2006

 

 

 

Exposiciones

 

 

Muros de Luz. Aitor Ortiz

08/02/2006 > 01/05/2006 (Sala Este Baja)

 

Artista: Aitor Ortiz

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Muros de Luz , el nuevo proyecto realizado por el artist a bilbaino para ARTIUM, comparte el lenguaje de obras anteriores, aunque por la espectacularidad de su escenografía y la reflexión sobre el juego de la percepción visual de la arquitectura, es más ambicioso. En la sala se exhibe un conjunto de fotografías de diferente formato en el que conviven por un lado, imágenes de la propia materia prima de la arquitectura, es decir la piedra en bruto, y la misma cantera de donde se extrae, y por otro, la arquitectura desnuda, en este caso de ARTIUM. El conjunto, rotundo y de gran potencia visual, envuelve al visitante a través de la monumental geometría en blanco y negro de las imágenes, y de los intensos focos de luz que emanan de algunas de ellas, y que parecen estar cargadas de una energía especial.

La rugosa textura y tosca monumentalidad de la roca se deja sentir al recorrer con la vista las imágenes de las paredes de una cantera. Algunos de estos rudos muros han sido desocupados y horadados surgiendo así unos huecos, a modo de aperturas y ventanas que emiten un a b rillante luz blanca - con un cierto aura sobrenatural - que genera contrastes muy marcados y teatrales claroscuros. En algunas de las imágenes, este efecto lumínico, además de acentuar la cualidad escultórica de la masa pétrea, transforma el espacio de la cantera en un lugar cargado de simbolismo, como si de un santuario o espacio sagrado se tratase.

Frente a la cantera surge la arquitectura del museo. Varias fotografías se funden con el muro mismo de la sala, lo horadan y penetran hasta perder sus límites. El artista consigue hacer partícipe a la arquitectura real del museo, y a modo de perfecto trampantojo, reta a la más aguda percepción visual haciéndole dudar de lo que es imagen y lo que es muro. Ante esto, una cierta sensación de inquietud se apodera del observador que debe hacer un doble esfuerzo para discernir que es, de lo que no es. Esta incertidumbre entre lo que es real y tangible, con lo que es ficticio y puramente mental pone en evidencia las limitaciones de la experiencia visual humana (y el poder de la fotografía).

Otras tantas imágenes de menor formato completan el conjunto de la sala. Son prácticamente abstractas, y a pesar de contener referencias arquitectónicas evidentes, tienen una apariencia muy pictórica. La exposición se cierra con la proyección de un vídeo que traslada nuevamente al visitante al punto de partida: la cantera.

Fotografía, arquitectura, escultura y luz forman parte de un complejo y sofisticado entramado visual que es Muros de Luz. Aitor Ortiz hace dialogar todos estos elementos de manera magistral para construir un paisaje arquitectónico inexistente, un universo tangible pero impenetrable.

Actividades relacionadas con la exposición: Filmfórum

 

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La obra maestra desconocida

02/02/2006 > 28/05/2006 (Sala Norte)

Comisario: Javier González de Durana

Artistas: Auguste Rodin, François Porbus, Nicolas Poussin, Peter Paul Rubens, Harmensz Van Rijn Rembrandt, Paul Cézanne, Wassily Kandinsky, Pablo Picasso, Dora Maar [+], Lee Krasner, Ad Reinhardt, Esteban Vicente, Jean Dubuffet, Oscar Domínguez, Asger Jorn, Jean Fautrier, Robert Motherwell [+], Mark Tobey, Mark Rothko, William De Kooning, Joan Miró, Gabriel Ramos Uranga, Anselm Kiefer, Joan Mitchell, Pierre Soulages, Antonio Saura, Gerhard Richter, Rafael Ruiz Balerdi, Jean Michel Basquiat, Sigmar Polke, Sean Scully, José Guerrero, Antoni Tàpies [+], Günther Förg, Tim White, Fabian Marcaccio, Carmelo Ortiz de Elgea, José Luis Zumeta, Joan Fontcuberta, Peter Paulo Rubens, Harmensz Van Rijn Rembrandt.

Actividades relacionadas con la exposición: Filmfórum, conferencia I, conferencia II, conferencia III, conferencia IV, conferencia V, conferencia VI

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Ambientada en el París de principios del siglo XVII, La obra maestra desconocida es un relato en el que, sin embargo, Balzac aborda temas de naturaleza artística contemporáneos a él y que, en buena medida, siguen vigentes hoy en día. Esto es debido a que Balzac trata ciertos asuntos propios de la naturaleza humana, que antes ya habían sido descritos como mitos (Prometeo, Pigmalión.), tales como la ansiedad, la emulación divina, la posesión, la potencia de la mente y la debilidad de las fuerzas humanas.

El resultado del trabajo de Frenhofer es una obra maestra, cuando menos, del exceso, pero del exceso de trabajo, una obra tan desmesuradamente trabajada que resulta indescifrable; una obra, en fin, que ya ha atravesado por completo el espejo de lo real, de lo exterior, para devenir una pura fantasía interior. Esta pérdida del sentido de lo real, ¿es la amenaza que asedia específicamente al creador, que no puede evitar extraviarse dentro de sí, perdido o despistado en los intrincados laberintos del yo? Atrapado por su destructivo sueño, Frenhofer, sin darse cuenta, había ido aniquilando lo que él mismo había creado, no restando al final, como él mismo patéticamente reconoce, nada.

A pesar de ello, algunos artistas de la segunda mitad del siglo XX realizaron un tipo de pintura que se asemejaba a la negativa descripción (no-pintura) que Balzac hizo de la obra de Frenhofer. A partir de Kandinsky, buena parte de los expresionistas abstractos (Rothko, De Kooning, Krasner.), informalistas de diversa índole (Jorn, Saura, Forg.), abstractos de nuevo cuño (Scully, Polke,.) y desfigurativos varios (Basquiat, Marcaccio.) convirtieron en 'arte' lo que hasta entonces sólo podía ser concebido como 'locura'.

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Plis Plas Tboak

11/04/2006 > 18/06/2006 (Antesala)

 

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Esta exposición quiso recoger una panorámica del cómic infantil y juvenil desde los años 30 hasta la actualidad. Auténticos iconos culturales como Mickey Mouse, el Aventurero, Astérix y Obélix, el capitán Trueno, o personajes entrañables como Fina, Azucena, Zipi y Zape o ortadela y Filemón ilustran un importante patrimonio cultural y constituyen el reflejo de parte de nuestra historia más reciente. Humor, suspense, fantasía y acción se dan cita en historias que han entretenido durante décadas a niños y niñas de muchas generaciones. Este espacio expositivo ofrecía información documental sobre los cómics de carácter histórico así como la posibilidad de leer tebeos y participar en diferentes talleres educativos.

Actividades relacionadas con la exposición: Conferencia Roman Gubern, Conferencia Antonio Altarriba

 

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Javier Mingueza. Imágenes de Jazz

06/07/2006 > 03/09/2006 (Sala Este Alta)

 

Artista: Javier Mingueza 

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La exposición Javier Mingueza, Imágenes de Jazz nos da la oportunidad de ver reunidas en las salas del museo la síntesis de cerca de veinte años de Jazz en Vitoria-Gasteiz. La selección de estas fotografías, realizada por el propio autor, pone en relación tres mundos en contacto que en esta ocasión se funden en uno, la música, el arte y la fotografía. Sin frontera definida entre su valor documental y artístico, las obras firmadas por Mingueza sirven como homenaje al 30 aniversario del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz.

Más de 40 imágenes sintetizan la particular mirada a la música de este autor, convertido para muchos en la imagen del Festival por su capacidad de transmitir la entrega, emoción y esfuerzo de sus protagonistas. En su obra se une el sabor de la tradición clásica de este estilo de música con la más actual contemporaneidad. En ella reconoceremos retratos de Pat Metheny, BB King o Paco de Lucía, pero principalmente descubriremos imágenes de éxtasis, extenuación o pasión, traducidas en fotografías cargadas de expresividad en instantes lúcidamente congelados.

Javier Mingueza (Vitoria-Gasteiz, 1956) se inicia en el mundo de la fotografía a través del comercio que regenta su familia en la capital alavesa. Será a partir de 1985, cuando vinculado laboralmente al periódico El Correo Español, asume el trabajo que se convertirá en una de sus grandes obsesiones a lo largo de estos 20 últimos años: cubrir el certamen del festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz.

En 1988 realizará su primera exposición fotográfica con el Jazz como único leit motiv. Junto con otros cuatro fotógrafos firma el proyecto Jazz Quintet, en las salas del Centro Cultural Montehermoso, de Vitoria-Gasteiz y un año más tarde recibe con El Correo, el premio Sustatu.

Con la fotografía que sirve de imagen a esta exposición, realizada en el año 2000, recibe en Nueva York el premio internacional Medalla de Oro a la mejor portada de Diseño. Esta obra fue realizada con motivo del suplemento que el periódico dedicó al Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz de ese mismo año.

En la actualidad colabora en las exposiciones anuales que realiza su periódico, por medio de la selección que anualmente recoge en 50 imágenes los eventos más importantes acaecidos en Vitoria y su provincia. Su última muestra, Cuatro Esquinas, realizada junto con otros 3 reporteros gráficos el pasado mes de noviembre en esta misma ciudad, incidía en la línea más creativa del autor.

La exposición se completa con 25 portadas de álbumes seleccionadas de los más grandes momentos del Jazz internacional a través de la mítica firma Verve Records, en un ejercicio que demuestra una vez más la conexión natural entre el arte contemporáneo y el Jazz.

