08/02/2008 > 20/04/2008 (Antesala)

Artistas: Luis Alejandro Berdejo, Fernando Franco, León Siminiani, Isaki Lacuesta, Jaime Rosales

 

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ARTIUM y Pantalla Partida presentan la exposición Miradas al límite, un proyecto desarrollado por cinco jóvenes directores que exploran las fronteras del lenguaje audiovisual y exploran nuevos caminos de la expresión cinematográfica. Los realizadores Luis Alejandro Berdejo, Fernando Franco, León Siminiani, Isaki Lacuesta y Jaime Rosales, presentan sendas producciones que han debido finalizar en un breve plazo de tiempo y para las que han echado mano de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías aplicadas al séptimo arte. La exposición viene acompañada de una conferencia en la que los cinco directores explicarán el proceso de creación de sus piezas y que se celebrará el jueves 7 de febrero, así como de un encuentro entre dos de los participantes, Isaki Lacuesta y León Siminiani, el prestigioso realizador y productor José Luis Borau, y el redactor de Cahiers du Cinéma Gonzalo de Lucas, que se celebrará el lunes 11 de febrero.

A partir de una idea de Garbiñe Ortega, Mario Madueño y Samuel Martínez, y con el apoyo del Departamento de Cultura de la Diputación Foral de Álava y el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz, Miradas al límite se presenta como una aventura que busca experimentar y vivir el cine de una forma nueva. Pantalla Partida y ARTIUM han invitado a cinco representantes de la nueva generación de directores a trabajar en dos proyectos digitales cada uno alejados de la narrativa y la estética convencionales en el cine comercial. Se trata del vasco Luis Alejandro Berdejo, guionista entre otras películas de Rec y que en la actualidad dirige en Hollywood su primer largometraje, en el que cuenta con Kevin Costner como protagonista; el andaluz Fernando Franco, autor de Mensajes de voz; el catalán Isaki Lacuesta, recordado por su premiada película La leyenda del tiempo; el murciano León Siminiani, realizador de cortometrajes, director de series de televisión y profesor del Instituto de Cine; y Jaime Rosales, recién galardonado conel Goya al mejor director por La soledad.

La exposición de estos seis trabajos audiovisuales (todos los realizadores, excepto Isaki Lacuesta, han fusionado sus dos proyectos en uno) propone una reflexión sobre las fronteras del lenguaje cinematográfico, una cuestión pertinente en un momento en el que la irrupción de las nuevas tecnologias y de los nuevos sistemas de comunicación amenazan con transformar y poner en crisis el mundo del cine tal y como hoy está organizado. Los procesos de grabación y exhibición en formatos digitales conllevan, además de sus nuevas posibilidades creativas, una reducción drástica de los costes de producción y de distribución, una minimización de los equipos necesarios y una mayor libertad e independencia de los autores.

La idea detrás de Miradas al límite no deja de ser que se puede aprovechar este momento de crisis aparente para avanzar y conquistar nuevos territorios. En ese sentido, el proyecto es también una oportunidad para reunir a cinco de los directores más interesantes del momento y hacerles reflexionar sobre el estado del cine y el futuro que le espera. Por ello la exposición cuenta también con un documental en el que Antonio Frutos ha plasmado las horas de reflexión conjunta y de debate sobre lamanera que cada uno de ellos tiene de entender y hacer cine.

Esas reflexiones serán también las que planteen en las dos conferencias programadas junto con la exposición. En la primera de ellas, el jueves 7 de febrero a las siete de la tarde, los cinco realizadores explicarán su experiencia personal y colectiva en este proyecto y mostrarán su punto de vista respecto al futuro del séptimo arte. En la segunda, el lunes 11 de febrero a las ocho de la tarde, Isaki Lacuesta y León Siminiani contrapesarán sus argumentos con un ilustre veterano productor y director, José Luis Borau, y con el crítico de cine Gonzalo de Lucas, de la revista Cahiers du Cinéma.

 

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01/02/2008 > 18/05/2008 (Sala Este Baja)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea

 

Artistas: Ghada Amer, Assume Vivid Astro Focus, Vanessa Beecroft, Pierre Bismuth, Slater Bradley, Susanne Burner, Jota Castro, Peter Coffin, Jeremy Deller, Jen Denike, Alberto Di Fabio, Luke Fowler, Anna Fusco, John Gillis / Aline Bouvy , Thomas Glassford, Incola Gobbetto, Delia Gonzalez & Gavin Russom, Anthony Gormley, Kevin Francis Gray, Matt Greene, Thomas Hirschhorn, Evan Holloway, James Hopkins, MarineHugonier, Mustafa Hulusi, John Isaacs, Rashid Johnson, Kika Karadi, Terence Koh, Wolfgang Laib, Jim Lambie, Gonzalo Lebrija, Justin Lowe, Paul Mccarthy, Barry Mcgee, Jonathan Monk, Paulina Olowska, Seb Patane, Jaime Pitarch, Marc Quinn, Tobias Rehberger, Ugo Rondinone, Rosy Rox, Thomas Ruff, Markus Schinwald, Steven Shearer, Simon, Simon Starling, Cheyney Thompson, Eugenio Tibaldi, Iké Udé, Piotr Uklanski, Francesco Vezzoli, Annika Von Hansswolff, William Wearing, JordanWolfson

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Gravity. Colección Ernesto Esposito es a un tiempo la presentación de una colección y la oportunidad de dirigir una mirada crítica al arte contemporáneo internacional realizado tras la caída de las torres gemelas. Ésta es una colección particular, atractiva desde muchos puntos de vista, en la que se ve proyectada cultural y emocionalmente la personalidad del coleccionista. Entre sus más de 800 obras encontramos glamour y espectáculo, a la vez que controversia, cuestionamiento y análisis de aquellos valores de nuestro tiempo entendidos como inamovibles. Reflejo de las inquietudes ideológicas y técnicas actuales, la colección recoge desde instalaciones audiovisuales, pintura y escultura, hasta música o proyectos que rara vez llegarán a formalizarse. No es de extrañar que aparezca lo escatológico, la violencia o el sexo, pero también la belleza o la construcción de estructuras para un nuevo futuro.

El diseñador italiano de calzado para alta costura, Ernesto Esposito, se ha visto encadenado desde su juventud al arte. Sin cumplir los veinte años, la pasión que le llevó a adquirir a pequeños plazos su primera obra –una serigrafía de Warhol– le convirtió, de manos del galerista Lucio Amelio, en el grumete del arte contemporáneo en Nápoles, su ciudad natal. Conoció a los artistas más rompedores que visitaron la ciudad italiana durante los años 70 y 80, con los que comenzó a tejer una amistad personal. Ese mismo entusiasmo ha hecho que recientemente haya vendido importantes piezas adquiridas en aquel primer periodo para financiar la adquisición de obra de jóvenes creadores. Todo ello hace de ésta una colección viva, mantenida a base de afecto, conocimiento y devoción por parte del diseñador.

El término «Gravity» que da nombre a la exposición es ambivalente. Desde la visualización directa del peso físico de los objetos –varias de las obras se mantienen en suspensión en complejas instalaciones–, a las sutiles metáforas –la representación del deseo como materialización de la atracción entre dos masas o la gravedad real o fingida de una situación–, todo ello alude a la tensión entre dos fuerzas. Las propias obras traen a primer término el debate sobre la presencia de contradicciones en el contexto artístico: el espectáculo y la banalidad conviven frente a frente con la trascendencia, la reflexión y el compromiso, dos direcciones aparentemente opuestas que mantienen al hombre –al sentido– en suspenso.

La exposición, con más de medio centenar de obras, mantiene una constante excitación de los sentidos a base de la acumulación de estímulos y la alternancia de estas dos tendencias que tantas veces se funden en la superposición de iconos del bien y del mal. En una imagen de libertad, la belleza, lo real, el documento y la representación de la tragedia conviven en un mismo espacio. Un optimismo vulnerable con un poso de melancolía.

De la exposición en ARTIUM hemos seleccionado los top ten gravity para que compruebes cómo a través de algunas obras de la colección Esposito se puede percibir la gravedad de la tierra, enfrentarse a lo crudo de la vida o defenderse de esto disfrutando de su aspecto más banal y ligero. Gravity contiene fuerza, atracción, humor y, al mismo tiempo, es color, sofisticación, desafío... Estos diez artistas muestran el espíritu más gravity de la exposición: una reflexión sobre ciertos aspectos de la posmodernidad y todas sus derivas. Artistas que bucean en las formas y el color frente a artistas con vocación de cronistas visuales sociológicos que se inspiran en el lenguaje de la publicidad, la moda o el cine para darnos su visión –a veces irónica, crítica, o amarga– de diferentes aspectos de la sociedad del siglo XXI.

 

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06/03/2008 > 08/06/2008 (Sala Este Baja)

Comisario: Enrique Martínez Goikoetxea

Artistas: Chris Drury, Hamra Abbas, Robert Waters, Jorge Macchi, Jean Michel Alberola, Maider López, Catherine Bertola, Katharina Grosse, Mrzyc & Moriceau

Actividades relacionadas con la exposición: cine

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Agitar antes de usar es una exposición de intervenciones en el propio espacio de la sala, de obras realizadas in situ por nueve artistas de diferentes latitudes, que tiene un carácter marcadamente efímero y una clara fecha de caducidad. Tras finalizar los tres meses que dure la exposición, las diferentes obras realizadas in situ serán destruidas y una nueva capa de pintura cubrirá el esfuerzo de los artistas. Un proyecto artístico de usar y tirar, que choca contra el obsesivo deseo de permanencia que se le atribuye a una obra de arte...

