Premios Pritzker, viaje por la arquitectura contemporánea

DEL 04 DE OCTUBRE DEL 2013 AL 28 DE MARZO DEL 2014. SALA SEMINARIO. 11:00-14:00 / 16:00-19:30.

La exposición presenta un recorrido por diferentes edificios internacionales de la arquitectura contemporánea. Se ofrece documentación sobre arquitectos como: Frank Gehry, Hans Hollein, Herzog y de Meuron, Jean Nouvel, Norman Foster, Oscar Niemeyer, Rafael Moneo, Renzo Piano, Tadao Ando, Zaha Hadid, etc., así como de sus principales obras arquitectónicas.

Comisariado: Elena Roseras Carcedo
Documentación: Silvia Carretero Gómez (Aise Dokumentazio Zerbitzua), Jaione Cortázar Arruiz (Artium), María Foronda Díaz (Scanbit), Covadonga Pérez Rodríguez (Artium)

 

Premio Pritzker

El Premio Pritzker es uno de los galardones más prestigiosos que se pueden conceder a la trayectoria de un arquitecto. Entregado por la Fundación Hyatt, premia la creatividad, funcionalidad y calidad de las obras arquitectónicas, tratando de generar conciencia sobre la importancia de la arquitectura y los arquitectos.

El premio se concede todos los años a un arquitecto, de cualquier nacionalidad, vivo y que haya demostrado a través de sus obras y proyectos su talento como arquitecto y además que haya contribuido al enriquecimiento de la humanidad. El galardón se entrega en diferentes escenarios del mundo, una forma de apoyar la arquitectura contemporánea e histórica de esas ciudades.

El Premio Pritzker de Arquitectura fue ideado a mediados de los años setenta por Carleton Smith (1908-1984), un empresario, director de la National Arts Foundation e importante asesor cultural. Smith siempre defendió la necesidad de crear unos premios que distinguiesen a los arquitectos más destacados del momento, un equivalente al premio Nobel que no incluye este galardón de arquitectura. Mantuvo contactos con varios posibles mecenas como con el magnate petrolero Paul Getty, sin embargo no consiguió su apoyo ya que éste murió poco después en 1976. 

Finalmente Smith encontró el apoyo de dos poderosos agentes del mundo del arte: el historiador Kenneth Clark y J. Carter Brown, director de la National Gallery of Art norteamericana. No fue hasta 1979 cuando Smith entró en contacto con los dueños  de la cadena de los famosos hoteles Hyatt, Jay y Cindy Pritzker convenciéndoles de la necesidad de crear un premio de arquitectura que además llevaría su nombre. Este matrimonio era ya muy conocido por su apoyo a las actividades educativas, ciéntificas y culturales. A la muerte de Jay Pritzker en 2002 le sucedió su hijo, Tom Pritzker, actual presidente de la Fundación Hyatt.

La primera entrega del premio fue en 1979 y enseguida fue aceptado como el máximo galardón en este campo, eclipsando a otros premios creados anteriormente como las Medallas de Oro del Royal Institute of British Architects (RIBA, fundado en 1848) o el American Institute of Architects (AIA, fundado en 1907).

El Premio Pritzker además de la fama y el reconocimiento que otorga a sus premiados, tiene una asignación 100.000 dólares y una medalla de bronce diseñada por el arquitecto estadounidense Louis Sullivan, conocido como el "padre de los rascacielos". En la medalla  se incluyen tres palabras: "Firmeza, comodidad y placer" que recuerdan la máxima del arquitecto romano Vitruvio "Venustas, firmitas, utilitas".

La ceremonia de concesión del premio es anual y suele hacerse en el mes de mayo. El lugar varía de un año a otro, pero siempre se elige un entorno de gran importancia arquitectónica en cualquier parte del mundo. A la entrega del premio solo se puede asistir con invitación y suelen estar presentes además de invitados internacionales, un alto dignatario del país anfitrión y los miembros del jurado.

El premio se concede con independencia de su nacionalidad, raza, credo o ideología. Las nominaciones son aceptadas, a escala internacional, de las personas de diversos campos que tienen un conocimiento e interés en el avance de la arquitectura y cualquier arquitecto puede presentar una nominación al Director Ejecutivo para su consideración por el jurado del Premio Pritzker de Arquitectura. El jurado de los Pritzker está compuesto por un grupo de entre cinco y nueve expertos, y pudiendo repetirse de un año a otro. Ningún miembro de la familia Pritzker participa en la selección.

El primer premio fue entregado en 1979 al arquitecto estadounidense Philip Johnson. Los miembros del jurado de aquel año fueron J. Carter Brown, Kenneth Clark, el mecenas de la arquitectura J. Irvin Miller, y los arquitectos Arata Isozaki y César Pelli. El jurado consideró que había que elegir un nombre ya consolidado y de gran reconocimiento para dar mayor credibilidad al galardón

Philip Johnson:

"El primer premio es dado a Philip Johnson, cuyo trabajo demuestra una combinación de las cualidades de talento, visión y compromiso que ha producido contribuciones consistentes y significativas a la humanidad y el medio ambiente. Como crítico e historiador, que defendió la causa de la arquitectura moderna y luego pasó a diseñar algunos de sus grandes edificios. Philip Johnson está siendo honrado por 50 años de imaginación y vitalidad encarnada en una gran variedad de museos, teatros, bibliotecas, casas, jardines y estructuras corporativas".

Jurado Pritzker

 

La segunda edición del Pritzker premió a un arquitecto que no era norteamericano, sino mexicano, Luis Barragán, conocido por su vida recluida, alejada de la fama internacional y por no estar abierto a las modas cambiantes. 

Luis Barragán:

 

"Estamos honrando a Luis Barragán por su compromiso con la arquitectura como un acto sublime de la imaginación poética. Él ha creado jardines, plazas y fuentes de inquietantes paisajes de belleza metafísicas para la meditación y el compañerismo...".

Jurado Pritzker

 

 

En 1981 fue premiado el arquitecto británico James Stirling. En sus comienzos estuvo muy influenciado por Le Corbusier, para posteriormente ir evolucionando hasta llega al postmodernismo.

James Sterling:

"Honramos a James Stirling, un prodigio de tantos años, como líder de la gran transición del Movimiento Moderno en la nueva arquitectura, una arquitectura que una vez más ha reconocido raíces históricas, una vez más tiene estrechas conexiones con los edificios que le rodean, una vez más, se puede llamar una nueva tradición. Originalidad dentro de esta tradición es la distinción de Stirling: en los viejos "tiempos modernos", ángulos de 45 grados en planta y sección, en la actualidad, yuxtaposiciones sorprendentes y transposiciones de referencias claramente clásicas y del siglo XIX".

Jurado Pritzker

 

Al premiado Sterling le siguieron un conjunto de arquitectos norteamericanos, modernos y convencionales como Kevin Roche (1982), Ieoh Ming Pei (1983) y Richard Meier (1984).

Kevin Roche:

 

"Él no es un hombre fácil de describir: un innovador que no adora la innovación por sí misma, un indiferente profesional con las tendencias, un hombre humilde, tranquilo que concibe y ejecuta grandes obras, un hombre generoso de las normas más estrictas para su propio trabajo".