 

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Jana Sterbak. De la performance al vídeo

18/05/2006 > 03/09/2006 (Sala Este Baja)

Comisaria: Teresa Blanch

Artista: Jana Sterbak 

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Jana Sterbak, nacida en Praga en 1955, es una de las artistas checo-canadienses de mayor proyección internacional en la actualidad. Su doble cultura ha proporcionado un interesante equilibrio a su lenguaje artístico en el que se alían, de un lado, un interés por temas histórico-sociales tratados con un liberador espíritu crítico propio de su país de origen y, de otro, una forma directa, concisa y reductiva de tratar estos asuntos, procedente de su formación canadiense posterior.

Su obra se caracteriza por la creación de imágenes sobrecogedoras que exploran la privacidad del sujeto humano, en una personal combinación de aspectos políticos, biológicos, mitológicos y personales que han convertido su trabajo en una de las observaciones antropológicas más poéticas y radicales de los últimos años.

La exposición De la performance al vídeo que presenta ARTIUM de Álava explora estos dos polos sobre los que se asienta su producción, con el objetivo de poner en relación sus primeras performances, que le llevaron a adentrarse en interesantes exploraciones biotecnológicas, con sus más significativas obras de los años recientes que han dado lugar a complejas videoinstalaciones concebidas en torno a la idea de la mirada del otro.

Esta es la primera exposición que reúne las dos grandes instalaciones que Jana Sterbak ha producido en la década del 2000, obras de pantallas múltiples que hacen importantes incursiones en la cinematografía experimental. La obra From Here To There ha sido elaborada por medio de un cachorro de perro con un ojo-cámara que filma su deambular libre por un campo nevado de Canadá, estimulado por todo lo que descubre ante sí. Con esta obra la artista representó a Canadá en el Pabellón Canadiense de la Bienal de Venecia de 2003. La obra Waiting For High Water ha sido filmada en Venecia, durante una característica época de subida de las aguas. En esta obra el mecanismo de filmación se ha hecho más complejo y el ojo-cámara se triplica para recibir las imágenes panorámicas a ras de agua. Esta última videoinstalación ha sido producida por ARTIUM de Alava y fue mostrada por primera vez en la Bienal Internacional de Praga de 2005.

En estrecho diálogo con estas obras recientes, la exposición se remonta a destacadas performances de la artista. En la década de los ochenta empleaba la carnalidad exacerbada y la electrificación para plantear intrigantes metáforas sobre los peligros y las constricciones a los que se enfrenta el individuo al construir su identidad. La exposición muestra la pionera obra Remote Control II (1989), que fue seleccionada para el Aperto de la Bienal de Venecia de 1991 (con la que se acercaba por primera vez su trabajo a Europa), donde la artista descubre la posibilidad de introducir un mecanismo por medio del cual el cuerpo se convierte en un objeto máquina. De ahí ha derivado a la ideación de acoplamientos incómodos para el cuerpo como Uniform (1991) o Sisyphus Sport (1997).

Mediante acciones insignificantes relacionadas con el mundo físico y animal, la artista acostumbra a describir situaciones absurdas capaces de modificar radicalmente el sentido de lo que vemos y, de este modo, relativizar grandes consideraciones y progresos de la humanidad. Así, en Artist as Combustible (1986) su imagen de artista es consumida por el fuego, en Absorption: Work in progress (1995) ella misma se transforma en polilla devoradora de los trajes del famoso artista alemán Joseph Beuys, o en Psi a Slecna (Defence) (1995) el aullido de un perro distorsiona por completo la solemnidad de una sesión de canto. En los últimos años ha trasladado las capacidades performativas del ser humano a los objetos, como demuestran las perturbadoras mutaciones que sufren las obras Bread Bed (1997), Selection (for Sisyphe) (1998) o Dissolution II (Auditorium) (2001). En esta última el derretimiento del hielo destruye de forma tragicómica un grupo de sillas construidas en parte con este material. Con la adopción de inesperadas imágenes, las esculturas y las acciones de Jana Sterbak proponen sugerentes metáforas sobre el ser humano.

 

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Entornos próximos 2006

06/07/2006 > 17/09/2006 (Sala Norte)

Comisarios: David G. Torres, Enrique Martínez Goikoetxea

Artistas: Héctor Orruño, Karmelo Bermejo, Ana Lezeta, Javi Soto, Zigor Barayazarra, Fermín Jiménez, Iratxe Jaio y Klaas von Gorkum.

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Este año se celebra la segunda edición del programa Entornos Próximos, en el que se presentan los trabajos de 8 artistas vinculados con Álava o el País Vasco.

El certamen, creado con la intención de fortalecer el contexto artístico en Vitoria-Gasteiz, recoge una de las cientos de imágenes que nos procura la base de nuestro entorno cultural.

La exposición supone una elección que presumimos de riesgo. Desde planteamientos sostenidos en estructuras puramente conceptuales hasta los acercamientos más formales, Ninguno de los trabajos presentes se define por mantener una estructura estable en sus propuestas sino por la pretensión de encontrar nuevos espacios de comunicación, nuevas relaciones entre su pensamiento y el objeto resultante.

Héctor Orruño, Miriam Isasi, Ana Lezeta y la pareja Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum son los autores alaveses que se verán acompañados por 4 artistas de sus entornos: Karmelo Bermejo, Javier Soto, Zigor Barayazarra y el navarro Fermín Jiménez.

Para ninguno de ellos este paso por ARTIUM supone el haber llegado a una meta y, posiblemente, ni siquiera haber definido un camino. Presumiblemente seguirán alternando la génesis de nuevos discursos con dudas y crisis creativas. Ahí es donde este programa pretende incidir, ayudando a consolidar las propuestas arriesgadas, potenciando aquellos esfuerzos por abandonar los lugares comunes y los territorios ya explorados, convirtiéndose éstos en función y criterio para la selección de los trabajos aquí expuestos.

Aparentemente no se aprecia a simple vista ninguna cualidad que homogeneice sus propuestas. Sin embargo, en un recorrido por la sala se intuyen rasgos comunes que podrían constituir una de las peculiaridades del nuestro arte emergente.

Partiendo de los trabajos en pintura, la documentación en video y la fotográfica, las ambientaciones de obra o la instalación final presentes en la sala, en cada uno de ellos parece haberse renunciado a la presentación del objeto para pasar a estar integrado en un contexto más amplio, habitando un espacio. Si bien aparece la pieza artística en la exposición, es mostrada, en un ejercicio de igualdad, como elemento de una realidad específica.

Así la pintura desborda el lienzo, se funde en el muro y se convierte en arquitectura o en texto, la escultura olvida su pedestal a la vez que se expande y acumula, la fotografía aparece como resto conceptual de una acción, y la única obra que se completa en si misma, es algo tan intangible como la proyección de un vídeo.

Todo ello nos hace plantear que existe la necesidad, consciente o no, de mantener el trabajo de artista alejado de la idea de ser un acto único genial, y que necesita del contacto con la realidad para conservar un referente concreto, ya sea por ejemplo de su entorno social, político o íntimo.

Así Héctor Orruño creará con su pintura espacios vitales que sitúa en un futuro próximo, con una estética trasladada de la nanotecnología y el cómic de ciencia ficción, a la vez que mantiene un contacto directo con la pintura, el taller y el trabajo manual.

Por su lado, una revisión de planteamientos conceptuales recientes, permiten a Karmelo Bermejo tratar irónicamente nuestros referentes culturales, políticos y económicos, creando sentimientos contrarios en el espectador sobre temas actuales, concretándose en la sala en la documentación de dichas acciones.

Ana Lezeta por su parte propone una pieza de vídeo en la obra más poética de la exposición. Sin sonido que perturbe la imagen, crea un calidoscopio visual por medio del continuo movimiento de encuentros y desencuentros de 7 actores. Su obra nos remite a los sentimientos, muchas veces cíclicos, de las relaciones humanas.

Tanto la propuesta de Miriam Isasi como la de Javi Soto exploran espacios íntimos que a través de diferentes lenguajes, integran en su obra una carga ácida e irreverente, más árida en el caso de Javier e introspectiva en el de ella. Sus respectivas intervenciones se saturan de color e incluyen en ambos casos, llamadas de atención a un posible espectador.

A su vez, con un lenguaje más formalista, Zigor Barayazarra aludirá a la socialización del ser humano y a su inmersión en el espacio habitado. A través del análisis de los signos que nos rodean, vallas publicitarias o señales, planteará enfrentamientos, poética e irónicamente, con otros referentes naturales.

Fermín Jiménez utiliza en su obra aquellas preocupaciones que nos asaltan cotidianamente y que se convierten, en dibujos, instalaciones, fotografías o vídeos. Artista multidisciplinar, salpica el espacio de ideas de forma desinhibida, haciendo de él su taller u hogar. Lúdico, crítico y fresco, el proceso se convierte en guión de su trabajo, trasluciendo una visión optimista en la práctica artística.

La exposición termina con la propuesta del colectivo formado por Iratxe Jaio y Klaas von Gorkun. Una instalación, Meanwhile, In the Living Room… nos introduce en una acción previa realizada en Holanda bajo el mismo título. Partiendo de la representación de una sala de estar, cubierta del televisivo azul chroma key que habitualmente es empleado para superponer imágenes, los autores nos sitúan entre dos mundos, el real y el representado, transfiriendo significaciones de uno a otro en un estudio de los comportamientos sociales.

Este es, en definitiva, el reconocimiento de ARTIUM a la fuerza y compromiso de estos proyectos artísticos que justo acaban de empezar.

 

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Arte y Naturaleza

27/06/2006 > 24/09/2006 (Antesala)

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Exposición infantil realizada a partir de una selección de obras de la Colección Permanente que presenta la relación que siempre ha existido entre arte y naturaleza, entre artistas y científicos. Se organizó un espacio de lectura y de taller permanente abierto al público durante el período de la exposición.

