23/04/2007 > 28/05/2007 (Sala Seminario)

Comisariado: Biblioteca y Centro de Documentación

Artistas: Edurne Herrán, Gabriel Ramos García, Andrea Nacach, Verónica Alarcón, José Emilio Antón o el colectivo La Más Bella 

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La exposición El libro como objeto artístico es una selección de libros de artista pertenecientes a la Colección ARTIUM. Obras de Edurne Herrán, Gabriel Ramos García, Andrea Nacach, Verónica Alarcón, José Emilio Antón o el colectivo La Más Bella, componen esta muestra que se expone en la Sala Seminario de ARTIUM, junto a la Biblioteca del centro-museo. Los libros de artista son obras de arte realizadas bajo el formato de un libro tradicional o de cualquiera de los modos clásicos de comunicación, producto de la atención que los artistas les han prestado a lo largo del tiempo. Normalmente se trata de tiradas limitadas y numeradas. En ese sentido, son quizás una expresión de las artes plásticas poco conocida por el gran público pero que permite una gran libertad de trabajo, como se demuestra en esta exposición. La exposición permanecerá abierta hasta el 28 de mayo.

Un libro de artista es una obra de arte realizada por un creador en formato de libro tradicional o en cualquiera de los formatos históricos de comunicación de los lenguajes visuales. El libro puede ser ejecutado por el artista en su totalidad como obra única o puede tener carácter seriado, con un control total de la edición, como en el caso de la obra gráfica, mediante numeración y firma. La exposición que ARTIUM presenta hasta el 28 de mayo da cuenta de las múltiples posibilidades creativas del género.

La exposición incluye trabajos individuales y colectivos. Entre los primeros, y casi como un paradigma del libro de artista, se encuentran dos volúmenes del veterano creador y teórico del género José Emilio Antón, dos libros realizados con fotocopias de collages, coloreados después a mano con rotuladores y pasteles. La vitoriana Edurne Herrán muestra un conjunto de tarjetas y fotografías “empaquetadas” en una funda-bolso. Otra artista que ha dedicado su atención a los libros de artista es la madrileña Tucha, autora en este caso de un conjunto de óleos guardados en un estuche pintado a su vez al óleo. Andrea Nacach, Gabriel Ramos y Verónica Alarcón ofrecen también muestras de sus trabajos dentro de este género, conservando también los formatos de libro clásico o estuche contenedor.

La muestra ofrece también trabajos colectivos de diferentes artistas, entre los que destacan dos propuestas de La Más Bella, editores de la revista experimental del mismo nombre que ha adoptado formas tan diversas como una máquina expendedora o una botella de vino. La primera de las obras, “Manual de instrucciones”, es una colección de diferentes objetos en forma de folletos y tarjetas colocados en los bolsillos de un delantal que a su vez va empaquetado en una caja de embalaje. La segunda es una serie de obras con forma de carátula de disco de vinilo, con un bolso de tela y un reproductor compacto de LPs. Asimismo, cabe destacar la obra de los creadores que participaron en el taller de libros de artista que ARTIUM celebró en 2004 bajo la dirección de José Emilio Antón, y entre los que se encontraban José María Solitario, Luis Zuazo y Verónica Alarcón, quien por cierto presenta también una obra propia en la exposición. El trabajo de estos 13 artistas dio como resultado “Libro de artista”, una obra realizada con un soporte metálico que sostiene las bolsitas de té que cada uno de los creadores utilizó como soporte para su trabajo

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26/04/2007 > 03/06/2007 (Sala Norte)

Artista: Siah Armajani

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I, conferencia II

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El 26 de abril, día en que se presenta Fallujah en ARTIUM de Álava, se cumple el 70 aniversario del bombardeo de Gernika. Fue la primera ocasión en la que se utilizó fuego masivo e indiscriminado sobre civiles en una contienda militar. El dolor y la conmoción que causó a nivel internacional se materializó en el Guernica, la obra más conocida de Picasso, símbolo universal del antibelicismo y de la paz.

Ahora, una vez más, el sufrimiento y la incomprensión ante la injusta muerte de miles de civiles ha generado una respuesta en la voz del arte. La mutilación y exhibición de los cuerpos de varios soldados americanos en la ciudad iraquí de Faluya trajo, como represalia, la destrucción de la ciudad y la muerte de entre 4.000 y 6.000 personas. En medio del silencio impuesto por el gobierno estadounidense, líder de la coalición internacional responsable de las tropas asaltantes, muchas voces críticas se alzaron para que la masacre no se echara en el olvido. La obra Fallujah de Siah Armajani (Teherán, 1939) es la denuncia de este suceso y una llamada de atención sobre la guerra y la política de tierra quemada que gobiernos contemporáneos no han dudado en emplear sobre poblaciones civiles. Una voz que, a contracorriente, se alza para pedir el cese de una guerra basada en el miedo y en los intereses económicos; todo ello en un momento en el que en Estados Unidos se señala como antipatriota y se boicotea a quien cuestiona la política amparada en los miedos de una mayoría.

Las citas a la obra maestra de Picasso ?las llamas dentadas, la presencia de un caballo de crines encrespadas y, de manera principal, la bombilla central de ambas composiciones?, subrayan el paralelismo de las situaciones vividas en Gernika y en Faluya.

Fallujah se construye en el momento en el que, tras la adrenalina producida por la catástrofe y la tragedia, el tiempo se detiene por un instante, los sonidos se amortiguan y las imágenes se hacen especialmente vívidas. Varios colchones, una mesa y su silla volcadas, una alfombra persa, unos zapatos, el caballo balancín… son los pocos objetos que habitan la casa.

Armajani dibuja el caos a base de líneas rectas y limpias. Los volúmenes rotundos se muestran, sin embargo, inestables, sujetos por la liviana estructura de una silla. La escalera, en su sitio, ya no da acceso a ninguna estancia. Y la transparencia del cristal con el que se definen los espacios nos trasmite una fuerte sensación de fragilidad. En lo alto, la jaula aparece vacía a través de las llamas. Y, por último, destaca la ausencia del ser humano que, paradójicamente, se hace así más presente y más universal. Cualquiera de nosotros podríamos habitar ese espacio que, por común y cotidiano, reconocemos como propio.

Siah Armajani vive y trabaja en EEUU desde 1960. Conocido internacionalmente como uno de los máximos representantes del arte público, su trabajo se sitúa en un espacio intermedio entre el arte, el diseño y la arquitectura. Crítico con la imagen y la estructura de poder, concibe sus obras para ser usadas en un contexto social. Puentes, pasarelas y sotechados se ofrecen como lugares de encuentro, reflexión o lectura.

La obra Fallujah se presenta por primera vez en ARTIUM de Álava y viajará posteriormente al CDAN, Centro de Arte y Naturaleza de Huesca.

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01/02/2007 > 10/06/2007 (Sala Este Baja)

Artista: Alfonso Gortázar

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia 

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ARTIUM presenta en In albis la pintura vital, sincera y fresca del artista bilbaíno Alfonso Gortázar. Nacido en 1955, vive y trabaja en Bilbao, donde alterna el trabajo en el taller con la enseñanza de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la UPV. Gortázar pertenece a una de las primeras promociones de artistas licenciados en dicha facultad, desde donde participó del espíritu de cambio que a finales de los 70 y primeros 80 ha revolucionado y marcado el arte español hasta nuestros días.

Frente a las opciones más conceptuales y analíticas de aquel periodo, la pintura de Gortázar forma parte de una corriente que desde la figuración, basa su fuerza en la expresión, el color y una manera desinhibida de enfrentarse al lienzo. Sus fuentes de entonces son una amalgama del pop americano de Rauschenberg y Rivers, las corrientes expresionistas europeas y una no desdeñable presencia de las vanguardias vascas, especialmente de la mano de Arteta o los hermanos Zubiaurre. Con todo ello y su conocimiento del medio crea un lenguaje pictórico propio que se mantiene inconfundible hasta hoy, y con el que ha conseguido convertirse en una de las referencias más sólidas de la pintura figurativa vasca actual.