Jurado Pritzker

 

Ieoh Ming Pei:

"Ieoh Ming Pei ha dado a este siglo algunos de sus más bellos espacios interiores y formas exteriores. Sin embargo, la importancia de su trabajo va mucho más allá. Su preocupación siempre ha sido el entorno en el que se levantan sus edificios. Se ha negado a limitarse a una estrecha gama de problemas arquitectónicos... Su trabajo durante los últimos cuarenta años no sólo incluye los palacios de la industria, el gobierno y la cultura, sino también casas y viviendas de bajos ingresos. Su versatilidad y destreza en el uso de los materiales se acercan al nivel de la poesía. Su tacto y paciencia le han permitido reunir a los pueblos de intereses dispares y disciplinas para crear un ambiente de armonía".

Jurado Pritzker

 

Richard Meier:

"Honramos a Richard Meier por su inquebrantable búsqueda de la esencia de la arquitectura moderna. Ha ampliado su gama de formas de hacer para responder mejor a las expectativas de nuestro tiempo. En su búsqueda de la claridad y sus experimentos encuentra el equilibrio y el espacio, creando structuras que son personales, vigorosas y  originales. Lo que ha logrado es sólo el prólogo a las nuevas experiencias atractivas que anticipamos de su mesa de dibujo".

Jurado Pritzker

 

Haciendo balance de los primeros años, los Pritzker fueron sobre todo unos premios norteamericanos, cuatro de los seis premiados lo eran. Este hecho provocó que se realizara un esfuerzo para ampliar el espacio geográfico de los premios. Así, en 1985 se premió al arquitecto austríaco Hans Hollein y un año después el alemán Gottfried Böhm.

Hans Hollein:

"El jurado reconoce a Hans Hollein como un maestro de su profesión, que con ingenio y gusto ecléctico se basa en las tradiciones del Nuevo Mundo tan fácilmente como a los del Antiguo. Un arquitecto que también es artista ... diseña museos, escuelas, tiendas y viviendas públicas, mezcla audaces formas y colores con un exquisito refinamiento en los detalles y nunca teme reunir a los más ricos de los mármoles antiguos y lo último en materiales plásticos...".

Jurado Pritzker

 

Gottfried Böhm

"Hijo, nieto, marido y padre de arquitectos, Gottfried Böhm tiene motivos para reconocer el alimento que los medios tradicionales ofrecen en la arquitectura, como en todas las artes. En el curso de una carrera de más de cuarenta años, ha sabido ver tanto los elementos de la obra del pasado como de la última y mejor de muestra tecnología contemporánea. Su obra altamente sugestiva combina tanto que hemos heredado de nuestros antepasados ​​con mucho de lo que tenemos...".

Jurado Pritzker

 

En 1987 fue nombrada como miembro del jurado de los Pritzker, Ada Louise Huxtable, crítica de arquitectura del The New York Times, y ganadora del Pulitzer. Durante sus doce años de jurado se convirtió en uno de los miembros más influyentes.

Durante los años ochenta, Japón destacó por la innovación arquitectónica,  sin embargo no fue hasta 1987, cuando los Premios Pritzker galardonaron al primer arquitecto no occidental. El primero fue el japonés Kenzo Tange, quien se había encargado de la reconstrucción de su país durante la posguerra y conocido por sus gimnasios para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964.

 

Kenzo Tange:

"Teniendo en cuenta el talento, la energía y la larga carrera de Kenzo Tange, se puede pasar de ser un transgresor de nuevos caminos para convertirse en un clásico..., ha sido un destacado teórico de la arquitectura y un maestro inspirador, entre los arquitectos de renombre que han estudiado con él como Fumihiko Maki y Arata Isozaki. Sus estadios para los Juegos Olímpicos de Tokio en 1964 se describen a menudo como uno de los edificios más bellos construidos en el siglo XX. En la preparación de un diseño, Tange llegó a formas que levantan nuestros corazones, ya que parecen emerger de una antigua y vagamente recordado el pasado y todavía son impresionantemente de hoy".

Jurado Pritzker

 

En 1988, siguiendo con el ánimo de ampliar el espacio geográfico de los premiados, se dió un doble galardón, al brasileño Óscar Niemeyer y al norteamericano Gordon Bunshaft. La fobia  a volar de Niemeyer le impidió asistir a la ceremonia del Premio Pritzker en Chicago.

Óscar Niemeyer:

 

"Reconocido como uno de los primeros en promover nuevos conceptos en arquitectura... Su búsqueda de la gran arquitectura vinculada a las raíces de su tierra natal ha dado lugar a nuevas formas de plástico y un lirismo en los edificios, no sólo en Brasil, sino en todo el mundo."

Jurado Pritzker

 

 

 

Gordon Bunshaft:

"Gordon Bunshaft es un arquitecto de modestas pretensiones y hechos significativos. Afirma que prefiere que sus edificios hablan por él. Sus cuarenta años de diseño de obras maestras de la arquitectura moderna demuestran una comprensión de la tecnología moderna y los materiales que es insuperable".

Jurado Pritzker

 

Al año siguiente el premio le fue concedido a Frank Gehry, que en esos momentos estaba trabajando en el proyecto del Vitra Design Museum en Weil-am-Rhein, en Alemania.

 

Frank Gehry:

"En un clima artístico que a menudo mira hacia atrás en lugar de hacia el futuro, donde las retrospectivas son más frecuentes que la toma de riesgos, es importante honrar la arquitectura de Frank O. Gehry. Refrescantemente original y totalmente americano, precediendo como lo hace desde su perspectiva populista del sur de California, la obra de Gehry tiene una estética muy refinada, sofisticada y aventurera que hace hincapié en el arte de la arquitectura..."

Jurado Pritzker

 

La década de los noventa se inició con la concesión de los galardones al italiano Aldo Rossi (1990), al estadounidense Robert Venturi (1991), al portugués Álvaro Siza Vieira (1992), y al japinés Fumihiko Maki (1993).

El premio concedido al arquitecto Robert Venturi estuvo envuelto en la polémica ya que no se premió a su socia Denise Scott Brown. Este hecho dejó al descubierto que en todas las ediciones del Pritzker no se había premiado a ninguna mujer. Los miembros del jurado se justificaban diciendo que era una profesión de mayoría masculina o también que era necesario tener como mínimo diez edificios terminados para poder acceder al galardón.

Habrá que esperar al 2004 cuando por primera vez se entregue el premio a una mujer: la arquitecta Hada Hadid. La siguiente mujer a la que le fue concedido el premio fue  la japonesa Kazuyo Sejima que junto a Ryue Nishizawa componía la firma de arquitectos SANAA.

Aldo Rossi:

 

"Rossi ha sido capaz de seguir las enseñanzas de la arquitectura clásica sin copiarlas, sus edificios llevan ecos del pasado en el uso de las formas que tienen una cualidad obsesiva universal. Su trabajo es a la vez audaz y ordinario, original, sin ser nuevo, refrescante y sencillo en apariencia, pero muy complejo en su contenido y significado. En un período de diversos estilos e influencias, Aldo Rossi ha evitado la moda y lo popular para crear una arquitectura singular.

