciones en el espacio público y artístico (museos y galerías), realizados con cinta adhesiva.

A principios de los años setenta, accede al vídeo y lleva a cabo un trabajo de corte conceptual comprometido con la experimentación del nuevo soporte y en sintonía con la vanguardia. Son los primeros años del videoarte.

En 1976 Davidovich ayuda a crear Cable SoHo. Un año más tarde crea Artist Television Network (A.T.N.), con la intención de experimentar y crear una televisión abierta y capaz de divulgar las artes.

SoHo Television, fue un proyecto para la televisión por cable de acceso público en Manhattan. La programación, que incluía videoarte, –los primeros videos musicales que se realizaban, así como actuaciones y entrevistas con artistas como Laurie Anderson, John Cage y Vito Acconci, entre muchos otros–, se extendió hasta 1984.

La muestra recoge algunos de estos programas en los que Jaime Davidovich fue productor ejecutivo.

Entre 1979 y 1984 Jaime Davidovich lleva a cabo The Live! Show, un programa semanal de televisión que utilizó el formato de un magazine de variedades. El programa, capaz de fundir las pautas formales de la televisión con los eventos de vanguardia, incluía además la sátira política, la ironía sobre el propio mundo del arte y la temática social, dando lugar a una suerte de infiltración artística en el medio televisivo inédita hasta el momento. The Live! Show es un dispositivo singular, un experimento artístico en televisión, que va más allá de un mero programa televisivo sobre arte.

Jaime Davidovich, con su personaje el Dr. Videovich, es un pionero de la televisión alternativa que ha llegado, como dice en su consultorio «para curarnos de nuestra adicción televisiva».

 

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Aitor Lajarín. From Here to Everywhere. Profiling Postcity

02/10/2010 > 30/01/2011 (Sala Este Baja)

Artista:  Aitor Lajarín

Actividades relacionadas con la exposiciónconferencia I

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El proyecto que Aitor Lajarín ha creado especialmente para ARTIUM gira en torno a las grandes urbes y el concepto de ciudad contemporánea en un momento en el que la vida humana parece estar organizándose irreversiblemente cada vez más en torno a ella.

Lajarín analiza la vida y el espacio de las ciudades a partir de aspectos clave relacionados con los procesos de urbanización y reestructuración interrelacionados que se han estado produciendo a escala global en las últimas décadas. Toda esta serie de procesos se interrelacionan y están íntimamente ligados a las transformaciones culturales, sociales y económicas y han ido tomando forma en conceptos tales como el neoliberalismo, globalización, posmodernidad y sociedad de la información.

Para ello el artista ha tomado como punto de partida la ciudad de Los Ángeles, en la que ha pasado gran parte de sus dos últimos años, y desde ésta extiende el análisis a otros lugares a modo de collage con otras ciudades. Basándose en las ideas de teóricos urbanos como Mike Davis o Edward Soja según las cuales L. A. contiene en sí misma y de modo radical la gran amalgama de características que se les atribuyen a estos nuevos espacios urbanos, Lajarín ha creado una ciudad de ficción, PostCity, que podría identificarse con Los Ángeles pero también como el modelo estándar de ciudad.

La exposición gira en torno a una película de animación en la que se tratan aspectos como la reestructuración espacial, económica y social en las ciudades y, en torno a ellas, las políticas de control, las formas de simulación e hiperrealidad, así como los movimientos de reacción ante estas fuerzas activas. Junto a la película se muestran, a lo largo de la sala, toda una serie de elementos que se han utilizado para la creación de la misma, así como toda una serie de objetos desarrollados para enfatizar algunas ideas y completar el panorama acerca de todas estas cuestiones.

Una de las principales características de este concepto de ciudad es la complejidad formal. En ella convergen procesos simultáneos de desterritorialización y reterritorialización, es decir, de desmontaje de realidades urbanas preexistentes y de recolonización de la ciudad con otras nuevas. Los primeros se caracterizan por el debilitamiento de la idea de lugar, de las comunidades sociales definidas territorialmente; los segundos por la aparición de una nueva espacialidad donde lo urbano es inseparable de lo no urbano, donde los límites entre el interior y el exterior se han difuminado, donde conceptos como «ciudad», «suburbio», «campo» y «área metropolitana» son difícilmente deslindables.

La intención es la de que sea el espectador quien complete esta imagen, proyectando sobre ella su propia experiencia con respecto al espacio urbano, que la contraste y llegue así a una visión más compleja del fenómeno, así como a una mayor consciencia con respecto al espacio urbano que le rodea. Un intento, en definitiva, de activar el pensamiento crítico espacial a través de una ficción creada a través de algunos de los medios que proporciona el arte.