A través de este tiempo su pintura se ha caracterizado por la utilización de la figura humana en escenas de una irónica transcendencia. A menudo cruza la mirada de sus personajes con el espectador, a quien invita a afrontar los mismos cuestionamientos vitales que en su obra. La búsqueda de sentido dentro y fuera del cuadro, –más o menos optimista, mordaz o descreída– es el trasfondo en el que habitan sus personajes, plagados de alusiones autobiográficas y citas a su contexto cultural y artístico.

En los años 90 comienza a sufrir la falta de la motivación que le había llevado a pintar hasta entonces. Su pasión por la pintura se mantenía intacta, pero la crisis que estaba atravesando hizo que no expusiera en 5 años. Este período va a marcar la temática de su obra hasta nuestros días. In albis hace referencia a ese miedo a quedarse en blanco. Sus trabajos se cargan de autoironía y se retrata en espacios angostos, precarias chabolas levantadas con todo tipo de materiales donde aparece enfrentado al, desde entonces, omnipresente lienzo en blanco. El arte y la propia pintura se convierten en el tema de su trabajo, y los explota tanto temáticamente –con alusiones al artista, a su trabajo en el taller y a su contexto social–, como técnicamente –investiga el color, las texturas y diversas referencias pictóricas en cielos, fondos y los numerosos detalles que salpican el cuadro–.

A diferencia de sus cuadros anteriores, en la obra más reciente la figura humana llega a desaparecer, y cuando aparece lo hace en pareja, el pintor y la modelo, subrayando con ello su interés por el propio contexto de la pintura. Los espacios, saturados de objetos, se expanden y el color muestra su cara más amable. Eso sí, el lienzo en blanco permanece en todas sus obras, cual espada de Damocles.

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20/03/2007 > 24/06/2007 (Antesala)

Artistas: Gabriele Basilico, Chema Cobo, Michael Danner, Curro González, Ismael González de la Serna, Valentín Vallhonrat

Una selección de obras de la colección de ARTIUM sirve, a visitantes pequeños y mayores, de reflexión sobre las formas de configuración y maneras de percepción de los diferentes espacios por los que nos movemos.

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29/03/2007 > 19/08/2007 (Sala Sur)

Comisarios: Daniel Castillejo, Nimfa Bisbe 

Artistas: Antoni Abad [+], Aitken Eija,Liisa Ahtila, Txomin Badiola, Stephen  Dean, Tacita Dean, El Perro, Leopoldo Ferrán y Agustina Otero, Guillermo Kuitka, Lin Tianmiao, Liu Jin, Ma Liuming, Miao Xiaochun, Rong Rong, Shaoyinong & Muchen Sheng, Sheng Qi, Shi Guorui, Wang Jin, Wang Qingsong, Weng Peijun

Actividades relacionadas con la exposición: conferencias

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Bajo el título, Amar, pensar y resistir. Encuentro entre dos colecciones, se exhibe una nueva muestra de los fondos de ARTIUM, que en esta ocasión convive con obras de otra importante colección: la de la Fundación «la Caixa». Un enriquecedor encuentro articulado como una exposición temática que pretende ofrecer nuevas miradas e interpretaciones sobre la creación contemporánea.

El título de la exposición, Amar, pensar y resistir, está extraído de algunos planteamientos formulados por el filósofo Santiago López Petit sobre el «querervivir». Una idea desarrollada en su trilogía de libros escrita recientemente, y en cuyo último título, Amar y Pensar: El odio de querer vivir, López Petit plantea el querer vivir como un desafío ante la vida, ante las imposiciones establecidas en este delirante y vertiginoso mundo. Amar, pensar y resistir, según él, son los recursos más valiosos para hacer frente a este difícil reto.

Esta convicción también se puede rastrear en el arte. Hablar de arte es hablar de la vida, de nuestra propia existencia y, por tanto, de ese querer vivir para enfrentarse al mundo. A pesar de que parte del arte actual se ve influenciado por el mercantilismo, por una desmesurada velocidad y por un gusto por el espectáculo, afortunadamente continúan existiendo artistas con un fuerte compromiso, ya sea emocional, intelectual o político, sobre la interpretación y la confrontación con la vida.

Los dieciocho artistas presentes en la exposición son una buena muestra de ello. Llamadas a la reflexión y a la conciencia para hablar de la vida y, en definitiva, de amar, pensar y resistir. Objetos tan simples como una bicicleta con los enseres de un vagabundo se emplea como icono de la soledad y la desesperanza del individuo marginal urbano; unas jeringuillas hipodérmicas se utilizan para recrear el plano de una ciudad actual, enferma por las drogas. Otros artistas nos hablan de manera metafórica del silencio y de la incomunicación en la que vive sumido el ser humano contemporáneo, un silencio a veces impuesto por los poderes fácticos para acallar a los más débiles. Precisamente, las víctimas de este injusto sistema y su consecuencia más cruda, la guerra, también tienen su referencia en la exposición.

Hay artistas incluidos en la muestra, que convierten el acto de crear en una experiencia intimista para indagar en emociones propias de la condición humana. La obsesión por resistirse al paso del tiempo y por alcanzar la eterna juventud, la angustia que produce la pérdida de la inocencia, la emotiva y, a veces, compleja relación con la madre, la familia y su entorno doméstico, o el fin del amor conyugal, y el consiguiente dolor y rencor que ello genera, son algunos de los asuntos abordados, extraídos de la propia vida y ante los que muchos podemos vernos reflejados.

Como señala Santiago López Petit en su último libro La vida es una palabra. El querer vivir, un grito. Contemplar las dieciocho obras de la colección de ARTIUM y de «la Caixa» reunidas para este proyecto es, sin duda, escuchar los ecos de la voz que alzan nuestros artistas al mirar el mundo que nos ha tocado vivir.

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29/06/2007 > 16/09/2007 (Sala Este Baja)

Artistas: Carlos Aires, Jacobo Castellano, David López Rubiño, Antonio Sánchez, José Muñoz,  Tucho Molina, Ángeles Agrela, José Piñar, Paco Pomet, Carlos Vega  Marina Rodríguez.

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De Granada a Gasteiz. Un viaje de ida y vuelta es la exposición de 13 artistas andaluces en Vitoria-Gasteiz. Presentada anteriormente en el Palacio Condes de Gabia, espacio dependiente del Centro José Guerrero, recoge el trabajo de los artistas seleccionados en el programa de becas Manuel Rivera por la Diputación de Granada desde 1997 hasta nuestros días.

El museo ARTIUM y el Centro José Guerrero comparten desde el comienzo de su andadura muchos objetivos y una misma filosofía en su compromiso con el arte. La atención a la creación realizada en su entorno inmediato destaca entre los más positivos y en esa responsabilidad se encuadra la presente exposición.

De Granada a Gasteiz nos permite conocer de primera mano los trabajos y reflexiones de los artistas granadinos y apropiárnoslos, haciéndolos parte de nuestra experiencia. Del mismo modo, durante la próxima primavera el Palacio de los Condes de Gabia acogerá la obra de los 8 artistas vascos del programa Entornos Próximos 06 y se completará así un primer ciclo que esperamos se repita en el futuro.