Jurado Pritzker

 

 

Roberto Venturi:

 

"La arquitectura es una profesión sobre la madera  ladrillos, piedras, acero y vidrio. También es una forma de arte que se basa en las palabras, las ideas y marcos conceptuales. Pocos arquitectos del siglo XX han sido capaces de combinar los dos aspectos de la profesión y no lo han hecho con más éxito que Robert Venturi..."

Jurado Pritzker

 Álvaro Siza Vieira:

"La arquitectura de Álvaro Siza es una alegría para los sentidos y eleva el espíritu. Cada línea y curva se coloca con habilidad y seguridad... Al igual que los primeros modernistas, sus formas, moldeadas por la luz , tienen una simplicidad engañosa. Esa simplicidad, tras un examen más detenido, se revela como una gran complejidad... Cuatro décadas de paciente y innovadoras formas han proporcionado declaraciones arquitectónicas únicas, y ha sorprendido a la profesión con su frescura. Siza es un maestro, no sólo en la universidad donde obtuvo su educación, sino también como profesor invitado en todo el mundo, avivando el intenso interés que sus diseños genera , sobre todo en las generaciones más jóvenes".

Jurado Pritzker

 

Fumihiko Maki:

 

"Fumihiko Maki de Japón es un arquitecto cuyo trabajo es inteligente y artístico en el concepto y la expresión, lograda meticulosamente. Él es un modernista que ha fusionado lo mejor de las culturas orientales y occidentales para crear una arquitectura que representa las viejas cualidades de su país de origen, y consigue yuxtaponer los métodos y materiales de construcción actuales.

Jurado Pritzker

 

 

En 1994 los premios Pritzker apostaron por rebajar la edad de los premiados con la figura del arquitecto francés Christian de Portzamparc de 49 años, una de las figuras más sobresalientes de su generación en Francia. Un  año depués, el premio le fue otorgado nuevamente a otro arquitecto japonés, Tadao Ando, que a los 54 años estaba en el cúlmen de su carrera. 

Christian de Portzamparc:

 

"Portzamparc es el primer arquitecto francés en recibir el Premio Pritzker. Es un homenaje a la persona y la rica tradición de la arquitectura francesa que representa. Ningún otro país, con la posible excepción de Italia, ha hecho esa contribución en el campo de la arquitectura a través de sus edificios, su diseño urbano y en el sistema educativo de Bellas Artes".

Jurado Pritzker

 

 

El primer arquitecto español y de momento el único en recibir en Premio Pritzker ha sido Rafael Moneo en 1996.

Rafael Moneo:

"José Rafael Moneo es ante todo un arquitecto de gran alcance. Como ecléctico, que se define aquí como la selección y el uso de lo mejor de todas las fuentes, lo que incluye su propia creatividad, la flexibilidad de variar la apariencia de sus obras basadas en sus contextos diferentes se refleja en la forma en que se enfrenta a cada nueva comisión como ejercicio fresco. Se basa en una increíble reserva de conceptos e ideas que se filtra a través de las características específicas de este sitio, el propósito, la forma, el clima y otras circunstancias del proyecto. Como resultado, cada uno de sus edificios es único, pero al mismo tiempo, únicamente reconocibles como procedentes de su paleta... La carrera de Moneo es el ejemplo ideal del conocimiento y la experiencia, la interacción mutua de la teoría, la práctica y la enseñanza".

Jurado Pritzker

En 1997 el jurado de los premios sorprendió con la concesión del Pritzker al noruego Sverre Fehn, un arquitecto no demasiado conocido fuera de su país y autor del pabellón de Noruega en la Feria Mundial de Bruselas de 1958.

Sverre Fehn:

 

"La arquitectura del noruego Sverre Fehn es una combinación fascinante y emocionante de las formas modernas templado por la tradición escandinava y la cultura de la que nace. Se da gran primacía en sus diseños a la relación entre lo construido y el medio natural... ".

Jurado Pritzker

 

 

El siguiente arquitecto galardonado fue el italiano Renzo Piano (1998), que junto a Richard Rogers realizó el Centro Pompidou de París.  Piano será el primer arquitecto adscrito al estilo arquitectónico high tech en recibir un premio Pritzker. Al año siguiente el premiado fue el británico Norman  Foster, uno de los máximos representantes del high tech. La concesión en dos años consecutivos del premio a representantes del high tech fue interpretado como una "disculpa" por o haberlo considerado hasta entonces como una forma de creación artística.

Renzo Piano:

"La arquitectura de Renzo Piano refleja esa rara fusión de arte, la arquitectura y la ingeniería en una síntesis verdaderamente notable...  Si bien su obra abarca la tecnología más actual de esta época, sus raíces están claramente en la filosofía clásica y la tradición italiana. Igualmente a gusto con antecedentes históricos, así como lo último en tecnología, también muy preocupado por los problemas de habitabilidad y arquitectura sostenible en un mundo en constante cambio..."

Jurado Pritzker

Norman Foster:

"La búsqueda del arte y la ciencia de la arquitectura de Sir Norman Foster ha dado lugar al triunfo de un edificio tras otro, cada uno a su manera, único...  Por la devoción inquebrantable de Sir Norman a los principios de la arquitectura como una forma de arte, por su contribución en la definición de una arquitectura con un alto nivel tecnológico y por su apreciación de los valores humanos que participan en la producción de manera consistente proyectos bien diseñados, se le concede el Pritzker de Arquitectura".

Jurado Pritzker

 

Con el inicio del milenio llegaron nuevos premiados: el holandés Rem Koolhaas (2000), los suizos Herzog & de Meuron (2001), el australiano Glenn Murcutt (2002) y el danés Jørn Utzon (2003), autor de la famosa Ópera de Sidney.

Rem Koolhaas:

"Rem Koolhaas es esa rara combinación de visionario y ejecutor, filósofo y pragmático, teórico y profeta,  un arquitecto cuyas ideas sobre los edificios y el urbanismo hacen de él uno de los arquitectos contemporáneos más discutidos en el mundo... Ha mostrado muchas veces su capacidad y talento creativo para hacer frente a problemas aparentemente insolubles con soluciones brillantes y originales..."

Jurado Pritzker

 

Herzog & de Meuron:

"La arquitectura de Jacques Herzog y Pierre de Meuron combina el arte de una antigua profesión con el nuevo enfoque de las capacidades técnicas de un nuevo siglo  Ambos arquitectos con raíces que combinan la tradición europea con la tecnología actual, en soluciones arquitectónicas extraordinariamente inventivas que van desde una estación de conmutación modesta para los trenes a un nuevo enfoque para el diseño de una bodega..."

Jurado Pritzker

Glenn Murcutt:

"Glenn Murcutt es un modernista, naturalista, humanista, economista y ecologista que abarca todas estas distinguidas cualidades en su práctica como arquitecto dedicado que trabaja solo, desde el concepto hasta la realización de sus proyectos en su Australia natal...  Una de las citas favoritas de Murcutt de Henry David Thoreau, quien también era el favorito de su padre dice: "Dado que la mayoría de nosotros pasamos la vida haciendo tareas ordinarias, lo más importante es llevar a cabo extraordinariamente bien".