Como el espectador comprobará Agitar antes de usar es una exposición atípica, que más que exhibir objetos, difunde mensajes y sobre todo pone de manifiesto actitudes marcadas por el compromiso con una idea o una práctica artística. Los artistas incluidos presentan propuestas en las que el arte se funde con su entorno, se interroga sobre su propia función, o analiza su dimensión social. Son obras que no se convertirán nunca en mercancía, tan sólo en experiencia, y sin embargo, subyace en ellas una especial capacidad de hacer partícipe a todo el que se acerca y transita el lugar donde han sido creadas. El objetivo de estos artistas es que sea un arte directo que incida más en agitar los sentidos y la materia gris que en crear un objeto bello y perdurable.

Utilizando el dibujo, la pintura mural o interviniendo en la arquitectura, desde la huella a la pura expresividad del color, la exposición va poco a poco excitando nuestros sentidos e inquietudes cotidianas. El sexo, la política, la religión o aquella parte del inconsciente que nos visita son tratados siempre desde el compromiso con inteligencia y sensibilidad a lo largo de la exposición. El espacio se abre con el trabajo del inglés Chris Drury. El uso de tierras y huellas dactilares recogidas de nuestro entorno define la obra en la que refleja la energía que conecta la naturaleza con el ser humano. La artista Hamra Abbas, en su obra Please Do Not Step II alude al encuentro entre culturas y religiones diferentes en nuestro contexto, ser «distinto» en Occidente, en un momento en el que sufrimos la «talibanización» de la política mundial. A su vez Jean Michel Alberola, propone un espacio cargado de intensidad. La mezcla de imágenes y frases de significado abierto apela a nuestra experiencia en una sutil forma de hacer política de base.

Enfrente de este espacio, en un mural de más de diez metros, se recorta la silueta de un torso masculino iluminado por la pantalla de un ordenador. La obra firmada por Robert Waters retrata un momento íntimo de una relación cada vez más común entre hombre y máquina y aquello que cada uno proyectamos en ella. De una manera más emocional, en un lenguaje más poético, la obra de Jorge Macchi se sirve de un simple papel sujeto por varios cables para realizar lo que él define como una canción, breve y extensa. Esta pieza se encuentra en el espacio con la intervención de la pareja Mrzyk & Moriceau, con imágenes surreales, que rozan el absurdo, pero con esa capacidad de evocar aquellas que habitan mundos similares en nuestro interior.

En este punto, si tu altura o los tacones te elevan más allá de 1,70, atención: una viga, característica estructural de las salas en ARTIUM, ha sido puesta en valor y colocada a una altura en la que nos vemos obligados a tenerla en cuenta. Maider López, de nuevo, nos coloca en una nueva relación con los objetos para hacernos apreciar ese espacio que habitualmente pasa desapercibido.

La exposición toma igualmente conciencia del edificio el que se ubica en el trabajo de Catherine Bertola. Su obra nos habla de la memoria y el tiempo, y evocar imágenes del lugar donde nos encontramos. Con el polvo recogido en el propio edificio construye una imagen de la antigua estación que ocupaba el solar del museo. El espacio de la sala se completa con una experiencia física directa con el color. En la obra de Kahtarina Grosse una espectacular torre cromática surge del suelo consiguiendo sobrecoger y arrancar de nosotros una nueva experiencia, sensual, de la pintura.

Agitar antes de usar es un punto de encuentro de ideas, de actitudes y, sobre todo, de lugares, en el que las intervenciones de los artistas cobran sentido a partir de las interrelaciones que creemos entre ellas.

 

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03/07/2008 > 14/09/2008 (Sala Este Baja)

Comisarios: Daniel Eguskiza, RMS La Asociación

Artistas: Elena  Aitzkoa, Taxio Ardanaz, David Cívico, June Crespo, Ismael Iglesias, David Martínez, Alain M. Urrutia, Zigor Urrutia

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El programa Entornos Próximos fue creado por ARTIUM de Álava en 2004 con la intención de potenciar el apoyo, el conocimiento y la difusión del arte más próximo al Centro-Museo. Se trataba de hacer un seguimiento continuado de las últimas propuestas de los nuevos artistas de Álava y el País Vasco y que esta investigación se plasmase en una exposición de carácter bienal. Así, tras las muestras realizadas en 2004 y 2006, el análisis continúa y ARTIUM de Álava presenta la propuesta de 2008 en base a una selección de trabajos realizada por el equipo de comisarios de RMS La Asociación y Daniel Eguskiza.

El entorno es lo que nos rodea, y lo próximo lo cercano, tanto en distancia como en tiempo. Sin embargo, por muy próximos que sean los entornos, estos no tienen porqué conocerse. El título de la exposición, y de todo el programa, alude a una doble función: por una parte, la de mostrar el contexto creativo actual que rodea al Centro-Museo, y por otra, presentar los intereses y la personalidad de los artistas de ese contexto, una aproximación a esa nueva generación. Así el entorno de ARTIUM de Álava en este año 2008 estaría compuesto por David Martínez Suárez, Alain M Urrutia, Ismael Iglesias, Zigor Urrutia, David Cívico, Taxio Ardanaz, Elena Aitzkoa Reinoso y June Crespo mientras que el entorno próximo de cada uno de ellos es lo que nos plantean con sus propuestas y con los materiales de la sala de consulta.

David Martínez Suárez (La Hueria, 1984) continúa la serie Menasa sobre el conflicto vivido por los trabajadores de una empresa metalúrgica desmantelada en el Valle del Nalón en Asturias. Collages y ensamblajes en los que se unen formas, materiales e imágenes, como se unen lo autobiográfico y una reflexión sobre lo heroico de una lucha en una batalla que se sabe perdida de antemano.

Ismael Iglesias (Durango, 1974) toma elementos del diseño gráfico y digital para crear en sus telas texturas y tramas que instaladas en la sala de exposiciones ponen en cuestión los límites de la arquitectura y de los propios cuadros. Cuadros que descolgados de las paredes y colocados a modo de barricada o de valla publicitaria ponen trabas a la mirada y obligan al espectador a recorrer un laberinto en el que se esconden citas sacadas de contexto a las que hay que dar sentido.

Los lienzos y los dibujos de Alain M. Urrutia (Bilbao, 1981) forman parte de un diario visual que recoge el recuerdo de experiencias y sensaciones vividas, de encuentros fortuitos y provocados: bodegones descubiertos por casualidad, retratos de amigos y conocidos, paisajes habitados, ambientes disfrutados, imágenes apropiadas…Unas memorias sin orden aparente reelaboradas a través de la pintura y el dibujo que buscan retener aquello que en ocasiones pasa desapercibido o puede llegar a olvidarse.

Zigor Urrutia (Bilbao, 1971) reflexiona en Asfaltos blancos sobre la forma en la que han evolucionado las ciudades en las últimas décadas. Sus fotografías presentan paisajes urbanos muy fríos e inquietantes que se mueven entre lo real y lo irreal; escenarios vacíos de los que los actores –sus habitantes– se han ausentado; escenografías retocadas, reformadas, muy construidas, tanto como esa ciudad que en principio se piensa real.

David Cívico (San Sebastián, 1974) parte de un imaginario en el que los opuestos se invierten -lo pesado se hace ligero, lo que tendría que estar abajo aparece arriba, lo que estaba atrás pasa al frente, lo que debería permanecer oculto queda al descubierto y lo que debería verse sólo se intuye- para interrogarse sobre el propio proceso de creación artística.

Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978) explora en sus dibujos y pinturas la extrañeza de lo cotidiano, deja en evidencia lo trágico de ese día a día que se convierte en rutina, una rutina a la que muchos se resignan incapaces de rebelarse. Crea imágenes que fuera de contexto y en relación a otras, adquieren nuevos significados y se enmarcan en una narrativa en la que originalmente no se encontraban.

Elena Aitzkoa Reinoso (Vitoria, 1984) modifica los espacios elaborando asociaciones entre pinturas abstractas casi monocromas, pero llenas de matices, que adquieren la objetualidad de la escultura, y construcciones precarias realizadas con materiales de desecho que simulan cumplir una función práctica.

Los objetos y dibujos de June Crespo (Pamplona, 1982) articulan el espacio estableciendo relaciones entre planos, texturas, colores, materiales y formas. En su trabajo se crean tensiones entre lo figurativo y lo abstracto, lo completo y lo fragmentado, lo geométrico y lo informe, componiendo una narración sobre el modo en el que se construye la subjetividad y su identidad a través de la creación.

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25/04/2008 > 28/09/2008 (Antesala)

  

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta ¡Viva el color! (Antesala de ARTIUM, hasta el 28 de septiembre, con entrada libre), una exposición destinada al público infantil e integrada por once obras de su Colección Permanente. La muestra gira en torno a la percepción del color en el entorno y a su uso en el arte contemporáneo. Entre los autores seleccionados para la muestra se encuentran Joan Ponç, Gerardo Rueda , Mitsuo Miura, Maider López o Susy Gómez, y en ella están representadas la pintura, la escultura, la fotografía y la obra gráfica, entre otras técnicas. Como en otras ocasiones, las obras han sido colocadas a una altura inferior a la habitual, con el fin de adaptar su montaje a la talla de los espectadores más jóvenes. Diferentes preguntas impresas sobre la pared incitan a la reflexión sobre el tema de la exposición, mientras que un taller anexo permite que los visitantes plasmen sobre el papel las conclusiones de su experiencia. ¡Viva el color! es una exposición ideada por el Departamento de Educación de ARTIUM.