En un primer contacto con las obras comprobamos que la mayoría de los autores se encuentra en la treintena, y a pesar de ello, y de las 8 horas de carretera que separan las dos capitales, sus nombres nos son completamente familiares. No en vano el trabajo de varios de ellos ya se ha visto por aquí y obras de autores como Carlos Aires o Jacobo Castellano forman parte de los fondos de la Colección de este museo. Al mismo tiempo, sus reflexiones se citan en la construcción del discurso del arte emergente contemporáneo europeo tanto en exposiciones nacionales como en las firmadas por comisarios extranjeros. Es gratificante pensar que las becas de la Diputación de Granada o el programa Entornos Próximos de ARTIUM aportan una parte del impulso necesario para obtener estos resultados.

Salvo uno de los colectivos, disuelto hace ahora unos 5 años, la totalidad de los que han disfrutado de esta beca sigue hoy en activo y participa en esta exposición. Ajenos a una unidad temática o técnica, conforman entre todos ellos un interesante mosaico de los intereses artísticos contemporáneos. Las obras, realizadas en su mayoría en este último año, abarcan las más variadas técnicas, materiales y propósitos.

Una gran escultura mural de Jacobo Castellano abre la exposición, en el que 140 dibujos se ofrecen a modo de oraciones de agradecimiento budistas y que en la exposición representa el acceso a las múltiples realidades observadas por los artistas. Realidades por descubrir y participar como en las instalaciones de Carlos Aires o David López Rubiño, el paisaje futurista de Longobardo o los recorridos de la propuesta de Antonio Sánchez. Por su parte, Simón Zabell se sirve de la fotografía y su seriación para construir en nosotros la sensación de un nuevo espacio. Este medio lo utilizan también, a modo de documento, José Muñoz para reflexionar en la historia, y Tucho Molina para sumergirnos en una sensual abstracción.

La pintura se encuentra ampliamente representada por los trabajos de Ángeles Agrela, José Piñar, Paco Pomet, un collage de Carlos Vega y la persona sobre la que ha recaído la última beca, Marina Rodríguez. Cada uno de ellos utiliza un lenguaje muy particular y demuestran la energía con que esta técnica está enraizada en la creación contemporánea.

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15/03/2007 > 23/09/2007 (Sala Norte)

Comisaria: Susana Iturrioz 

Artistas: Bai Yiluo, Cang Xin, Chen Lingyang, Chen Qiulin, He Yunchang, Hong Hao, Hong Lei, Huang Yan, Li Wei, Liang Yuanwei, Lin Tianmiao, Liu Jin, Ma Liuming, Miao Xiaochun, Rong Rong, Shao Yinong Mu Chen, Sheng Qi, Shi Guorui, Wang Jin, Wang Qingsong, Weng Peijun, Wu Gao Zhong, Xu Heng, Xu Zhen, Yang Fudong, Yang Yong, Yang Zhenzhong, Zeng Yicheng, Zhang Dali, Zhang Huan, Zhao Bandi, Zhu Ming.

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I, cine

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ZHÙ YI, expresión tomada del chino mandarín, se centra en su traducción más literal, “atención”, con el propósito de darnos a conocer qué es lo que ven los jóvenes artistas chinos en sus ciudades, qué añoran en ellas, qué les ha marcado, aquello que les preocupa, sus sueños… ZHÙ YI! Fotografía actual en China es una invitación a descubrir la nueva China a través de la selección de 120 obras creadas entre 1994 y 2006 por los 33 artistas que participan en esta exposición.

Los artistas seleccionados confrontan los usos de la historia y de la realidad de la globalización hoy endía. Tras el estricto control ideológico de la Revolución Cultural, el arte chino comenzó a revivir durante los años 80, destacó a mediados de los 90 y esa hora, con esta nueva generación, cuando ha evolucionado y mira hacia el pasado como un objeto exótico, enlazando posibles peligros y disfrutes de una cultura global con una carga de fervor irónico y lacónico. Pendientes de la vida diaria y de la alineación en las ciudades del futuro, en las que la vulnerabilidad a los ataques atómicos y terroristas son cada vez mayores, los artistas chinos conviven con otro peligro detectado, la creciente sensación de vacío que generala incontrolable fiebre consumista que surge de este proceso. Unas veces con melancolía, a causa de cierta idea de un pasado mítico, y otras veces con el optimismo de quien es consciente de estar entrando en una etapa nueva,aparentemente próspera, en esta exposición los artistas reflejan la complejidadde las influencias culturales y el modo en que éstas se pueden proyectar, dosificando la belleza y la pasión en sus trabajos. Los artistas seleccionados para esta muestra utilizan temas coincidentes o reiteran.

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07/05/2007 > 09/11/2007 (Instituto Cervantes de Nueva York y Chicago)

Artistas: Jorge Oteiza, Vicente Ameztoy [+], Joan Miró, Pablo Picasso, Antonio Saura, Eduardo Chillida, Juan Hidalgo, Salvador Dalí, Elena del Rivero, Rogelio López Cuenca, Carmen Calvo, Carlos Sáenz de Tejada, Naia del Castillo.

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, y el Instituto Cervantes presentan A propósito de hombres y mujeres, una exposición integrada por obras escogidas de la colección propia del centro-museo vitoriano para su exhibición en las sedes del Instituto en Nueva York (http://nyork.cervantes.es/) y Chicago (http://chicago.cervantes.es/) entre los meses de mayo y noviembre de 2007. La muestra está integrada por doce obras de autores como Jorge Oteiza, Joan Miró, Eduardo Chillida, Salvador Dalí o Pablo Picasso, y presenta las diferentes miradas que este conjunto de artistas han realizado sobre la condición de ser hombre o mujer, además de mostrar la riqueza y diversidad de la Colección ARTIUM. A propósito de hombres y mujeres permanecerá cuatro meses en Nueva York, desde el 7 de mayo hasta el 1 de septiembre. La exposición viajará posteriormente a la sede del Instituto Cervantes de Chicago, donde permanecerá abierta desde el 13 de septiembre hasta el 9 de noviembre.

A propósito de hombres y mujeres presenta algunas de las diferentes aproximaciones que los artistas han realizado hacia la idea de ser hombre o mujer, tanto desde un punto de vista puramente artístico, como psicológico o descriptivo. En ese sentido, ese acercamiento del artista puede ser un elogio a una persona, como en el caso de Jorge Oteiza y su Homenaje a Mallarmé, o la plasmación de un gesto tan humano como es el abrazo, en el caso de Eduardo Chillida y Besarkada. Aproximaciones más actuales de tono surrealista son las de Carmen Calvo y su El ruido de la lluvia lloró alto, de Elena del Rivero y Les amoureuses (Elena & Rrrose) y de Vicente Ameztoy [+info] con su retrato familiar Sin título.

Joan Miró (Femme dans la nuit) y Salvador Dalí (Retrato de Mrs Fagen) ofrecen una perspectiva desde el surrealismo tradicional, mientras que son igualmente destacables los gestos expresionistas de Antonio Saura (Portrait imaginaire de Philippe II nº 3) y Pablo Picasso (Mousquetaire à la pipe). Distintos sentidos pueden otorgarse también a las figuras propuestas por Juan Hidalgo (Flor y mujer), Naia del Castillo (Corral) y Rogelio López Cuenca (Welcome).

El trabajo desarrollado en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo desde su apertura en 2002 ha significado, entre otros efectos, una amplia difusión de los valores de la Colección ARTIUM de Álava. Este fenómeno se ha traducido, por un lado, en el incremento exponencial de préstamos de obras para exposiciones en diferentes museos de todo el mundo. Un centenar de piezas viajaron en 2006 a diferentes exposiciones celebradas en Madrid, Barcelona, Buenos Aires, Río de Janeiro o Herford (Alemania), mientras que en la actualidad el Museo Guggenheim Bilbao y el IVAM, entre otros, acogen obras de la Colección ARTIUM en sus exposiciones.