Jurado Pritzker

Jorn Utzon:

"Jorn Utzon es un arquitecto cuyas raíces se remontan a la historia, tocando en las culturas mayas, chinos y japoneses islámicas, y muchos otros, incluyendo a sus propios legados escandinavos. Compagina estas herencias  más antiguas con su propia disciplina equilibrada, un sentido de la arquitectura como arte, y el instinto natural para las estructuras orgánicas relacionadas con las condiciones del sitio. 

"Me gusta estar en el límite de lo posible", es algo Jørn Utzon ha dicho. Su obra muestra al mundo que él ha estado allí y más allá, él prueba que lo maravilloso y aparentemente imposible en la arquitectura se puede lograr. Él siempre ha estado por delante de su tiempo. Con razón, se une a los pocos modernistas que han protagonizado el último siglo, con edificios de calidad intemporal y perdurable".

Jurado Pritzker

 

El 2004 será un año clave en la entrega de los Premios Pritzker con la concesión por primera vez del premio a una mujer: la arquitecta angloiraquí, Zaha Hadid.

Zaha Hadid:

"La carrera arquitectónica de Zaha Hadid no ha sido tradicional o fácil... Su camino hacia el reconocimiento mundial ha sido una lucha heroica que inexorablemente se elevó a los niveles más altos de la profesión. Los clientes, periodistas, y compañeros de profesión están hipnotizados por sus formas y estrategias para lograr un verdadero enfoque distintivo a la arquitectura y la configuración dinámica. Cada nuevo proyecto es más audaz que el anterior y las fuentes de su originalidad parecen infinitas..."

Jurado Pritzker

 

Al año siguiente el premio retornó a los Estados Unidos de la mano del arquitecto Thom Mayne. Le siguieron: el brasileño Paulo Mendes da Rocha (2006), el británico Richard Rogers (2007), el francés Jean Nouvel (2008),  el suizo Peter Zumthor y el portugués Eduardo Souto de Moura (2011). En 2012 se otorgó por primera vez en su historia el premio a un arquitecto chino:  Wang Shu.

Thom Mayne:

 

"Mayne ha buscado durante toda su carrera crear una arquitectura original, una que sea realmente representativo de lo único...  El jurado del Premio Pritzker de Arquitectura se complace de conceder Thom Mayne el Premio Pritzker de Arquitectura 2005 por su talento, visión y compromiso con el desarrollo del arte de la arquitectura , y por un cuerpo sobresaliente de trabajo y la promesa de futuro".

Jurado Pritzker

 

Paulo Mendes da Rocha:

"Paulo Mendes da Rocha, de Sao Paulo, Brasil, inspirado en los principios y el lenguaje de la modernidad , así como a través de su uso audaz de materiales simples, tiene en las últimas seis décadas una producción de edificios con una profunda comprensión de la poética del espacio.

Con su arquitectura modifica el paisaje y el espacio  tratando de satisfacer las necesidades humanas, tanto sociales y como estéticas. En sus propias palabrasdefine la arquitectura como  la transformación de la naturaleza, una fusión total de la ciencia  el arte y la tecnología en una declaración sublime de la dignidad y la inteligencia humana a través de los establecimientos que construimos para nosotros mismos ... "

Jurado Pritzker

Richard Rogers:

"A lo largo de su distinguida carrera de más de cuarenta años, Richard Rogers, ha buscado constantemente las más altas metas para la arquitectura. Rogers combina su amor por la arquitectura con un conocimiento profundo de los materiales y técnicas de construcción...  Richard Rogers, un humanista, que nos recuerda que la arquitectura es la más social de las artes".

Jurado Pritzker

Jean Nouvel:

"De las muchas frases que podrían ser utilizados para describir la carrera del arquitecto Jean Nouvel , destacan sobre todo aquellas que hacen hincapié en su valiente búsqueda de nuevas ideas y su desafío de las normas aceptadas para ampliar los límites del campo. Por más de 30 años , Jean Nouvel ha llevado el discurso y la praxis de la arquitectura a nuevos límites. Su mente inquisitiva y ágil le impulsa a asumir riesgos en cada uno de sus proyectos, que  independientemente de la mayor o menor éxito, han expandido enormemente el vocabulario de la arquitectura contemporánea".

Jurado Pritzker

Peter Zumthor:

"Peter Zumthor es un arquitecto maestro admirado por sus colegas alrededor del mundo...  Zumthor tiene una aguda capacidad para crear lugares que son mucho más que un solo edificio. Su arquitectura expresa respeto por la primacía del lugar, el legado de una cultura local y las lecciones inestimables de la historia arquitectónica..."

Jurado Pritzker

 

 

Eduardo Souto de Moura:

"Durante las últimas tres décadas, el arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura ha producido una obra que es parte de nuestro tiempo, pero también lleva ecos de tradiciones arquitectónicas. Su obra es una prueba convincente del potencial expresivo del lenguaje moderno y capacidad de adaptación a las distintas situaciones locales. Teniendo siempre en cuenta el contexto, entendido en el sentido más amplio..."

Jurado Pritzker

Wang Shu:

"La arquitectura de Wang Shu abre nuevos horizontes y al mismo tiempo resuena con el lugar y la memoria. Sus edificios tienen la capacidad única para evocar el pasado, sin hacer referencias directas a la historia.  Wang Shu sabe abrazar los desafíos de la construcción y los emplean en su beneficio. Su aproximación al edificio es a la vez crítica y experimental".

Jurado Pritzker

 

 

En los últimos años los arquitectos japoneses han sido premiados hasta en seis ocasiones: Kenzo Tange (1987), Fumihiko Maki (1993), Tadao Ando (1995), Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA) (2010)  y Toyō Itō (2013),

 

SANAA:

"Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa han trabajado juntos en su alianza de colaboración, SANAA, donde es prácticamente imposible de desenredar qué individuo es responsable de qué aspecto de un proyecto en particular. Cada edificio es en definitiva una obra que proviene de la unión de sus dos mentes. Juntos han producido importantes encargos, como el Museum en Nagano y el Museo Siglo 21 de Arte Contemporáneo de Kanazawa.

Los edificios de Sejima y Nishizawa parecen engañosamente simples. Los arquitectos tienen la visión de un edificio como un todo sin fisuras, donde los retiros de presencia física y forma un fondo sensual de personas, objetos , actividades y paisajes. Ellos exploran como pocos las propiedades fenomenales de espacio continuo, la ligereza, la transparencia y la materialidad de crear una síntesis sutil. Arquitectura de Sejima y Nishizawa está en contraste directo con lo grandilocuente y retórico. En cambio, buscan las cualidades esenciales de la arquitectura que se traducen en una sencillez muy apreciada, economía de medios, y la moderación en su trabajo".