¡Viva el color! es el más reciente ejemplo de una serie de exposiciones destinadas al público infantil que ARTIUM viene desarrollando desde el año 2005. A Un invierno con mucho arte, abierta en diciembre de ese año, le siguieron en 2006 Niñ@s y en 2007 Lugares aquí y ahora y Todos, animales. Se trata posiblemente de la única experiencia en España de un programa estable de exposiciones infantiles en las que se cuenta con obras reales.  Todas las exposiciones han estado acompañadas, además, de un sólido proyecto educativo, tanto en la sala, con la rotulación sobre las paredes de una serie de preguntas que incitan a la reflexión de los más jóvenes, como en la zona de taller, donde se incentiva la participación en distintas actividades.

La nueva exposición infantil de ARTIUM cuenta con obras de artistas de la talla histórica de Gerardo Rueda, representado con el óleo titulado Dos casas (1948) o Joan Ponç, de quien puede verse su pintura Equilibrio nocturno (1975). La muestra presenta también obras de artistas de generaciones posteriores, como el británico Martin Parr, con una fotografía de su serie Common Sense (1995-99) o el japonés Mitsuo Miura, de quien se exhiben tres serigrafías de la serie En la playa de los Genoveses (1990) y una pieza más Sin título (1992); o como es el caso de la mallorquina Susy Gómez, quien está representada con un dibujo Sin título (2004), la canaria Carmela García, con una fotografía también Sin título (2000) o los británicos Jake y Dinos Chapman, con una obra gráfica llamada Screen (1997). Finalmente, la creación más joven está presente con la pieza Columna (2003), de la artista vasca Maider López.

¡Viva el color! pretende provocar entre los más jóvenes espectadores la reflexión acerca de los colores que llenan el mundo, las cosas y las personas, sobre las diferencias de matiz, las combinaciones posibles y el sentido que pueden adquirir, y sobre los sentimientos, sensaciones e ideas que son capaces de provocar o transmitir. Para conseguirlo, se incita a los pequeños visitantes a observar con atención las diferentes obras y responder a comentarios y preguntas que pueden leer junto a ellas, preguntas sobre qué ocurriría si se alterasen los colores de las obras, sobre qué ocurre si se mezclan colores o sobre la diferencia entre los colores que se ven en los personajes de las obras y los que tiene o lleva el espectador.

El tema y las obras elegidas resultan, además, de gran utilidad desde el punto de vista educativo y son varios los centros escolares que han solicitado realizar actividades en la exposición antes del final del curso. Pero la visita a la exposición puede realizarse también en familia y concluirla con una actividad en el taller de color que se encuentra anexo al espacio de la exposición. Finalmente, ¡Viva el color! servirá también como punto de partida para diferentes actividades que se realizarán en las colonias de verano de ARTIUM, cuya fecha de inscripción se inicia el 5 de mayo.

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04/06/2008 > 02/10/2008 (Sala Norte)

 

Comisario: Miralda – FoodCultura Museum

Artistas: Jeffrey Swartz, Fernando Estévez, José N. Iturriaga, Pedro Palao Pons, Antón Erkoreka, Randall Morris, Ángela García De Paredes, Jordi Tresserras, Juan Carlos Matamala, Emili Ros, Gustavo Duch, Isabelle Lauze, Montse Guillén, Maricel Presilla, Claudi Mans, Abel Mariné, Juan Carlos Usó, Blai Guarné, Gonzalo Sousa, Octavi Rofes, Fernando Caudevilla, César Trasobares, Mayán Cervantes, Jaime E. Ollé, Caolin Young, Jaime Pilatuna, RAymond Sokolov, Alicia Ríos, Siboney, Carme Guillén, Rosa C. De Morales, Belén Laguia, Román Gubern, Carles Amengual, Flora Cohen, Bruce Kraig, Luis Gasca, F. Xavier Medina, Sergio Luis Sánchez, Martine Scrive, Ramon Bayés, Lluís Serra, Adrián Morales, Paula Sola, Raj Patel, Margaret Visser

Actividades relacionadas con la exposición: cine

 

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Power Food es el enérgico título del proyecto ideado por Miralda-FoodCultura en una visión muy particular sobre la cultura de la comida y la alimentación. Desde hace ahora dos años, el equipo Food Cultura dirigido por el artista ha trabajado en concretar esta imagen poética y poderosa de la comida en un ámbito antropológico universal. La exposición propone una red de conexiones que une la comida con la energía y la medicina al mismo tiempo que con los ritos, la tradición, las creencias y la cultura popular. Por último analiza las relaciones de esta necesidad básica con el control, el marketing y la representación del poder. Es decir, una mirada a uno de los principales motores de nuestra cultura, la economía y las relaciones sociales.

La comida comparte un mismo universo con el resto de necesidades primarias, y junto con ella, la bebida y el abrigo, pero también el sexo, el afecto o el sentido de pertenencia a un grupo, se encuentran en el origen de los objetos y conceptos que son diseccionados en este proyecto, que parten de un lenguaje simple y efectivo. Los colores vivos, una estética popular kitch y el uso de códigos de seducción que ligan al objeto con el éxito en las relaciones sociales o la salud, nos arrastran por la exposición entre la fascinación, el reconocimiento y la sorpresa.

Desde un punto de vista nada convencional el proyecto nos propone un recorrido estructurado en tres áreas diferenciadas.

En la primera se analiza la relación del alimento con la medicina, la tradición y sus conexiones rituales, las creencias y su vínculo con el presente. Los valores afrodisíacos asociados a la carne de armadillo llegan también a nuestros días en forma de viagra. Desde el chamán o el recetario de la medicina popular hasta los reconstituyentes actuales, el camino recorrido es muy significativo en cuanto a la presentación de los productos, sin embargo participan de las mismas relaciones de confianza, saberes y reticiencias. Este capítulo nos acerca a los poderes mágicos, la práctica de la medicina natural y las propiedades de drogas y medicamentos a través de los remedios caseros en Euskadi, los reptiles y hongos de la cultura china, las energy drinks o los productos dopantes en el mundo del deporte.

Dejamos esta sala atravesando un arco de hierbas medicinales de nuestros montes, para en un segundo espacio explorar las conexiones de la comida con nuestra cultura popular y la iconografía creada en torno a la alimentación. Un antes y un después al consumo de alimentos, pócimas o aguas milagrosas. El Dr. Jekill y Mr Hide comparten espacio con brujas, y las espinacas de Popeye, que por un error tipográfico en la cantidad de hierro que contienen se convirtieron en un mito de la alimentación infantil. Todos ellos son paradigmas de muchas costumbres, representaciones y creencias de la cultura actual. El espacio acoge varias proyecciones, carteles, recetas y slogans publicitarios, junto con recipientes que formalmente representan los poderes de aquello que contienen: botellitas y recipientes con imágenes religiosas y antropomorfas; licoreras con forma de falo, etc... en una transformación directa de la alimentación en conceptos, es decir, a nuestra cultura.

En el último capítulo se analizan las relaciones que se establecen entre la comida, la economía y la representación del poder. El prestigio y estatus social tiene un reflejo evidente en la alimentación. Se analizan las dietas, el valor calórico de los alimentos y la pirámide nutricional al mismo tiempo que se reflexiona sobre el poder, el consumo y sus representaciones a través de distintos objetos. Desde el cáliz religioso a la lata de diamantes. El espacio incluye las latas-bala, que unen en una misma imagen poder y energía. Siete mesas con el signo prohibido sirven de espacio de documentación a la vez que suponen un soporte para la reflexión sobre las prohibiciones que, por razones sociales o religiosas, vienen impuestas en relación a la comida.

Con la misma mirada irónica al mundo de las bebidas energéticas y manteniendo su misma estética comercial, Miralda-FoodCultura ha ideado una edición de latas de agua carbonatada. Agua presentada como fuente de energía para la vida, como la verdadera bebida energética.

El proyecto nos presenta sin ambigüedad toda la atracción que el binomio Miralda-FoodCultura tiene por la iconografía, las costumbres y creencias populares al tiempo que, en un lenguaje cercano, las analiza y decodifica. Su trabajo, desde una perspectiva conceptual, expone con ironía, respeto y fascinación el círculo creado entre la comida, la cultura, la energía y el poder.

 

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19/03/2008 > 05/10/2008 (Sala Norte)

 

Comisario: Daniel Castillejo 

Artistas: Ángeles Agrela, Ana Laura Alaez, Javier Arce, Artemio, Bene Bergado, Tono Carbajo, Patxi Cobo, Pep Durán, Luis Feito, Regina José Galindo, Federico Guzmán, Agustín Ibarrola, Aitor Lajarín, Martín López Lam, Enrique Marty, José María Mellado, Elena Mendizabal, Manuel Millares, Vik Muniz, Shirin Neshat, Jorge Oteiza, Joan Rabascall, Unai San Martín, Amparo Sard, Andrés Serrano, Laurie Simmons, Zigor Urrutia, Montserrat Soto.

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Al igual que en 2003, 2004 y 2006, se presenta en ARTIUM Adquisiciones Recientes, considerada ya como una exposición de referencia de este centro-museo, como también sucede con las bienales Entornos Próximos o Gure Artea. Esta muestra continua con la filosofía planteada por ARTIUM desde su inauguración de «poner al descubierto» su aumento patrimonial, esto es, sacar a la luz obras recientemente ingresadas en la colección y que, por razones relacionadas con la especificidad de las muestras programadas, todavía no han podido incluirse en ninguna de ellas. Por ello, no se trata de una exposición de tesis, con un discurso determinado, sino que pretende mostrar una selección de los últimos fondos incorporados. En esta edición, el periodo que abarca la muestra corresponde a las obras que se han incluido en la colección en parte del 2006, el 2007 y los dos primeros meses de 2008, periodo durante el cual el total de fondos nuevos ha sido de 71 obras adquiridas, 38 obras depositadas, 2 donaciones y 1 dación.

