2017
Repetition mit System Hellip = Rundungen mit System Hellip. Edition MultipleArt, Zúrich.

2016
Alfredo Álvarez Plágaro - Identical Paintings. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

2015
Alfredo Álvarez Plágaro. Espacio Marzana, Bilbao.

2013
Plágaro. Cuadros iguales. Galería Guillermina Caicoya, Oviedo.

2012
Plágaro. Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz.

2011
Plágaro. Galería Kur, Donostia/San Sebastián.
Plágaro. Galería Aural, Alicante.

2010
Plágaro. Espacio Marzana, Bilbao.

2009
Plágaro. Galería Vértice, Oviedo.

2008
Plágaro. Galería Antonia Puyó, Zaragoza.

2007
Plágaro | Plágiat | Plágiarism | Plágio. Galerie m Bochum, Alemania.
Plágaro. Galería Dieciséis, Donostia-San Sebastián.

2006
Álvarez Plágaro. Galería Oruga Azul, Valencia.

2005
Álvarez Plágaro. Galería Marzana, Bilbao.
Galería La Escalera, Cuenca.

2004
Galería Aural, Alicante.

Galería Vértice, Oviedo.

2003

Álvarez Plágaro. Galería Dieciséis, Donostia/San Sebastián.

Álvarez Plágaro. Galería Antonia Puyó, Zaragoza.

2002

Álvarez Plágaro. Espacio Marzana, Bilbao.

Galería Marzana, Bilbao.

Identical exhibitions. Museo Badem, Solingen; Dortmunder Kunstverein, Dortmund.

Cuadros iguales. Dortmunder Kunstverein.

Cuadros iguales (Identical Paintings). Museum Badem, Solingen.

Serigrafías iguales. Galería Dieciséis, Donostia/San Sebastián.

1999

Cuadros iguales. Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz.

Galería Dieciséis, Donostia/San Sebastián.

Foro Atlántico de Arte Contemporáneo, Pontevedra.

1998

Kunstverein Erfut, Alemania.

Álvarez Plágaro. Galería Vértice, Oviedo.

Galería La Escalera, Cuenca.

1997

Galería Varrón, Salamanca.

Cuadros Iguales. Nueva pintura – Neu Malerei. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

1996

Alfredo Álvarez Plágaro. Galería La Vanguardia, Bilbao.

Álvarez Plágaro. Galería Dieciséis, Donostia/San Sebastián.

Alfredo Álvarez Plágaro. Galería Edurne, Madrid.

1995

Galería Javier Ochoa, Zaragoza.

1994

Álvarez Plágaro. Galería Grevgatan 18, Estocolmo.

1993

Galería Provincia, Zaragoza.

Cuadros iguales. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

1992

Dos exposiciones iguales. Galería Edurne, Galería Ángel Romero, Madrid.

Galería Varrón, Salamanca.

1991

Galería Dieciséis, Donostia-San Sebastián.

Palais des Festivals, Biarritz.

1990

Museo de Arte e Historia, Durango.

1989

Caja Postal, Salamanca, Cuenca.

Galería Provincia, Zaragoza.

Galeria Llibre, Barcelona.

1988

Aula de Cultura de la C.A.M., Bilbao.

1987

Galería Dieciséis, Madrid.

Galería Windsor, Bilbao.

Sala de la C.A.P., Vitoria-Gasteiz.

 

2019

Remembering genéva. Edition MultipleArt, Zúrich.

2016

Fragmentation And Other Parables. Alejandra von Hartz Fine Arts, Miami, FL.

2015

Neue Werk. Edition MultipleArt, Zúrich.

La trampa en la sonrisa. Colección Artium =  Irribarrearen segada. Artium Bilduma. Artium, Centro-Museo VAsco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz.

Gleich und gleich und gleich und anders. Situation Kunst, Bochum, Alemania.

2014

ART BASEL 45´14. Galería m Bochum, Basilea.

SUMMA. Galería Guillermina Caicoya, Madrid.

Memoria de la diversidad. Sala Rekalde, Bilbao.

2013

Tesoro público. Colección Artium =Herri-altxorra. Artium Bilduma. Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz

ART BASEL 44´13. Galería m Bochum, Basilea.

SUMMA. Galería Guillermina Caicoya, Madrid.

Close. Galería Vértice, Oviedo.

2012

ART BASEL 43´12. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

Play it again, Sam. Galería m Bochum, Alemania.

Aufbruch. Malerei und realer Raum, MPK, Museum Pfalzgalerie, Kaiserslautern, Akademie der Künste, Berlín, Museum im Kulturspeicher Würzburg.

Würzburg. Kunsthalle Rostock, Rostock, Alemania.

2011

ART BASEL 42´11. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

Aufbruch. Malerei und realer Raum, Situation Kunst, Bochum, Alemania.

Art for Shelter. Peter Freeman Gallery, New York.

Art for Shelter. Urs Meile Gallery, Lucerna, Suiza.

Art for Shelter. Schloss Plüschow, near Schwerin, Alemania.

Ubidea / Cauce. Museo Gustavo de Maeztu, Estella-Lizarra, Navarra.

Winter Collective Exhibition. Galería Vértice, Oviedo.