Por otro lado, la divulgación de la colección y del propio centro-museo vitoriano se ha manifestado en su participación en eventos colectivos, como las exposiciones Museo de museos y Laberinto de museos, celebradas en Madrid y Pekín, en este caso en la sede del Instituto Cervantes. Pero sobre todo destaca en los últimos dos años la producción de exposiciones monográficas sobre sus fondos propios para su exhibición fuera de Vitoria-Gasteiz. En ese sentido, cabe recordar las muestras celebradas en 2006 en el Castillo de Santa Bárbara en Alicante y en la inauguración de Artesala de Caja de Navarra en Pamplona.

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29/09/2007 > 06/01/2008 (Antesala)

Artistas: Antonio Saura, Elena Blasco, Pierre Gonnord, Rafael Zabaleta, Eduardo Vicente, Antonio Sosa, Patricia Piccinini

A través de esta selección de los fondos de ARTIUM, niños y niñas acompañados de adultos podrán explorar la imagen de distintos tipos de animales y descubrir las razones que han llevado a artistas como Gortázar, Gonnord o Blasco a utilizarlos en sus obras.

Todos, animales - Listado de libros:

- 28 ipuin barre egiteko
- Ramiro
- Ricitos de oro y los tres osos
- Caperucita Roja
- El león que no sabía escribir
- La ratita presumida
- Pablo el artista
- Chocolate
- Mi amigo Juan
- Igeritz
- Mis primeros 100 animales
- Jonás y la ballena
- Las casas de los animales
- El pez
- El camuflaje de los animales
- El canguro
- El pingüino
- Atlas de los animales
- El perro
- La abeja
- La granja
- El pájaro
- El oso
- Vida contemporánea de los animales
- La vida de los animales
- William Wegman
- Farm Days
- Trufo y Rosa
- Tres con Tango
- Olivia
- El día de la rana roja
- Ane eta ahatetxoak
- Ana y los patos
- Los músicos de Bremen
- La jungla animada en papel
- Los cinco sentidos en el arte
- Veo y cuento en el arte
- Veo, veo animales en el arte
- Mi pequeño museo de Bellas Artes
- El juego de las formas
- Veo, veo ene el museo
- Escándalo en el museo
- El ABC del arte para niños
- El ABC del arte para niños – libro 2
 

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15/11/2007 > 06/01/2008 (Sala Norte)

Arquitecto: Jesús Marino Pascual

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Arquitecturas del Vino: Bodega Antión es la cuarta de una serie de exposiciones, iniciada en 2003 con Bodegas Baigorri y continuada por Bodegas Ysios y Bodegas Marqués de Riscal & Frank O. Gehry El objetivo de la muestra, como el de las anteriores, es ayudar a difundir y dar testimonio de la renovadora actividad arquitectónica que se está desarrollando en la Rioja Alavesa. Al atractivo del vino y su cultura se une desde hace un tiempo el valor e interés artístico de este patrimonio arquitectónico singular. 

La bodega Antión, perteneciente al Grupo Proconsol, fundado por José Luis Lázaro Carasa hace 40 años, esta situada en Elciego y nace con la aspiración de ser algo más que un lugar donde se elabora el vino. Quiere ser la representación de la destreza en el arte del vino de autor y de alta expresión. Con este proyecto la bodega quiere ofrecer un desarrollo integral en cuanto a la perfección del vino: caldos muy selectos, un entorno envidiable y servicios de hostelería al más alto nivel, todo ello bajo el prisma de la búsqueda de la excelencia.

Y es bajo estas premisas que el Grupo Proconsol encarga al arquitecto navarro Jesús Marino Pascual el diseño y construcción de la bodega, incluyendo en la misma un hotel, un restaurante, una sala de conferencias y un espacio dedicado a las catas.

Jesús Marino Pascual, nace en Liédena (Navarra). Formado en la E.T.S. de Arquitectura de la Universidad de Navarra, obtiene el título académico en 1978. Los 29 años de ejercicio los ha desarrollado como profesional liberal fundamentalmente en La Rioja, con proyectos y obras en Navarra, Álava, Zaragoza, Huesca, Tarragona, Valencia, Alicante, Menorca y Almería.

Su actividad profesional ha conllevado la construcción de numerosos edificios residenciales, intervenciones en el Patrimonio Histórico Artístico y proyectos y obras de edificios religiosos, museísticos, culturales, administrativos, deportivos e industriales, así como numerosos trabajos de ordenación urbanística, dotándole de un amplio conocimiento de la profesión.

Esta rica y variada actividad ha configurado un profesional de perfil amplio que cuenta además con un sólido despacho profesional y con una filosofía de trabajo reflejada en las primeras palabras dirigidas al visitante de su pagina web www.jmpyasociados.es

Sus importantes proyectos de bodegas le han llevado a un fecundo trabajo en el tratamiento del paisaje, rompiendo los límites entre arquitectura y topografía. El proyecto para club náutico y dársena fluvial en el Ebro a su paso por S. Vicente de la Sonsierra incide en esta preocupación, así como el proyecto que nos ocupa: Antión.

El edificio. El hecho de contemplar la bodega como visitable obliga a establecer recorridos fáciles y cómodos, sin interferencia con los recorridos funcionales de la misma. Dos principios rigen la creación y el diseño de la propuesta: la protección y el cuidado del medio en le que se va a desarrollar la implantación y hacer de la parte administrativo-comercial un hito publicitario y una imagen de marca reconocible. Como consecuencia, el proyecto se enfoca contemplando la implantación de la bodega como una cepa del viñedo, enraizada en la tierra, bajo la cual (en sus raíces) se alimenta la producción, mientras que en el aire (con sus hojas recibiendo la luz del sol) nos permite reconocerla, verla, ofreciéndonos su deseado fruto limpio y apetecible.

En efecto, la mayor parte de la bodega, su parte operativa, se sitúa bajo rasante, es decir bajo tierra y cubierta por un manto verde sin incidencia en el paisaje. Estos cuerpos soterrados van emergiendo de la tierra de manera diferente. Así, la nave de elaboración que al norte presenta tan solo su coronación, al sur evidencia prácticamente su volumen completo. La nave que alberga el almacén de materia prima y la planta de embotellado protege del sur a la cara que quedaría expuesta en la nave de envejecimiento en botella, que queda así soterrada. Es la zona administrativa, comercial y representativa la que ofrece una mayor presencia externa.

En su interior, es de destacar el espacio creado en el nivel intermedio de la bodega, en el pasillo de visitas, cuyo ensanchamiento en el eje central permite constituirse en un espléndido comedor, al estar envuelto por las esencias de la bodega, la dominante visión sobre la sala de barricas y la sorprendente perspectiva de la sala de elaboración.

Ya de entrada, la exposición refleja en el diseño de los muros de la sala, la inconfundible presencia de la curvatura con la que se construye la bodega adaptándose a la extremadamente forma irregular de la parcela que ocupa. Los bocetos originales realizados por Pascual para plasmar en papel su proyecto arquitectónico dan paso a fotografías del edificio en su fase constructiva final. Un espacio dedicado, como no podía ser de otra manera, a la propia creación fotográfica, recoge el trabajo realizado por Patxi Cobo, reflejando su modo personal de entender aspectos puntuales de la bodega. Todo ello va envolviendo la maqueta del edificio, punto central de ese espacio expositivo.

A partir de ahí y tras una pequeña muestra de los productos Antión, una pantalla refleja otras realizaciones de Pascual y su equipo.
Alzados y plantas, junto con fotografías de la evolución de la obra y un video, ayudan a comprender el proyecto y el recorrido, a partir de los inicios del proceso creativo, hasta el resultado final. Para terminar la exposición, una maqueta de obra, a escala 1:1, muestra la compleja unión de fachada y cubierta, proyectada para ofrecer la imagen de un sólido monolítico, con las diferentes capas que lo conforman. 