Entre las obras seleccionadas se encuentran piezas de muy distinta época y condición, que sirven como ejemplo de las distintas líneas que determinan la política de adquisición de ARTIUM. Por una parte, se intenta completar la presencia de algunos artistas importantes para la Colección, como Agustín Ibarrola, del cual se han comprado dos excelentes pinturas de la década de los cincuenta y principios de los sesenta a una familia aragonesa, o como Manuel Millares, del que se ha adquirido recientemente un dibujo a través de una casa de subastas. Otra de las líneas de adquisición se centra en ampliar la presencia de importantes artistas contemporáneos de proyección internacional, como Laurie Simmons, Andrés Serrano o Vik Muniz. De este último, se ha adquirido una fotografía en la que aparece la catedral de León pintada con chocolate. La política de seguimiento de las nuevas manifestaciones artísticas y de artistas emergentes locales también está presente con obras de Zigor Urrutia, Bene Bergado o Ángeles Agrela.

Al tiempo que se presentan estos fondos en la Sala Norte de ARTIUM, en la exposición Objeto de réplica. La colección VII, ubicada en la contigua Sala Sur, se exhiben un total de 37 obras nuevas incorporadas recientemente a la Colección (durante el transcurso de la exposición la cartela de estas obras aparecerá rotulada de forma diferenciada, indicando que se trata de una adquisición reciente).

Hay otras obras de estas nuevas incorporaciones que no se pueden ver expuestas, pues actualmente viajan por el mundo integradas en las muestras de la Colección que se encuentran itinerando por distintas ciudades; como es el caso de Jorge Oteiza en Sao Paulo, o de una fotografía de Carlos Irijalba en Tokio.

Con el fin de ampliar las posibilidades de presentación del mayor número de obras posibles, en esta selección no se han tenido en cuenta aquellas obras ya presentadas en ARTIUM en exposiciones realizadas el pasado 2007, como Amar, pensar y resistir. Colección VI, o aquellas seleccionadas para la próxima presentación de la colección permanente, No más héroes. Colección VIII, que se exhibiráa partir de octubre.

En definitiva, un amplio conjunto de obras, diversas en cuanto a formato, técnica, origen o edad de los artistas, que permiten contemplar lo viva que está la Colección.

 

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19/09/2007 > 09/12/2007 (Instituto Cervantes de Pekín)

25/01/2008 > 12/03/2008 (Instituto Cervantes de Tokio)

Comisario: Javier González de Durana 

Artistas: Ana Laura Alaez, Txaro Arrázola, Txomin Badiola, Naia del Castillo, Miguel Ángel Gaüeca, Carlos Irijalba, Alberto Peral, Javier Pérez, Mabi Revuelta, Ignacio Sáez, Eduardo Sourrouille, Darío Urzay

 

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo presenta en las sedes del Instituto Cervantes de Pekín y Tokio la exposición Extraños en el paraíso. Fotografía contemporánea en el País Vasco, una selección de veintidós obras de doce artistas vascos extraídas de su Colección Permanente. Txaro Arrázola, Txomin Badiola, Miguel Ángel Gaüeca, Eduardo Sorrouille y Darío Urzay son algunos de los creadores vascos presentes en la muestra, comisariada por Javier González de Durana, que da una idea del fuerte desarrollo de la fotografía en Euskadi en los últimos diez años, acompañada por el desarrollo tecnológico y por la aceptación del público. A partir de ahí, resulta evidente que los artistas seleccionados han preferido crear sus propios mundos, situados fuera de lo corriente, escenarios donde todo puede ocurrir porque son paraísos perfectos.

Extraños en el paraíso es la tercera exposición que ARTIUM organiza en colaboración con el Instituto Cervantes para su exhibición en distintas sedes de Estados Unidos, Sudamérica y Asia. En esta ocasión, Javier González de Durana ha centrado su atención en el arte vasco y en una técnica de creciente presencia en el mundo del arte contemporáneo, la fotografía. De esta manera, la muestra presenta veintidós obras de doce artistas, piezas extraídas de la Colección ARTIUM y fechadas en los últimos diez años.

Como en tantos otros lugares, en el País Vasco también ha existido durante los últimos diez años un fuerte desarrollo de la fotografía como tipología artística, debido no sólo a las facilidades tecnológicas que el medio ha venido aportando, sino también por la aceptación que el público le ha dispensado. Por otra parte, los propios artistas, algunos de ellos dedicados en principio o como origen personal a la pintura y la escultura, han vertido buena parte de sus energías en un campo, el de la fotografía, que les proporcionaba posibilidades creativas ligadas a sus intereses artísticos, pero que en las tipologías tradicionales no encontraban su satisfacción. Ello no quiere decir, en casi ningún caso, que lo que los artistas crean fotográficamente está situado en las inmediaciones formales de la pintura o la escultura, sino que, más bien, la fotografía muestra una autonomía claramente diferenciada.

Los fondos fotográficos de ARTIUM superan el millar de piezas, y en los últimos años se han incrementado notablemente con significativos depósitos procedentes de colecciones públicas, como la de la Feria de Arte Contemporáneo ARCO, y privadas, como la de la Fundación Ordóñez Falcón de Fotografía. Atendiendo a esos fondos, es posible darse cuenta de que los artistas vascos tienen una preferencia acusada por el autorretrato fotográfico. No se trata en todo caso, del autorretrato convencional en el que la identificación del individuo resulta clara y patente, sino que los artistas más bien parecen querer mostrarse escondidos en personajes de situaciones incomprensibles, como si actuaran al dictado de unos guiones que no están escritos por ellos, en cuyo desarrollo no saben qué papel juegan y enfrentándose a un final que desconocen: son extraños de sí mismos. Por otro lado, son fotografías con escenarios construidos y poses estudiadas de antemano. En ellas todo es teatral y, por tanto, todo podría ser perfecto, un auténtico paraíso.

Extraños en el paraíso muestra la obra de unos artistas vascos que han preferido crear sus propios mundos, situados fuera de lo corriente, quizás porque la realidad cotidiana invita al refugio personal y al gesto enigmático. Artistas como Ana Laura Aláez, Txomin Badiola, Darío Urzay, Miguel Ángel Gaüeca, Alberto Peral y otros más integran una exposición que muestra una cara actual de un País Vasco que se mueve entre el asombro político y la ganas de actuar, aunque de momento sus artistas se muestren como situados en un escenario, donde cualquier cosa puede ocurrir porque es el paraíso perfecto, a la espera de un guionista cuerdo.

 

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23/10/2008 > 11/01/2009 (Sala Este Baja)

 

Comisario: David Campany

Artista: Hannah Collins

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I

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Esta exposición reúne por primera vez tres films en pantalla múltiple de Hannah Collins y una serie de fotografías relacionadas. Collins se dio a conocer en la escena internacional como artista pionera en el género de la fotografía, trabajando a escala monumental e íntima al mismo tiempo. Pese a la amplitud de sus temas, sus preocupaciones se mantienen constantes: la fugacidad de la vida moderna, la interrelación entre memoria e historia, y a voluntad de expresar estas experiencias intangibles a través de las imágenes.

El carácter épico y sin embargo tierno de las fotografías panorámicas de Collins se evidencia en sus films. La Mina, Paralelo e Historia en curso (un encargo de Fundación “la Caixa”) son exploraciones ricas y complejas del poder de la localización. Estos films y estas fotografías, que reúnen trabajos creados en España, Francia, Inglaterra, Italia y Sudáfrica, se combinan de varias formas para plantear una de las preguntas cruciales de nuestro tiempo: "¿Qué significa hogar en un mundo dominado por fuerzas impredecibles?

El arte de Hannah Collins, poético y al mismo tiempo político, responde a nuestra necesidad de formas de expresión que puedan ser privadas y públicas. Se trata de un arte con un impulso realista para describir las complejidades del mundo tal y como es, pero deseando también uno mejor.

La Mina

En 2001, Hannah Collins y su equipo filmaron veinticuatro horas de metraje con película de 35 mm en una extensa zona de Barcelona habitada principalmente por la comunidad gitana. El film resultante se sitúa a medio camino entre el documental de observación y un enfoque más basado en la actuación y la colaboración, algunas de las personas que aparecen están actuando, pero se interpretan a sí mismas. Aunque algunas escenas se planificaron y se interpretaron, otras son situaciones surgidas espontáneamente y captadas por la película.

La Mina huye de un punto de vista único. En este sentido, evita los retratos fijos y estrechos de miras sobre la vida actual de la comunidad gitana. En lugar de esto, Collins construye un film complejo, intricado y rítmico basado en los motivos repetitivos y el simbolismo de la propia ciudad. Alejándose de las pautas del cine y de los documentales convencionales, La Mina presenta a los espectadores un atractivo puzzle social, estético, político y ético a la vez.