Jurado Pritzker

Toyo Itó:

"A lo largo de su carrera, Toyo Ito ha sido capaz de producir una obra que combina la innovación conceptual con edificios magníficamente ejecutados. Creación de destacada arquitectura durante más de 40 años, ha llevado a cabo con éxito las bibliotecas, casas, parques, teatros, tiendas, edificios de oficinas y pabellones, cada vez que busca ampliar las posibilidades de la arquitectura. Un profesional de talento único, que se dedica al proceso de descubrimiento que viene de ver las oportunidades que tenemos en cada comisión y cada sitio".

Jurado Pritzker

 

Arquitectos premiados

B

Shigeru Ban

 

Biografía y obra

Tokio 1957

Shigeru Ban estudió en el Southern California Institute of Architecture y en la Cooper Union School de Nueva York, donde fue alumno de Peter Eisman; aunque su relación con él nunca fue buena por sus distintas maneras de entender la arquitectura.

A principios de los años 80, hizo prácticas en el estudio de Arata Isozaki, a quien admira porque permite a sus colaboradores hacer las cosas a su manera, sin imponerles su forma de pensar, aunque se encuentra lejos de su estilo postmoderno. En 1985, fundó su propio estudio de arquitectura en Tokio, Shigeru Ban Architects.

Además de su trabajo como arquitecto, Shigeru Ban ha desarrollado una importante labor docente. Entre 1993 y 1995, fue profesor adjunto de arquitectura en la Universidad de Arte de Tama, en Tokio; entre 1995 y 2000 en las Universidades de Yokohama y Nihon; y desde 2001hasta 2008 en la Universidad de Keio, todas ellas en Japón. También ha sido profesor visitante en las Universidades de Columbia, Harvard y Cornell. En la actualidad es profesor de la Universidad de Arte y Diseño de Kioto, en Japón.

Las claves de la obra de Ban son el compromiso social, la investigación y la innovación en los procedimientos constructivos y en los materiales, siendo el uso de tubos de papel, como material estructural, la mayor seña de identidad de sus obras. La primera vez que trabajó con este material fue en 1986, para la instalación de una exposición de Alvar Aalto, en la que contaba con un presupuesto limitado, lo que le llevó a sustituir la madera por un material de apariencia similar pero más barato: los tubos de papel reciclado.

En una entrevista realizada para la revista Summa+ por Enrique Walker, Ban afirma respecto a su uso de los materiales: « […] no me interesa el uso superficial de un material, sino la investigación de sus características propias con el objetivo de descubrir otras posibilidades en su utilización. Es decir, un proyecto comienza para mí por el material y los procedimientos constructivos. Por lo general, uso el material existente de forma diferente a la usual e intento de este modo encontrar en él un nuevo significado».

Otra característica clave en la arquitectura de Ban es la flexibilización o eliminación de los límites entre el interior y el exterior. El arquitecto plantea así una relación directa y abierta entre el edificio y su entorno. El ejemplo más radical es su “Curtain Wall House”, donde sustituye los muros por cortinas. Se trata de una idea presente en toda su obra y que se puede apreciar en construcciones tan distintas como la Iglesia temporal de papel de Kobe, Japón, de 1995 (trasladada a Taiwán en 2008) o el Centro Pompidou de Metz, Francia, realizado en 2010.

Entre sus influencias se encuentran las “Case Study House” californianas de Richard Neutra y Charles Eames, un programa experimental de arquitectura residencial que pretendía diseñar y construir casas modelo baratas, fáciles de construir y eficientes, durante el boom inmobiliario de la posguerra en Norteamérica. De estas le interesa sobre todo su carácter experimental y la aplicación de nuevas tecnologías y materiales. Esta influencia se hace explícita en varias de sus obras, como “Nine Square Grids House” (Kanawa, Japón, 1997), en la que subtitula el proyecto como “Case Study House-09”.

Ban admira también el trabajo de Mies van der Rohe, John Hejduk, Frei Otto y, sobre todo, Alvar Aalto. De Otto, con el que trabajó para la Expo de Hannover, le interesa su innovación en estructuras ligeras. John Hejduk fue el motivo por el que eligió estudiar en la Cooper Union, donde Hejduk era decano, y de Aalto admira su respeto por el entorno y el uso que hace de los materiales. Cada vez que tiene ocasión visita la “Villa Mairea”, en Finlandia, una de las obras principales de Aalto.

 

Exposiciones

2013

Shigeru Ban──Architecture and Humanitarian Activities. Art Tower Mito, Japón.

2012

Japan Foundation Exhibiton Architecture Exhibition:”How Did Architects Respond Immediately after 3/11 (The Great East Japan Earthquake)?”. Sendai, Japón/París, Francia.

Architecture for dogs (Paper Papillon), Miami, EE. UU.

2011

The world of Shigeru Ban Exhibition. Hyogo, Japón.

2009

Tokio Fiber. Milano, Tokio, Japón.

Frontiers of Architecture. Louisiana Museum of Modern Art, Humlebak, Dinamarca.

Dialogues for Emergency Architecture. National Art Museum of China, Beijing, China.

2008

Shelter x Survival, Paper Log House. Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japón.

GA Houses, Picture Window House II. GA Gallery, Tokio, Japón.

2007

GA Houses. Dellis Cay Resort Development West Beach Villa, GA Gallery, Tokio, Japón.

Alvar Aalto through the Eyes of Shigeru Ban. Barbican, Londres. Reino Unido.

2006

Recent Projects, Faux Mouvement. Metz, Francia.

2005

SAFE, Paper Log House. MOMA, Nueva York, EE. UU.

ARCHI LAB, Paper Church, Paper Log House, Paper Dome. Mori Art Museum, Tokio, Japón.

2004

World Museums for a new millennium, Center Pompidou Metz, traveling exhibit - 5 museums in Japan, Metz, Francia.

Venice Biennale. Centre Pompidou Metz, Venecia, Italia.

Toward the Future: Museums by Japanese Architects, traveling exhibit-Japan.

New Trends of Architecture in Europe and Japan, traveling exhibit-Europe and Asia.

International Competition of Architecture - Centre Pompidou Metz The 6 Projects of Finalists. Centre Pompidou París, Francia.

Arti & Architettura 1900-2000, Japan Pavilion Hannover 2000. Plazzo Ducale, Génova, Italia.

2003

Paper, Wood & Bamboo, Structural Innovation in the Work of Shigeru Ban. Harvard Design School, Cambridge, Massachusetts, EE. UU.

GA Houses, Villa Arno. GA Gallery, Tokio, Japón.

GA Houses 2003, Shutter House for a Photographer. GA Gallery, Tokio, Japón.

2002

Recent Projects. La Galerie d`Architecture, París, Francia.

Recent Projects. Arc en reve, Bordeaux, Francia.

GA Japan, Rietberg Museum Competition. GA Gallery, Tokio, Japón.

Bamboo Roof. Rice University Art Gallery, Houston, Texas, EE. UU.

2001

Recent Projects. Zumtobel Light Forum, Viena, Austria.

Recent Projects. AEDES East Forum, Berlín, Alemania.

Paper Tea House. Space TRY, Tokio, Japón.

GA House Project 2001. GA Gallery, Tokio, Japón.

2000

Venice Biennale, Italia.

Paper Show by Takeo & Nippon Design Center. Spiral Hall, Tokio, Japón.

