Los caligramas son poemas cuyo texto adopta la forma del objeto del que está hablando. Tradicionalmente, y dado su carácter discursivo, se ha considerado a los caligramas como una forma poética “curiosa”. Fue el escritor francés Guillaume Apollinaire (Roma, 1880 – París, 1918) [+info], representante del cubismo literario, quien popularizó esta figura poética a comienzos del s. XX, en un intento por innovar en la creación literaria que le trajo reconocimiento internacional. En 1918 publicó una colección de poemas titulada Calligrammes, Poèmes de la paix et de la guerre 1913-1916, que incluía diversos poemas que representaban visualmente el tema del que trataban.

En la literatura en español, cabe destacar los caligramas del poeta chileno Vicente Huidobro (Santiago de Chile, 1893 – Cartagena, Chile, 1948). Considerado uno de los padres del creacionismo, abogaba por que los escritores creasen su propio mundo imaginario. Su primer caligrama, Triángulo armónico, vio la luz en 1912 en la revista Musa joven, y, a partir de esta fecha, comenzó una etapa de experimentación que le llevó a crear obras completamente innovadoras y de gran belleza, de forma casi paralela a Apollinaire.

Echando la vista atrás, podemos encontrar caligramas ya en la antigua Grecia, pensados para escribirse encima de objetos que luego se obsequiaban. Encontramos por ejemplo al poeta Simmias de Rodas [+info], que vivió en Grecia alrededor del año 300 a. C. Tres de sus creaciones han llegado hasta nuestros días: Hacha, Huevo y Alas. De hecho, los caligramas también están presentes en la cultura árabe y hebrea.

Los escritores latinos conocieron la labor de los poetas griegos, e incorporaron estas figuras a su tradición literaria. En la Roma clásica fueron muy populares, entre otras creaciones visuales, los carmina figurata, poemas que representaban imágenes; o laberintos, sopas de letras que incluían en ellas mensajes, destacados muchas veces en negrita o con una tipografía diferenciada del resto.

Durante la Edad Media hubo autores que continuaron con la tradición de los poemas visuales clásicos, principalmente de temática religiosa. Abundan en esta época los laberintos, aunque también podemos encontrar jeroglíficos, discos, o poemas adoptando figuras geométricas. Estos poemas incluyen básicamente mensajes de alabanza a la religión cristiana, que pueden leerse de izquierda a derecha, y, en ocasiones, también en otras direcciones. Muchos de estos laberintos colocan imágenes encima de las letras, destacando de esta forma mensajes dentro del texto general. Posibilitaba esto dos niveles de lectura: los lectores eruditos podían acceder a todos los mensajes ocultos en el laberinto, mientras que los iletrados podían reconocer la grandeza de la religión católica mediante los dibujos que contenían.

La renovación cultural y científica que trajo consigo el Renacimiento, promulgando los valores de la cultura clásica, alcanza también al mundo de la literatura. Resurgen con fuerza los carmina figurata, que imitaban en lenguas vernáculas los caligramas griegos y romanos. Cabe destacar la figura del preceptor y escritor francés Jacques Cellier, autor del libro Recherches de plusieurs singularités de François Merlin [+info], que incluye, además de dibujos arquitectónicos, ilustraciones sobre astronomía y anotaciones musicales, veinte intrincados caligramas con textos en prosa, prácticamente ilegibles.

En esta época resurgen los laberintos, imitando estas composiciones medievales. También nacen los emblemas o divisas, que incluían símbolos de alabanza religiosos o a las personas que estaban en el poder.

Se considera al poeta rumano Isidore Isou (1925-2007) el padre del letrismo. Fue él quien entre 1942 y 1945 estuvo trabajando en un manifiesto que abogaba por establecer un nuevo estilo de poesía, que sólo se fijara en la sonoridad de las palabras, sin atender a su significado. Al llegar a París en 1945 encontró el ambiente cultural propicio para que sus ideas se implantaran. Con la II Guerra Mundial recién terminada, el mundo artístico bebía de la herencia de los cuatro grandes maestros, Picasso [+], Mondrian, Kandinsky y Max Ernst.

Isou consideraba que tanto el arte abstracto como el figurativo estaban agotados, pues habían desarrollado ya todo su potencial creativo. Por eso, él proponía nuevas formas de pensar, crear e inventar. Sus ideas cuajaron en los ambientes intelectuales de París, y pronto desplazó a los movimientos de las primeras vanguardias, dadaísmo y surrealismo.