 

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WEB DEL ARTISTADOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUM

 

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Fotoperiodismo: la realidad captada por el objetivo

13/12/2010 > 31/03/2011 (Sala Seminario)

Comisariado: Biblioteca y Centro de Documentación

  

[Consultar documentación]

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, presenta la exposición bibliográfica Fotoperiodismo, una selección de los fondos de la Biblioteca del centro-museo dedicados a este género periodístico y fotográfico. La muestra incluye más de doscientos libros sobre el género, entre los que se encuentran nombres imprescindibles como Leni Riefenstahl, Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Gerda Taro, Gervasio Sánchez, Sebastiao Salgado o César Lucas, entre otros, así como diversas recopilaciones temáticas, como las de la Agencia Magnum, la Agencia EFE o el certamen World Press Photo. La exposición ofrece la posibilidad de visionar una selección de películas relacionadas con el tema, así como un conjunto de imágenes galardonadas con el World Press Photo.

Fotoperiodismo permite recorrer de una manera exhaustiva la historia de este género a caballo entre la fotografía y el periodismo, y la forma en que ha recogido los grandes acontecimientos del siglo XX: los conflictos bélicos, la política, las cuestiones sociales, el deporte… Con ese fin, la Biblioteca de ARTIUM ha seleccionado más de 200 libros de su fondo bibliográfico, con los que es posible recrearse en los diferentes subgéneros dentro del fotoperiodismo, como la fotografía de guerra (como la de Robert Capa), la de compromiso social (como la de Sebastiao Salgado), la combinación de ambas presente en las imágenes de Gervasio Sánchez o la documental (Bill Brandt o Henri Cartier-Bresson). Se trata de libros no sólo de fotografías sino también obras teóricas y revistas.

Aunque la exposición recorre la historia del fotoperiodismo desde el documentalismo del siglo XIX, centrado en la construcción de grandes infraestructuras y en las expediciones científicas, entre otros temas, hasta la actualidad, la muestra concentra su atención en lo que se considera el fotoperiodismo moderno, con su origen en la publicación en 1936 del primer número de la revista Life. A partir de ahí, se suceden en la Sala Seminario iconos de la fotografía como Frank Capa, Gerda Taro, la Agencia Magnum, Henri Cartier Bresson, y más recientemente Martin Parr, Sebastiao Salgado o Gervasio Sánchez.

Junto a la Sala Seminario, un monitor permite visionar películas relacionadas directa o indirectamente con el género, como El año en que vivimos peligrosamente, de Peter Weir, La dolce vita, de Federico Fellini, Welcome to Sarajevo, de Michael Winterbottom, Luna nueva, de Howard Hawks, La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock, El ojo público, de Howard Franklin, Salvador, de Oliver Stone o Los gritos del silencio, de Roland Joffé, entre otros filmes. Asimismo, la sala acoge un montaje audiovisual con fragmentos de reportajes periodísticos realizados para el cine o la televisión, en los que se puede recordar algunos hitos fundamentales de la historia del siglo XX.

Base de datos on-line

La exposición se completa con una amplia base documental sobre el fotoperiodismo accesible a través de la red, en el sitio web de la Biblioteca de ARTIUM. En ella puede encontrarse información sobre su historia, desde el documentalismo y las primeras imágenes de guerra del siglo XIX hasta la actualidad, pasando por la época dorada del género, en la parte central del siglo XX. El sitio contiene además una base de datos sobre fotoperiodistas a la que se pretende incorporar todos los que trabajan en este ámbito, especialmente a los del País Vasco.

La web presenta también una selección de algunas de las imágenes periodísticas más relevantes de la historia, así como una reseña del fotoperiodismo en la ciudad de Vitoria-Gasteiz. Aquí es posible encontrar también la ficha técnica de cada una de las películas que pueden contemplarse en la exposición y una selección de vídeos sobre el tema.

La exposición es una producción de la Biblioteca y Centro de Documentación de ARTIUM.

 

Documentación asociada a la exposición

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  VIDEO 1 VIDEO 2

VIDEO 2DOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUM

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Miedo

01/10/2010 > 01/06/2011 (Antesala)

Artistas: Ignasi Aballí, Pedro G. Romero, Mayte Vieta, Charo Garaigorta, Marina Nuñez, Elena Blasco, Santiago Serrano

 

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, presenta la exposición Miedo, una muestra con obras de la Colección propia preparada por el Departamento de Educación. La exposición tiene como objetivo, entre otros, el de servir de apoyo a las actividades y talleres de carácter pedagógico que se desarrollan en ARTIUM con distintos colectivos, desde la comunidad escolar hasta los visitantes más mayores. Por otro lado, la muestra pretende dar forma al miedo, creando un espacio para el diálogo a través de las propuestas de actividades y talleres que permitirán verbalizar y materializar las sensaciones de cada persona ante él. Miedo acoge seis obras, entre pinturas, dibujos y esculturas.

La exposición de Educación en ARTIUM sigue la misma metodología que en ocasiones anteriores, es decir, la de plantear preguntas tanto generales -¿de dónde vienen los miedos?, ¿son algo aprendido?, ¿son culturales?- como particulares, relacionando cada una de las obras concretas con una cuestión vinculada al tema que se trata. La tesis de Miedo es que éste es un sentimiento universal: todas las personas tienen sus propios terrores: a la oscuridad, al agua, al otro, al dolor, al amor, a la vida, a los bichos, a mi mismo, al miedo, al miedo del otro, al coco… Todos estos miedos comienzan en la infancia y acompañan y toman diferentes formas a lo largo de la vida del ser humano. Lo cierto es que el imaginario colectivo de la infancia de cada persona está lleno de historias con brujas malas, ogros, que camuflándose de buenos se ganan la confianza para aterrorizar a princesas, niños y hadas buenas.