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Andres Serrano. El dedo en la llaga

22/06/2006 > 08/10/2006 (Sala Norte)

 

Comisaria: Oliva María Rubia

Artista:  Andrés Serrano

Actividades relacionadas con la exposición: Conferencia

 

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Desde sus comienzos, a principios de los años ochenta, hasta la actualidad, las fotografías de Andres Serrano (Nueva York, 1950) no han dejado de abordar los asuntos más controvertidos y polémicos del convulso mundo en el que vivimos. Por las sucesivas series fotográficas de Andres Serrano –que desde mediados de 1980 recurre siempre a la serie como modo de trabajo– han pasado igualmente los numerosos tabúes que aún perviven en nuestras sociedades. Los fluidos del cuerpo, la exclusión, el fanatismo, la religión, la enfermedad o la muerte han sido objeto de su atención pormenorizada en series como Bodily Fluids, Immersions, Nomads, Ku Klux Klan, The Church, The Morgue... Quizá por eso la obra de Andres Serrano haya sido vista a menudo bajo el prisma de la polémica. De hecho, su nombre saltó a la fama internacional a raíz de la denuncia que los senadores Jesse Helms, de Carolina del Norte, y Alphonse M. D’Amato, de Nueva York, hicieron de su obra Piss Christ (1987) –un crucifijo inmerso en la orina del propio artista– ante el Senado de los Estados Unidos en 1989.

Pero más allá de la controversia con la que han sido acogidas cada una de sus series, esta exposición nos permite ver la densidad y profundidad que cobra una obra siempre atenta a las cosas que importan. Lo que, analizado separadamente, pareciera una forma de provocación se manifiesta como una vocación: la de tratar temas y problemáticas que nos atañen como seres humanos, y hacerlo no sólo en el momento en que esas problemáticas cobran protagonismo, sino con imágenes que sobresalen, además, por su belleza.

La elección de los temas que atraen su interés y el modo de tratarlos, enfatizando la belleza por medio de la utilización de la iluminación y el color, han situado igualmente su obra en los parámetros de la controversia. La belleza es un componente esencial de su trabajo. A través de ella, Serrano intensifica la tensión, ya que seduce al espectador con el resplandor de unos temas tradicionalmente considerados tabúes. Su interés por cautivar a los espectadores mediante la belleza ha sido una constante a lo largo de toda su trayectoria. “Si no encuentro la belleza no soy capaz de hacer una fotografía”, ha señalado.

La contundencia de sus imágenes se apoya, asimismo, en los mecanismos de la publicidad: en el recurso a la iluminación y, sobre todo, en el uso que hace del lenguaje, en la precisión de los títulos, en la utilización, en definitiva, de las palabras de un modo a la vez breve y elocuente, algo que aprendió en una agencia de publicidad en la que trabajó cuando tenía veinte años. Ello le permite transmitir sus ideas de forma rotunda y atractiva. En ocasiones son los títulos los que confieren ese carácter provocador a imágenes que, si no se recurriera a ellos de forma tan evidente, bien podrían pasar por simples fotografías de una gran belleza y atractivo pictórico, como ocurre, por ejemplo, con las fotografías de las series Bodily Fluids e Immersions. Todos esos recursos le sirven al artista para atraer a los espectadores, sorprenderles y enfrentarles con imágenes que a menudo tratan temas difíciles; imágenes ante las que nuestro primer impulso sería el de apartar la mirada si no nos fueran presentadas de forma bella.

Serrano es un formalista y un artista con un gran sentido de la tradición. Sus composiciones son rigurosas y los simbolismos alegóricos aparecen en cada una de sus series, desde las monocromas de los fluidos, los homeless o el Ku klux Klan a los tableaux de Budapest. Es desde la posición de un artista que construye sus imágenes desde la que se acerca al arte y utiliza la fotografía. Por ello no es de extrañar que su obra se haya emparentado con la de los grandes maestros de la pintura, especialmente del Barroco. Serrano se identifica con la tradición, se considera a sí mismo como un artista religioso del pasado con ideas contemporáneas, y ello se transmite en sus fotografías.

 

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Hannah Wilke. Exchange Values

05/10/2006 > 14/01/2007 (Sala Este Baja)

Comisaria: Laura Fernández Orgaz

Artista:  Hannah Wilke

Actividades relacionadas con la exposición: Filmfórum, conferencia I, conferencia II, conferencia III

 

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Hannah Wilke perteneció a la primera generación de artistas americanas feministas surgida en la década de los setenta que luchó intensamente por acabar con la inexistencia de la mujer en el ámbito artístico, dominado por un arraigado discurso patriarcal. A través de su arte, Wilke y otras muchas reivindicaron la particularidad del género femenino y la posición de la mujer artista como sujeto pensante y creativo, frente a su tradicional representación como objeto pasivo. La vagina se convirtió en un icono para muchas de ellas pues su uso en el arte les servía como marchamo de distinción frente a sus colegas varones, además de elevar y validar el sexo femenino, siempre considerado como pecaminoso y tabú o como símbolo de fertilidad (de hecho Wilke fue la primera artista en utilizar la iconografía vaginal a finales de los sesenta). El deseo por derrumbar el mito patriarcal del genio masculino que había contribuido a la ausencia y ocultación de las mujeres artistas del pasado, motivó que estas creadoras exploraran nuevos medios y formas de expresión como la performance o el todavía incipiente video.

El trabajo de Hannah Wilke se enmarca en este contexto. Su obra se desarrolló entre la escultura en materiales tradicionales como la cerámica que utilizó toda su vida y otros no tradicionales como el chicle, la goma de borrar, el látex o el lino. Además, consciente de las posibilidades expresivas de los medios no tradicionales, practicó con intensidad la performance, el video y la fotografía, que simultaneó habitualmente con el dibujo.

Su propio cuerpo se erigió en el centro de su arte, y partió siempre de su experiencia autobiográfica para abordar asuntos de carácter universal. De este modo, mediante la exhibición de su cuerpo desnudo en acciones, vídeos o fotografías, el uso ambiguo e irónico del lenguaje que incorporaba en los títulos y numerosos escritos personales, atacó el hábito de etiquetar y estereotipar, de dominar y menospreciar otras actitudes, razas, religiones o culturas (ella misma era judía), sin olvidarse del género femenino. Asuntos como la opresión social de las mujeres, la dominante mirada masculina –perpetuadora del ideal de feminidad–, el fanatismo del feminismo radical, el valor económico y la contribución del trabajo artístico femenino, e incluso el admirado Duchamp dieron lugar a valientes y provocadoras obras como Super-T-Art, S.O.S. Starification Object Series, Marxism and Art, So Help Me Hannah, o I Object. Un arte capaz de agitar conciencias que fue visto por muchos como una amenaza...

Entre tanto, la exposición de su cuerpo desnudo, joven y de gran belleza, desencadenó los ataques de numerosas colegas feministas del momento, que lerecriminaron un exceso de exhibicionismo narcisista y de frivolidad. Flirteaba y provocaba demasiado para ser feminista, llegó a decir Lucy Lippard, una de las más afamadas críticas del momento. Sin embargo, ajena a estos comentarios, continuó trabajando en la misma línea y utilizando su cuerpo durante toda su vida, tanto en sus años de juventud, como cuando ya estaba maduro y enfermo.

Precisamente el carácter efímero de la belleza, la fragilidad de la vida, la enfermedad, el dolor o la inevitable muerte fueron temas que Wilke abordó en su etapa de madurez. A través de la relación con su madre, a quien cuidó y fotografió con verdadera pasión en la época en la que estuvo aquejada de un cáncer mortal, Wilke consiguió darle a la enfermedad otro valor y otorgarle a un cuerpo anciano, enfermo y deteriorado por los duros tratamientos médicos, una dimensión diferente. La imagen de Selma Butter débil y vulnerable, es capaz de transmitir a pesar de toda la crudeza del cáncer, una dignidad especial que reside más en el espíritu que en el perecedero cuerpo. Por desgracia, no sería la última vez que la artista se enfrentaría a la enfermedad, el dolor, y la muerte pues en el año 87 le fue diagnosticado un linfoma que le quitó la vida seis años después.

La serie Intra-Venus sería el resultado de este último y difícil reto. Ese cuerpo joven y hermoso del que se había servido para denunciar las injustas grietas de la sociedad, es nuevamente utilizado, ahora enfermo y deformado, lleno de dolor y a la espera de la inevitable muerte, para enfrentarnos con crudeza a su vulnerabilidad y a su paso efímero por la vida. Es como si Intra-Venus fuera la pieza final de un puzzle en el que todo encaja con una coherencia sobrecogedora; como si se tratara de un testamento que la artista dejara en nuestras manos para a través del arte llegar a ser más tolerantes.

 

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Adquisiciones recientes

09/11/2006 > 18/02/2007 (Sala Norte)

 

Comisario: Daniel Castillejo

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Fieles al compromiso de incrementar cada año los fondos del museo para configurar una colección sólida que atestigüe de manera fiel y rigurosa la evolución de la creación artística contemporánea, ARTIUM presenta la tercera versión de la exposición Adquisiciones recientes. Para esta cita, se ha llevado a cabo una selección de entre las 835 obras ingresadas en el museo entre los años 2004 y 2006, que han pasado a formar parte de la colección mediante depósitos (Saénz de Tejada, Arco, etc) compras y donaciones.