Paralelo

Paralelo es un film basado en el reto de representar el movimiento internacional de las personas, tan característico de la vida contemporánea. Collins se sirve de tres pantallas para describir tres experiencias muy distintas acerca del espacio temporal y físico, en el contexto de la inmigración. Paralelo explica la historia de tres personas. Dewa, un camerunés de un pequeño pueblo, arriesga su vida para trasladarse a Madrid. Habla francés y está estudiando español, pero tiene dificultades para conseguir una vida estable. Pamela pertenece a una extensa familia ugandesa y vive con su marido, un diplomático italiano, en Roma. Es ambiciosa, de mentalidad independiente y trabaja para la Organización para la Agricultura y la Alimentación (FAO) de las Naciones Unidas en Roma y París. Constantine llegó a Londres hace ocho años, procedente de Costa de Marfil. Está divorciada y vive con su hijo de siete años. Es miembro de una iglesia evangélica a la que dedica gran parte de su vida.

Paralelo se escapa de la estadística fría y de la retórica política inflamada sobre la emigración hacia el "corazón de Europa". En lugar de esto, Collins ofrece un film que es al mismo tiempo un conjunto de retratos de personas individuales y una fotografía más amplia de la situación socioeconómica.

Historia en curso

Historia en curso presenta un día en la vida de la familia Chiline y de otras personas de la población de Beshencevo, en las afueras de Nizhny Novgorod, en la Rusia central. Aquí vemos el contraste entre el tejido del pueblo presoviético y la desgastada ciudad postsoviética. La situación actual en Rusia no es ni estable ni predecible. Descubrimos que cada miembro de la familia se adapta a los cambios de una forma distinta. Sobre el telón de fondo de las decisiones políticas distantes y casi abstractas, se halla consuelo en el juego, la religión y la superstición. Los pocos niños que quedan en el pueblo reciben una educación clásica, pero disponen de pocos medios para ser conscientes de todas las fuerzas que dirigen sus vidas y sus elecciones personales.

Edouard, miembro de la familia Chiline, conoció la obra de Collins en Amsterdam e invitó a la artista a visitar su pueblo. Después de una visita inicial, regresó allí en lo más crudo del invierno, con todo su equipo. Estuvo filmando durante catorce días, a partir de un guión escrito por el propio Edouard junto con otros habitantes. Las siete horas de metraje que obtuvo han sido editadas en dos versiones del film, una para mostrarse en galerías de arte y otra para un formato cinematográfico.

 

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10/03/2008 > 01/02/2009 (Antesala)

Producción audiovisual:  Karin Dolk, Maite Garbayo

 

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Recuerdos compartidos forma parte del programa de exposiciones infantiles que ARTIUM viene realizando desde el 2006. Y por eso, como siempre, ocupa la antesala del museo en la que se exponen una serie de obras de la colección en torno a un tema, cuya presentación está diseñada específicamente para niños. Sin embargo, los objetivos de esta exposición, su proceso de realización, los resultados de la misma, y seguramente la respuesta del público, otorgan a este proyecto un carácter único y especial.

La exposición realizada en colaboración con la Fundación Mejora, pretende recuperar las voces de nuestros mayores. Se podría decir que es un homenaje a sus vidas y también a la tradición oral, a esas historias que se van pasando de generación en generación y que perviven en nuestra memoria. Biografías reales que rescatan del olvido la vida cotidiana de la gente en un período concreto de nuestra historia. Recuerdos del pasado que llegarán a los niños y niñas (y a sus familiares) que visiten la exposición para que entiendan y aprendan la historia de una manera más personal, directa y diferente, pero tan válida e ilustrativa como la que se enseña en los libros de texto.

A diferencia de otras exposiciones infantiles, las voces de nuestros mayores son las que protagonizan la muestra y las obras de arte se convierten en el escenario y el contexto de estos recuerdos. De manera natural, las historias que se pueden ver y escuchar a través de los monitores distribuidos por la sala dialogan con las obras de arte, elegidas a conciencia para entablar esta relación y enriquecerse mutuamente. La melancólica y desolada calle de Tomelloso pintada por Antonio López podría servir de telón de fondo de algunas de las biografías relatadas de los entrevistados. La niña retratada por Benjamín Palencia [+] en 1948 podría haber compartido con ellos vivencias similares. Seguramente las palomas atemporales que representó en 1935 Jose Caballero, formaban parte del paisaje cotidiano de algunos de nuestros protagonistas. El autorretrato en el tiempo de Esther Ferrer nos hace pensar en el transcurrir de la historia personal de cada uno de nosotros, en envejecer, en nuestro inevitable destino: morir.

Para el desarrollo del proyecto se contó con doce personas a las que se entrevistó a lo largo del verano pasado. Estas personas fueron elegidas al azar, se tuvo en cuenta sobre todo su edad – 82 años el más joven, 101 el mayor – y se consideró que fueran tanto de entornos urbanos como rurales, y de orígenes socioculturales diversos. Cada una de estas personas fue entrevistada ante una cámara, se les pidió que bucearan en su memoria infantil y juvenil y que abordaran temas tan diversos como la vida en la Guerra Civil, la comida, los juegos, el baile o la religión. Estas entrevistas han dado lugar a un intenso y emocionante documento videográfico – Jugando al truquemé- de gran interés social, histórico, y sobre todo humano. Los monitores de la sala nos traen recuerdos tan amargos como el de una superviviente del bombardeo de Guernika, el uso de las cartillas de racionamiento o la represión religiosa; el dramatismo de estos momentos se contrapone con la espontaneidad y frescura que generan las historias en torno al baile, las fiestas populares o los juegos infantiles.

Recuerdos compatidos trata como su título indica de compartir la memoria individual y también la colectiva, de hacerla convivir y enriquecerla con el arte, de aprender a ser sensibles y escuchar las vivencias humanas, - pasadas o presentes - , y sobre todo, de fomentar el respeto por nuestros mayores, destino ineludible al que algún día todos llegaremos.

 

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11/05/2008 > 23/02/2009 (Sala Norte)

Comisaria: Laura Fernández Orgaz

Artista: Patti Smith

Actividades relacionadas con la exposición: recital poético

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Lo primero que llama la atención al acceder a la sala de la exposición de Patti Smith titulada Written Portrait, son las tres ventanas horadadas en el muro que conectan dos espacios y dan la bienvenida al visitante. Estos tres huecos, y los otros que se han distribuido por los diferentes ambientes, no se han ubicado de manera arbitraria. Todo lo contrario, tienen un sentido fundamental: servir como nexo de unión y marcar metafóricamente la relación entre lo que se expone: artes visuales –eje principal de la exposición–, poesía, y música. Tres expresiones creativas que, en el caso de Patti Smith, encuentran un vínculo de unión a través de la palabra.

Written Portrait es la primera retrospectiva de la artista en España, y comienza el recorrido a través de los dibujos más tempranos, a mediados de los sesenta, cuando da los primeros pasos creativos. Sus dibujos, a veces expresionistas, y, otras, delicados e intimistas, homenajean a artistas como Willem de Kooning, a su amigo Robert Mapplethorpe, o a admirados poetas como Arthur Rimbaud. Otros ejemplos transmiten un sentido espiritual, a través de los asuntos religiosos que aborda y que, de algún modo, se ven intensificados con la presencia de una sutil caligrafía que, en algunos casos, inunda todo el papel. La palabra es para Patti Smith un vehículo de comunicación, pero también de expresión estética.

La artista se ha dedicado en los últimos años a la fotografía, obra que realiza con una cámara Polaroid Land 250, de tecnología sencilla, que le permite captar con inmediatez lo que llama la atención de su mirada. Las fotos –siempre en blanco y negro–, ilustran el mundo de Patti Smith, sus pasiones artísticas y literarias, y sus viajes. Son imágenes evocadoras que muestran a veces objetos aparentemente anecdóticos, pero con un significado especial. Interiores domésticos, camas, tumbas, pinceles o máquinas de escribir, le sirven a Patti Smith para evocar el arte o la palabra escrita de personajes como Virginia Woolf, Susan Sontag, William Blake o Arthur Rimbaud. Las fotos tomadas en los viajes, descubren su inquietud por la arquitectura monumental europea, el pulso cotidiano de las calles o la sobrecogedora inmensidad de la naturaleza más virgen. Cobran especial relevancia las fotos que Patti Smith ha hecho específicamente para esta exposición en las calles de Vitoria y en otros lugares de Euskadi.

El apartado dedicado a la serie del 11 de septiembre, un conjunto realizado tras los atentados a las Torres Gemelas, revelan el lado más comprometido de la artista. Este trabajo no es una alusión al terrorismo islamista; es un sensible y reflexivo manifiesto sobre la incapacidad humana para la comunicación y su consecuencia más tangible: la guerra y la violencia. La serie se compone de sutiles y poéticos dibujos con caligrafía y de serigrafías que tienen como leit motiv una de las torres derruidas. La referencia a la Torre de Babel del cuadro del siglo XVI de Brueghel el Viejo es inevitable. El lenguaje es lo que nos distingue y une como seres humanos, pero también es lo que nos separa cuando no hay posibilidad de entendimiento. El trasfondo universal que posee esta intensa serie hace pensar en los paralelismos que guarda con el bombardeo de Gernika y el posterior cuadro de Picasso, un asunto histórico y una obra de arte que, como se puede observar en algunas de las fotos expuestas, siempre han interesado a Patti Smith.