Art Against Trafficking In Women And Sexual Exploitation. Galerie Urs Meile, Lucerna, Suiza.

Vértice20. Galería Vértice, Oviedo.

Shelter - Art Against Trafficking in Women and Sexual Exploitation. Peter Freeman, Inc.New York.
 

2010

ART BASEL 41´10. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

ESPACIO ATLÁNTICO. Feria de arte contemporáneo, Galería Vértice, Vigo.

ARTE LISBOA. Galería Vértice, Lisboa.

Arte Contemporáneo Español. Siglo XXI. Fondo Artístico. CCM. Centro Cultural, Cuenca.

2009

ART BASEL 40´09. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

ARTE LISBOA. Galería Vértice, Lisboa.

ART MADRID. Galería Vértice, Madrid.

Con-parada 2. Sala Fundación Caja Vital Kutxa, Vitoria-Gasteiz.

2008

ART BASEL 39´08. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

Heroirik ez gehiago. Bilduma VIII / No más Héroes. La colección VIII. Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz.

Dispositivos  Disposiciones. Sala Fundación Caja Vital Kutxa, Vitoria-Gasteiz.

La mirada transferida. Koldo Mitxelena Kulturenea, San Sebastián.

2007

ART BASEL 38´07. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

Valencia ART 07. Galería Aural, Valencia.

Art Salamanca 07. Espacio Marzana, Salamanca.

Colección de la Fundación Shelter. Galería Guillermo de Osma, Madrid.

Colección de la Fundación Shelter. Galería Carreras Múgica, Bilbao.

2006

ART BASEL 37´06. Galería m Bochum, Basilea, Suiza.

Art for Shelter. Nueva Galería Nacional, Staatliche Museen, Berlín, Alemania.

ARCO 06. Galería Dieciséis, Madrid.

VII Bienal  de Artes Plásticas Ciudad de Albacete.

Valencia ART 06. Galería Aural, Valencia.

2005

ARCO 05. Galería Antonia Puyó, Madrid.

Artea Oinez´05. Pamplona, Donostia/San Sebastián.

Valencia ART 05. Galería Aural, Valencia.

Kunst für Shelter. Steendrukkerij Amsterdam, Ámsterdam, Holanda.

Identidades II. Galería Edurne, Madrid.

XVI Premio de Pintura Adaja. Ávila.

XXVII Salón de Otoño de Pintura de Plasencia. Cáceres.

 

2004

ART BASEL, 35. Basilea, Suiza. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania Basilea, Suiza.

ARCO’04, Madrid. Galería Antonia Puyó, Zaragoza.

Premio de Artes Plásticas Gobierno de Cantabria.

VI Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Albacete.

Premio de Artes Plásticas Caja de Castilla La Mancha. Toledo.

XXVI Salón de Otoño de Pintura de Plasencia.

La colección en contexto: 1973-1985. Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz.

2003

System /Abweichug. System/Deviation. François Perdón, Keiko Sadakane and Álvarez Plágaro. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

Landscapes. Espacio Marzana, Bilbao.

2002

ARCO’02, Madrid. Galería Antonia Puyó, Zaragoza.

Künst für Shelter. Ulmer Museum, Alemania.

2001

Künst für Shelter. Museum Wiesbaden, Alemania.

Künst für Shelter. Museum Kurhaus Kleve, Alemania.

ART 32’01. Galerie m Bochum, Basilea, Suiza.

ARCO’01. Galería Antonia Puyó, Madrid.

2000

Galería Katia Rid, Múnich.

Jovem Pintura Española. Portimao, Portugal.

La Imprudencia. Algunas notas sobre arte en Álava. Trayecto Galería, Vitoria-Gasteiz.

XXII Salón de de otoño de Pintura. Plasencia.

IV Bienal de Pintura Ciudad de Albacete.

 

1999

ARCO’99, Madrid. Galería Vértice, Oviedo.

Vitoria-Arte-Gasteiz. Plástica contemporánea. Vic, Gerona.

ART 30’99. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania Basilea, Suiza.

1998

Galería La Escalera, Cuenca.

Colectiva de Navidad. Galería Vértice, Oviedo.

1997

ART 28’97. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania Basilea, Suiza.

Precarius Balance. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

XIII Premio de Pintura L’Oreal. Madrid.

Colección Pública. Museo Gustavo de Maeztu, Estella, Navarra.

Sustret  Begegnung - Encuentro. Galería Manes, Praga.

Galería Vértice, Oviedo.

Pintores vascos en las colecciones de las Caja de Ahorros de Bilbao, Donostia-San Sebastián, Vitoria-Gasteiz.

Sustret  Encounter. New York School of Interior Design, Nueva York.

Gefährdetes Gleichgewicht. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

1996

Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

ART COLOGNE, Colonia. Galería Edurne, Madrid.

Azul. Galería Edurne, Madrid.

Sustret  Begegnung. Galería Haslinger, Viena, Austria.

Galería Edurne, Madrid.

Sustret  Begegnung. Galería Rathaus, Konstanz, Alemania.

Galería Vértice, Oviedo.

FAC’96, Oporto, Portugal. Galería Dieciséis, Donostia-San Sebastián.