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01/11/2007 > 13/01/2008 (Sala Norte)

Comisario: Ismael Manterola

Artistas: Abigail Lazkoz, Juan Pérez Agirregoikoa y Txuspo Poyo.
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El jurado de la XIX edición de los premios Gure Artea seleccionó a 16 artistas y, como es habitual, premió a tres de ellos: Abigail Lazkoz, Juan Pérez Agirregoikoa y Txuspo Poyo.

Uno de los objetivos de los premios Gure Artea es dar a conocer el trabajo de los artistas vascos y, para ello, a los artistas premiados se les da la oportunidad de mostrar sus obras en una exposición especial.

Aparentemente, hemos de contemplar esta exposición como si se tratara de tres exposiciones individuales de los premiados, a pesar de que percibamos similitudes entre sus trabajos., ya que los tres han nacido en un mismo lugar, han realizado estudios similares en la Facultad de Bellas Artes de Leioa y han seguido caminos parecidos; los tres viven o han vivido fuera; los tres mantienen lazos con el País Vasco y los tres dan muestras de ese viaje de ida y vuelta que supone ser de un lugar y vivir en otro.

Por ser los tres parecidos pero distintos, la exposición está llena de dificultades, como si uno de los cometidos del arte es sacar los problemas a la luz. Es decir, no se trata de una exposición organizada en torno a un tema o a una idea pero, al mismo tiempo, tampoco hay que verla como si se tratara de tres exposiciones individuales.

Por lo tanto tendremos que buscar los lazos de unión entre los trabajos de los tres artistas aunque, quizás, el haber sido ganadores del premio Gure Artea sea el único. Con todo, el vínculo entre estos tres proyectos podría ser su reacción al recibir el premio: qué es Gure Artea y para qué sirve, el modo de presentarse ante la sociedad que los ha premiado, qué tienen que ofrecer al público.

Abigail Lazkoz ha presentado la serie de dibujos titulada Antianimismo, que nunca se ha visto antes en ningún lugar. En los cuatro grandes dibujos que componen la serie, Abigail Lazkoz habla en contra del alma humana, tal y como el propio título lo expresa. El tema del hombre contra el hombre es habitual en los dibujos de Lazkoz y, en esta ocasión, percibimos con gran crudeza las contradicciones y conflictos que el ser humano alberga en su interior. Es decir, queremos dar por zanjados los problemas que conlleva el que seamos parte de la naturaleza, y cada vez nos adentramos más por ese camino. Sin embargo, no podemos olvidar a la naturaleza, o cada vez es más evidente que, además de cultura, también somos naturaleza.

El proyecto de Juan Pérez está basado en su trabajo habitual, es decir, toma elementos de la vida cotidiana y de la cultura popular y los coloca en la sala de exposiciones. Con el cambio de contexto pone en evidencia la tensión entre los dos extremos, por un lado el problema del significado de las imágenes que se exhiben en la sala de exposición y, por otro, lo trivial de las imágenes que contemplanos cada día.

En sus trabajos anteriores jugaba con las ideologías y las cuestiones políticas y, en esta ocasión, hace algo parecido con el proyecto titulado Ukabil goratuko kontzertua (Concierto del puño alzado), en el que ha transcrito palabras de conocidas canciones populares y textos que algunos filósofos franceses han escrito para él por encargo. Ha pedido a un conocido «ochote» que cante estas canciones transofrmadas, y las ha recogido en un CD para que la gente se las pueda llevar a casa.

El vídeo de Txuspo Poyo titulado Delay glass es una especie de viaje realizado por el interior del conocido Le Grand Verre de Duchamp. La visita de Txuspo a este trabajo, que se puede considerar como un icono del arte del siglo XX, es una reflexión sobre el deseo que guiaba al mundo de Duchamp y, en general, al mundo del surrealismo. Ha puesto en marcha el sentimiento, tomado como máquina, en el modo en el que tantas veces describió el autor original. Pero, además, los medios audiovisuales que existen hoy en día para recrear las tres dimensiones y para imitar numerosos efectos de la realidad ofrecen la posibilidad de reconstruir el mundo de Duchamp, sobre todo en lo que se refiere a las transparencias y los reflejos. Txuspo transforma algo que se puede considerar como un objeto complejo en un mundo virtual en el que se puede vivir, para envidia de los surrealistas, diría yo.

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20/12/2007 > 15/01/2008 (Sala Seminario)

Comisariado: Biblioteca y Centro de Documentación

Artistas: Raquel Alzate, Laura Pérez Vernetti, Ana Juan, Victoria Martos, Sandra Uve, Amanda Conner, Jessica Abel y Rumiko Takahashi
 

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Mujeres creadoras en el cómic. La exposición permitía apreciar cómo en un mundo tradicionalmente dominado por hombres, las autoras de cómic ofrecen una visión sobre el universo femenino más acorde con la realidad del tiempo actual y, en todo caso, alejada de los estereotipos más habituales. Entre las creadoras de historietas que estaban presentes en la muestra pudimos encontrar autoras como Raquel Alzate, Laura Pérez Vernetti, Ana Juan, Victoria Martos, Sandra Uve, Amanda Conner, Jessica Abel y Rumiko Takahashi.

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04/10/2007 > 27/01/2008 (Sala Este Baja)

Comisaria: Laura Fernández Orgaz

Artista: Patricia Piccinini 

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(tiernas) criaturas podría parecer el título de un cuento, de una película infantil o tal vez de un inofensivo juguete. Sin embargo, a lo que hace referencia este peculiar nombre es a la exposición en ARTIUM de la australiana Patricia Piccinini, una artista que se puede calificar como creadora de historias fantásticas, de mundos artificiales llenos de ternura, que parecen haber surgido de los experimentos de un laboratorio científico.

La exposición contiene obras realizadas en los últimos quince años, tiempo en el que la artista ha alternado escultura, dibujo, fotografía o videoinstalación para recrear un universo sintético en el que conviven extrañas especies animales, camiones en forma de bebé o jardines digitales. El mundo de Patricia Piccinini es irreal, pero una vez que se penetra en él para descubrir sus historias y desvelar su mensaje, encontramos que es muy cercano a nuestra realidad cotidiana, marcada por la velocidad vertiginosa que imponen los avances tecnológicos y por el impacto de sus contradictorias y, a veces, impredecibles consecuencias.

La relación entre lo natural y lo artificial es uno de los ejes esenciales en la obra de Patricia Piccinini. La artista considera que la frontera entre estos dos conceptos es cada vez más difusa y permeable: para una persona urbana algo tan artificial como un coche puede llegar a ser más natural que un caballo, especie que, por otra parte, es producto de milenios de intervención humana en forma de cría selectiva. A medio camino entre lo tecnológico y lo animal, las creaciones híbridas de Piccinini, ponen de manifiesto este ambiguo diálogo y dan pie a una reflexión sobre el alcance de la tecnocultura.

Obras como Young Family, Protein Lattice, Plasticology, Helmets, o Nature Little Helper´s, aluden a la controvertida maraña de cuestiones éticas que surgen de avances biotecnológicos como la manipulación genética, la clonación, la reproducción asistida o el control del medio ambiente, técnicas generalizadas y asumidas por casi todos. La obra de Piccinini plantea cuestiones incómodas en torno a este tema: ¿dónde están los límites de la ciencia? ¿Quién se beneficia de sus avances? ¿Puede el ser humano llegar a controlar todas sus creaciones? ¿Y qué ocurre con los errores…?