 

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23/04/2008 > 24/05/2009 (Sala Seminario)

Comisariado: Biblioteca y Centro de Documentación

  

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Eros: el placer de leer muestra una selección de cien libros de contenido erótico procedentes de la Biblioteca de ARTIUM. Entre ellos se pueden encontrar volúmenes monográficos dedicados a figuras históricas del arte del siglo XX, desde Matisse (Erotic sketches) y Rodin hasta Pablo Picasso (Art can only be erotic), Gustav Klimt, Salvador Dalí o el surrealista Hans Bellmer (Anatomie du désir), conocido por sus obras de tema erótico. En la muestra pueden hallarse también títulos dedicados a Fernando Botero, Antoni Miró y David Hockney, y, entre los artistas vascos, a Ana Laura Aláez (Flúor), Naia del Castillo (Trampas y seducción), Manu Muniategi (Larrugorrian), Estibaliz Sádaba (Bodies Parade) e Iban Arróniz (Poporn). La ilustradora vitoriana Agurtzane Villate ha intervenido sobre una de las paredes de la Sala Seminario que alberga la exposición con diferentes dibujos de tema erótico.

Sin embargo, en la exposición destaca ante todo la amplia selección de títulos producidos por dos figuras clave, por distintos motivos, del arte contemporáneo. Se trata, en primer lugar, del fotógrafo Helmut Newton, cuyas fotografías están dotadas de un estilo que hace perfectamente reconocible su autoría. Belleza, glamour y sensualidad son perceptibles en cada página de libros como Archives de nuit, Sex and landscapes, Yellow pages y, sobre todo, en el monumental Playboy. Se trata de una retrospectiva de la obra del fotógrafo de origen alemán, uno de los más influyentes en la fotografía contemporánea, editada en un libro de 70x50 centímetros y 30 kilos de peso.

En una línea completamente distinta están los libros dedicados al segundo artista ampliamente representado en Eros, el norteamericano Andy Warhol, la figura internacional más destacada del pop-art. Warhol cultivó a lo largo de su vida la fotografía y el dibujo de desnudos, especialmente de modelos masculinos. De él pueden contemplarse monografías y catálogos como El ojo mecánico, Iconos pop, Retratos de los setenta y ochenta, Nude Drawings, 365 Takes o The Andy Warhol Show. La exposición contiene también diferentes catálogos de exposiciones colectivas, como Paris Eros, Erotisme a la plàstica contemporània, Feminimasculin. Le sexe de l’art, Women by women o Erotismo, gastronomía, o las publicaciones de las dos primeras y únicas ediciones del Salón de Arte Erótico de La Habana.

 

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02/10/2008 > 20/09/2009 (Sala Sur)

 

Comisario: Daniel Castillejo

Artistas: Ignasi Aballí, Ángeles Agrela, Pablo Alonso, Alfredo Álvarez Plágaro, Alexander Apóstol, Victoria Campillo, Ibon Aranberri, Txaro Arrázola, Jesús Avecilla Riancho, Juan Barjola, Karmelo Bermejo, Joan Brossa [+], Ana Busto, Toni Catany, Salvador Dalí, Pep Durán Esteva, Xabin Egaña, El Perro Equipo Límite, Pepe  Espaliu, Jon Mikel Euba, César Fernández Arias, Jorge Galindo, Kepa Garraza, Pierre Gonnord, Luis Gordillo, Joan Hernández Pijuan, Lluís Hortalá, Agustín Ibarrola, Francisco Leiro, Eva Lootz, Chema López, Rogelio López Cuenca, Julio López Hernández, Valeriano López, Cristina  Lucas, Enrique Marty, Mc Callum & Tarry, Asier Mendizabal, Elena Mendizabal, José Ramón Morquillas, Vik Muniz, Juan Muñoz, Andrés Nagel, Père Noguera, Jorge Oteiza, Benjamín Palencia [+], Martín Parr, Wang Qingsong, Pablo Picasso, Jaume Plensa, Sergio Prego, Carlos Ribera, Simeón Saiz, Fernando Sánchez Castillo, Txupi Sanz, Darío Urzay, Joana Vasconcelos, Oriol Vilapuig.

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I, conferencia II, conferencia III, escena contemporánea

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No más héroes. La Colección VIII es ante todo una reivindicación del ser humano como protagonista de la historia, en oposición a una forma “heróica”de actuar, trágica y desmovilizadora, que impregna la política, la economía, la cultura y hasta el universo “friki” promovido por la televisión y el papel cuché. No más héroes es además la octava presentación de la Colección Permanente de ARTIUM, una selección de más de setenta obras instaladas en un nuevo contexto con la posibilidad de extraer de ellas nuevas y diferentes lecturas. En la exposición se pueden ver obras de algunos de los artistas clave de la Colección ARTIUM, como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Jorge Oteiza, Luis Gordillo, Joan Brossa [+], Vik Muniz o Juan Muñoz, junto con otras de creadores emergentes, como Karmelo Bermejo o Elena Mendizabal.

«Elegí un mal día para dejar de fumar» repetía Lloyd Bridges en Aterriza como puedas. Al final de la película, «dejar de fumar» se había convertido en «dejar de oler pegamento», después de haber pasado por la bebida y los tranquilizantes.

Creo que nosotros, hoy, también podríamos decir algo así como que «elegimos un mal día para ponernos en contra de los héroes». No son buenos tiempos para negar a los héroes. Aparecen por todas partes: los héroes de Vietnam, los héroes del bicentenario de la guerra de la Independencia, los de todas las guerras, los héroes con estatua sobre un pedestal, los olímpicos, héroes en general.

Nuestros héroes abundan, algunos nacieron así, tarados, convertidos en superhéroes. El universo friki ha puesto su interés en el concepto de «héroe». Otros nunca sabrán que les llamarán héroes después de muertos, algunos lo son por circunstancias coyunturales, pero muchos, los más héroes de todos, se postulan para la labor, para la profesión de héroe. El héroe romántico, el héroe autodestructivo, el héroe masculino, el absurdo, el divino y el demoníaco, en fin, das una patada y aparecen por todos los lados.

Parece una obviedad precisar que, para un creador, la elección de un protagonista es la elección de un héroe o heroína. La propia selección de una historia que contar, la imagen que mostrar o las referencias que pensar obligan, de una manera u otra, a definir una salvedad, a delimitar una especifidad que, queramos o no, se transforman, por esta misma decisión, en nuestros héroes. Luego, desearemos que se conviertan en héroes de los demás.

Así que, insisto, los últimos tiempos y, al parecer, también los del próximo futuro, son «tiempos de héroes». No de héroes, sino de HÉROES. Por doquier abundan las referencias a los hechos y actos heroicos. Nadie escapa de la obligación de ver, escuchar o leer a menudo alusiones a estas figuras gloriosas que son los héroes.

El «héroe» es un arquetipo que se aplica a cualquier aspecto humano. La política, la religión, la sociedad, la cultura y el arte son los lugares en los que comúnmente se asienta. En realidad, todo el abanico vital es el escenario del Héroe, que se adapta a cualquier situación porque sabe muy bien que es esperado y necesario. La propia filosofía, desde sus más tiernos orígenes hasta la actualidad, tiene como uno de sus pilares básicos la noción de «heroísmo» y la figura del «héroe». ¿Qué es lo que hace que esto sea así? ¿Por qué necesitamos al Héroe? ¿Podría ser que una de las razones fuera la búsqueda de nuestra redención y que, por eso, la historia de la humanidad esté llena de heroicos redentores mesiánicos? ¿No será que nuestra necesidad de transcendencia nos obliga a nombrar mediadores entre Dios («soy divino» repetía Salvador Dalí), la Gloria, la Memoria, la Historia y nosotros, en estas figuras medio humanas y medio divinas? Lo que queda es un ser capaz de hacer o de soportar lo que nosotros, pobres humanos, no podríamos sino imaginar en sueños y pesadillas. Esta visión de nuestro papel, que nos reduce a meras comparsas, reconoce que el mundo únicamente puede cambiar a base de esfuerzos titánicos, hercúleos, inhumanos, que tienen que llevarlos a cabo personas especiales, los héroes (Ulises, el héroe mas humano a causa de su inteligencia y astucia, tenía a su esposa Penélope en Itaca, esperándole para siempre, mientras hacía punto). Sólo nos quedan dos opciones, nos convertimos todos en héroes o acabamos con ellos para que el ser humano sea protagonista de sí mismo.

El Héroe lleva incorporada la tragedia en su naturaleza. El dolor, la muerte, el extremo sufrimiento o lo provoca o se le aplica, el caso es que siempre va con él, literal o metafóricamente: matan o mueren, o ambas cosas a la vez. Nuestros héroes luchan contra los héroes de los demás, se enfrentan o compiten al límite. Si tenemos suerte triunfarán los nuestros, si no, temeremos a los de los otros mientras lloramos a nuestros héroes muertos. La capacidad del «héroe autoproclamado» para provocar el conflicto, el dolor, se empareja con el «héroe a pesar suyo», que se convierte en «héroe oficial» cuando el Estado o el grupo designan la cualidad de una persona para ejemplarizar y para distinguirlo de la colectividad.

La búsqueda adormecida, la espera del Héroe implica la dejación de responsabilidad por parte de la mayoría, que pone su esperanza en una intervención ajena al ser humano que nos libre de los supuestos males a los que nos enfrentamos (casi siempre representados en cuestiones religiosas, políticas o identitarias). Por ello, esta siesta, la espera atolondrada para la participación, para la movilización en una u otra dirección, sólo se producirá ciegamente cuando nuestra fe sea atendida. Mientras, nosotros nos tomamos un tiempo, sentados, como el Mosquetero de la pipa de Pablo Picasso, esperando a que el Héroe nos diga qué tenemos que hacer o cómo tenemos que ver las cosas.

En los años setenta David Bowie, publica una canción que se titula Heroes que también dio título a un LP. Inmediatamente el grupo The Stranglers le contesta con otra canción titulada No more heroes. Esta expresión se convierte en un grito de guerra de toda una generación, que camina rápidamente hacia una nueva versión del nihilismo, hacia el desencanto, hacia el borde afilado y crítico del sistema social en aquellos años, el nivel más bajo de la autoestima, expresada por el punk con los lemas de «no hay futuro» y «no nos importa».