1995

ARCO’95, Madrid. Galería dieciséis, Donostia-San Sebastián.

ART BASEL 26’95, Basilea, Suiza. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

Vitoria-Arte-Gasteiz. Plástica Contemporánea.

Aduana 95. Palacio Provincial de la Diputación de Cádiz.

Homenaje a Miguel Hernández. Museo Gustavo de Maeztu, Estella, Navarra.

I Premio Extremadura. Badajoz.

Sustret  Begegnung. Galería Elke Dröscher, Hamburgo.

1994

Gure Artea 93.

Premio Constitución de Pintura. Cáceres, Badajoz.

ARTCIRCOLO. Horin-Melnik, República Checa.

Suscret-Begegnung - Encuentro. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

II Certamen de Pintura Iberdrola  Universidad de Extremadura. Cáceres.

ARCO’94. Colección Pública II. Madrid.

Donesbastián Hirira. Galería Dieciséis, San Sebastián.

Galería Dieciséis, Donostia-San Sebastián.

1993

ARCO’93, Madrid. Galería Edurne, Madrid.

Galería XXI, Madrid.

Galería Dieciséis, San Sebastián.

Galería A. Isorna, Madrid.

Colección Pública II. Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz.

Two Stars. Galería C M 2, Vitoria-Gasteiz.

Anual Amárica I. Vitoria-Gasteiz.

1992

Vitoria-Arte-Gasteiz. Plástica Contemporánea.

ART BASEL 23’92, Basilea, Suiza. Galerie m Bochum, Bochum, Alemania.

Premio Internacional de pintura Ybarra 1992. Sevilla.

13. Galería C M 2, Vitoria-Gasteiz.

X Concurso de Pintura Festivales de Navarra.

1991

VII Premio de pintura L’Oréal. Madrid.

I Certamen de pintura de la UNED. Madrid.

Arte 80. Museo San Telmo. San Sebastián.

XII Convocatoria de Artes Plásticas. Alicante.

1990

VI Premio de pintura L’Oréal. Madrid.

Gure Artea 90.

III Bienal Ciudad de Albacete.

XXI Bienal de Arte. Pontevedra..

X Bienal Ciudad de Zamora.

1989

I Concurso de Pintura Santa Lucía. Madrid.

Los Circuitos. Comunidad de Madrid.

Galería Término, Madrid.

Orman. Pintores contemporáneos vascos en el Museo de Bellas Artes de Álava.

X Convocatoria de Artes Plásticas. Alicante.

Galería Dieciséis, San Sebastián.

Galería Ángel Romero, Madrid.

1988

VI Bienal de Europa Mediterránea. Bolonia.

VI Bienal de Barcelona. Joven Pintura Contemporánea.

Gure Artea 88.

La Generación de los 80.

VI Premio Internacional de Pinturas Festivales de Navarra.

1987

Araba Gaztea - Álava Joven I. Andorra, Vitoria-Gasteiz, Pamplona, Donosita-San Sebastián, Zaragoza.

V Premio Internacional de Pintura Festivales de Navarra.

Gure Artea 87.

V Certamen de Pintura Caja Postal. Madrid.

La Generación de los 80. Museo de San Telmo, Donostia/San Sebastián.

1986

Síntesis II. Galería Juana Mordó, Madrid.

Gure Artea 86.

Actitudes: Proyectos de Jóvenes Creadores. Palacio de Velázquez,  Madrid.

Posición 6. Sala San Prudencio, Vitoria-Gasteiz.

I Bienal de Pamplona.

VII Convocatoria de Artes Plásticas. Alicante.

VI Bienal de Barcelona. Joven Pintura Contemporánea.

Pre-posición. Sala Luis de Ajuria, Vitoria-Gasteiz.

Simposium de Artes Plásticas. Cabueñes 86.

1985

I Premio Internacional Villa de Bilbao.

III Bienal de Pintura. Cuenca.

III Premio Internacional de Pintura Festivales de Navarra.

Bizkaiko Artea. Bilbao.

5º de Bellas Artes. Aula de la Caja de Ahorros Municipal, Bilbao.

Una corbata para el domingo. Aula de Cultura de la Caja de Ahorros Municipal, Bilbao.

1ª Bienal d’Art F.C., Sección Pintura y Dibujo. Barcelona.

XIII Certamen Nacional de Arte. Caja de Ahorros de Guadalajara.

LA TRAMPA EN LA SONRISA. COLECCIÓN ARTIUM

Del 2 de octubre 2015 al 28 de agosto 2016.

TESORO PÚBLICO. COLECCIÓN ARTIUM

Del 4 de octubre de 2013 al 14 de septiembre de 2014.

PLÁGARO

Del 19 de mayo al 2 de septiembre de 2012.

BILDUMA BERE TESTUINGURUAN 1972-1987 LA COLECCIÓN EN CONTEXTO

Del 27 de octubre de 2004 al 9 de enero de 2005.

 

 

2004

Premio adquisición, Premio de pintura, Castilla La Mancha.

1995

IV Anual Amárica de Artes Plásticas, Vitoria-Gasteiz.

1993

II Certamen de Pintura Iberdrola-Universidad de Extremadura, Cáceres.