Japan Pavilion Hannover 2000, Renate Kammer Architektur und Kunst, Alemania.

1999

Un-Private House, Curtain Wall House. MoMA, Nueva York, EE. UU.

SHIGERU BAN, Projects in Process. Gallery MA, Tokio, Japón.

Shigeru Ban. Ifa, Francia.

GA House Project 1999. GA Gallery, Tokio, Japón.

Future Show. Bologna, Italia.

Cities on the Move. Hayward Gallery, Londres, Reino Unido.

ARCHILAB. Orleans, Francia.

1998

GA Japan League ‘98. GA Gallery, Tokio, Japón.

GA House Project 1998. GA Gallery, Tokio, Japón.

97 JIA Prize for the best young Architect of the year, Tokio, Japón.

1997

Stool Exhibition 3. Living Design Center OZONE, Tokio, Japón.

Resurrection of Topos 3. Hillside Terrace Gallery, Tokio, Japón.

GA Japan League ‘97. GA Gallery, Tokio, Japón.

1996

Paper Church and Volunteers at Kobe. Kenchikuka Club, Aichi, Japón.

1995

Paper Church. Matsuya Gallery, Ginza, Tokio, Japón.

Paper Church and Volunteers. INAX Gallery, Osaka, Japón.

GA Japan League ‘95. GA Gallery, Tokio, Japón.

1994

GA Japan League ‘94. GA Gallery, Tokio, Japón.

Architecture of the Year ‘94. Metropolitan Plaza.

1993

Hardwares by Architects. Hanegi Museum, Tokio, Japón.

GA Japan League ‘93. GA Gallery, Tokio, Japón.

Chairs by Architects. Hanegi Museum, Tokio, Japón.

1990

Virgin Collections, Guardian Garden.

Last Decade 1990. Matsuya Gallery, Ginza, Tokio, Japón.

1989

Neo-Forma, Axis Gallery, Tokio, Japón.

1988

Models from Architect’s Ateliers. Matsuya Gallery, Ginza, Tokio, Japón.

1987

Tokio Tower Project <40 Architects under 40>. Axis Gallery, Tokio, Japón.

1985

SD Review ‘85. Hillside Terrace Gallery, Tokio, Japón.

Adam in the Future. SEIBU Shibuya, Tokio, Japón.

1984

Japanese Designer in New York. Gallery 91, Nueva York, EE. UU.

 

Premios

2014

Pritzker Architecture Prize.

Good Design Award -lamp Yumi, Fontana Arte.

2013

iF Design Award -lamp Yumi, Fontana Arte.

Elle Décor Design Award 2013, Wall Covering -Module H, Hermès Maison.

2012

Mainich Art Prize.

KALMANI Prize 2012, Mexico City KALMANI Prize 2012.

Art Prize from Japanese Agency for Cultural Affairs.

2011

L'Ordre National du Merite, Francia.

Auguste Perret Prize.

2010

L’Ordre des Arts et des Lettres, Francia.

International Award for Sustainable Architecture, Gold Medal, Haesley Nine Bridges Golf Clubhouse.

International Architecture Awards, Grand Prize, Chicago Athenaeum of Architecture and Design, European Center Architecture Art Design; Haesley Nine Bridges Golf Clubhouse.

2009

Japan Project International Award, Student Jury’s Award: Chengdu Hualin Elementary School, China.

Grand Prize of AIJ 2009: Nicolas G. Hayek Center.

2008

Urban Land Institute Awards for Excellence: Finalist, Kirinda Project, Sri Lanka.

2007

MIPIM Awards 2007: Special Tribute, Kirinda Project, Sri Lanka.

MIPIM Awards 2007: Residential Developments 1st Prize, Kirinda Project, Sri Lanka.

2005

Thomas Jefferson Medalist in Architecture.

Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture.

AIA New York Chapter Design Awards-Project Honors: Nomadic Museum-NY.

2004

Grande Medaille France Academie d’Architecture.

2002

World Architecture Awards 2002: Best House in the World, Naked House.

2001

World Architecture Awards 2001: Europe Category, Public/Cultural Category for the Japan Pavilion.

Time Magazine Innovator of the Year.

The Prize of Japan Society for Finishing Technology, for GC Osaka Building.

Nikkei New Office Award, for GC Osaka Building.

Gengo Matsui Award for the Japan Pavilion.

Best Designer of the year 2001, Interior (Magazine), U.S.A.

2000

The Augustus Saint-Gaudens Award from the Cooper Union, NY.

Akademie der Kunste, Berlin Art Award, Alemania.

1999

Architecture for Humanity Design Award for Paper Log House.

ar+d, Architectural Review, UK for Paper Church.

4th International Festival for Architecture in Video by IMAGE, Italia.

1998

Tohoku Prize, Architectural Institute of Japan for Tazawako Station.

1997

The JIA Prize for the best young architect of the year.

1996

Yoshioka Prize.

JIA Kansai Architects.

Innovative Award, Tokyo Journal.

Ecoplice House Competition, IAA (International Architects Academy).

1995

Mainichi Design Prize.

1993

House Award, Tokyo Society of Architects.

1989

Arflex Design Competition.

1988

SD Review‘88.

Osaka Industrial Design Contest, L Unit System.

Display of the Year, Japan, “Alvar Aalto” Exhibition.

1986

Display of the Year, Japan, “Emilio Ambasz” Exhibition.

Design Competition for the redevelopment of the Shinsaibashi, Osaka.

1985

SD Review ‘85.

 

Premio Pritzker 2014

Shigeru Ban ha sido galardonado este año con el Premio Pritzker, según se recoge en el anuncio del premio, por «sus proyectos elegantes e innovadores para clientes privados y también por usar el mismo diseño inventivo y habilidoso para sus amplios esfuerzos humanitarios. Es un arquitecto excepcional que, durante veinte años, ha estado respondiendo con creatividad y diseño de alta calidad a situaciones extremas causadas por desastres naturales devastadores».

«Su sentido de la responsabilidad y la acción positiva para crear una arquitectura de calidad para atender las necesidades de la sociedad, junto con su enfoque original de estos desafíos humanitarios, hacen del ganador de este año un profesional ejemplar», ha señalado el jurado presidido por el británico Lord Palumbo, y compuesto por el chileno Alejandro Aravena, el estadounidense Stephen Breyer, el arquitecto chino Yung Ho Chang, la arquitecta alemana Kristin Feireiss, el Pritzker 2002, Glenn Murcutt, el finlandés Juhani Pallasmaa, el indio Ratan N. Tata y la estadounidense Martha Thorne, directora ejecutiva del premio.

Ante la noticia del premio, recibida en su sede de París, Ban ha manifestado que este galardón es, precisamente, un estímulo para seguir en la línea de trabajo por la que ha sido reconocido, y que su propósito es seguir compatibilizando esta doble vertiente de su actividad como arquitecto:

«Recibir este premio es un gran honor, y con él, tengo que tener cuidado. Debo seguir escuchando a las personas para quienes trabajo, tanto en mis proyectos residenciales privados como en mi trabajo de ayuda en caso de desastres. Considero este premio como un estímulo para seguir haciendo lo que hago y hacerlo crecer».