El espacio central de la exposición acoge un tríptico de grandes dimensiones de Ignasi Aballí –Listados (violencia I, II y III)-, una suerte de collage con recortes de fragmentos de titulares de periódico que dan idea de las noticias trágicas que llenan en muchas ocasiones los medios de comunicación. La pregunta de “¿dónde podemos encontrar estas palabras?” da pie a un diálogo sobre la presencia del miedo en la vida cotidiana de las personas. Hay otras situaciones temidas más concretas que está presentes en la muestra, como el dolor –una aguatinta de Elena Blasco, Sin título 6, o una escultura de Mayte Vieta, Cicatrices-; las fobias hacia ciertos animales – Cotton mouth, de Charo Garaigorta-; la enfermedad –Marina Nuñez, Sin título, de la serie La locura-; la muerte –una fotografía de la serie La Morgue, de Andres Serrano- o el miedo a lo desconocido y lo sobrenatural – Pedro G. Romero, Angel-.

Tras las preguntas es el turno de la acción en el espacio de taller. Unos esqueletos cuelgan del techo en el fondo de la antesala: “los esqueletos salen de la tumba. Tumba, tumba, tumba, catatumba”. A partir de ahí, los visitantes participarán en diversidad de actividades y talleres, cada uno en función de sus intereses.

Miedo pertenece a una serie de exposiciones iniciadas hace ocho años por ARTIUM con el fin de servir de soporte pedagógico para grupos específicos. Nacidas inicialmente como exposiciones para niños –motivo por el que el montaje de las obras en la sala se hacía en condiciones especiales, al igual que el tratamiento de los textos- han evolucionado rápidamente para servir como vehículo educativo en programas como los que el Departamento de Educación desarrolla con los centros de tercera edad, con el Hospital Psiquiátrico de Álava y los centros de día de tratamiento de adicciones, entre otros.En ese sentido, estas exposiciones en pequeño formato y realizadas con fondos de la colección de ARTIUM, están diseñadas para acercar el arte contemporáneo de manera accesible y dinámica y giran siempre en torno a un tema concreto para aprender a mirar, analizar e interpretar los diferentes significados que contienen las obras de arte.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOSEN PRENSAMOSAICO OBRAS

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Colección ARTIUM. Basado en hechos reales

01/10/2010 > 04/09/2011 (Sala Sur)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea

Artistas: Ignasi Aballí, Carlos Aires, Ana Laura Aláez, José Ramón Amondarain, Ibon Aranberri, Manu Arregui, Artemio, Guillem Bayo, Erick Beltrán, Karmelo Bermejo, Bestué-Vives, Isidro Blasco, Roberto Botija, Tono Carbajo, Jacke & Dinos Chapman, Ángel  Mateo Charris, Eduardo Chillida, Carles Congost, Juan Cuéllas, Gabriel de la Mora, Democracia, Victoria Diehl, Itziar Elejalde, Mikel Eskauriaza, Mintxo (Alfredo Fermín Cemillán), Pauline Fondevila, Joan Fontcuberta, Regina José Galindo, Carmela García, Dora García, Anthony Goicolea, Pierre Gonnord, Dionisio González, José María Guijarro, Thonton Kabeya, Gonzalo Lebrija, Guillermo Lledó, Antoni Llena, Ángel Marcos, Mireya Masó, Mateo Maté, Fran Meana, Joxerra Melguizo, José María Mellado, Joan Miró, Juan Luis Moraza, Joan Morey, Manu Muniategiandikoetxea, Juan Muños, Ángel Núñez Pombo, Héctor Orruño, Aitor Ortiz, Katie Paterson, Guillermo Pérez Villalta, Jaume Plensa, Joan Ponç, Rubén Ramos Balsa, Betsabée Romero, Fernando y Vicente Roscubas, Thomas Ruff, Marina Vargas,Ixone Sádaba, Simeón Saiz, Pepo Salazar, Shahryar Nashat, Fernando Sinaga, Ray Smith, Susana Solano, Montserrat Soto, Javier Tudela, Tunda, Ulrich Vogl, Gert Voor In’t Holt, Wang Qingsong, Zush.

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia Iconferencia II , cine, intervención teatral

 

[Consultar documentación]

Basado en hechos reales es una exposición de obras de la Colección, de ideas sobre nuestro mundo recogidas en ARTIUM. Más de treinta años en construcción de obras cargadas de memoria que nos permiten organizar, en este proyecto y a cada uno de nosotros, discursos más o menos coherentes sobre nuestra realidad contemporánea.

La exposición es un relato que transita entre la realidad y la ficción que, como su título nos invita a pensar, se origina en una historia verdadera. O…, ¿o no tanto? Los términos realidad y verdad son escurridizos.