Beca de pintura, Casa de Velázquez, Madrid.

1992

Premio adquisición, Plástica Contemporánea, Vitoria-Gasteiz.

Premio adquisición, I Anual Amárica de Artes Plásticas, Vitoria-Gasteiz.

1991

Premio adquisición, I Certamen de Pintura de la UNED, Madrid.

1990

Gure Artea 90.

1989

Primer premio de picntura, Concurso de Pintura Juntas Generales de Álava, Vitoria-Gasteiz.

Beca de pintura Casa Velázquez, Madrid.

1988

Gure Artea 88, Vitoria-Gasteiz.

1987

Premio adquisición, V Premio Internacional de Pintura Festivales de Navarra, Pamplona.

Beca de pintura Casa Velázquez, Madrid.

1986

Segundo premio de pintura, Gure Artea 86, Vitoria-Gasteiz.

VI Bienal de Barcelona Joven Pintura Contemporánea.

Beca de pintura Diputación Foral de Álava.

Ayudas a jóvenes artistas, Instituto de la Juventud, Madrid.

1985

Tercer premio de pintura en el I Premio Internacional Villa de Bilbao.

 

 Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz

 Ayuntamiento de Bilbao

 Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz

 Caja Vital Kutxa, Vitoria-Gasteiz

 Colección y Patrimonio, El Punto de las Artes, Madrid

 Eusko Jaurlaritza-Gobierno Vasco, Vitoria-Gasteiz

 Colección de la UNED, Madrid

 Casa de Velazquez, Madrid

 Colección Von Berswordt, Alemania

 Museo de Arte e Historia de Durango

 Juntas Generales de Alava, Vitoria-Gasteiz

 Universidad de Extremadura, Cáceres

 Gobierno de Navarra, Pamplona

 Museo de Cento, Ferrara, Italia

 Haftpflichtkasse Darmstadt, Alemania

 Colección Rahn,  Essen, Alemania

 Museo Wilhelm Hack, Ludwigshafen, Alemania

 Colección Prinz, Kleve, Alemania.

 Bank Leu, Luxemburgo

 Caja Castilla La Mancha, Toledo

 Colección Ernst & Young, Dortmund, Alemania

 Colección ING-DiB, Nuremberg, Alemania

 Colección Frankfurt Bank, Frankfurt, Alemania

 Colección Andreae-Jäckering, Hamm, Alemania

 Colección Ipiña-Bidaurrazaga, Bilbao

 Colección ¨olor VISUAL¨. Barcelona

 Colección Capriles, Caracas, Venezuela

 Colección AZORA, Madrid

 

 

Composición vertical. 4 cuadros iguales de tamaño y composición. Sobre fondo claro en la parte superior un cuadrado grisáceo con manchas irregulares arriba y abajo. En la parte inferior manchas amarillas, blancas y oscuras. Se colocan uno junto a otro a unos 5 cm. de distancia.

Composición vertical en la que aparece una mujer desnuda de extremidades alargadas con un perro. Todo ello en ocres.

Composición vertical en la que aparecen: un hombre desnudo, una mujer desnuda y un animal todo ello sobre un fondo negro.

Composición vertical. Fondo blanco compartimentado en pequeños recuadros. Contienen siluetas y objetos de marcado contenido erótico.

Licenciado por la Universidad el País Vasco en 1985, Plágaro comienza a pintar sus Cuadros iguales poco después. En un principio empleó un lenguaje expresionista para realizar sus obras. Las superficies de sus cuadros aparecían cubiertas por docenas de figurillas que se entrelazaban entre sí de forma frenética. Se trataba de formaciones, que a modo de rompecabezas, encajaba unas con otras. La visión era única aunque compuesta por múltiples elementos.

A partir de 1990, sus trabajos adoptan una expresión diferente, abandona las primeras formas de color inquietantes para abordar una fórmula más discreta de crear. Aboga por un lenguaje de marcado carácter abstracto. Sitúa sus obras, compuestas por cuadros repetidos, en un terreno diferente, en el de los cuadros-objeto. Juega constantemente con la repetición de obras que insinuándose idénticas, no lo son. Crea conjuntos seriados que entablan un diálogo entre el valor de la repetición y el de la diferencia, establece así un punto de intersección entre el lenguaje pictórico y el pensamiento estético.

Los cuadros de Plágaro conforman una serie casi infinita. Mientras que en un cuadro único la imagen representada se encuentra en primer plano, en una serie no es tan importante resaltar la imagen sino priorizar el cuadro en sí mismo, a pesar de reiterar una y otra vez los mismos motivos. Con la repetición el artista enfatiza por encima de todo el hecho de pintar, el acto en sí mismo, algo que se inicia una y otra vez.

Esta es una idea que a lo largo de su trayectoria se repite constantemente, ese juego que establece entre repetición e igualdad. Sus obras están contextualizadas en una sociedad en la que los objetos de uso cotidiano se obtienen de una forma mecánica y al por mayor, se trata de una fórmula de trabajo industrial centrada en la producción en serie, todo es igual, todo se repite. Álvarez Plágaro llega, en ocasiones, a repetir sus obras hasta diez y doce veces ironizando sobre ese aspecto artesanal de las obras pictóricas. Juega con dos ideas, la primera se identifica con el valor de lo idéntico, lo producido en serie, representado por esos objetos iguales sin diferencia alguna. La segunda está vinculada a la idea de genuinidad artesanal, es decir, el objeto u obra de arte realizada de forma manual, de manera no tan precisa, dotando a lo creado de cierta exclusividad.