No hay que olvidar que la obra de Piccinini, a pesar de abordar asuntos polémicos, es capaz de generar una gran ternura. La estrambótica apariencia de sus criaturas puede provocar una cierta repulsión y desasosiego pero también despierta la empatía del espectador. Este es un recurso deliberado de la artista, que afirma que le gusta apelar a las emociones cuando trata temas complejos en los que el posicionamiento ético no es sencillo. Precisamente, muchas de sus obras están protagonizadas por niños, cuyo aspecto inocente y vulnerable contribuye a que la lectura del mensaje sea un poco más amable.

A la hora de realizar sus criaturas, Patricia Piccinini recurre al hiperrealismo para invitar al espectador a que observe la piel, las arrugas, el sudor o el pelo de estas esculturas. Junto a este bestiario biotecnológico, destacan los brillos metálicos y sensuales de otra parte importante de su trabajo, la que se relaciona con el mundo de la tecnología automovilística: camiones en forma de bebé, una moto madre junto a su motito cría, cascos customizados… Máquinas que parecen querer metamorfosearse en formas humanas.

Al igual que Mary Shelley y su Frankenstein, las criaturas de Piccinini parecen materializar el sueño utópico de la razón humana, siempre deseoso de crear vida en aras del progreso. Al igual que el monstruo creado por el Doctor Frankenstein, estas criaturas nos recuerdan que el poder de creación y el control del ser humano no son infalibles. No obstante, Patricia Piccinini no se posiciona en contra del progreso, su obra no contiene mensajes apocalípticos o verdades absolutas, simplemente abre la puerta a un debate sin respuestas concluyentes…

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01/02/2007 > 10/06/2007 (Instituto Cervantes de Sao Paulo)

Artistas: Néstor Basterretxea, Óscar Domínguez, Federico de Echevarría, Equipo 57, Luis Feito, Agustín Ibarrola, Manuel Millares, Jorge Oteiza, Gerrado Rueda, Antonio Saura, Pablo Serrano, Joaquín Vaquero Turcios, Rafael Zabaleta

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, y el Instituto Cervantes presentan Mientras Brasilia nacía. Arte español en la Colección ARTIUM, una exposición integrada por obras escogidas de la colección propia del centro-museo vitoriano con la que el Instituto inaugura su nueva sede en la capital de Brasil. La muestra ilustra el estado de la creación artística en España en la década de los 50 del siglo pasado, los años en los que Brasilia se diseñaba y se construía. Para ello, Javier González de Durana, comisario de la exposición, ha seleccionado 17 obras de la Colección ARTIUM, en las que se encuentra la firma de algunos de los principales protagonistas de la renovación del arte español en una época en los que los brotes de libertad eran más bien escasos: Óscar Domínguez, Luis Feito, Equipo 57, Manuel Millares, Gerardo Rueda, Antonio Saura o Jorge Oteiza, entre otros. Mientras Brasilia nacía  permanecerá en la capital brasileña desde el 17 de julio hasta el 17 de septiembre y después se expondrá en Río de Janeiro, en octubre y noviembre, y en Sao Paulo, en diciembre de 2007 y enero de 2008.

Mientras Brasilia nacía, la exposición elaborada por ARTIUM para las sedes del Instituto Cervantes en Brasil, propone una suerte de revisión de los caminos del arte español en los años en los que se fundaba la capital brasileña, un recorrido guiado mediante diecisiete obras procedentes de la Colección de ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, cuya profundidad permite realizar distintas lecturas del arte español del siglo XX.

La década de los 50 del pasado siglo fue tanto un momento clave en la historia de Brasil como un tiempo esencial para el posterior desarrollo del arte en España. Un leve resquicio de tolerancia en el férreo régimen dictatorial y la lucha por la libertad confluyeron en estos años para permitir una brecha de modernidad creativa de la que son elocuentes representantes los artistas elegidos para esta muestra, todos ellos nombres esenciales de la historia del arte español contemporáneo. En ese sentido, Mientras Brasilia nacía ofrece ejemplos muy distintos de los caminos que empezaron a adoptar los artistas españoles, a partir de tradiciones y pasados no necesariamente coincidentes. Así, la geometrización abstracta está presente en dos obras de Gerardo Rueda, ambas tituladas Composición, fechadas una en 1953-54 y otra en 1955, así como en la pieza de Óscar Domínguez Arbalette (1950) y en Macla (1959), la pizarra grabada de Néstor Basterretxea con una evidente influencia de Jorge Oteiza.

Es precisamente el escultor guipuzcoano el más ampliamente representado en la muestra, con cuatro piezas que van desde lo figurativo de la Cabeza de Apóstol, creada para el apostolario de la Basílica de Aránzazu, hasta su faceta más experimental visible en Caja vacía (1958), Construcción con tres cuboides vacíos (1958) y Cruz (1959). Un dato a tener en cuenta es que Jorge Oteiza ganó el premio de escultura de la Bienal de Sao Paulo precisamente en 1957, mientras Brasilia nacía. Por otro lado, la abstracción española española está representada, aunque con diferentes puntos de partida, por Federico Echevarría, con Pintura (1959), Luis Feito, con Composición (1955), y Antonio Saura, con Abstracción (1955). Si Echevarría compone en base al color, en Feito rayaduras hechas aparentemente al azar se superponen a una base cromática y en Saura domina el gesto repetido. Una solución distinta es la que aporta Pablo Serrano y su escultura Ordenación del caos (1957).

Fruto de la investigación sobre los planos de color, la figura y el fondo es Sin título (CO-2) (1958), de Equipo 57, colectivo al que perteneció Agustín Ibarrola antes de regresar a la figuración rotunda que representa, por ejemplo, Maternidad. Por otro lado, el uso de materiales no convencionales y el énfasis en la textura de la pintura se haya representado por Manuel Millares, con Composición (1956). La selección de obras y artistas culmina con dos representates de la figuración española: Rafael Zabaleta y la geometría secreta de Aceituneras (1959) y Joaquín Vaquero Turcios y la fuerza de la superficie pictórica de Roma (1952).

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18/10/2007 > 24/02/2008 (Sala Norte)

Comisario: Javier González de Durana

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ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Los Gamarra van al cine. Películas en la Vitoria de los años 40 y 50, una época dorada para la exhibición de películas en la que la capital alavesa con apenas 50.000 habitantes contaba con siete grandes salas cinematográficas. A partir del legado realizado a ARTIUM por la familia de Jesús Gamarra, un millar de programas de mano de los que por entonces se entregaban en los cines, la muestra hace un recorrido entre sentimental y artístico por algunas de las imágenes grabadas en la memoria de los espectadores en unos años de dictadura y autarquía en los que el séptimo arte significaba posiblemente una de las escasas oportunidades de huir del mundo real y hallar otros mundos imaginables. Carteleras, murales, carteles, programas de mano, fotografías de las estrellas del momento y una pequeña selección de obras de la Colección ARTIUM componen una exposición que dedica un capítulo a los artistas que creaban aquellas imágenes y en especial a José Luis González de Viñaspre, el único ilustrador de carteleras de Vitoria-Gasteiz. Los Gamarra van al cine es una producción de ARTIUM con el patrocinio de El Correo.

Durante los autárquicos y grises años de la posguerra española, una familia vitoriana guiada por el padre, Jesús Gamarra, acudió a los cines de su ciudad con persistente frecuencia. Los Gamarra, como las familias de muchos otros vascos y españoles de entonces, buscaban en las salas de proyección un encuentro temporal con el arte, la belleza y las emociones, al tiempo que un momentáneo escape de la opresiva realidad cotidiana. Los locales de cine eran espacios para el hallazgo de otros mundos imaginables y para la huida del mundo real.

Esta pasión suya por el cine arranca de finales de los años treinta y la frecuencia de asistencia fue elevándose paulatinamente hasta que, a mediados de los años cuarenta, la contemplación de películas alcanzó las dos y tres ocasiones por semana. Esta asiduidad llegó a su clímax en torno a 1950 y se mantuvo hasta la mitad de esa década, para después ir descendiendo paulatinamente hasta reducirse a principios de los sesenta.