Este proyecto trata precisamente de la multiplicidad de caras de nuestra realidad y de la necesidad de la narración, del uso del documento, la ficción, el cuento y todas aquellas estrategias que nos permiten dar forma y explicar nuestro contexto. Una realidad que no se trataría tanto de destapar o capturar sino más bien de proyectarla y hacerla posible.

En un tiempo en el que las grandes industrias de ocio y audiovisual se hacen omnipresentes, y tanto las religiones como las grandes ideologías han perdido su poder generador de contenidos simbólicos, el arte mantiene esa pulsión hacia la narración, siguiendo distintas estrategias que nos permiten seguir soñando, exorcizando, interpretando y complejizando las estructuras de la realidad de nuestro querido día a día.

El espacio se ha estructurado en 8 episodios concatenados y a lo largo de 90 obras se han trenzado estrategias narrativas, intereses temáticos y la propia historia de la colección. La exposición se inicia con un pequeño cuaderno de artista. Sus dibujos, liberados de las páginas que los contienen, nos acompañarán a lo largo del recorrido, desde la perspectiva de quien construye su propia travesía.

Se enlazan lenguajes y estrategias basadas en la ensoñación, el cuento o la trama, y que nos permiten concebir mundos paralelos. Se alude al artista como contador de historias, como sabio y narrador de mitos, cada vez más alejado de la autocomplacencia. Se recuerda el mito, como herramienta articuladora de infinitas narraciones. Se señala la distopía como imagen del desengaño de las fantasías y los proyectos utópicos del pasado en nuestro presente. Se raspa en el lado oscuro, donde el miedo a lo real queda evidenciado desde estrategias como el humor, la máscara o el descaro. La atención del espectador se activa a base de cuestionar la impresión de los propios sentidos. Se buscan las coincidencias entre ficción y realidad, planteando de nuevo la influencia de nuestra experiencia sensorial en el concepto de realidad. Y por último se recogen propuestas que revisan el discurso moderno, que haciendo uso de sus estrategias ponen en crisis el sistema actual y proponen actitudes políticas y estéticas trasgresoras o la recuperación de la tecnología a una dimensión cotidiana a través del juego o el ingenio bajo el discurso del do-it-yourself.

La intención es la de que sea el espectador quien complete esta imagen, proyectando sobre ella su propia experiencia con respecto al espacio urbano, que la contraste y llegue así a una visión más compleja del fenómeno, así como a una mayor consciencia con respecto al espacio urbano que le rodea. Un intento, en definitiva, de activar el pensamiento crítico espacial a través de una ficción creada a través de algunos de los medios que proporciona el arte.

 

Documentación asociada a la exposición

 FOTOSFOLLETO      EN PRENSA   

 INVITACIÓN VIDEO

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Cine

 

 

Femenino plural: directoras de cine

28/03/2010 > 11/04/2010

Comisaria: Azucena Rodríguez

Cada mes de marzo ARTIUM dirige su mirada al cine realizado por mujeres. En esta ocasión una programación ecléctica permitirá acercarnos a distintas historias de ficción y documental.
 

EN PRENSA

Los ecos de Kurosawa: centenario de un maestro

17/04/2010 > 30/05/2010

Selección de películas: Ernesto Tellería.

Desde la sutileza hasta la apropiación, el cine de Akira Kurosawa sigue siendo un referente a la hora de abordar y entender otros lenguajes en pantalla. Este ciclo-homenaje por su centenario, pone en relación 4 películas de Kurosawa con otras 4 obras de directores muy diferentes.
 

EN PRENSA

El tiempo que venga, ciclo de cine

22/01/2010 > 07/02/2010

Selección de películas: Fernando Colomo

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, ofrecerá desde viernes 22 de enero y hasta el domingo 7 de febrero un ciclo de ocho películas en torno a la exposición El tiempo que venga, la novena presentación de la Colección ARTIUM. La selección de los filmes ha sido realizada por el director Fernando Colomo, quien ha incluido en la misma varios clásicos del cine independiente europeo así como algunos títulos de la industria de Hollywood. Entre ellos encontramos Fresas salvajes, de Bergman, El amor en fuga, de Truffaut o El sol del membrillo, de Erice. Fernando Colomo presentará el ciclo con una breve conferencia el mismo viernes a las ocho de la tarde.

Actividad relacionada con la exposición: El tiempo que venga. La Colección IX.

 

EN PRENSA

Utopías políticas: ciclo de cine

05/06/2010 > 20/06/2010

La obra UN(inverse) de Txuspo Poyo permite una reflexión que va más allá del propio sentido iconográfico del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, y aborda ciertas paradojas en su significado político y económico. El cine a veces desvela la historia, y en este caso refleja las fisuras de ciertas utopías políticas que no han llegado a ser aquello que pretendían.
 

Actividad relacionada con la exposición:  UN(inverse),Txuspo Poyo.