Con su inseparable repetición el artista confiere a la serie su armonía, mientras que los pequeños detalles son los que ofrecen ese carácter individual a las mismas, son los que las dotan de identidad propia. Por lo tanto, aunque al hablar de sus obras debamos hacer referencia a esa calidad de lo “idéntico”, no podremos calificar a éstas como tales, ya que él no elabora cuadros clónicos sino que presenta cuadros gemelos, casi iguales pero no idénticos. Es consabido el uso de la repetición en el mundo del arte, recurso que Plágaro utiliza de forma constante, y en sus exposiciones se constituye como uno de los detalles que más sorprende al espectador. La insistencia de esta idea en sus obras representa una “gestación gemelar” y no una clonación.

Esta modalidad tiene una doble vertiente. En su forma más simple el artista evoca esa costumbre que tiene el ser humano de repetir lo que hicieron sus padres, y en una forma artística y más compleja experimenta lo que él denomina autoalimentación, es decir, “…teniendo un lienzo limpio y pudiendo crear lo que quiera crear, repito lo inmediatamente anterior”, con una iconografía muy característica, obtiene el placer de pintar libremente, sin concesiones ni amaneramientos.

En cuanto a su modus operandi, Plágaro recurre a la técnica mixta sobre loneta y madera, algo que no es muy usual. Además, crea simultáneamente, parte por parte. Sus obras descubren al espectador el proceso pictórico al que han sido sometidas. La superficie de las mismas se divide en campos de color perfectamente diferenciados entre sí; éstos no sólo se delimitan por el color sino también atendiendo a diferentes aspectos como el uso del barniz y el mate, las texturas pastosas y el uso de pinturas delicadamente finas. Conjuga diferentes estrategias para separar las zonas o partes que componen la obra, juega con el contraste y crea una multiplicidad de relaciones dentro del plano pictórico. Estrategias de trabajo que Plágaro combina de forma armoniosa, de tal forma que el espectador reconoce los elementos que la componen tanto de forma individual como en un contexto más amplio. Otra característica de este artista es la capacidad que muestra a la hora de crear, ya que consigue una cohesión de la superficie no jerárquica, es decir, no existe esa diferenciación entre centro y fondo que presentan los cuadros clásicos.

Se le reconoce la habilidad de crear pero no cuadros clásicos precisamente. Es una realidad indiscutible que trabaja el ámbito de la pintura, pero a diferencia de muchos coetáneos sus creaciones no son típicas. Ejemplo de ello es la forma en que coloca sus lienzos sobre cajas rectangulares y listones de madera en vez de usar bastidores. Sus formas largas y delgadas parecen más alargadas por el modo en que emplea el color y las formas rectangulares parecen más anchas a través de formaciones de color igualmente concentradas.

 

 

 

Poseen sus cuadros una disposición paralela con ciertas variaciones, que dotan a la obra de esa genuinidad que antes se mencionaba. Parece un trabajo en serie por el modo de ser elaboradas pero en realidad no lo son ya que existen diferencias físicas entre ellos. Y en ese “…se repiten diferenciándose…” concede a sus creaciones la calidad de obra de arte.

Al analizar las obras de Plágaro es necesario atender a la disposición de las mismas, ya que ésta ofrece la posibilidad de interpretarlas de muy diversas formas. Sus cuadros pueden colocarse en la pared en vertical y en horizontal y la distancia entre obra y obra responde al grosor de cada una de ellas. Así, concede la posibilidad de que cada elemento pueda reconocerse de forma individual, pero también forma conjunta. Dota a las obras y a los elementos que la conforman de cierta independencia y coherencia individual con la misma facilidad que las interrelaciona. Lo individual se explica por sí solo a la vez que el conjunto posee una coherencia y conexión absoluta.

De sus cuadros emana una lógica que permite al público observarla sin entenderla de otro modo que no sea el que están visualizando. Dota a sus obras de un carácter contundente a la vez que permite otras interpretaciones ya que sus cuadros pueden ser girados ofreciendo nuevas interpretaciones. Entendemos así que con cada giro surge una nueva interpretación, una visión distinta a la anterior e independiente de ella. Es capaz de transmitir la exclusividad en la interpretación de la obra como la ambigüedad de la misma con un simple giro en su disposición. Su forma de trabajar es reseñable, ya que observadas sus obras de forma individual parece que siguen los principios de la composición, que excluyen la posibilidad de girar el cuadro a la vez que irradian la idea de un conjunto armónico que solo parece imaginable en la forma que ha sido dada. Pero a su vez, estos cuadros pueden asumir una importante cantidad de formas gracias a las numerosas posibilidades que ofrece su disposición. Así, las obras de este artista fijadas por reglas estancas permiten una gran libertad, planteando más cuestiones que respuestas.