Sala Norte
Desde el 9 de noviembre de 2006 hasta el 18 de febrero de 2007

La exposición que se presenta ahora es tan solo la punta del iceberg de un activo y continuado proceso de trabajo que engloba: la catalogación así como el análisis y estudio de cada una de las piezas ingresadas, de manera individual, y en relación al conjunto de los fondos. Esta labor investigadora, amén de otros factores, ha determinado la selección final de las piezas elegidas para esta muestra, en la que ha primado el interés por mostrar los distintos referentes y tendencias sobre las que asienta el arte más actual.

Los artistas presentes en la muestra se sirven, sin el predominio de unos frente a otros, de los soportes tradicionales como la pintura, el dibujo, o la escultura; o bien de técnicas más recientes como la fotografía, el video o la instalación, para generar discursos, que en unos casos, se centran en la búsqueda y trabajo en torno a la forma, y en otros, en profundizar sobre el mensaje de la obra.

Ejemplos del interés que sigue despertando en algunos artistas la investigación pictórica en torno a la abstracción, los encontramos en Madrid de Eduardo Gruber, en Pintura Amarilla de Iñaki Cerrajería o en Rotchenko Japonesa Blanca de Manu Muniategiandikoetexea. Por su parte, los dibujos de Juan P. Agirregoikoa se sirven de la estética del cómic y de un fuerte sarcasmo para criticar ciertas actitudes de nuestra sociedad.

El monolítico discurso de la historia se deconstruye con la pieza de Fernando Sánchez Castillo, en la que la imagen del férreo poder monárquico que transmite una escultura ecuestre queda reducida a pequeños fragmentos rotos y desperdigados por el suelo. Frente a esa mirada cáustica, otro escultor, Jose M. Guijarro, nos enfrenta a la fuerza expresiva de una tosca y casi tribal pieza de madera. Otros como Andrés Ángel o Alberto Peral nos muestran los distintos caminos que sigue la escultura actual, que en ocasiones traspasa sus fronteras y se sirve de sofisticados dispositivos eléctricos para explorar los límites del espacio y su percepción visual. Es el caso de Sunoid, de Sergio Prego, consistente en un imponente brazo mecánico de cuatro metros de longitud con tubos de luz fluorescente que van moviéndose muy lentamente.

La cotidianeidad se convierte en un intenso generador de ideas artísticas. Es el caso del bodegón contemporáneo de Gonzalo Puch, o de esas partículas de polvo, de apariencia abstracta, aumentadas por la lente de un microscopio que Concha Prada fotografía de manera sutil y poética. Sin duda, la realidad cotidiana da mucho juego a los artistas, no sólo para fijarse en sus objetos más banales e imperceptibles sino también para ser el punto de mira de sus críticas, como la de Mateo Maté y su instalación Nacionalismo doméstico, un perfecto ejemplo de cómo la violencia externa del mundo se cuela constantemente en los pequeños detalles de nuestra vida diaria. Barricadas de Esther Partegás explora los espacios públicos urbanos, invadidos por la cultura del consumismo: bolsas y botes de basura, tableros de anuncios, cajeros automáticos o bancos para sentarse, que la artista extrae de la cotidianeidad de nuestras ciudades. Un mundo poblado por objetos de usar y tirar, alentado por un sistema que nos obliga a adquirir constantemente cosas nuevas despreciando las viejas. La basura se transforma en protagonista principal de la obra de esta artista al convertirse en metáfora del consumismo que nos aliena.

El polémico artista Santiago Sierra con su obra Línea de 30 cm. tatuada sobre una persona remunerada, se enmarca dentro de esta crítica mordaz del capitalismo y la globalización. A Sierra le preocupa la mercantilización de todo lo existente, incluidos el arte y los artistas y para ello no duda en plantear acciones muy polémicas que en ciertos casos nos hacen cuestionar su propia ética.

Las Monstruas de Marina Nuñez, representaciones sobre espejos circulares de mujeres deformes, afectadas por taras físicas representan lo desconocido, aquello que tememos porque es diferente a nosotros. Marina Nuñez relaciona la exclusión y la marginación de estas monstruas con la de las mujeres, porque opina que a lo largo de la historia, la feminidad ha sido asociada al cuerpo monstruoso en numerosas ocasiones.

 

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Carlos Sáenz de Tejada. Dibujos para La Libertad

09/11/2006 > 18/02/2007 (Sala Norte)

 

Comisario: Daniel Castillejo

Artista:  Carlos Sáenz de Tejada

[Consultar documentación]

Entre 1919 y 1934 Carlos Sáenz de Tejada (Tánger, 1897 – Madrid, 1958) colabora como ilustrador en el periódico La Libertad, mientras continúa con su participación en numerosas revistas y publicaciones. De vocación artística temprana combina la pintura con la ilustración, a la que se dedica ya desde 1914, y con otras disciplinas artísticas. El año 1925 marca un punto de inflexión en su trayectoria al incendiarse el estudio que en ese momento comparte con Francisco Bores. Tras la pérdida de la mayor parte de su obra pictórica decide abandonar la pintura e intensifica su labor como ilustrador, faceta que durará toda su vida.

Ilustra novelas, desarrolla su faceta de grabador y litógrafo, realiza figurines y escenografías para teatro… y colabora con numerosas revistas nacionales e internacionales ya sea en el ámbito informativo como en el de la moda, ámbito al que le anima a acercarse Sonia Delaunay. Pero es en La Libertad, periódico en el que colabora durante más de 15 años, donde madura como ilustrador y tiene la posibilidad de plasmar la realidad política y social del momento.

El 18 de marzo de 2005, la familia Sáenz de Tejada hace entrega al Museo ARTIUM de Álava del Depósito del Fondo Sáenz de Tejada compuesto por 186 obras de este artista, datadas entre 1922 y 1934, y un archivo documental que complementa y contextualiza dichas obras.

Parte del depósito lo conforman los 183 dibujos originales realizados en su mayoría para el periódico La Libertad, periódico en el que comienza a trabajar tras la escisión del diario El Liberal en 1919 hasta la crisis del periódico en octubre de 1934.

Esta exposición facilita un recorrido por las diferentes secciones dentro del diario: "Antena" publicada en la portada de La Libertad entre octubre de 1933 y junio de 1934; La novela de La Libertad, suplemento que ilustra entre 1925 y 1933; “Estampas españolas”, de 1934 y “Viejas estampas” y “Aspectos de París” de 1925 y 1930 respectivamente, además de mostrarse otros dibujos que, aunque no pertenecientes a ninguna sección específica, ilustran las secciones de sociedad de La Libertad.

Son especialmente las ilustraciones que realiza para la sección “Antena” las que muestran la calidad de Tejada como dibujante, adaptándose a la línea editorial de un periódico dirigido a amplias capas sociales. A través de las diferentes temáticas refleja desde ambientes en cierta forma elitistas, hasta el mundo suburbial que atraía su interés, pasando por las costumbres, festividades, los actos deportivos y culturales del momento, etc.

En estos dibujos Carlos Sáenz de Tejada no busca la inmediatez o realismo de una cámara fotográfica sino la verosimilitud, a través del retrato de escenas y personajes realizados con trazo limpio y perspectivas que aportan dinamismo y que, de alguna manera, caracterizan el dibujo que Tejada realiza en esta época..

 

Documentación asociada a la exposición

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 INVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUM

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Eugenio Ampudia. Sólo una idea devoradora

19/10/2006 > 18/02/2007 (Sala Norte)

 

Comisario: Mariano Navarro

Artista:  Eugenio Ampudia

[Consultar documentación]

Eugenio Ampudia ...sólo una idea devoradora reúne las piezas fundamentales de una línea de trabajo iniciada hace más de una década, y la prosigue y amplía con otras inéditas, cuyo motivo principal es el análisis del arte como medio de transmisión y del artista como agente intermediario. En consecuencia, la ubicación de la obra y del “operario de ideas” en el seno de las instituciones artísticas y del mercado.

Ampudia sostiene que los artistas son personas que tienen algo que decir –ya sean ideas o sensaciones, etc.– a aquellos que se sirven de parámetros de pensamiento paralelos o semejantes, sino iguales, a los que ellos mismos han desarrollado en el curso de la historia, es decir que hablan para Interlocutores válidos. También, que el arte, tal y como lo conocemos hoy, es una invención sustentada en un sistema cuya antigüedad no es mayor de doscientos años y que muy bien puede estar en trance de transformación y disolución en otro sistema diferente, dotado de dispositivos y objetivos radicalmente distintos de los que lo constituyen hoy.

La obra de Eugenio Ampudia reinscribe nombres, piezas, instituciones y otros componentes del sistema del arte en un universo referencial más ancho y extenso vinculado al concepto de cultura o culturas; entendido el primero como un hábitat contemporáneo, en el que conviven tradición e innovación, y que ha configurado –con una casi autodestructiva capacidad crítica durante la modernidad– su propio medio y condición, independizándose (relativamente) y generando sus propias convenciones culturales y sus gradaciones de distinción.

Observa y advierte sus modos de reproducción endogámica y considera los aspectos mercantiles, productivos, patrimoniales e inversores ligados a la cultura en términos de mercancía, sin olvidar las estrategias conducentes a su prestigio social y a la elevación de sus protagonistas.

No aborda el mundo o el sistema del arte como un mero ejercicio de reconocimiento intelectual, sino que incide (más que nos advierte, nos da a entender) en los prejuicios y las disposiciones sentimentales que subyacen y conviven en nuestros juicios estéticos y criterios preferenciales.

La exposición propone un recorrido por los protagonistas y por los componentes del mundo del arte, que requiere, a la vez que invita, la intervención del visitante. De este modo, el espectador activo circula entre artistas, asiste a sus modos de trabajo, interpreta sus obras, explora los espacios expositivos públicos y comerciales, traba conocimiento con los instrumentos de la crítica y la historia del arte y asiste al esfuerzo de los coleccionistas, presos todos ...sólo de una idea devoradora.