Ese desarrollo siguió el de la economía doméstica de una familia media española, desde unos años en los que había que ajustar el salario del pater familiae a las necesidades básicas, con escasa dedicación de dinero al entretenimiento, hasta los primeros momentos de crecimiento económico (Planes de Desarrollo impulsados por el gobierno franquista) durante los años cincuenta, en los que se alivió la presión sobre las economías privadas y se pudo destinar más recursos a la distracción y el ocio. Dicho desarrollo también tuvo que ver con la mejora y expansión de las salas de cine en Vitoria-Gasteiz:

1.en 1945 se renovó el Ideal Cinema (inaugurado en 1925),
2.en 1947 se renovó el Teatro Florida (inaugurado en 1926 como Salón General a partir del Teatro Circo, o La Barraca, inaugurado en 1896),
3.en 1951 se inauguró el Gran Cinema Vesa,
4.en 1955 se abrió el Teatro Amaya y, finalmente,
5.en 1959 fue inaugurado el Cine Samaniego, salas que se unieron a los ya existentes Nuevo Teatro o Teatro Principal (inaugurado en 1918) y Teatro del Príncipe (abierto en 1925).

Jesús Gamarra trabajaba como cajero en la sucursal del Banco Central, en la calle Dato, y durante aquellos años fueron más de 1.000 las películas vistas por él y sus hijos, la mayoría de las que se proyectaron en Vitoria entonces. Como era costumbre, al entrar a las salas de cine los espectadores recibían un programa de mano en el que, por una cara, se mostraba una imagen compuesta en relación a los personajes y/o las acciones de la película que iba a ser contemplada, y la otra cara describía en breves líneas quiénes eran los protagonistas y actores, dónde se proyectaba la película, a partir de qué fecha y los horarios. Además se incluían unas frases que aludían a la trama argumental de la película y predisponían al espectador. Una vez vista la película, estos programas de mano habitualmente terminaban en la papelera.

Sin embargo –esto es lo excepcional–, Jesús Gamarra guardó y conservó los programas de mano de todas las películas que vio. Sus descendientes, a impulsos del amor filial y de la pasión por el cine, preservaron este pequeño tesoro hasta la actualidad. A principios de este año, 2007, en un rasgo de generosidad, donaron ese conjunto de documentos a ARTIUM de Álava.

Basada en este conjunto de imágenes que nos retrotrae a la memoria sentimental, artística y cultural de una época de Vitoria, la Vitoria de nuestros padres, ARTIUM ha elaborado una exposición que recrea la cinematografía contemplada por los vitorianos durante unos tiempos en los que las películas, los carteles y los programas de mano eran el único nexo que la mayoría de la gente tuvo con el arte. Un arte propio del siglo XX, hijo de la industria y destinado a su consumo por las grandes masas, a mitad de camino entre el «gran arte» y el «arte popular», durante una época en la que los vitorianos carecieron de otros medios para llegar a conocer otras artes.

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20/09/2007 > 31/08/2008 (Sala Sur)

Comisario: Daniel Castillejo

Artistas: Rafael Agredano, José Ramón Amondarain, Ignasi Aballí, Carlos Aires, Ana Laura Alaez, Guido Anderloni, Elssie Ansareo, Txomin Badiola, Javier Baldeón, Juan Pablo Ballester, Sergio Belinchón, Bleda y Rosa, Daniel Canogar, Naia del Castillo, Song Chao, Hannah Collins, Carles Congost, Monika Czosnowska, Victoria Diehl, Alberto García Alix, Carmela García, Miguel Ángel Gaüeca, Pierre Gonnord, Dionisio González, Peter Granser, Juan Hidalgo, Candida Hofer, Evelyn Hofer, Marjaana Krella, Ola Kolehmainen, Paul Kooiker, Del Lagrace Volcano, Iñaki Larrimbe, Annalee Louwes, Chema Madoz, Ángel Marcos, Bradley McCallum, Jacqueline Tarry, Mira Bernabeu, Antoni Miralda, Mitsuo Miura, Santos Montes, Julie Moos, Juan Luis Moraza, Vik Muniz, Rafael Navarro, Shirin Neshat, Mabel Palacín, Alberto Peral, Concha Prada, Gonzalo Puch, Mabi Revuelta, Xavier Ribas, Miguel Río Branco, Humberto Rivas, César San Millán, Santiago Sierra, Fernando Sinaga, Kiki Smith, Margriet Smulders, Beat Streuli, Christer Stromholm, Esteban Torres, Spencer Tunick, Ulay, Juan Urrios, Juan Uslé, Céline Van Balen, Gert Voor In’t Holt, Ian Wallace, Jöel-Peter Witkin, Begoña Zubero.

Actividades relacionadas con la exposición:conferencia I, conferencia II, conferencia III
 

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Objeto de réplica. La Colección VII contiene, en realidad, dos exposiciones al mismo tiempo, la una engarzada con la otra, dialogando entre sí y, a la vez, con el espectador que se encontrará sumido en una permanente reflexión acerca de sí mismo y de los tiempos en los que estamos instalados. En un primer nivel de acercamiento es obvio que ésta es una muestra de fotografía, disciplina con un amplio eco en la actualidad y que ocupa un protagonismo esencial en casi todos los aspectos de nuestras vidas: desde la composición biográfica y autobiográfica hasta el conocimiento de los amplios avatares socioculturales y políticos en toda su dimensión. Pero el objetivo de esta muestra también es reflexionar sobre conceptos como el autor y sus derechos, el original, la copia y réplica o la multitud de aspectos que los avances tecnológicos desarrollan.

Parece que nos seduce, especialmente, congelar y ver congelado el tiempo, fijarlo y con él a quienes en él habitamos. Da la impresión que en la amalgama de sucesos en movimiento que nos abruman impidiéndonos ver con claridad las cosas, sentir la quietud, el instante parado, el gesto fijado, nos da el respiro necesario para intentar entendernos; para sacar al menos alguna conclusión, en fin, para imaginarnos que tenemos el tiempo suficiente como para ver el mundo tan a cámara lenta que nos parece que se encuentra quieto, como en estas fotografías. Por eso, esta exposición realiza un zoom vital con el ser humano como protagonista y clave de todas nuestras preguntas. Desde los primeros planos de los rostros, lugar donde según Walter Benjamin aún se puede encontrar el último rastro del aura, de la experiencia del artista, coleccionada como objeto fetiche único y que el desarrollo de la técnica ha diluido a base de reproducirlo de multiplicarlo, pasando por un movimiento de alejamiento paulatino del ser humano, de sus acciones y de sus huellas hasta, en un círculo perfectamente vicioso, llegar a las auras eléctricas y misteriosas de la cámara Kirliam.

Asumimos que la necesaria pérdida del aura casi religiosa del objeto artístico a causa del desarrollo tecnológico, es inevitable y necesaria, y aquí entramos en el segundo nivel de esta muestra, ya que los beneficios del acceso universal a las artes, la presunta democratización del goce estético o la desaparición de los límites creativos han dado lugar, como corresponde a la revuelta tecnológica de los dos últimos siglos a intensos debates acerca de concepciones sagradas e inmutables hasta el momento. El objetivo, por tanto de esta muestra, es reflexionar sobre conceptos como el autor y sus derechos, el original, la copia y réplica o la multitud de aspectos que los avances genéticos desarrollan. También pretendemos abordar alegorías que nos hablan de posibilidades infinitas abortadas por los mecanismos del mercado, del museo replicado a causa del arte replicado (y al revés también), en definitiva intentamos enfrentarnos a la intensa contienda conceptual en la que se encuentra sumido el mundo de las últimas artes y, como consecuencia de ello, la propia sociedad. Por ello, la exposición está plagada de guiños que esperamos no escondan, en último término, el disfrute que ofrece la producción fotográfica de estos tiempos.