En una entrevista realizada por Pola Mora, ante la pregunta de cómo se sentía tras haber ganado el Pritzker, respondía así:

«Es un gran honor, pero aún no se cómo asimilarlo, porque siento que es aún muy temprano para mí porque aún no he alcanzado cierto nivel como arquitecto. Así que me lo tomo como una motivación para seguir haciendo gran arquitectura al mismo tiempo que trabajo en zonas de catástrofe. También me gusta seguir enseñando. La educación es una parte muy importante de lo que hago. Incluso ahora, no entiendo el significado de recibir este premio, pero todo lo que te puedo decir es que no quiero que me haga cambiar. Tan solo quiero seguir haciendo lo que hago».

En el anuncio del ganador de este año, Tom Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt, ha destacado que «el compromiso de Shigeru Ban con las causas humanitarias a través de su trabajo de ayuda en caso de desastre es un ejemplo para todos. La innovación no está limitada por el tipo de edificio y la compasión no está limitada por el presupuesto. Shigeru ha hecho de nuestro mundo un lugar mejor».

Ban, trigésimo octavo ganador del Premio Pritzker y séptimo arquitecto japonés en lograr este reconocimiento, recibirá el galardón en una ceremonia que tendrá lugar el próximo 13 de junio de 2014, en el Rijksmuseum de Ámsterdam.

Mora, Pola. "Entrevista al Premio Pritzker 2014 Shigeru Ban". Plataforma Arquitectura. (24 marzo 2014) Mora, Pola.

Sus obras (selección)

Arquitectura de emergencia

Arquitectura de emergencia

 

Vídeo: Conferencia de Shigeru Ban sobre su arquitectura de emergencia. En inglés, con subtítulos en español.

Shigeru Ban dedica la mitad de su tiempo a proyectos de arquitectura de emergencia: diseña y construye a bajo coste viviendas temporales y edificios comunitarios para asistir a la población en casos de catástrofes naturales o humanitarias.

En 1994, tras ver unas fotografías en las que se reflejaban las malas condiciones en que vivía la población durante el conflicto de Ruanda, se ofreció a la ONU para construir viviendas temporales de calidad para los refugiados utilizando tubos de cartón, que evitarían la deforestación de la zona, muy avanzada debido al uso de madera para construir cabañas en los campos de refugiados.

Desde entonces, su labor humanitaria como arquitecto en situaciones de emergencia ha sido constante. En 1995 fue nombrado consultor por el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los refugiados (ACNUR) y fundó una ONG de arquitectos voluntarios llamada VAN (Voluntary Architects Network), con la que ha trabajado en zonas devastadas por desastres naturales o guerras con la ayuda de voluntarios y estudiantes.

Además, construye con materiales no convencionales, locales y reutilizables, como el papel y el cartón, e investiga sus características para descubrir otras posibilidades en su utilización y lograr diseños de alta calidad a muy bajo costo. Las construcciones de Ban pueden desmontarse pieza a pieza para luego levantarse en un lugar distinto, como la Iglesia de papel de Kobe, reconstruida en Taiwán diez años después.

 

Catedral de Cartón, Christchurch, Nueva Zelanda, 2013

En Febrero de 2011, la ciudad de Christchurch, en Nueva Zelanda, sufrió un devastador terremoto en el que murieron más de 200 personas y que causó daños irreparables en la catedral de la ciudad, construida a mediados del S.XIX. Ban ha sido el encargado de construir un catedral temporal, con estructura de tubos de papel, mientras se reconstruye la antigua iglesia.

Se trata un edificio en forma de “A", compuesto por 98 tubos de papel de igual longitud y contenedores de flete de 6 metros. Los tubos están revestidos con poliuretano resistente al agua y agentes ignífugos. Esta catedral, con capacidad para 700 personas, puede utilizarse como un espacio de eventos y conciertos y se estima que podría durar hasta 50 años.

Paper Concer Hall L’Aquila, Italia, 2011

En abril de 2009, un terremoto devastó la ciudad italiana de l’Aquila. Entre los edificios destruidos estaba el conservatorio. Gracias a donativos provenientes de todo el mundo, Ban construyó una estructura temporal con tubos de papel de 3.000 metros cuadrados, que incluye una sala de conciertos y aulas para el conservatorio.

 

Iglesia de papel temporal, Nagata, Kobe, Japón, 1995; Taomi, Nantou, Taiwán, 2008

Se trata de un edificio de 168 metros cuadrados de una sola planta. Fue concebido para reemplazar la iglesia de Takori, en Japón, destruida por el terremoto de 1995. La estructura, formada por 58 tubos de papel dispuestos de manera elíptica, está inspirada en los templos de Bernini. Entre los tubos se colocaron unas pantallas acristaladas practicables que conectan el interior y el exterior, creando un espacio continuo. Finalmente, la cubierta de lona deja pasar una luz tamizada durante el día y luce iluminada desde el interior por la noche. Construido por voluntarios, es un edificio desmontable que ha sido trasladado a otros lugares afectados por desastres naturales; así, fue desmantelado en 2005 y reconstruido en Taiwán en 2008.

 

Casas temporales con estructura de tubos de papel, Kobe, Japón, 1995

Tras el terremoto de 1995 en Kobe, Japón, cientos de personas se quedaron sin hogar. Para solucionar esta situación, Shigeru Ban diseñó unas casas de 16 metros de planta, con muros de tubos de papel (de 108 mm de diámetro y 4 mm de espesor) y cimientos formados por cajas de cerveza llenas de arena. La cubierta de lona incorporaba un sencillo sistema de movilidad que permitía abrirla y cerrarla.

Se trataba de una estructura estética, barata, ligera y, fácil y rápida de montar, que no hacía temer a sus habitantes quedar sepultados por sus casas durante las posibles réplicas del terremoto.

Con posterioridad, ha construido viviendas de emergencia con estructura de tubos de papel en lugares como Filipinas, India o Turquía.

 

Furniture House (La Casa Mueble), Yamanashi, Japón, 1995

Con este proyecto, Ban pretendía construir de manera rápida y efectiva viviendas permanentes para los damnificados por el terremoto. Es una vivienda prefabricada en la que los muebles producidos en serie (armarios, estanterías...) son la estructura que soporta la casa. Con este sistema, cada módulo que sostiene la casa pesa un máximo de 100 kilos y es fácilmente transportable y manejable sin que haga falta una grúa. Su intención con este modelo de vivienda es que el usuario pueda construirse su propia casa.

 

Arquitectura residencial, comercial y cultural

Aparte de su obra como arquitecto en zonas de emergencia, Ban desarrolla también su oficio construyendo viviendas, edificios comerciales y de oficinas, museos y centros culturales como el Centre Pompidou- Metz, en Francia.

Naked House (Casa Desnuda) Kawagoe, Japón, 2000

Superficie: 138 m construidos.