 

Documentación asociada a la exposición

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 INVITACIÓNPUBLICACIÓN ARTIUM

 

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Catarsis. Rituales de purificación

09/03/2006 > 04/03/2007 (Sala Sur)

Comisario: Daniel Castillejo

Artistas: José Luis Fajardo, Francesc Torres, Evaristo Belloti, Miquel Navarro, Jorge Oteiza, Jaume Plensa, Darío Corbeira, Darío Villalba, José Manuel Viola [+], Lucio Muñoz, Antoni Clavé, Victoria Civera, Xavier Franquesa Llopart, Zush, Víctor Mira, Vicente Ameztoy [+], Florencio Galindo de la Vara, Manuel Millares, Antonio Saura, Joan Josep Tharrats, Miquel Barceló, Marina Núñez, Itziar Okariz, Pedro G. Romero, Rafael Agredano, Pablo Miiqua, Miquel Barceló, Juan Muñoz, Amador (Amador Magraner), Nicolás de Lekuona, Ángel Ferrant, Begoña Montalbán, Pedro Mora, Elena del Rivero, Ignacio Sáez, Pierre Gonnord, Ángel Marcos, Erwin Olaf, Francisco Ruiz de Infante [+], Mira Bernabeu, Javier Pérez, Manu Arregui, Miguel Ángel Gaüeca, Antoni Tàpies [+], Antoni Muntadas, Joan Fontcuberta, El Perro, Rogelio López Cuenca, Juan Francisco Casas, Eduardo Sourrouille, Alberto Peral, José Manuel Ballester, Rómulo Celdrán, Fernando y Vicente Roscubas, Roland Fischer, CVA, Juncal Ballestín, Jacobo Castellano, Iñigo Royo, Victoria Civera, Victoria Diehl, Cabello / Carceller, Juan Pérez Agirregoikoa, Ixone Sádaba.

Actividades relacionadas con la exposición: conferencia I, conferencia II, conferencia III, conferencia IV, cine

 

[Consultar documentación]

Lo real

Estamos a punto de introducirnos en un viaje por la representación, por el mundo de lo metafórico, de las alusiones y conviene saber desde dónde partimos. Aquí, no hay representación, lo que hay es, lo real, nada más.

La representación 

La representación es el origen de la catarsis, sin la acción, sin la proyección de lo real, no es posible avanzar en el viaje que nos llevará a la a la purificación y completará el proceso catártico.

La sublimación

Es la representación emocional pura, la idea de sublimación estética o las referencias a ella. En este capítulo nos centramos en la sensibilización abstracta que provoca placer, evocación y otras emociones tan penetrantes como, muchas veces, indefinibles.

La máscara

En la representación la máscara ayuda al actor en la interpretación de lo ajeno. Por medio de la máscara se logra una distancia entre uno mismo y lo representado. Se esconden los rincones no deseados y se expresan las emociones con mayor libertad.

La tragedia

La tragedia según el principio aristotélico es el elemento clave gracias al cual se produce la catarsis. En este apartado claramente se representa la tragedia y según el dogma catártico clásico desde aquí, tras su contemplación, se deberían originar las emociones de compasión y temor y al final del proceso, la purga, la purificación.

La conciencia

Una vez contemplado lo representado pasamos a la toma de conciencia, a localizar el problema que desde la representación trágica ha viajado hasta nuestro interior. Hay que poner en marcha los mecanismos, los artilugios mentales que nos permitirán afrontar la crisis.

La carga

El peso que nos abruma, que nos impide reaccionar. El dolor que ciega la capacidad de distinción entre realidad y espejismo. El momento difícil y peligroso de terminar hundido por el lastre que supone su tonelaje.

Las cabezas

Los lugares donde habita la conciencia y surge la lucidez, aparecen como fijación, como una zona donde la mirada frontal al espectador y a sí mismas preguntan, inquieren respuestas con urgencia. Miradas o palabras mudas que no son sino un intermediario, un velo entre dos mentes frente a frente.

Los mecanismos, las llaves, las claves

Este apartado trata de definir el estado de autonomía de las decisiones. La capacidad de poder estar sólo o no en el instante último de decidir. Por eso, esa soledad necesaria y difícil de delimitar exige una visión clara para poder abrir las puertas y seguir adelante. Para ello, aquí se presentan obras donde la metáfora tiene una presencia esencial.

Las puertas

Los límites, las salidas, los resquicios son el primer horizonte. En ellas se formaliza el deseo entrar, de salir o de cambio. El proceso catártico inicia su transformación con la búsqueda de posibles soluciones para expresar la necesidad de purgar las emociones. En el arte, las puertas son esenciales, abiertas o cerradas, son uno de los temas más evidentes que hablan de soluciones e impedimentos.

El rito

El rito forma parte del proceso catártico ya que por medio de la repetición, del sacrificio se inicia el proceso de purificación para lograr la limpieza del alma, la catarsis. En el arte la experiencia ritual se produce en la celebración repetitiva del propio arte y en la expresión terapéutica de sus contenidos.

Las liturgias

Las formas, el conjunto de actos con los que se representan los ritos, son los signos del arte que expresan celebración, saludo, penitencia, voluntad o deseo.

Los exvotos

El ofrecimiento, el don y el agradecimiento que se realiza tras un beneficio recibido tienen su correspondencia en el arte, donde abundan artistas y obras en las que los objetos y sus representaciones parecen dar la razón a la capacidad del mismo para conseguir imposibles y de la misma manera, en vez del reconocimiento, ejercer la crítica.

La liberación

Finalmente, tras cubrir todo el proceso, tras haber asistido a un viaje donde la catarsis y el arte han ido en paralelo y uno se ha explicado al otro, llega el momento de la purificación, del cambio y de descubrir el papel del arte en la interpretación del mundo y del ser humano. Es el momento de liberar las emociones negativas por medio de la explosión, la expulsión y la muda. Una nueva mirada se impone.

La explosión

Primer acto de purificación, que tal vez sea reflejo, provocado o involuntario pero que parece inevitable. El hecho es que las condiciones obligan a este estallido de violencia creadora. Una detonación instantánea que acaba con el viejo orden interior.

La expulsión

En la catarsis la expulsión de las emociones negativas es el instante clave. Pero, de la misma manera, el hecho del desprendimiento y limpieza de esa negatividad, también implica el desbordamiento, la marea, el manglar que coloniza otros espacios. Quien sabe si para desaparecer o, por el contrario, para alumbrar otras posibilidades.

La muda

Tras recorrer el proceso catártico, llega el instante final, el momento de reconocer que todo ha cambiado y que ahora toca la transformación. En la declaración de intenciones, este es el relámpago de la nueva conciencia, del desprendimiento de las antiguas certidumbres y mostrar un diferente rostro. De la constatación crítica de que todo, nosotros y el mundo, debemos ser de otra manera.

 

Documentación asociada a la exposición

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 INVITACIÓN

 

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Conferencias

 

 

 

Roman Gubern: La relación entre el cómic y la expresión cinematográfica

08/05/2006

Ponente: Roman Gubern, catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad Autónoma de Barcelona, destaca como experto en historia del cine e historia del cómic.

Actividad relaciona con la exposición: Plis Plas Tboak

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Andrés Serrano - El dedo en la llaga

22/06/2006

Con motivo de la exposición Andrés Serrano. El dedo en la llaga, el artista hablará de toda la trayectoria artística, controvertida y polémica desde sus inicios.

Actividad relacionada con la exposición: Andrés Serrano. El dedo en la llaga

 

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Francisco Calvo Serraller - Genio S.A.

06/04/2006

En relación a la exposición La obra maestra desconocida, uno de los autores de los textos del catálogo, Francisco Calvo Serraller, crítico y catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, ha elegido una serie de prestigiosos expertos para analizar en diferentes charlas el relato de Balzac, su época y sus distintos matices e implicaciones.

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

 

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Antonio Altarriba: El cómic como soporte ideológico

09/05/2006

Ponente: El catedrático de Literatura Francesa de la Universidad del País Vasco, Antonio Altarriba, experto en el mundo de la historieta y al mismo tiempo guionista, abordó el tema del cómic como soporte ideológico. Al término de dicha conferencia se celebró una mesa redonda en la que participaron Simónides, Mauro Entrialgo, Kini e Iñaki Larrimbe.

Actividad relaciona con la exposición: Plis Plas Tboak

 

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Luis Antonio de Villena - La obra perdida en la alcantarilla: Simeon Solomon

20/04/2006

Autor:  Luis Antonio de Villena

TítuloLa obra perdida en la alcantarilla: Simeon Solomon

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

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A. Sánchez Vidal - De la novela a la película del cubista

04/05/2006

Ponente: Agustín Sánchez Vidal

Título: De la novela a la película del cubista

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

 

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Javier Barón - El taller del artista. De la época de Balzac a la de Picasso

11/05/2006

Ponente: Javier Barón

Título: El taller del artista. De la época de Balzac a la de Picasso

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

 

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Estrella de Diego - La musa tachada y otras erratas del deseo

18/05/2006

Ponente: Estrella de Diego

Título: La musa tachada y otras erratas del deseo

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

 

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Jose María Parreño - Héroes vencidos: novelas de artistas

25/05/2006

Ponente: Jose María Parreño

Título: Héroes vencidos: novelas de artistas

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

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Jesús Mª Ezcurra y Edorta Elizagarate - Locura y creatividad

21/09/2006

Título: Locura y creatividad

Ponentes: Jesús Mª Ezcurra y Edorta Elizagarate

Con motivo de la exposición Catarsis. Rituales de purificación, quinta presentación de la Colección ARTIUM, el centro-museo organiza un ciclo de conferencias en el que diversos especialistas abordarán la idea de catarsis (textualmente, efecto que causa la tragedia en el espectador al suscitar la compasión, el temor u horror y otras emociones) desde distintas disciplinas, tanto científicas como creativas.