El relato de Walter Benjamin fue un primer acercamiento al proyecto de esta exposición por lo que ha de leerse como un boceto que apunta parte de los intereses de la muestra. Como buen esbozo contiene partes realizadas, otras sin llevar a cabo y ausencias de aportaciones posteriores, sin embargo consideramos de interés que el espectador de la exposición imagine el proceso de realizar una exposición.

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01/02/2007

Ponente: Alfonso Gortázar

Coincidiendo con la inauguración de su exposición In albis, ARTIUM ha invitado al autor bilbaíno a hacernos un recorrido desde sus inicios en los años 80 hasta nuestros días. Un repaso a la trayectoria artística de Gortázar desde la reflexión de su propio proceso creativo.

Actividad relacionada con la exposición: Alfonso Gortázar. In Albis

08/05/2006

Ponente: Laila Manonelles.

Actividad relaciona con la exposición: Zhù yi! Fotografía actual en China

25/04/2007

Ponentes:  Siah Armajani, Lola Jiménez Blanco

El artista iraní Siah Armajani presenta en Artium su obra Fallujah, obra que pretende denunciar los bombardeos contra esa ciudad iraquí por el ejército estadounidense en noviembre de 2004.

Actividad relacionada con la exposición: Siah Armanaji. Falluyah
 

03/05/2007

Ponente:  Gijs van Hensbergen

Arquitecto e historiador de origen holandés, Gijs Van Hensbergen es un profundo conocedor del arte español contemporáneo y autor, entre otros, de un libro sobre el Guernica.

Actividad relacionada con la exposición: Siah Armanaji. Falluyah
 

29/05/2007

Ponente: Santiago López Petit

Nadie mejor que el filósofo catalán, para acercarnos la razón última de su argumentación sobre el querer vivir, eje fundamental sobre el que gira nuestra VI exposición de la colección, Amar, pensar y resistir.

Actividad relacionada con la exposición: Amar, pensar y resistir. Encuentro entre dos colecciones

12/01/2007 > 28/01/2007

Aristóteles en su Poética definió la catarsis como la purificación que se consigue a través de la compasión y el terror que produce la contemplación de la tragedia. Para despedir la exposición de la quinta presentación de la colección permanente de ARTIUM, Catarsis. Rituales de purificación, hemos querido ofrecerles este ciclo de cine en el que los realizadores han tratado de acercar al espectador a este concepto.

 Actividad relacionada con la exposición:  Catarsis. Rituales de purificación

09/03/2007 > 25/03/2007

El objeto de este ciclo es dar a conocer una serie de películas cuyo denominador común es estar dirigido por mujeres de diferentes continentes. A través de los distintos enfoques y temas que se nos presentan, trataremos de mostrar un paisaje diferente al habitual ya que el cine desde sus inicios ha sido esencialmente "Una cuestión de hombres".

14/04/2007 > 13/05/2007

Este ciclo aborda algunos de los temas reflejados en la exposición Zhù yi! Fotografía actual en China. Una vez más el cine se presenta no sólo como escaparate de tendencias, sino también como plataforma desde la que se evidencia la transformación social y política de un país. Se incluyen títulos alejados de los circuitos comerciales; películas que a pesar de la censura sufrida en su país, ofrecen la visión valiente de sus realizadores.

 Actividad relacionada con la exposición:   Zhù yi! Fotografía actual en China

04/05/2007 > 06/05/2007

Como cada año, ARTIUM se suma a las actividades programadas dentro del Festival Neff. Cortos, cine experimental, y música… Este año nos acercamos a Polonia, con un cine poco conocido pero de gran interés.

26/01/2007

Memoriaren mapan es el nombre del nuevo disco de Ruper Ordorika. Un compendio de canciones a flor de piel que nos presentan a un músico-compositor con mayúsculas, sorprendente y evocador. Este guipuzcoano no ha dejado de hacer buena música desde que grabara su primer disco allá por los años 80, y desde entonces ha sabido rodearse de grandes figuras internacionales siendo fiel a su propio estilo.

23/02/2007

Herederos de la protoelectrónica y del punk rock más canalla, en sus canciones hablan de sexo futuro entre arritmias, mantras y esquizofrénicos teclados. Finalistas del Proyecto Demo en 2005 y mejor maqueta nacional en la revista Mondosonoro. El orgásmico rock ha llegado a ARTIUM.

09/03/2007

El pop más dulce, el rap femenino más callejero, el punk y el rock se dan la mano en Vanexxa se rompe o se raja. ARTIUM quiere rendir su homenaje a la mujer trabajadora con la actuación de esta artista polifacética. Letras de amor y reivindicación, acompañadas de una estética muy potente, cercana al cabaret alemán.

20/04/2007

Plan Be' es un disco doble, exultante y melancólico al mismo tiempo, un rescate emocional, la ida y la vuelta de Javier Álvarez a la superficie de la tierra con todo lo que ello conlleva.

08/02/2007

Grupo: Impromadrid teatro

No sabemos qué va a pasar, quiénes serán los personajes y cómo se van a desenvolver en escena. La clave de este espectáculo de improvisación reside en ustedes, espectadores, que van a decidir qué quieren ver, cuál será el título de la pieza y alguna otra sorpresa que no les dejará indiferentes.

La improvisación teatral es un ejercicio inmediato, rápido y eficaz. Impromadrid teatro se define como una de las mejores compañías de España en la materia. Llevan diez años llenando los escenarios de Madrid y sus espectáculos han viajado ya por medio mundo aportando una dosis de frescura y buen humor. Ahora les toca improvisar en ARTIUM. ¿Se lo van a perder?

24/02/2007

Compañía: Michelle Man and friends

La compañía de danza contemporánea que dirige la coreógrafa Michelle Man actuará en ARTIUM.

26/04/2007

Julie Dossavi ha sido considerada la musa agricana de la danza contemporánea, un icono de la feminidad que argumenta a través de movimientos cargados de energía en una contundente presencia escénica. Sensual, poética y guerrera, nos encontramos ante una bailarina que ha recorrido escenarios de todo el mundo jugando con su imagen… y con su sombra.

23/04/2007 > 28/04/2007

En 2007 la Biblioteca y Centro de Documentación de ARTIUM puso en marcha el programa BookCrossing o Campaña de liberación de libros, como apoyo al fomento y difusión de la lectura y la cultura contemporánea.

Para tal fin, todos los años, coincidiendo con el Día Internacional del Libro, la biblioteca libera libros de arte en lugares emblemáticos de la ciudad de Vitoria-Gasteiz y en distintos puntos de la geografía mundial. El seguimiento de los mismos se realiza a través de la estantería virtual que la biblioteca tiene en la web oficial de Bookcrossing.

Desde 2009, cada 23 de abril, Día Internacional del Libro, la biblioteca impulsa y coordina la participación de centros y museos nacionales e internacionales en una actividad conjunta de liberación de libros.

En 2012 la biblioteca de ARTIUM ha pasado a ser Zona de Cruce Oficial. En el vestíbulo del centro-museo se ha habilitado una zona específica permanente donde siempre hay libros disponibles para la caza o para la liberación. Junto a ellos hay un cartel identificativo donde se dan instrucciones sobre qué hacer con los mismos.

28/04/2007

Coincidiendo con la celebración del Día Internacional del Libro, 23 de abril, la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium impulsa el fomento de la lectura y la difusión de la cultura contemporánea mediante la programación de diferentes actividades: BookCrossing o Campaña de liberación de libros, lecturas teatralizadas, exposiciones bibliográficas, entre otros.