 

EN PRENSA

Arte > < TV (una relación de hecho)

08/10/2010 > 16/10/2010

Selección de películas: Fito Rodríguez

Al hilo de la muestra de Jaime Davidovich, el programa Arte > < TV propone una panorámica sobre algunas de las relaciones que se han establecido entre el fenómeno televisivo y la experimentación audiovisual en el ámbito del arte contemporáneo. Veremos a la televisión como objeto de deseo, como soporte híbrido y como fenómeno sujeto a constantes reinterpretaciones. 

Actividad relacionada con la exposición: Jaime Davidovich. Morder la mano que te da de comer

 

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En vivo y en directo. Cine documental musical

20/08/2010 > 29/08/2010

El cine documental musical ha logrado en la última década aumentar su presencia en festivales de cine internacionales y en las salas cinematográficas. Este ciclo rescata algunos de los mejores documentales editados en España.

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III Muestra de cine y discapacidad de la Fundación Zuzenak

26/11/2010 > 02/12/2010

Conseguir la integración de las personas con discapacidad en la sociedad y que puedan disfrutar del séptimo arte sin trabas son los objetivos que persigue la fundación Zuzenak con la organización de la tercera Muestra de Cine y Discapacidad, que se desarrollará en el auditorio del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Gasteiz desde mañana y hasta el próximo jueves, 2 de diciembre.  La inclusión a través del ocio y la cultura es fundamental y para ello se proyectarán largometrajes, documentales y cortos, acompañados de ponencias, que se dividirán en dos secciones: Cine y valores y Cine accesible. Para tí, para tod@s
 

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Conferencias

 

 

David Pérez - Pero ¿era esto el arte? A propósito de Juan Hidalgo

11/05/2010

Ponente: David Pérez

David Pérez, profesor de la Universitat Politècnica de València, crítico de arte y comisario de exposiciones, ofrecerá una charla sobre la obra del artista Juan Hidalgo.

Actividad relacionada con la exposiciónJuan Hidalgo. Desde Ayacata.

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Pablo Fernández Sanz - La escultura después de Dios

14/01/2010

Ponente: Pablo Fernández Sanz

Pablo Fernández Sanz, arquitecto, licenciado en Bellas Artes, escenógrafo e investigador de la escena contemporánea, hablará de los tres escultores cuyas obras permanecen en el exterior de ARTIUM.

Actividad relacionada con la exposición:  Diálogos. Chillida, Oteiza, Serra.

 

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Experiencia e-book: del papel a la pantalla

09/03/2010 > 10/03/2010

Ponentes: Enrique Rubio, Luis Collado, Santos Palazzi, Javier Nevado, Ignacio Latasa, Juan González

¿Cómo se afronta el futuro del papel y de los libros en la era de los soportes digitales? ¿Cómo funciona un e-book? Profesionales destacados del ámbito de la cultura profundizarán en el tema.

 

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Alain Touraine - El tiempo que venga

05/05/2010

Ponente: Alain Touraine

Alain Touraine, sociólogo francés que ha analizado los movimientos de lucha sociales y la construcción de nuevos paradigmas, expondrá en ARTIUM algunas de las ideas manifestadas en sus trabajos, también en relación con los temas tratados en la exposición El tiempo que venga.

Actividad relacionada con la exposición:  El tiempo que venga. La Colección IX.

 

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Enrique Martínez Goikoetxea - Basado en hechos reales

26/10/2010

Ponente: Enrique Martínez Goikoetxea

El comisario de la exposición de la Colección ARTIUM analiza los temas sobre los que versa la muestra.

Actividad relacionada con la exposición:  Colección ARTIUM. Basado en hechos reales

 

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Gilles Lipovetsky - El tiempo que venga

16/03/2010

Ponente: Gilles Lipovetsky

Gilles Lipovetsky, sociólogo francés, profesor de Filosofía en la Universidad de Grenoble y Miembro del Consejo de Análisis de la Sociedad, expondrá algunos de los temas tratados en sus libros en relación con la tesis de la exposición El tiempo que venga.

Actividad relacionada con la exposición:  El tiempo que venga. La Colección IX.

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Javier San Martín - Time/clocks: el tiempo y la medida

18/05/2010

Ponente: Javier San Martín

La exposición de la Colección El tiempo que venga sirve de base para esta intervención de Javier San Martín, Historiador del Arte y profesor de la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU.

Actividad relacionada con la exposición:  El tiempo que venga. La Colección IX.

 

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Constelaciones urbanas: hacia un nuevo modelo de ciudad

04/11/2010 > 25/11/2010

Ponentes: Jordi Borja, Carlos Taibo, Walter Nicholls, Roberto Ercilla, Isabel Pineda, Eduardo Rojo

La exposición de Aitor Lajarín nosacerca al fenómeno de la ciudad contemporánea desde una perspectiva geográfica y espacial. Con la intención de generar un discurso y actitud crítica respecto al espacio urbano que nos rodea, el Centro-Museo organiza estas jornadas donde acudirán expertos que abordarán la ciudad desde diferentes perspectivas.