Actividad relacionada con la exposición: Catarsis. Rituales de purificación

 

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Evru

23/11/2006

Ponente: Evru

Con motivo de la exposición Catarsis. Rituales de purificación, quinta presentación de la Colección ARTIUM, el centro-museo organiza un ciclo de conferencias en el que diversos especialistas abordarán la idea de catarsis (textualmente, efecto que causa la tragedia en el espectador al suscitar la compasión, el temor u horror y otras emociones) desde distintas disciplinas, tanto científicas como creativas.

Actividad relacionada con la exposición: Catarsis. Rituales de purificación

 

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Fernando Castro - Menú degustación. Del asco y otras cosas vomitivas

23/11/2006

Título: Menú degustación. Del asco y otras cosas vomitivas

Ponente: Fernando Castro

Con motivo de la exposición Catarsis. Rituales de purificación, quinta presentación de la Colección ARTIUM, el centro-museo organiza un ciclo de conferencias en el que diversos especialistas abordarán la idea de catarsis (textualmente, efecto que causa la tragedia en el espectador al suscitar la compasión, el temor u horror y otras emociones) desde distintas disciplinas, tanto científicas como creativas.

Actividad relacionada con la exposición: Catarsis. Rituales de purificación

 

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Karra Elejalde

15/11/2006

Ponente: Karra Elejalde

Con motivo de la exposición Catarsis. Rituales de purificación, quinta presentación de la Colección ARTIUM, el centro-museo organiza un ciclo de conferencias en el que diversos especialistas abordarán la idea de catarsis (textualmente, efecto que causa la tragedia en el espectador al suscitar la compasión, el temor u horror y otras emociones) desde distintas disciplinas, tanto científicas como creativas.

Actividad relacionada con la exposición: Catarsis. Rituales de purificación

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Maite Garbayo - Arte y feminismo: una aproximación a las prácticas artísticas contemporáneas

10/10/2006

Título: Arte y feminismo: una aproximación a las prácticas artísticas contemporáneas

Ponente: Maite Garbayo

Para contextualizar la exposición sobre Hannah Wilke se han programado varias conferencias que pretenden ilustrar el contexto socio artístico de la década de los setenta en Estados Unidos a través del análisis del cine independiente y de la escena artística feminista. Además, la segunda parte de las conferencias programadas darán voz a dos de las protagonistas más interesantes de esa primera generación de artistas que revelarán a través de sus experiencias creativas y vitales lo que fueron esos intensos años.

Actividad relacionada con la exposición:  Hannah Wilke. Exchange Values
 

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Carolee Schneeman - Arte y feminismo

16/11/2006

Título: Arte y feminismo: una aproximación a las prácticas artísticas contemporáneas

Ponente: Carolee Schneeman

Para contextualizar la exposición sobre Hannah Wilke se han programado varias conferencias que pretenden ilustrar el contexto socio artístico de la década de los setenta en Estados Unidos a través del análisis del cine independiente y de la escena artística feminista. Además, la segunda parte de las conferencias programadas darán voz a dos de las protagonistas más interesantes de esa primera generación de artistas que revelarán a través de sus experiencias creativas y vitales lo que fueron esos intensos años.

Actividad relacionada con la exposición:  Hannah Wilke. Exchange Values
 

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Martha Rosler - Arte y feminismo

22/11/2006

Título: Arte y feminismo: una aproximación a las prácticas artísticas contemporáneas

Ponente: Martha Rosler

Para contextualizar la exposición sobre Hannah Wilke se han programado varias conferencias que pretenden ilustrar el contexto socio artístico de la década de los setenta en Estados Unidos a través del análisis del cine independiente y de la escena artística feminista. Además, la segunda parte de las conferencias programadas darán voz a dos de las protagonistas más interesantes de esa primera generación de artistas que revelarán a través de sus experiencias creativas y vitales lo que fueron esos intensos años.

Actividad relacionada con la exposición:  Hannah Wilke. Exchange Values
 

EN PRENSAVIDEO

Cine

 

 

 

Perpetuum Mobile

24/10/2006

Presentación del corto de animación en 3D Perpetuum Mobile. La historia transcurre en la Florencia del siglo XV, donde un alquimista obsesionado por descubrir los secretos del movimiento perpetuo cambiará para siempre la vida de Leo (Leonardo da Vinci), un sensible y curioso niño. Seleccionado en el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Sitges y en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Perpetuum Mobile será comentado por sus propios creadores, el equipo de Silverspace, que nos desvelarán las claves esenciales de este interesante trabajo.

 

EN PRENSAVIDEO

 

Un invierno con mucho arte

02/01/2006 > 03/01/2006

Artium se ha propuesto vivir Un invierno con mucho arte, y por ello ha organizado una serie de actividades especialmente diseñadas para aquellos que viven la Navidad con mayor intensidad: los niños. Con este público en mente, el centro-museo ha programado la proyección de una lista de largometrajes muy conocidos entre el público infantil.

Actividad relacionada con la exposición: Un  invierno con mucho arte

 

EN PRENSA

Filmfórum Cine y Arquitectura

10/02/2006 > 18/02/2006

Como complemento a la exposición de Aitor Ortiz Light box/Light Wall, se presenta un ciclo de cine de las tres primeras décadas del siglo XX en el que la contundente presencia de arquitecturas imposibles, espacios reales y ficticios, y recargadas escenografías, sirven de marco a historias de todo tipo.

Actividad relacionada con la exposición: Muros de luz de Aitor Ortiz

 

EN PRENSA

 

Filmfórum - Ciclo de cine independiente de los 70's: La ruptura del sueño americano

02/11/2006 > 12/11/2006

El cine de EE.UU. a partir de los 60 vive muchos cambios abriéndose a nuevas maneras de entender y hacer cine. En Nueva York, en concreto, surgen a principios de los 70 alternativas a Hollywood y a todo lo que ello representa: nace el cine underground y el cine independiente. Por primera vez en su historia, el cine estadounidense muestra la crisis política, social y moral de una sociedad que ya no cree en el "sueño americano".

Fragmentos del cine underground: Selección de cortometrajes de los directores más importantes del cine experimental hecho en Nueva York. Maya Deren es conocida como la cineasta más importante del cine experimental y su obra marca el nacimiento de la vanguardia norteamericana.  Stan Brakhage, el director más sólido del New American Cinema Group, en sus películas trabaja sobre lo cotidiano. Jonas Mekas es el padre del cine underground de Nueva York e impulsor de grupo New American Cinema.

Actividad relacionada con la exposiciónHannah Wilke. Exchange Values

EN PRENSA

 

Filmfórum La obra maestra desconocida

01/04/2006 > 28/05/2006

Ciclo de cine relacionado con la exposición La obra maestra desconocida que girará en torno a diversas biografías de artistas con una reflexión personal sobre cómo el cine ha difundido la imagen de algunos de los artistas más destacados de la historia como Miguel Ángel, Goya, Van Gogh, Dalí o Pollock.

Actividad relacionada con la exposición: La obra maestra desconocida

 

EN PRENSACARTEL

 

Filmfórum Mujer y cine. El cine clásico de Hollywood: arquetipos femeninos

03/03/2006 > 25/03/2006

Por tercer año consecutivo, el Centro-Museo celebra el mes de la mujer con un ciclo que analiza cómo el cine ha sido y es un poderoso vehículo de transmisión de ideas que de manera sutil se afianza en la mirada del público y se convierte en parte del imaginario habitual. Con películas míticas, el cine clásico de Hollywood ha difundido estereotipos y roles femeninos asumidos por la sociedad actual en muchos casos vigentes y aún por superar.

EN PRENSA

 

Festival Neff

05/05/2006 > 13/05/2006

En el marco del New European Film Festival se llevará a cabo un ciclo de cortos alemanes y una mesa redonda sobre el tema.

EN PRENSA

 

Pier Paolo Pasolini. El poeta de la realidad

26/09/2006 > 06/10/2006

Pasolini es una figura crucial dentro de la cultura italiana del siglo XX. Desde su actividad poética, pictórica, periodística, literaria y cinematográfica observa y analiza muy críticamente la Italia de mediados de siglo: la iglesia, la burguesía, la política, la sexualidad y los valores que dominan la sociedad consumista que se está creando. Perseguido y censurado, Pasolini ha sido sin él pretenderlo un artista maldito y de la provocación cuya homosexualidad e ideología comunista marcan toda su trayectoria. Es imposible separar la vida y obra de Pasolini. Por eso, el objetivo de este ciclo es el de acercarnos a la persona y no al personaje, al poeta y no al mito. Llegar hasta la mirada tan llena de vida de este increíble cineasta.

 

EN PRENSA

Congresos

03/04/2006 > 09/04/2006

Art Tech Media 06 es un congreso que pretende analizar y reflexionar, desde diversas perspectivas, la incidencia que sobre nuestra poliédrica realidad está teniendo el uso generalizado de las nuevas tecnologías como soporte de nuevas ideas y posibilidades casi infinitas. El Art Tech Media 06 se celebrará en diversos museos y centros de arte contemporáneo de toda España con debates, mesas redondas y exhibiciones.

 

FOLLETOEN PRENSA

VIDEOWEB

 

Actividades educativas

COLONIAS VERANOVISITAS GUIADAS, VISITAS-TALLER, CONEXIONES

PROGRAMAS ESCOLARESAPRENDER A APRENDER

CONVERSACIONES CON...