En la actualidad representa abstracciones reiterando la expresión de sus propios cuadros. Algo que denomina “autoplagio conceptual” y que refleja con cierta sencillez y desparpajo. En sus obras, los símbolos, signos y formas se suceden creando así una cierta monotonía, ofreciendo una repetición que provoca una leve sensación de aburrimiento. Aunque su trabajo se compone de obras creadas de manera independiente el hecho de exponerlas agrupadas dota a la exposición de una coherencia y continuidad singular. Presenta piezas originales similares con texturas que dotan a la obra de homogeneidad.

Con el paso del tiempo su carrera artística, además de poseer ciertas similitudes, presenta también una ruptura con lo anterior, como él mismo afirma: “Empecé con pintura figurativa, llena de color, y he ido reduciendo tanto en la técnica como en el color…”. Él mismo es consciente de su evolución, en una de sus últimas exposiciones sus pinturas se presentan más austeras, jugando con distintos planos de blanco-negro, aunque sin abandonar ese fuerte carácter repetitivo tan habitual en sus obras.

 

El 12 de julio del 2005 la escritora Lucía Etxebarría participó en la actividad Letras para el arte, ofreciendo su visión particular sobre la obra Cuadros iguales (1992) de Alfredo Álvarez Plágaro.

Cuadros iguales, colgados unos al lado de otros o unos sobre otros, a distancias uniformes, que en su conjunto forman una sola obra, si bien cada uno de sus elementos también pueden ser reconocidos individualmente. Un cuadro pintado una y otra vez de la misma manera no puede ser unificado fácilmente en torno a las ideas establecidas que hay sobre una obra de arte, como una entidad cerrada en sí misma, única e irrepetible. La idea de que una obra es irrepetible ha sido cuestionada desde finales del siglo XIX, sobre todo por obras-grupos de cuadros con los mismos motivos como "un ataque al arte en sí mismo".

Claude Monet fue uno de los primeros pintores que de esta manera, con su serie de cuadros basados en la Catedral de Rouen (a partir de 1892), en pajares y en nenúfares, descubrió el principio de la composición en serie en sí y lo transfirió de un modo consecuente a su obra.

Otros ejemplos de series de cuadros: las variaciones de Paul Cézanne basadas en la Montagne Sainte-Victoire, los cuadros Embarcadero y Océano de Piet Mondrian, las Meditaciones de Alexej von Jawlensky o la serie Homenaje al Cuadrado de Josef Albers, que abarca casi mil cuadros. La repetición confiere a la serie su armonía, mientras que las diferencias entre cada uno de los cuadros confiere identidad al grupo. De este modo, ningún cuadro de una serie es totalmente igual a otro, aunque todos se consideran del mismo valor. De la misma manera que en una serie no existen jerarquías, tampoco hay comienzo ni fin. Los cuadros se encuentran unos al lado de otros sin que suponga uno la continuación ni la derivación de uno en otro.

Mientras que en el cuadro único la imagen presentado se encuentra en primer plano, en una serie de cuadros la tendencia es resaltar cada vez  menos esta imagen y más el cuadro en sí mismo - aun cuando se  elige una y otra vez el mismo motivo.

Los cuadros iguales enfatizan el acto de pintar como algo que se inicia de nuevo una y otra vez. Las series de cuadros se basan esencialmente en variaciones de una regla básica, y cada uno de los cuadros puede ser observado independientemente de los demás. En contraposición, cada uno de los cuadros de la serie Cuadros Iguales porta en sí mismo el principio de la repetición en serie y está motivado por el intento de repetir siempre lo mismo.

Dado que los cuadros de la serie Cuadros Iguales están compuestos por elementos iguales, figuran dentro del contexto de la pintura en serie. La idea de la construcción puramente en serie de una obra única surgió en la vanguardia de la postguerra, al comenzar algunos artistas a crear obras a partir de formas reducidas y repetidas uniformemente. François Morellet, por ejemplo, estructuraba la superficie pictórica mediante líneas o formas geométricas sencillas sobre una rejilla; Ad Reinhardt creaba obras a partir de cuadrados negros; Jan J. Schoonhoven desarrollaba relieves partiendo de estructuras sencillas de rejillas. Warhol repite cuatro caras de Marylin o de Elvis, o su propio autorretraro.

Mientras que en el caso de los cuadros en serie de este tipo los elementos más sencillos y numerosos  repetidos a menudo formaban una estructura cerrada, Plágaro disuelve la unidad física de la obra. La divide en elementos idénticos, pero complejos en sí mismos, para poder volver a unirlos en constelaciones. La fragmentación de una obra en elementos iguales también puede ser encontrada, por ejemplo, en el Arte Minimalista. El ataque por parte de Plágaro a la individualidad e identidad de la obra pictórica, sin embargo, va más allá. Con relación al número de elementos, para sus Cuadros Iguales, toma como base la regla general de que siempre deben unirse como mínimo dos elementos entre  si. Cuando Plágaro pinta un número concreto de los mismos cuadros - ya sean cinco, nueve, doce o dieciséis -, esta cifra debe ser entendida meramente como una sola de las posibles. En definitiva, es el espectador el que determina la cantidad de elementos a colgar. Pero no sólo la cantidad, sino también el orden de los elementos puede ser estipulado de nuevo con cada nueva instalación. De este modo, Plágaro concede al espectador una libertad inusual y, al mismo tiempo, también le transmite la responsabilidad de tomar una decisión consciente.