Actividad relacionada con la exposiciónAitor Lajarín. From Here to Everywhere. Profiling Postcity
 

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Rewinding. Conversación entre Jaime Davidovich y Berta Sichel

02/10/2010

Ponentes: Jaime Davidovich y Berta Sichel

A propósito de su exposición en ARTIUM, el artista conversa con Berta Sichel, responsable del Departamento de Audiovisuales del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), para profundizar en su obra y trayectoria.

Actividad relacionada con la exposición: Jaime Davidovich. Morder la mano que te da de comer

     

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Actividades educativas

PROGRAMAS ESCOLARES INFANTIL-PRIMARIAPROGRAMAS ESCOLARES ESO / BACHILLER

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Art + Sound

 

 

Mr & Mrs

05/03/2010

Dúo británico que se mueve entre el indie y el folk con una puesta en escena sorprendente.

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CARTELBLOG ART + SOUNDVIDEO

Vinila Von Bismark & The Lucky Dados

01/10/2010

Con motivo de la inauguración de la nueva temporada expositiva el 1 de octubre, Vinila & The Lucky Dados proponen una revisión del rock de los cincuenta en un espectáculo de burlesque muy próximo al swing.

 

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BLOG ART + SOUND

 

Klaus & Kinski

15/01/2010

Klaus & Kinski, banda ecléctica que abarca desde el bolero a la electrónica, pasando por la bossa nova, la música de los ochenta y el indie. Revelación del año 2008 por el EP3 de El País

 

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CARTELBLOG ART + SOUND

 

Oblique

16/04/2010

La banda de pop electrónico Oblique actúa en el centro-museo ARTIUM dentro de su programa de conciertos Art+Sound. Oblique, una de las estrellas de la pasada edición del Festival de Benicassim, hace un alto en la preparación de su nuevo disco para desplegar en Vitoria-Gasteiz un universo musical que lleva la firma de la estética y la cultura de los 80 y del dance oscuro y bailable.

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Bigott

19/02/2010

Letras sarcásticas, cargadas de ironía y el folk-rock más canalla para este proyecto musical que encabeza el zaragozano Paco Lobo. Artium, 19 de febrero de 2010.

 

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CARTELBLOG ART + SOUNDVIDEO

 

Fleur Inverse. Bernaola Festival 2010

06/11/2010

Fleur inverse es un proyecto musical que reúne a artistas de estilos diversos: música medieval, contemporánea y jazz, en torno al compositor Grégoire Lorieux.

EN PRENSAWEB DEL FESTIVAL

 

Cursos

 

 

 

Curso de arte contemporáneo vasco

13/04/2010 > 12/05/2010

Dirige: Peio Aguirre

Curso en el que se toma el pulso a las prácticas artísticas realizadas en el País Vasco desde comienzos de los noventa hasta el presente. Estructurado en diez clases, se abordarán distintas cuestiones relacionadas con los modos de hacer, los discursos, las líneas artísticas y corrientes en boga. De forma descentrada se dará paso a una transversalidad de las narraciones y se estudiarán cuestiones como la historicidad, la evolución de la forma, el género en disputa, las prácticas feministas, el estado de la pintura, las retóricas del cuerpo y/o los efectos de la nueva economía en diversos modos de desmaterialización del arte contemporáneo.

Dirigido por Peio Aguirre, contará con la participación de historiadores, críticos y comisarios como Aimar Arriola, Miren Jaio, Beatriz Herráez, Xabier Sáenz de Gorbea y Leire Vergara.

   

EN PRENSAVIDEO

 

Escena contemporánea

 

 

Festival Sinkro

Irresponsables

10/04/2010

Compañía: Provisional Danza

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz presenta Irresponsables, la más reciente coreografía de Provisional Danza. La compañía de Carmen Werner, Premio Nacional de Danza 2007 en la modalidad de creación, ofrecerá en Vitoria-Gasteiz un montaje pleno de color, frescura y humor con seis bailarines en escena, incluida la propia coreógrafa. Es la tercera ocasión en la que Provisional Danza, una de las compañías de danza contemporánea más consolidadas en España, actúa en ARTIUM, aunque ésta es la primera ocasión en que lo hace con un espectáculo en sala.

Irresponsables, la pieza que Provisional Danza presentará el próximo sábado en ARTIUM, se compone de de pequeñas historias cotidianas de personas. “Los intérpretes, como indica el director escénico Daniel Abreu, se presentan sin complejos, en sus aciertos y sus dudas; se mueven a través de sus gustos, del deseo, del juego, de la gula, de la vanidad". Quizás por ello la obra ha sido descrita como “fresca y llena de humor”. Elegantemente resuelta, la coreografía de Irresponsables encadena un ir y venir de acciones y representaciones, intervenidas por unas pequeñas dosis de teatro.

Las escenas de Irresponsables están interpretadas por Tatiana Chorot, Sara Viroga, Javier Ferrer, Lucio Baglivo, Javier Sangros y la propia Carmen Werner, con escenografía y diseño gráfico de Rocío Rivera. El diseño de luz es de Pedro Fresneda, el vídeo de Diego Ortiz, la fotografía de Rocío Rivera y Piti Prieto, y la música es de Masahiro Hiramoto. Después de la presentación de Irresponsables en Vitoria-Gasteiz, la compañía viajará a Brasil donde participará en certámenes como el Festival Visoes Urbanas de Sao Paulo, Festival Villadança de Salvador y el Forum de Dança de Sao José do Rio Preto.
 