Cursos


 


 

Curso sobre cine documental

25/01/2006 > 27/01/2006

Curso sobre cine documental. El documental subjetivo, el de ficción, el falso documental, o el material de archivo son algunos de los aspectos que se analizarán en este curso sobre un género que cada vez está cobrando más auge e interés y que se ha convertido a lo largo de la historia del cine en una herramienta imprescindible para interpretar o reinterpretar el mundo que nos rodea.

El museo Artium acogerá un curso sobre el cine documental, un género cinematográfico en alza. El encargado de impartir el curso será Antonio Weinrichter, profesor de la Escuela de Cinematografía y Audiovisual de Madrid y de la Universidad Carlos III, y conductor del seminario del festival barcelonés Ducópolis.

 

EN PRENSA

 

Aulas de julio - Lo breve de la eternidad: Conflictos y tensiones de los nuevos medios en el museo

12/07/2006 > 14/07/2006

Dirigido por: Ramón Esparza

La entrada de la fotografía y los medios de producción como el cine, el vídeo o los soportes informáticos han dado lugar a una serie de problemas que se han visto agravados en los últimos veinte años con la aceptación de estos medios como soportes habituales en la creación artística. El curso pretende abordar cuestiones difíciles, y a veces contradictorias, relativas a problemas como la ausencia de original único, la reproducción masiva, la conservación limitada o la influencia del mercado del arte para la comercialización de estas obras.

 

   FOLLETOEN PRENSACARTELVIDEO

 

Artfutura 2006

26/10/2006 > 30/11/2006

Decimoséptima edición del festival que se ha consolidado como el foro más importante dedicado a las implicaciones sociales, culturales y artísticas de fenómenos como la realidad virtual, la vida artificial y las redes informáticas. Incluye sesiones de proyecciones con las últimas tendencias en campos como la animación por ordenador, el arte digital, el videojuego creativo o el net.art.  

 

EN PRENSAVIDEO

WEB

Art + Sound

 

 

Prímital

31/03/2006

Prímital es un concepto dadaísta-cómico-hipnótico de la música. Un sexteto, liderado por el saxofonista Santi Ibarretxe, que interpreta un show sicofunky: una sui generis fusión de funky, jazz, soul, hip hop, coros gregorianos y electrónica, con fonemas onomatopéyicos y frases cómico-inconexas; un espectáculo desbocado y cargado de humor. Toda una experiencia prímital.

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Cathy Claret

09/06/2006

Cathy Claret, cantante de origen francés, ha vivido como trashumante por el mundo hasta que optó por asentarse en Barcelona, donde fue acogida por su gran comunidad gitana, de la que ha masticado su música y sus costumbres. La rubia francesa susurra cantes, rumbas, blues o bossa novas, con la fatiguita, el arte, la belleza y la pasión de una mujer, con un inconfundible estilo propio.

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Yaron Herman

07/07/2006

El israelita Yaron Herman empezó a tocar el piano relativamente tarde, a los 16 años, y tuve como profesor a Opher Brayer. Sólo dos años más tarde ganó el prestigioso premio Rimon en su categoría de "Joven Talento". A Georges Avakian, productor de la mítica sesión de Kind of Blue de Miles Davis y de las primeras grabaciones de Keith Jarrett, le pidieron que diera su opinión sobre la música de este joven prodigio y contestó breve y conciso "Yaron es auténtico".

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Gari

22/09/2006

Concierto en exclusiva para ARTIUM del ex líder de la histórica banda de rock radical Hertzainak. Tras la publicación en el 2004 de su último disco, O-tik, el cantante euskaldun con un rock elegante, directo y sin adornos, y el toque inconfundible de su potente y susurrante voz, se encuentra inmerso en un nuevo proyecto discográfico que sin duda sorprenderá una vez más. 

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Dirty Princess

27/10/2006

Formado por Nikki Schiller, Yasmin y el productor e ideólogo del grupo Big Toxic, esta formación madrileña de sonido electropunk tiene un directo perturbador que aúna imagen, música y performance. Consideradas las diosas del electronic body trash, el público no saldrá indiferente de este concierto porque allá donde van la arman… 

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Germán Copini

15/12/2006

Una de las figuras esenciales del pop español y miembro de grupos míticos como Golpes Bajos o Siniestro Total, es sin duda un personaje del panorama musical esencial cuando se trata de hablar de la historia de la música española.

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Victor Algora

17/11/2006

Elegido por la crítica musical como artista revelación del 2006 y comparado con grupos como The Smiths o Junior Boys, este joven músico telonero de Fangoria o Glamour to Kill, alterna las formas tecno pop de sus melodías, con la sutileza y el desgarro de sus letras coloristas y al mismo tiempo desencantadas.

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Escena contemporánea

 

 

Festival SINKRO

17/02/2005 

FESTIVAL SINKRO está considerado como uno de los eventos más importantes del país, especializado en músicas electroacústicas y nuevas tecnologías. Punto de encuentro de compositores, intérpretes, laboratorios y estudios de experimentación sonora, muestra el trabajo desarrollado en distintos campos de la composición y creación asistida por medios electrónicos e informáticos. Para ello, se realizan toda una serie de actividades con la intención de acercar al público las últimas novedades tecnológicas aplicadas a la música.

Se trata de un festival en el que han participado importantes figuras de la creación actual y que apuesta firmemente por las más recientes corrientes artísticas.

 

EN PRENSAWEB DEL FESTIVAL

Cesc Gelabert. Glimpse

16/03/2006

El coreógrafo catalán, premio Arcángel de la Crítica en el Festival Internacional de Edimburgo 2004, presenta un solo de vídeo, música y danza, de 40 minutos de duración, creado específicamente para su interpretación en museos y galerías de arte, en colaboración con el videoartista Charles Atlas y el compositor Carlos Miranda. Gracias a un complejo sistema de proyección, las imágenes interactúan con el bailarín durante la representación. Las proyecciones de vídeo persiguen contestar a preguntas como qué piensa un bailarín cuando baila, qué siente, cómo pone en escena sus emociones, qué relación existe entre sus reflexiones internas y aquello que el espectador ve como resultado.

EN PRENSAWEB DE LA COMPAÑÍA

Sonia Gómez - Mi madre y yo

05/05/2006

Sonia Gómez, bailarina y coreógrafa barcelonesa, presenta en ARTIUM Mi madre y yo, un espectáculo de teatro-danza a través del cual dialoga con su madre sobre sus vivencias anteriores. En un espacio blanco en el cual se proyecta una imagen de Sonia y su madre estiradas en el suelo, aparecen las dos juntas, una al lado de la otra mostrando sus semejanzas y también sus diferencias. Bailan, cantan, incluso intentan torear de verdad, e intercambian fechas y vivencias muy diferentes en lugares cercanos.

EN PRENSAVIDEOWEB DE LA ARTISTA

María Muñoz. Compañía Mal Pelo - Bach

20/10/2006

Bach es una pieza intimista en la que el discurso de María Muñoz se articula únicamente a través del cuerpo, de sus característicos movimientos sutiles y precisos y la música de Clave bien temperado de J. S. Bach. La coreografía a partir del silencio hace más elocuente la aparición de la música y Muñoz sabe recrear de modo único la jovialidad y la ligereza formal de las notas en la partitura como si su cuerpo fuera un elemento más del pentagrama.

EN PRENSAWEB DE LA COMPAÑÍA

Disidente, Claro de Michel Vinaver

17/11/2006 > 25/11/2006

Disidente, claro, del dramaturgo contemporáneo Michel Vinaver, es un montaje escénico que se ha creado en el museo y que tan sólo se escenificará en él. Los pases tendrán lugar este viernes y sábado, así como los días 24 y 25 de noviembre, siempre a las 19.30 horas.

La obra, dirigida por Mari Cruz Irazabal, se compone de doce escenas en las que dos personajes, una madre y un hijo, se enfrentan a una difícil situación laboral y familiar. Irazabal adelantó que «se va desti- lando una situación en la que el público se va posicionando emocionalmente.

 

EN PRENSACARTELVIDEO

Actividades biblioteca

 

 

III Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo

Planificación, gestión y marketing en los sistemas de información y documentación

24/10/2006 > 25/10/2006

Planificación, gestión y marketing en los sistemas de información y documentación. Las demandas de un entorno en cambio constante requieren nuevos modelos y sistemas de gestión. La planificación estratégica pretende fomentar la creatividad, posibilitando la mejora de la comunicación con el entorno.

Los principios de gestión deben emplazarse en un contexto de continuo cambio. Todo cambio requiere la interacción humana y tecnológica para poder acometer los objetivos marcados.

Se necesitan nuevas técnicas, conocimientos y habilidades para una planificación de los servicios de información acorde a los nuevos tiempos. Se requieren estructuras organizativas, técnicas de comunicación y estrategias de marketing que complementen y contribuyan a una planificación integradora y global.

En estos encuentros se pretende compartir experiencias y reflexionar en torno a la planificación estratégica como proceso analítico y elemento clave en las actividades relacionadas con la excelencia en la gestión de los servicios de información.
 

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VIDEOS+ INFORMACIÓN

 

Letras para el arte

Bernardo Atxaga

25/01/2006

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión  el invitado es Bernardo Atxaga que ha escogido la obra La familia de Vicente Ameztoy [+info].
 

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DOSSIER ELABORADO POR LA BIBLIOTECA ARTIUMWEB DEL ESCRITOR

 

Belén Gopegui

08/06/2006

Nueva edición del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión contamos con la presencia de Belén Gopegui, que ofrecerá una conferencia-relato a partir de una obra de Francisco Leiro.