1946 marca el inicio oficial del letrismo como movimiento de vanguardia. El 8 de enero Isou promulgó en las Sociétés Savantes de París el primer manifiesto junto a Gabriel Pomerand, Georges Poulot y Guy Marester, en el que bautizaron el movimiento, y promulgaban su interés por construir una poesía basada en las letras. Este manifiesto se publicó en el número inicial de la revista que fundaron, asociada al movimiento, La dictature lettriste. Además, ese mismo año se inauguró en la Librairie de la Porte Latine de la capital francesa la primera exposición de pinturas y dibujos letristas.

En un primer momento la poesía letrista se centraba en la sonoridad de las palabras, aproximándola a la música. Sin embargo, pronto abarcó además de las artes visuales, la poesía, la música, el cine o el teatro, llegando incluso a disciplinas a priori más alejadas del mundo artístico como las matemáticas, la política o la filosofía.

El letrismo consideraba el aspecto visual y plástico de las letras, unidades mínimas que componen las palabras, centrándose en su materialidad. El alfabeto no importa como signo lingüístico, sino que sólo importa su representación gráfica. Para Isou, el poema del futuro se limitaría a su aspecto formal, obviando cualquier aspecto semántico de sus componentes.

Caracterizado por las desavenencias de sus miembros, la rama original del letrismo pronto se segregó en diferentes movimientos. Surgieron así los externistas, que hacían alusión a su situación «fuera» del mercado del arte, la internacional letrista, cuyos miembros estaban abiertamente enfrentados con Isou, y los isouistas, la corriente «oficial» del fundador del movimiento.

Centrándonos del ámbito de la poesía visual y experimental, el letrismo se basa en el uso de las letras, signos lingüísticos, o incluso matemáticos, como elemento visual, concediendo toda la relevancia a su aspecto físico.

La poesía concreta nace influenciada por el concretismo, movimiento artístico que tiene su origen en los años 30 del siglo XX, cuando se acuñó el término para referirse a un estilo de pintura enmarcado en la abstracción, que abogaba por evitar cualquier tipo de asociación con el arte figurativo. Se caracterizaba por hacer uso de elementos geométricos básicos, predominando la forma sobre el color. Si bien el término comenzó a usarse en el campo de la pintura, pronto se extendió a otras artes como la música.

Siguiendo esta línea, la poesía concreta se opone al uso de  versos lineales, rompiendo con el paradigma imperante en el mundo de la literatura. Pretendía liberar a la poesía de las normas tradicionales que impedían la innovación en la materia.

Debemos el término “poesía concreta” al poeta brasileño Augusto de Campos, quien, junto a su hermano Haroldo de Campos y Décio Pignatari había creado en Sao Paulo en 1952 en grupo de poesía Noigrandes, precursor de este movimiento en América Latina. Publicaban una revista homónima, que creó el clima necesario para que naciera con fuerza la poesía concreta. Augusto de Campos empleó por primera vez el término en el número 2 de la revista, en 1955.

En el entorno europeo, el poeta suizo de origen boliviano Eugen Gomringer [+info] trabajaba en una línea similar de búsqueda de una nueva forma de escribir poesía, en una línea similar a la planteada por los brasileños, aún sin conocer el trabajo del grupo Noigrandes. También dio por válido el término “poesía concreta” que había empleado de Campos.

La poesía concreta surgió casi sin planearla, fruto del contacto de estos escritores con el arte concreto y con la obra de poetas visuales como Stephan Mallarmé [+info] o Apollinaire [+info]. La innovación que supuso en el mundo de la poesía la obra “Un coup de des” de Mallarmé fue fundamental, ya que concedía casi la misma importancia al texto, en sentido tradicional, que a su disposición en las hojas y al espacio en blanco.

La característica básica de la poesía concreta es la importancia fundamental que se da al aspecto material del poema: las palabras. Buscaba liberar a las palabras de cualquier estructura sintáctica, de su significado o sonido y darles importancia por su aspecto visual, reduciendo el lenguaje a la mínima expresión. Las palabras destacan por sus características visuales, por su apariencia física, superando su significado, sintaxis o sonido. La disposición en el espacio de los elementos que componen el poema, bien sea la hoja de un libro o cualquier otro soporte, es asimismo relevante. La hoja en blanco se convierte en un lienzo en el que desplegar las palabras; los poemas son objetos y como tales se deben descubrir.