Esta exposición trata de estas cuestiones pero, sobre todo, toma una clara postura con su expresión «no más héroes». Aun entendiendo que, muchas veces, la necesidad de su espera es un clavo ardiendo al que nos aferramos cuando ya no hay esperanza, «no más héroes» es una frase que muestra una hartura hacia el Héroe, equiparado al genio incuestionable en el arte, al líder irrefutable, al guía infalible, al mesías axiomático, a todos aquellos que nos desmovilizan, que impiden el natural girar del mundo a base de portentosas fuerzas o musculosos argumentos.
No más héroes es, de alguna manera, aparte de una negación positiva, el fruto de una intuición que quiere hablar, por un lado, del arte y por ello del mundo (en la medida de que el arte habla del mundo) y, por otro, de las actitudes heroicas ante las que nos enfrentamos continuamente.

La muestra distingue entre dos diferentes tipos de actitudes y, como consecuencia, en ningún momento tratará de realizar un análisis exhaustivo de las diferentes tipologías del héroe. Por el contrario mostrará una visión crítica de cómo el «héroe autoproclamado» (el iluminado y el interesado) y el «héroe oficial» (casi siempre inconsciente a causa de su prematura muerte) determinan dos posturas en apariencias contrarias pero realmente cercanas y profundamente insensatas.

No más héroes es, al mismo tiempo, una exposición de los fondos que conserva ARTIUM, que vuelven a ser mostrados en un contexto de intensa interpretación como ha hecho cada año desde su inauguración. Todas las obras que se exhiben se hallan desnudas tal como sus autores las ejecutaron, sus intenciones están ahí, pero nadie puede evitar que también sean vistas y leídas por vuestros ojos y los nuestros, contaminados de subjetividad, de tramas propias, del propio presente que nos condiciona y del mecanismo englobador de la sala Sur, en el que no sólo las obras, sino también los espacios donde se ubican, forman el conjunto de la exposición. Lugares de referencias sacras, muros curvos, estrechamientos incómodos, todo ello para subrayar la estancia del Héroe, ardua, orgánica y sagrada.

Seamos antihéroes o héroes minúsculos, como lo queramos ver pero, ante todo, seamos el motor del mundo, que sólo se mueve siempre y cuando no se interponga cualquier héroe mayúsculo.

 

Documentación asociada a la exposición

          

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17/01/2008

Ponente: Rosa Olivares

La directora y editora de las revistas Exit, Exit Express y Exit Book reflexiona en torno a los conceptos del original y la copia, presentes en Objeto de Réplica.

Actividad relacionada con la exposición: Objeto de réplica. La Colección VII

 

07/10/2008

Ponente: Daniel Castillejo

El conservador de la Colección ARTIUM y comisario de la exposición No más héroes, repasa los detalles de dicha muestra a través del análisis de las obras y sus significados.

Actividad relacionada con la exposición: No más héroes. La Colección VIII

 

16/04/2008

Ponente: Carmela García

La artista incluida en la exposición Objeto de Réplica repasa su trayectoria y las claves fundamentales de su obra.

Actividad relacionada con la exposición: Objeto de réplica. La Colección VII

 

13/03/2008

Ponente: Chema Madoz

Chema Madoz, Premio nacional de fotografía 52000, conduce una charla que servirá para aproximarnos a la cara más poética de los objetos.

Actividad relacionada con la exposición: Objeto de réplica. La Colección VII

 

27/11/2008

Ponente: Daniel Innerarity

Con motivo de la exposición No más héroes. La Colección VIII,  Daniel Innerarity ofrece una conferencia titulada Por una política sin héroes. Vivimos en un mundo sin épica o, al menos, un mundo en el que los relatos épicos han perdido plausibilidad y capacidad de movilizar. Esto se traduce en el hecho de que la política se ha situado en el espacio humano, en el que no hay nada protegido absolutamente de la crítica, de la erosión del tiempo y de la creciente complejidad social.

Actividad relacionada con la exposición: No más héroes. La Colección VIII

 

22/10/2008

Ponente: Hannah Collins

Coincidiendo con la inauguración de su exposición, Hannah Collins tratará los temas presentes en su obra.

Actividad relacionada con la exposición: Hannah Collins. Historia en curso

 

04/07/2008 > 05/07/2008

La exposición Power Food invita a la reflexión acerca del significado, contexto y presencia de los alimentos en la cultura contemporánea. El cine también ha aprendido de la fusión de estos conceptos y como muestra presentamos en ARTIUM Gustorama, una experiencia cinematográfica sensorial en la que los espectadores ejercitan la imaginación, la memoria, el paladar, la visión y la audición a través de una degustación de comida sincronizada con una proyección. La experiencia se inspira en los ensayos de John Waters, que en los años 80 realizó una serie de proyecciones de su película Poliéster, llamada olorama, donde el público recibía una tarjeta con números que tenía que ir rascando y oliendo según los veía aparecer en pantalla.

Idea original:  Roberto Barrueco, MECAL. Festival Internacional de Cortometrajes de Barcelona.

Actividad relacionada con la exposición: Power food

 

16/03/2008 > 30/03/2008

Como viene siendo habitual, en el mes de marzo ARTIUM se suma a las actividades que conmemoran el Día Internacional para los Derechos de la Mujer, con este ciclo de cine en el que realizadoras de todo el mundo ofrecen su visión de la actualidad: relaciones de pareja, conflictos armados, la obsesión por el físico, la inmigración…

Selección de películas: Ernesto Tellería.

 

06/04/2008 > 19/04/2008

La exposición homónima es el punto de partida para este ciclo de cine. Las películas incluidas comportan riesgos estéticos y/o temáticos, de unos autores cuya trayectoria siempre se ha caracterizado, por transgredir los viejos cánones y aportar un punto de vista distinto y personal.

Actividad relacionada con la exposición: Agitar antes de usar

 

16/01/2008 > 20/01/2008

En esta I Muestra de Cine celebrada en torno a las personas mayores, ellos toman el protagonismo de la gran pantalla y demuestran con sus historias que el coraje, la superación personal y la solidaridad son valores que pueden mantenerse durante toda la vida. La programación de la muestra incluye el visionado de cortos y largometrajes, coloquios, y la entrega del premio Adindu, que reconoce la trayectoria profesional de un artista de cine.

 

08/09/2008 > 10/09/2008

Acercamiento a la performance, el cine y la estética del movimiento, a través de la particular visión de dos personajes indiscutibles, el cineasta y artista francés Pierre Coulibeuf y el director y coreógrafo belga Wim Vandekeybus.

Ambos tienen en común la capacidad de demostrar, a través de sus trabajos, que es posible romper los moldes preestablecidos y situarse más allá de las limitantes definiciones.

Pierre Coulibeuf reflexiona sobre la dimensión transversal de los artistas, de las obras y del público, y genera así un tipo de cine que rompe con el lenguaje habitual.

Wim Vandekeybus ha creado más de 20 producciones de danza, con las que ha obtenido prestigiosos galardones que le han llevado a ser uno de los artistas más respetados del panorama actual.

 

22/02/2008

Con su cuarto trabajo Somos otra cosa, L-Kan han compuesto el disco que nadie esperaba: un sonido que combina la orquestación con la electrónica y los elementos acústicos. Canciones que siguen conservando su ironía y sentido de humor, hablándonos de chicas desamparadas, de nuestra relación con el ipod, de las señoras del barrio de Salamanca, o de cómo convertirse en bicho bola.

 

11/07/2008

ARTIUM se suma al festival Jazzharrean 2008 con la actuación del grupo Mamma Boggie, una miscelánea muy personal donde el soul, el jazz y el funky se hermanan con el blues para crear un híbrido con un denominador común: la música afroamericana.

El show de esta Big Band consiste en un repertorio formado por temas de su primer disco Diggin' up roots, y versiones de temas de artistas como Stevie Wonder, Ray Charles, James Brown, etc. Si el tiempo no lo impide, la actuación será en el exterior del centro-museo para poner punto y final al festival Jazzaharrean.

 

21/06/2008

Si la exposición Power Food revela otros modos de entender la comida y sus procesos, este concierto del dúo Marisco Fresco viene a confirmar la máxima de que la comida da para mucho más que para comer. La almeja se queja o El berberecho al acecho son algunos de los sugerentes títulos que dan pie a las improvisaciones de estos dos crustáceos. El centollo: Diego Martín. Batería, percusión y efectos. La langosta: Germán Díaz. Zanfona, caja de música y living loop. ¡¡Para todos los públicos!! 

 

24/05/2008

El programa municipal de ocio nocturno para jóvenes presenta en ARTIUM dos conciertos de grupos musicales de Vitoria-Gasteiz, Freetangas y Acapulco Gold Diggers.

 

13/12/2008

Art + Sound recibe a este joven pianista (Luxemburgo 1981), graduado con las máximas distinciones en los Conservatorios de Luxemburgo, Bruselas y París, además de Master of Music en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York. Tristano considera el escenario como «un espacio de total libertad» y su música busca contrastes entre repertorios tan alejados en el tiempo como los de Johann Sebastian Bach y el americano John Cage.