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Sleepwalk Collective - Y la noche es un océano

30/01/2010

Compañía: Sleepwalk Collective

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta a Sleepwalk Collective y uno de sus más recientes montajes, la performance Y la noche es un océano. Representada en 2009 en diferentes festivales en Italia, Holanda e Inglaterra, la propuesta de este colectivo internacional liderado por la vitoriana Iara Solano juega con el espacio existente entre la realidad y la ficción para reflexionar sobre el momento justo en el que se es consciente de que el tiempo se acaba.
 

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Carmen San Esteban - Cruzando el tiempo

06/03/2010 > 14/03/2010

Artista: Carmen San Esteban

La actriz Carmen San Esteban reflexiona sobre el devenir a partir de la exposición El tiempo que venga. Una propuesta escénica dentro de la sala de exposición, donde las interpretaciones se multiplican. 

Actividad relacionada con la exposición: El tiempo que venga. La Colección IX.

 

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VIDEO

Taiat dansa - La otra parte

05/02/2010

Compañía: Taiat dansa. Meritxel Barberá e Inma García

La compañía valenciana Taiat Dansa presenta en ARTIUM el montaje titulado La otra parte, una reflexión sobre la naturaleza de la violencia que, con distintas manifestaciones, puede anidar en el interior de cada persona. A partir de la idea de que el enamoramiento y la cólera producen similares reacciones físicas en el cuerpo humano, cuatro bailarines combinan en escena la poética de la danza con la estética del combate propia de las artes marciales.  

 

 EN PRENSACARTELWEB DE LA COMPAÑÍA

Idoia Zabaleta y Antonio Tagliarini - Royal Dance

04/06/2010

Compañía: Idoia Zabaleta y Antonio Tagliarini

Partiendo de las banderas, uno de los símbolos más potentes del siglo pasado, los intérpretes tejen un recorrido cargado de ironía y de solemnidad. Dentro del VI Circuito de Danza Contemporánea del Gobierno Vasco. 

 

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Metáforas del espacio

18/12/2010 > 19/12/2012

Compañía: Traspasos. Marta Schinca

A partir del trabajo realizado por Marta Schinca con bailarines, Traspasos muestra estos "espacios efímeros, espacios imaginarios, y espacio de sueños" en ARTIUM. 

 

EN PRENSAWEB DE LA COMPAÑÍA

Impostura

28/10/2010

Jorge Jáuregui dirige a Laura Aris en un solo de danza donde además intervendrán otros artistas, como la compositora Luciana Carlevaro (Nubla). La búsqueda de estos creadores les ha traído a las salas del centro-museo donde trabajarán para incorporar nuevos temas arísticos a su Impostura.  Este proyecto incluye una charla de presentación, muestras parciales en las salas de exhibición, y la muestra final del solo. 

EN PRENSACARTEL

Mindscapes - Soupe du Jour

19/11/2010

Coreógrafa: Lina Cruz

La coreógrafa colombiana Lina Cruz funda Fila 3 con el objeto de promover el intercambio entre artistas de diferentes disciplinas. Presentará dos piezas en ARTIUM. 

  EN PRENSA WEB DE LA COREÓGRAFA

Higikaria

12/11/2010

Coreógrafa: Atxarte López de Munain

VI Circuito de Danza Contemporánea. Juego de distancia y dependencia, de velocidad y desplazamiento de tres intérpretes. 

 

  EN PRENSACARTEL

 

 

 

 

 

 

 

Actividades biblioteca

 

 

Bookcrossing

19/04/2009 > 25/04/2009

En 2007 la Biblioteca y Centro de Documentación de ARTIUM puso en marcha el programa BookCrossing o Campaña de liberación de libros, como apoyo al fomento y difusión de la lectura y la cultura contemporánea.

Para tal fin, todos los años, coincidiendo con el Día Internacional del Libro, la biblioteca libera libros de arte en lugares emblemáticos de la ciudad de Vitoria-Gasteiz y en distintos puntos de la geografía mundial. El seguimiento de los mismos se realiza a través de la estantería virtual que la biblioteca tiene en la web oficial de Bookcrossing.

Desde 2009, cada 23 de abril, Día Internacional del Libro, la biblioteca impulsa y coordina la participación de centros y museos nacionales e internacionales en una actividad conjunta de liberación de libros.

En 2012 la biblioteca de ARTIUM ha pasado a ser Zona de Cruce Oficial. En el vestíbulo del centro-museo se ha habilitado una zona específica permanente donde siempre hay libros disponibles para la caza o para la liberación. Junto a ellos hay un cartel identificativo donde se dan instrucciones sobre qué hacer con los mismos.