El artista plástico Adel Alonso [+info] tiene bastantes ejemplos de poesía concreta dentro del trabajo que ha realizado en torno a la poesía experimental.

Es innegable que la transmisión cultural de los pueblos ha sido posible gracias a la tradición oral. En este contexto, los poemas y canciones han jugado un papel fundamental, ya que permitían recordar con mayor facilidad las letras e historias que narrar. Era habitual, además, que muchos de ellos incorporaran licencias como onomatopeyas o elementos sonoros carentes de significado.

A medio camino entre la música y la literatura, la poesía fonética se caracteriza por incorporar en sus creaciones elementos como el ritmo, la intensidad, el sonido o el tono. La forma de conservar estos poemas ha sido plasmándolos en forma escrita, aunque sus palabras carecieran de significado. Hoy en día, los avances tecnológicos y la popularización de los medios audiovisuales han permitido la publicación de colecciones de poemas sonoros en medios diferentes al papel, desde las primeras cintas magnetofónicas hasta medios digitales o incluso en formato en línea.

El nacimiento de la poesía fonética, entendida como el tipo de poesía experimental [+info] en el que predomina el sonido, obviando el significado de las palabras, está ligado a las vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX, especialmente al futurismo, dadaísmo, y al movimiento MERZ, creado por Kurt Schwitters. Muchos poetas futuristas rusos creaban sus poemas mediante la yuxtaposición de sustantivos, «hasta llegar a la base más primitiva del idioma, la onomatopeya y el ruido» (MerzMail 2012), basándose en los poemas tradicionales y folklore de su país.

El dadaísmo por su parte, primaba la espontaneidad y el caos frente a la rigidez. Pretendía así crear un anti-arte que rompiese con las normas establecidas en el mundo del arte, dominado por la burguesía. Poetas como Paul Scheerbart o Christian Morgenstern realizaron sus primeras incursiones en la poesía fonética, con obras formadas por sonidos que recordaban al alemán, pero que carecían de significado alguno. Hugo Ball, poeta de origen alemán afincado en la Suiza neutral de la I Guerra Mundial, inventó la «anti-poesía», formada por sonidos sin significado alguno, como protesta por el uso que el periodismo hacía del lenguaje. Suyo es el poema «Karawane», considerado el primer poema sonoro del dadaísmo, formado por fonemas sin ningún significado.

Por otro lado, había autores que encontraron inspiración en la música y poemas africanos, que simplemente transcribían.

Incluido en el dadaísmo encontramos al austríaco afincado en Berlín Raoul Hausmann. Este artista multidisciplinar fue el creador de los «poemas optofonéticos», inspirados en el letrismo [+info]. Estaban compuestos por vocales y consonantes, de diferente tamaño y tipografía, reducidas a su aspecto visual.

Fue el artista alemán Kurt Schwitters quien desarrolló de forma definitiva la poesía fonética. Cuando le expulsaron del movimiento dadaísta de Berlín, creó en Hannover su propio movimiento, al que denominó MERZ, y que abarcaba todas las disciplinas artísticas. En lo que a la poesía se refiere, cualquier sonido era para él susceptible de formar parte de un poema.

A partir de los años 50, tanto el letrismo [+info] como el concretismo [+info] incorporaron poemas sonoros a su proceso de experimentación. La invención y popularización de aparatos como el magnetófono, que ofrecían nuevas formas con las que grabar el sonido, supuso un nuevo impulso a la poesía fonética. Artistas como Henri Chopin o Bernard Heidsieck pasaron entonces a hablar de «poesía sonora», refiriéndose a cualquier poema pensado para ser registrado con un magnetófono. Esta nueva tecnología les permitía incorporar a sus poemas cualquier sonido que grabaran en su entorno.

No podemos olvidar dos figuras que revolucionaron el panorama cultural vasco, como fueron Mikel Laboa [+info] y Joxeanton Artze [+info]. Ambos fueron parte del grupo de intelectuales que fundó el grupo cultural Ez Dok Amairu. Inmersos en un proceso de experimentación creativa, se inspiraban en canciones tradicionales vascas para crear poemas, que luego musicalizaban. Son paradigmáticas creaciones como Baga, biga, higa, de Laboa [+vídeo] o Ikimilikiliklik, de Artze.

Por último, en España cabe destacar la figura de Juan Eduardo Cirlot, cuya serie dedicada a Bronwyn, la protagonista de la película El señor de la guerra, incluía diversos poemas sonoros.