Una y otra vez Alfredo Álvarez Plágaro pinta de nuevo sus Cuadros Iguales, utilizando una técnica mixta sobre loneta y madera, en la cual hasta el proceso de pintado en sí es inusual: Plágaro no pinta una sección pictórica hasta su fin para luego reproducirla una y otra vez, sino que crea los cuadros simultáneamente, campo por campo y a menudo constituyen varias capas, por lo cual los elementos se sitúan uno al lado del otro. De este modo, un elemento pictórico no surge como "una pieza fundida", sino que va creciendo lenta y paralelamente a sus "cuadros gemelos" partiendo de campos individuales hasta alcanzar un todo.

Plágaro juega con contrastes e interacciones y consigue crear una multiplicidad de relaciones dentro del plano pictórico de un elemento que se prolongan de una forma aun más compleja en la interacción de varios elementos constelados. La estructura pictórica de cada uno de los elementos se caracteriza en especial por la tensión entre lo vinculante y lo disociativo. Esta tensión entre el aislamiento y la integración es, en definitiva, una característica esencial de los Cuadros Iguales: por un lado los elementos son reconocibles como entidades individuales y por otro requieren un contexto mayor.

Si con el fin de simplificar el asunto, los Cuadros Iguales se han llamado "cuadros" hasta el momento, esto no es del todo falso pero tampoco del todo correcto. Aunque Plágaro trabaja en el ámbito de la pintura, no crea pinturas clásicas. Por lo tanto, no coloca el lienzo sobre bastidores, sino que lo estira sobre cajas rectangulares y listones de madera de diferentes tamaños y proporciones, desde un cuadrado compacto hasta un listón largo y delgado. Los formatos de base para realizar una pintura, frecuentemente atípicos en obras pictóricas, reflejan en su mayor parte las formas de los elementos constituidos en el cuadro. Las formas largas y delgadas parecen más alargadas por los campos de color a modo de rayas, mientras que formas rectangulares parecen más anchas y más compactas a través de formaciones de color igualmente concentradas. De este modo, la pintura se limita siempre a la superficie más exterior mientras que las paredes laterales presentan la loneta pura sin tratar.

Las cajas o listones tienen un grosor de hasta 10 cm, con lo que los elementos son reconocibles más claramente como piezas individuales tangibles que se alinean según un ritmo regular.  Del mismo modo que la estabilidad de la superficie del cuadro y el énfasis en las materias pictóricas, el carácter tipo-objeto de los elementos dificulta toda sugerencia de ilusionismo. Los Cuadros Iguales no representan ningún hecho fuera de su propia realidad sino que exigen agarrarse en concreto a aquello que son; aunque esto no siempre resulte fácil de formular con un vocabulario tradicional.

También la obra contradice la expectación y la concepción de la obra de arte como algo único e individual. Los cuadros iguales, como los gemelos humanos, despiertan nuestro interés y nuestra desconfianza. Lo sorprendente estriba en el hecho de que el motivo y la apariencia pictórica se repiten de forma idéntica. Plágaro pone en escena la contradicción entre repetición e identidad y, de una forma consciente, ésta se convierte en el principio de su obra.

El artista pone en marcha un juego entre (el) original y (la) reproducción. Se pinta la repetición, que no se basa en un procedimiento mecánico - técnico, y nos expone a la siguiente paradoja: Cada elemento es un original en forma de obra - ningún elemento es una copia idéntica de otro -, por lo que la apariencia pictórica es una invención original. Pintura y representación desarrollan una existencia independiente como iguales e idénticos.

La duda sobre qué se puede entender como representación se hace más patente. Un grupo de varias piezas de partes de una representación se puede subdividir. Una representación de ocho elementos puede subdividirse, por ejemplo, en dos grupos de cuatro elementos, pero también en cuatro grupos de dos elementos cada uno. Así sería posible que, por ejemplo, encontrásemos cuatro representaciones iguales de Plágaro en distintos lugares.

En contradicción con la composición pictórica tradicional, Plágaro tampoco impone la posición izquierda - derecha, arriba - abajo; la disposición  de los elementos es siempre paralela. No se deduce de la obra el cómo han de disponerse los elementos. Así la disposición o agrupación - horizontal o vertical - nos da un ensamblaje completamente distinto. Este concepto solamente se logra cuando la composición de los elementos se halla en armonía. La proporción de colores y formas no deben darle a la representación una dirección precisa.

Aunque cada elemento muestra lo mismo, no se puede apreciar por sí sólo cada elemento de un mismo grupo. Elemento y grupo se condicionan mutuamente y producen una representación simultánea  por encima del elemento. Para conseguir una unidad de las representaciones es importante la distancia de separación entre los distintos elementos, ya que supone tanto unión como separación. La estrechez o amplitud de esta distancia, el tono y contraste de los colores, proporcionan, por un lado, la impresión de una secuencia con un ritmo, a veces acelerado, a veces lento.