 

28/11/2008

ARTIUM presenta en colaboración con Gauekoak dos días de conciertos con grupos de música de jóvenes de Vitoria-Gasteiz. Organik: comenzó su andadura a finales de 2006 como una ampliación de Dinamic Trio, (guitarra, batería y órgano Hammond) para convertirse en quinteto. Su repertorio de música moderna y composiciones de los grandes del jazz y el blues no dejarán indiferente a nadie. Jerónimo Martín Trío: propone una fusión de jazz con música clásica, flamenco y, en menor medida, jazz latino.

 

07/03/2008

Bajo el nombre de Tulsa se esconde el universo de la guipuzcoana Miren Iza. Su disco Sólo me has rozado ha sido uno de los más esperados del momento. La cantante y compositora nos cautiva a través de su voz, de sus letras estudiadas, y con unas melodías que sugieren el mejor folk-rock. Saioa ejerce de telonera en este concierto "femenino plural". También guipuzcoana, con su disco Particular land ha demostrado que le espera una carrera larga y sólida en la que tienen cabida el pop, el folk y el nuevo country cantado desde el estómago.

 

24/10/2008

No podríamos comenzar mejor la temporada de los conciertos de otoño que con esta doble sesión con letras en francés. El trío de Pamplona Souvenir lleva siete años trabajando la música de baile desde el sonido disco y la new wave hasta el tecno-pop de los 80s. Gastmans versiona la chanson francesa con un punto de vista muy contemporáneo.

 

13/06/2008

Sr. Chinarro, o lo que es lo mismo, Antonio Luque, presenta su nuevo disco Ronroneando en la sala Plaza de ARTIUM. Sus canciones prometen seguir la estela de los éxitos de este músico andaluz que desde su debut en 1994 cosecha éxitos allá donde va. Música melancólica y perezosa (según él mismo dice) que se salta los estereotipos para no dejar indiferente a nadie.

 

06/12/2008

Recital poético de Patti Smith con motivo de la inauguración de la exposición retrospectiva Written Portrait.

Participantes: Patti Smith, Gari

Actividad relacionada con la exposición: Written Portrait. Patti Smith

 

07/06/2008

Gauekoak despide su temporada en la plaza del Centro-Museo con el grupo Ortophonk.

 

27/09/2008

Gauekoak celebra su comienzo de temporada en ARTIUM con un concierto doble para la noche del sábado 27 de septiembre.

Nothink: Llevan casi 10 años en la brecha, después de haber mostrado claras tendencias punk-rock en sus inicios. Nothink han sido elegidos "mejor disco nacional 2007" en la revista musical Rockzone, lo que convierte al trío en uno de los grupos más estables y prometedores del panorama actual.

Borrokan: El quinteto Borrokan nació a mediados de los 90 en Bera. En 1998 participaron en el recopilatorio Museum que inauguraba su discografía. En 2002 publicaron su primer CD y ya tienen nuevo disco desde el pasado septiembre. El grupo se mueve entre los parámetros del post-rock y el hardcore.

 

23/05/2008

El programa municipal de ocio nocturno para jóvenes presenta dos conciertos de grupos musicales de Vitoria-Gasteiz, Same Old + Growing y Erizo.

 

 

18/01/2008

"Insolentes, emocionantes, urbanos y frescos" son algunos de los calificativos con los que la crítica musical define a este grupo barcelonés. Con su último disco La luz de la mañana se consolidan mostrando su cara más festiva y optimista, siempre bajo el paraguas del hip-hop, el pop, algunas notas de soul e incluso música electrónica.

 

11/04/2008

Sesión doble para la noche del viernes. Dynamo nace a principios de 2007 como una propuesta de pop-rock con influencias de Smashing Pumpkins, Radiohead o Génesis. Entre otros grandes eventos, han sido seleccionados para el Villa de Bilbao, y premiados con la posibilidad de participar en el Festival Bilbao BBK live. Smile presenta su nuevo trabajo, Painting the sun one colour, 10 temas que ya están sonando por España y Francia. Recientemente han sido teloneros de Wilco y Waterboys.

 

 

06/06/2008

Artista: Ion Munduate

ARTIUM se suma a la iniciativa impulsada desde el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y la red de teatros públicos SAREA, para mostrar los últimos trabajos de las compañías de danza de Euskadi. Un programa que esperamos sirva para afianzar el interés del gran público por la danza contemporánea en sus formatos más arriesgados.

Astra Tour: El Opel Astra del bailarín es el punto de partida de un viaje y también de una experiencia. Dos cámaras en el coche recogen las imágenes del viaje, así como los matices, emociones y sensaciones que invitan al tránsito.

 

26/01/2008

Compañía: Cuarta pared

¿Qué hacen los que se rebelan, los que no se conforman? ¿Puede un individuo normal convertirse en héroe por accidente? La compañía de teatro Cuarta Pared trae a ARTIUM su último montaje. El comienzo es una historia que nos resulta común: un hombre reclama a una empresa la devolución de unos céntimos por estar en desacuerdo con las tarifas impuestas. A partir de ahí ¿hasta dónde se puede llegar? Esta es una fábula sobre pequeños principios con grandes finales.

10/10/2008

Segunda edición de este programa del Gobierno vasco que impulsa la creación de los jóvenes coreógrafos de Euskadi. Se mostrarán los trabajos de:

Marta Navaridas. UNICORN: Good, very good. Combinación de movimientos abstractos con textos melodramáticos sobre los sentimientos humanos.

Amaia Pascual. Bi-tarte. La calle en movimiento y entre todos un vals. ¿Dónde está el centro?

Igor de Quadra y June Crespo: Dar Dar. Una coreografía que no abandona lo real, sugiriendo un cuerpo ausente, absorbido por y entre las cosas.

 

19/04/2008

Participantes: Moare Danza. Filipa Francisco e Idoia Zabaleta

ARTIUM se suma a la iniciativa impulsada desde el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y la red de teatros públicos SAREA, para mostrar los últimos trabajos de las compañías de danza de Euskadi. Un programa que esperamos sirva para afianzar el interés del gran público por la danza contemporánea en sus formatos más arriesgados.

Dueto: Filipa Francisco e Idoia Zabaleta presentan una pieza basada en la correspondencia postal que intercambiaron durante 11 meses. Una performance para el cuerpo, en la que éste se relaciona con la escritura y la distancia.

 

24/04/2008

Artista: Colin Poole

La Fundición y ARTIUM se suman a la celebración del Día Internacional de la Danza (29 de abril) con este espectáculo del coreógrafo y bailarín inglés Colin Poole. En el primer solo, Poole explora las relaciones de poder y libertad a través de la desnudez del movimiento. En la segunda pieza reflexiona sobre la creciente violencia en las ciudades, y sobre la prostitución y otros problemas sociales acuciantes.

 

06/11/2008

Participantes: Match, Uneven, Euskalherria y Cosán Dearg

La colaboración de ARTIUM con la Fundición de Bilbao se materializa en esta doble sesión de danza en la que se dan cita dos coreógrafos, uno irlandés y otro vasco. Ambos reflexionan sobre sus orígenes y la relación con sus semejantes. En el espectáculo participan tres bailarines y está compuesto por dos dúos (Match y Uneven) y dos solos (Euskalherria y Cosán Dearg)

 

08/02/2008

Compañía: Lanònima Imperial, Murphila

Ángeles caídos, seres arcanos que combinan movimientos audaces, claroscuros imposibles. Dicen que es en el miedo donde se desarrolla el valor… La compañía de Danza Lanònima Imperial presenta su último montaje como un juego de niños que habla sobre la presencia de seres terribles, sobre lo que hay que temer y lo que no. Los bailarines se acompañan de la cantante y guitarrista Murphila, que añade dulzura y perversión a la historia.

 

21/04/2008> 27/04/2008

En 2007 la Biblioteca y Centro de Documentación de ARTIUM puso en marcha el programa BookCrossing o Campaña de liberación de libros, como apoyo al fomento y difusión de la lectura y la cultura contemporánea.

Para tal fin, todos los años, coincidiendo con el Día Internacional del Libro, la biblioteca libera libros de arte en lugares emblemáticos de la ciudad de Vitoria-Gasteiz y en distintos puntos de la geografía mundial. El seguimiento de los mismos se realiza a través de la estantería virtual que la biblioteca tiene en la web oficial de Bookcrossing.

Desde 2009, cada 23 de abril, Día Internacional del Libro, la biblioteca impulsa y coordina la participación de centros y museos nacionales e internacionales en una actividad conjunta de liberación de libros.

En 2012 la biblioteca de ARTIUM ha pasado a ser Zona de Cruce Oficial. En el vestíbulo del centro-museo se ha habilitado una zona específica permanente donde siempre hay libros disponibles para la caza o para la liberación. Junto a ellos hay un cartel identificativo donde se dan instrucciones sobre qué hacer con los mismos.

 

 

Gestión de contenidos y tecnologías de la web social aplicadas a los servicios documentales

22/10/2008 > 23/10/2008 

La existencia de herramientas de colaboración y comunicación permite la creación de comunidades virtuales con sus propios flujos dinámicos de información, a través de los que se aportan e intercambian contenidos, experiencias y conocimiento.

Es necesario conocer las aplicaciones de colaboración que nos ofrecen las tecnologías de la web social para mejorar los procesos, productos y servicios que se ofrecen en los centros de información, con el fin de hacerlos más participativos y orientados al usuario. Se pretende abordar la gestión de la información como factor de cambio, competitividad y pilar básico sobre el que se sustenta el conocimiento.

En estos encuentros vamos a tener ocasión de conocer los proyectos que se están desarrollando en el ámbito de la web social en distintos centros de documentación pero, sobre todo, pretende convertirse en un foro en el que compartir experiencias que nos sirvan para desarrollar programas de colaboración.