 

EN PRENSA+ INFORMACIÓN

Día Internacional del Libro

23/04/2010

Coincidiendo con la celebración del Día Internacional del Libro, 23 de abril, la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium impulsa el fomento de la lectura y la difusión de la cultura contemporánea mediante la programación de diferentes actividades: BookCrossing o Campaña de liberación de libros, lecturas compartidas, exposiciones bibliográficas, conciertos, entre otros.

 

En torno al cine

Bailar en la oscuridad

01/11/2010 > 30/11/2010

Recopilación de documentación relacionada con el cine a lo largo de su historia y en cualquiera de sus facetas. Esta actividad permite la posibilidad de visionar las películas seleccionadas en la Biblioteca ARTIUM.

Sinopsis: Sema, emigrante checa y madre soltera, trabaja en una fábrica rural de Estados Unidos. Debido a una enfermedad hereditaria que también afecta a su hijo, Selma se está quedando ciega. Su deseo más íntimo es operar a su hijo para salvarlo de la ceguera, y su válvula de escape es su fantasía y la música.
Director: Lars von Trier.

 

 

Rompiendo las olas

01/10/2010 > 31/10/2010

Recopilación de documentación relacionada con el cine a lo largo de su historia y en cualquiera de sus facetas. Esta actividad permite la posibilidad de visionar las películas seleccionadas en la Biblioteca ARTIUM.

Sinopsis: Bess limpia la iglesia del pueblo mientras habla con el Dios que vive dentro de su boca. Jan trabaja en una plataforma petrolífera y solo pueden verse unos días cada 6 meses. Bess lo único que desea es estar con Jan toda la vida, y su Dios se lo devuelve, parapléjico tras un grave accidente laboral.
Director: Lars von Trier.

 

 

V Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo

Innovación y nuevas estrategias de investigación y difusión del patrimonio documental artístico

03/11/2010 > 04/11/2010

Una constante de los centros de documentación es la búsqueda de la innovación en los productos y servicios que ofrecen con el propósito de contribuir a la optimización de las nuevas posibilidades y beneficios que reporta el acceso a la sociedad de la información de los usuarios y organizaciones culturales.

Considerando que la colaboración entre los distintos centros de documentación supone una optimización de los recursos disponibles y una mayor repercusión social de los resultados, se intenta crear sinergias entre los profesionales de la información.

En estos encuentros pretendemos poner en común los distintos proyectos que se están desarrollando en los centros de documentación y reflexionar sobre las nuevas estrategias de investigación y difusión del patrimonio artístico documental.

 

 

Letras para el arte

Rikardo Arregi

27/01/2010

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión el invitado es Rikardo Arregi que ha escogido la obra La guerra ha terminado. The war is over de Txomin Badiola.

 

Agustín Fernández Mallo

15/12/2010

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión el invitado es Agustín Fernández Mallo que ha escogido la obra Ciencias naturales [+] de Antoni Abad [+].

 

 

Gerardo Markuleta

17/03/2010

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión el invitado es Gerardo Markuleta que ha escogido la obra  La Cornada de Manuel Viola [+].

 

Juan Manuel de Prada

26/05/2010

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión el invitado es Juan Manuel de Prada que ha escogido la obra  La peinadora de José Gutiérrez-Solana.

 

Rosa Regás

27/01/2010

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión el invitado es Mariasun Landa que ha escogido la obra Composición cubista de José Moreno Villa.

 

 

Al caer la noche

02/07/2010 > 30/07/2010

Música en directo, danza contemporánea y cine al aire libre. Todos los viernes de julio, a las 22:00 h, te proponemos que te acerques al Centro-Museo y participes de una programación que dará comienzo al caer la noche.

The Sweet Vandals: nace en 2005, y con su primer single I got you man!, editado solo en vinilo, se convierte en un hit de culto en la escena deepfunk underground. Con su segundo disco Lovelite, editado en 2009, muestran su lado más soul y funk.

Boat Beam: Boat Beam es la suma de Josephine, Alisha y Aurora, una australiana, una americana y una española, un grupo que usa las cuerdas de la guitarra, la viola, el chelo y el piano para tejer música que suena a Debussy y Satie, a The Cinematic Orchestra y a The Divine Comedy.

A pie de plaza…: Los bailarines y coreógrafos Helena Golab y Eneko Balerdi interpretarán mucho más que dos solos de danza en la plaza de ARTIUM.

Como la primera vez: Sesión de cine al aire libre con música en directo. Joyas olvidadas del cine documental, experimental y de animación: una prueba de que el cine todavía puede fascinarnos como la primera vez.

Second: Fue en 1997 cuando se formó Second y en 2004 el grupo gana la Final Europea del prestigioso certamen GBOB Awards. Con Fracciones de un Segundo, producido por Carlos Jean, se embarcan en una gira que incluye ARTIUM.

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Día Internacional de los Museos

18/05/2010

El 18 de mayo se celebra en todo el mundo el Día Internacional de los Museos. Este año bajo el lema "Museos para la armonía social" se pretende evidenciar a los museos como espacios que promueven el equilibrio social y cultural, el intercambio y el diálogo entre los distintos grupos que forman su entorno.

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