La obra de Plágaro es concreta ya que no se dirige a nada que esté fuera del recuadro. Es idéntica a sí misma y se convierte en el motivo y objeto de la obra.

Lo concreto de su obra también se entrevé en la aplicación de los colores. El color nunca es una ilusión óptica sino siempre una sustancia que se entiende como una sucesión de capas pictóricas. La consistencia de los elementos le confieren una presencia material y es, además, una indicación de la obra como realidad concreta.

Como un juego, la obra de Plágaro se desarrolla entre los opuestos de reglas y libertad. Más allá de su cualidad como obra concreta se podría entender que tiene una significación como Cuadros Iguales. Metáfora y obra son como preguntas fundamentales en relación con la individualidad y la repetición, la identidad y la diferenciación.

Para rizar el rizo Plágaro no sólo repetía los cuadros sino que repetía también las exposiciones. Es decir, su primera exposición en Madrid no era una exposición sino que eran Dos Exposiciones Iguales, en dos galerías de arte diferentes y en el mismo periodo de tiempo. Trabajó en series de Cuadros Iguales de número par y las dividió poniendo cada mitad de la serie en una galería. Si la serie se componía de diez cuadros ponía cinco en una galería y otros cinco en otra, si la serie era de  cuatro, pues dos en un sitio y otros dos en otro, así sucesivamente. Plágaro quería tener la constatación física y real de como cambiaba una obra repetida de verla en un espacio o en otro. Para que yo también tuviese esa constatación me llevó agarrada del brazo a la otra galería donde estaba la otra mitad de las series de Cuadros Iguales que acababa de ver en la primera galería. La verdad es que sí era novedoso el asunto.

Sus Cuadros Iguales surgieron a finales de los años 80. No hubo una ruptura con la obra anterior sino simplemente una evolución acelerada que cambió radicalmente el concepto de su pintura. A partir de entonces el siguiente postulado conforma su obra; “Lo más importante no es lo que es sino que lo que es lo es varias veces”. Es decir, convirtió a la repetición en el “motivo” más importante de su voluntad creativa, lo más importante es el acto de repetir más que lo que repite ese acto. Desde su libertad, por medio de la repetición, limitó su propia libertad, la cercenó, y paradójicamente, no dejó por ello de ser menos libre. Pudiendo hacer de todo en ese infinito que es un cuadro Plágaro se autolimita a ir repitiendo lo que va haciendo simultáneamente en otro.

En sus cuadros repite conscientemente el “fallo” y el “acierto” con lo que tanto el uno como el otro cambian su significación. Considera que de este modo, por medio de la repetición, la anécdota se supera y la idea se concreta mejor, se devalúa menos. Nunca le ha interesado la “pseudorrepetición”; en sus series de Cuadros Iguales no busca crear diferencias en absoluto, en todo caso ellas se crean solas.

Sus Cuadros Iguales ponen en tela de juicio el concepto de “obra única” ya que, al no estar nunca hechos con procedimientos mecánicos de seriación, son y no son al mismo tiempo, obras únicas. Es necesario resaltar que Plágaro no acaba un cuadro y luego lo copia, sino que realiza la serie en su conjunto (no son cuadros clonificados sino que surgen de una gestación gemelar.) El número de unidades de la serie, por tanto, esta limitado desde el principio y no se puede ampliar. El germen de los Cuadros Iguales tiene un claro espíritu Dadaísta: no saberlo puede perturbar su entendimiento. La repetición es propia del humor y de la ironía. Es transgresión. Le preguntó a Tarantino si la repetición de la obra daba más valor a cada cuadro o se lo quitaba. ¿Dos cuadros iguales de Las Meninas pintados al mismo tiempo y simultáneamente por Velázquez tendrían mayor o menos interés que uno sólo?. Una cosa interesante de estas series es que al ser repetidas obligan a remirar lo visto anteriormente. Un cuadro independiente, gracias a sus idénticos, es visto con mayor profundidad, es como ver el mismo cuadro varias veces. La mirada pasa de uno a otro y viceversa. El espectador, como en un juego, puede buscar la inevitable diferencia de la igualdad.

En sus exposiciones jugaba principalmente con el formato de los cuadros, con su tamaño y con el número de unidades de cada serie. Para Plágaro el montaje de una exposición es el último acto creativo. El objetivo es “mezclar” los cuadros y el espacio de la manera más armónica posible. Esta obra tiene una gran cantidad de posibilidades de instalación debido a que los cuadros no tienen una posición determinada para ser vistos (un Cuadro Igual nunca puede estar “al revés” ni tampoco “al derecho”, se puede colgar de los cuatro lados) y a que las series se pueden instalar de muchas maneras (unos junto a otros, encima de otros o formando grupos.) Con las mismas series de Cuadros Iguales se pueden crear exposiciones totalmente diferentes.

 “Mi obra esta conformada por lo accidental en un porcentaje muy alto, es ignorante de su dirección y, casi siempre, estoy en desacuerdo de por donde va. Me interesa lo que me ha hecho llegar a donde estoy y lo que me va a hacer despegarme de ello, cada cuadro es una huella de este viaje”.

Lucía Etxebarría