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Eduardo Mendicutti

09/11/2006

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión  el invitado es Eduardo Mendicutti que ha escogido la obra Atleta nocturno de Juan José Aquerreta.
 

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Soledad Puértolas

25/10/2006

Presentación del programa Letras para el arte de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium. Esta actividad pretende aunar arte y literatura, ofreciendo una nueva manera de acercarse y descubrir el arte a través de la mirada de una serie de escritores sobre las obras de arte de la colección de Artium. En esta ocasión  la invitada es Soledad Puértolas que ha escogido la obra Fin de tarde de Fermín Aguayo.
 

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Premio SEDIC a la Calidad e Innovación

La Biblioteca de ARTIUM recibió en 2006 el primer Premio Nacional SEDIC a la mejor contribución a la calidad e innovación en bibliotecas, centros de documentación y archivos de los museos de arte, concedido por la Sociedad Española de Documentación e Información Científica (SEDIC). El premio fue otorgado por unanimidad, en atención a que «la innovación es una constante en sus planteamientos de trabajo y en los productos y servicios que ofrece», entre otros valores. El jurado estaba compuesto por miembros de la Biblioteca Nacional, del SEDIC, catedráticos de las universidades de Madrid y Valladolid, por profesorado de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y responsables de museos como el Nacional de Arte Romano y el Museo Oteiza de Alzuza.

El jurado tuvo en cuenta «la excelente calidad del informe presentado por la biblioteca y centro de documentación de ARTIUM, en el que expone con toda claridad sus objetivos y la manera como los lleva a cabo, basándose en un estudio previo de las necesidades de información del propio museo y requerimientos de los investigadores de arte contemporáneo». La resolución del jurado destacó también los servicios que el centro-museo presta a través de su página web: «la fácil accesibilidad del catálogo, que combina registros bibliográficos de obras de arte sobre papel con documentos electrónicos» así como la «buena información sobre los artistas, incluyendo bibliografía, noticias de prensa, obras en ARTIUM y otras instituciones y enlaces con muchas de ellas en el apartado “Guía de recursos de arte contemporáneo».

El premio de la SEDIC avaló asimismo «los trabajos encaminados a la digitalización de carteles, de cómics y la producción propia de material digital» por parte de la biblioteca de ARTIUM, así como la organización de exposiciones y otras actividades y talleres. El jurado «aprecia claramente que la innovación es una constante en sus planteamientos de trabajo y en los productos y servicios que ofrece».

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Presentaciones de libros

19/05/2006

Título del libro: No Man's Land

Autor: Iban Arroniz

Presentación del libro No Man's Land de Iban Arroniz en el museo Artium. El autor vitoriano recurre al cómic y al collage para resumir su experiencia en Nueva York.

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Tertulias de película

Annie Hall

11/04/2006

Título: Annie Hall

Director: Woody Allen

Coloquio: Garbiñe Ortega

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Annie Hall: Características del cine de Woody Allen y la posmodernidad. Annie Hall es una de las piezas supremas de Woody Allen. Espolvoreada de absurdas payasadas, al estilo de Sleeper y Love and death, más oscura y reflexiva que Manhattan y Hanna and her sisters, esta simpática y semiautobiográfica película coloca a Woody Allen entre los mejores directores de cine (Vincent Cambym, The New York Times). Protagonizada por Woody Allen, como el comediante neoyorquino Alvy Singer, y Diane Keaton (ganadora del Oscar a la Mejor Actriz), como Annie, la historia de Annie Hall es un vaivén en el tiempo, plagado de monólogos y vapores puramente woodinianos. Una escandalosa y sesuda comedia sobre un ingenioso romance de ida y vuelta.

 

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Aprile

14/11/2006

Título: Aprile

Director: Nanni Moretti

Coloquio: Garbiñe Ortega.

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Aprile: El cine autobiográfico. Esta película de Nanni Moretti es un cuento en primera persona de sus experiencias como si fuera una crónica de su diario. La historia comienza cuando su mujer anuncia su embarazo. La familia, el trabajo y los políticos se mezclan en un encantador y sobrecogedor cuento que contiene una gran dosis de ironía y humor. 

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Banda aparte

13/03/2006

Título: Banda aparte (Bande àpart)

Director: Jean-Luc Godard

Coloquio: Garbiñe Ortega

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Banda aparte: La modernidad en el cine. Dos jóvenes inquietos, Franz y Arthur, convencen a su objeto de deseo, Odile, para ayudarles a llevar a cabo un robo en su propia casa. Sin embargo, aunque parece un golpe fácil, hay que trazar un plan para no cometer errores… Jean-Luc Godard lleva a las calles de París una historia propia del cine negro norteamericano y reimagina el género de gánsters deshilando una trama que es al mismo tiempo sentimental y despreocupada, romántica y melancólica.

 

 

Chungking express

13/06/2006

Título: Chungking express

Director: Wong Kar Wai

Coloquio: Garbiñe Ortega

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Chungking express: Narración moderna. Wong Kar Wai nos cuenta en Chungking Express dos historias que discurren de forma paralela. Una de ellas narra la historia de un policía, el policía 223, interpretado por Takeshi Kaneshiro, a quien su novia abandona el 1 de abril. Desde ese momento, compra cada día una lata de piña con la única condición de que caduque el 1 de mayo, día de su cumpleaños, para recuperar con este ritual el amor perdido. Si cuando las latas de piña hayan caducado no ha recuperado el amor, será porque éste también ha caducado.

Monos como Becky

16/05/2006

Título: Monos como Becky

Director: Howard Hawks

Coloquio: Joaquím Jordá

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Monos como Becky: Límites de la ficción y lo documental. Los directores Joaquín Jordà y Nuria Villazán analizan la figura del médico portugués Egas Moniz que en 1949 recibió el Premio Nobel de medicina por sus estudios acerca de la lobotomía.En la película se van alternando las escenas actuales de pacientes del Centro Psiquiátrico de Malgrat, con la reconstrucción histórica de la vida Egas Moniz.

 

 

La mujer pantera

12/12/2006

Título: La mujer pantera

Director: Jacques Tourneur

Coloquio: Garbiñe Ortega.

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

La mujer pantera: Gran clásico del cine fantástico.  Irena, una joven serbia que vive en Nueva York, se halla en el zoo de Central Park, dibujando una bellísima pantera negra, cuando conoce casualmente a Oliver Reed, un ingeniero. Surge el flechazo entre ellos. Poco a poco, Oliver va descubriendo aspectos inéditos y enigmas de la muchacha, cuya conclusión es espeluznante: al parecer, Irena vive sometida a una maldición ancestral que la convertirá en pantera el día en que pierda la castidad. Irena y Oliver se casan. La leyenda de las mujeres pantera comienza a tomar cuerpo.

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Nobody's bussiness

14/02/2006

Título: Nobody's bussiness

Director: Alan Berliner

Coloquio: Garbiñe Ortega

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Nobody's bussiness: El montaje: construcción de una historia. Película de uno de los documentalistas actualmente más importantes y posterior análisis a cargo del montador Samuel Martínez. El director Alan Berliner nos presenta en esta película la historia de la familia Berliner. A través de una larga entrevista con Oscar Berliner, padre del cineasta, vamos conociendo la historia de la familia desde que el primer Berliner llegó de Polonia a los Estados Unidos. El abuelo del cineasta, Benjamín Berliner emigró desde Polonia a los Estados Unidos para conseguir una vida mejor que la de su padre, Salomón Isaac Berliner, que era profesor de Talmud. A su llegada al nuevo mundo empezó a trabajar de sastre.

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Sólo los ángeles tienen alas

24/01/2006

Título: Sólo los ángeles tienen alas

Director: Howard Hawks

Coloquio: Garbiñe Ortega

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

Sólo los ángeles tienen alas: En torno a la masculinidad en el cine. Bonnie (Jean Arthur), es una muchacha del mundo del espectáculo que llega en barco al puerto de Barranca, en Sudamérica. Mientras está allí conoce a dos pilotos norteamericanos que le invitan a tomar algo en la cantina del pueblo donde suelen reunirse los pilotos de la compañía aérea para la que trabajan.

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La ventana indiscreta

17/10/2006

Título: La ventana indiscreta

Director: Alfred Hitchcock

Coloquio: Garbiñe Ortega

El programa Tertulias de película trata de acercar los films más representativas de la historia del cine, obras maestras de cualquier época, género y nacionalidad. Tras el visionado de cada película, se conducirá un coloquio que permitirá profundizar en el contexto y características de la obra, con el fin de facilitar su interpretación. A cada una de las obras acompañará, además, un dosier interactivo a disposición de los asistentes.

La ventana indiscreta: El espejo de un pequeño mundo. En ninguna de las películas de Hitchcock quedó tan patente su talento para el suspense como en La ventana indiscreta. Cuando, como consecuencia de una fractura en la pierta, el fotógrafo J.B. Jeffies, Jeff, se ve confinado a una silla de ruedas, acaba observando obsesivamente las vidas privadas de los vecinos del patio interior de su manzana. Pronto empieza a sospechar que uno de ellos, un viajante, ha asesinado a su esposa, por lo que recurrirá a la ayuda de su elegante y famosa novia para investigar la sospechosa cadena de sucesos que, en última instancia, conducen a uno de los finales más memorables y apasionantes de la historia del cine.

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Veintena museística

26/04/2006 > 18/05/2006

Veintena museística, prepárate para vivir en ARTIUM una experiencia única. 20 días que van a permitirte entrar en otra dimensión. Te acercarás al universo del cómic, oirás conciertos en tu onda, disfrutarás con la danza, el teatro y muchas actividades más.

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