Es una de las casas más representativas de la obra de Shigeru Ban. Responde al deseo del cliente de reducir al máximo la compartimentación de la vivienda para fomentar las relaciones familiares en detrimento de la privacidad. En ella se cuestiona la noción tradicional de vivienda creando un espacio diáfano que alberga cuatro habitaciones sobre ruedas que pueden cambiarse de lugar e incluso pueden sacarse fuera de los límites de la casa por uno de los frentes. El baño y la cocina ocupan ubicaciones fijas y se separan del resto de la casa mediante cortinas.

Las paredes están formadas en el interior por paneles acrílicos blancos desplegados sobre el entramado de madera. En el exterior están revestidas con paneles de plástico transparente, creando un ambiente translúcido.

 

Pabellón de Japón en la Expo de Hannover 2000, Alemania

En el año 2000, Ban construyó una enorme estructura en forma de túnel curvo con tubos de papel para el Pabellón de Japón en la exposición de Hannover, en Alemania. El tema de la expo era el medio ambiente, y el pabellón japonés debía reflejar la tradición japonesa de construcción en papel. La estructura llamó la atención de todo el mundo por su arquitectura reciclable y, finalizado el evento, los materiales utilizados en el pabellón fueron reutilizados.

En su construcción trabajó con Buro Hapold y Frei Otto, al que Ban admira por su trabajo en la creación de estructuras ligeras y con el que comparte las mismas ideas sobre la utilización de los materiales, siendo los dos partidarios de sacar el máximo rendimiento de los materiales locales disponibles.

El edificio medía 73,8 metros de largo, 25 de ancho y 15,9 de alto, y con una superficie de 3600 metros cuadrados, siendo la mayor de las estructuras de tubos de papel realizada por Shigeru Ban.

Se trataba de un pabellón de formas onduladas compuesto por una estructura de 440 tubos de papel, de 12,5 cm de diámetro y una longitud de hasta 40 metros, atados con cintas de poliéster, que le daban su característica forma de panal. Pero las autoridades alemanas se negaron a permitir una estructura realizada sólo con tubos de papel y obligaron a Ban a añadir a esta una segunda estructura de arcos de madera —en opinión de Ban totalmente innecesaria— para reforzar la de papel.

Los cimientos estaban compuestos por una estructura de acero y cajas de madera rellenadas con arena. En la cubierta se empleó una membrana de papel, compuesta por cinco capas ignífugas e impermeables, y una capa de PVC especial que no producía dioxinas perjudiciales para el medio ambiente.

Su distribución se inspiraba en el Altes Museum de Berlín, construido por Schinkel en el siglo XIX. Contaba con dos espacios diferentes, el pasillo y la sala central. Esta última era la zona de exposición, un espacio enorme, rodeado por el pasillo, donde los visitantes esperaban para entrar a la sala. En el año 2001, Ban recibió por este proyecto el prestigioso Premio Gengo Matsui.

 

Museo Nómada

Otro de los proyectos más celebrados de Shigeru Ban es su Museo Nómada, que hasta la fecha ha sido montado en Nueva York en 2005, en Santa Mónica en 2006, en Tokio en 2007 y en Ciudad de México.

Se trata de una gran estructura destinada a albergar la exposición “Ashes and Snow” del fotógrafo canadiense Gregory Colbert. La muestra explora la sensibilidad poética que comparten los seres humanos y los animales. Como su nombre indica, se trata de una construcción temporal itinerante, de grandes dimensiones, donde las salas de exposiciones están construidas con contenedores de transporte de mercancías y tubos de papel.

 

Otros proyectos

Entre sus edificios más destacados se encuentra también el Gimnasio conmemorativo Atsushi Imai, construido en Odate, Japón, en 2002, que destaca por su cúpula ovalada.

Del Club de Golf Haesley Nine Bridges, construido en 2010 en asociación con KACI International, en Yeoju, Corea del Sur, lo más destacado son sus soportes de madera de formas arbóreas en el atrio.

Entre sus obras más recientes, destaca el edificio Tamedia realizado para esta empresa de medios de comunicación suiza en 2013. Situado en el corazón de Zúrich, uno de los rasgos principales del proyecto es su estructura realizada completamente en madera, que unida a su fachada vidriada dan un aspecto único al edificio.

En España ha construido un único proyecto, un pabellón temporal con estructura de tubos de papel en el jardín del Instituto de Empresa de Madrid, en el 2013.

También ha trabajado como diseñador, creando varias colecciones de muebles, en especial sillas.

 

Obra seleccionada

Centre Pompidou-Metz, Francia, 2006-2010

En marzo de 2003, el Centro Pompidou de París y la ciudad de Metz convocaron un concurso internacional de arquitectura para el proyecto de construcción de la primera sucursal de este centro de arte moderno y contemporáneo, en la ciudad francesa de Metz.

Por un lado, con la construcción de esta nueva sede, el Centro Pompidou persigue el objetivo de poder mostrar más obras al público, ya que en París sólo se exhibe un 20% de la colección, y además ser capaz de mostrar las obras de gran formato, que no se pueden exponer en el museo de París, debido a la baja altura del techo. Para adaptarse a este requisito, en el centro de Metz uno de sus espacios, la galería “Grand Nef”, dispone de 18 m de altura.

Por otro lado, al igual que el Museo Guggenheim revitalizó Bilbao, el Centro Pompidou-Metz también busca causar ese efecto en la ciudad de Metz.

El 27 de mayo de 2003, se reunió un jurado internacional presidido por Jean-Marie Rausch, alcalde de Metz y compuesto, entre otros, por Bruno Racine, director del Centro Pompidou, y el arquitecto Richard Rogers. Seleccionaron seis proyectos de entre los ciento cincuenta y siete presentados: el de Shigeru Ban Architects y Jean de Gastines Architectes, con la colaboración de Philip Gumuchdjian Architects; el de Stéphane Maupin y Pascal Cribier; el de Herzog & de Meuron; el de Foreign Office Architects (FOA); el de NOX Architekten, y el proyecto de Dominique Perrault.

La propuesta presentada por Shigeru Ban en asociación con Gumuchdjian Architects y Jean de Gastines fue finalmente la ganadora.

Durante las obras, entre 2004 y 2009, Shigeru Ban instaló un estudio temporal con estructura de tubos de cartón en la terraza de la sexta planta del Centre Pompidou de París, para poder estar cerca de su cliente.

La primera pieza del museo fue colocada el 7 de noviembre de 2006, y el edificio fue inaugurado por el Presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, el 11 de mayo de 2010, abriéndose al público al día siguiente.

Vídeo sobre la construcción del Centre Pompidou de Metz.

EL EDIFICIO

El Centro Pompidou-Metz está situado en nuevo barrio, cerca de la estación de ferrocarril de Metz, a la que se une mediante una plaza y los jardines. Se desarrolla sobre una superficie de 10.700 metros cuadrados. De estos, 5.020 se dedican a espacios de exposición, a los que se añaden otros espacios susceptibles de acoger obras como los jardines, el foro o las terrazas de las galerías.

El conjunto se presenta como una gran estructura de planta hexagonal, diseñada alrededor de una torre central que contiene las escaleras y los ascensores, y culmina a 77 metros con la antena pararrayos. La cifra no es casual, se trata de un guiño al año de la inauguración del Centro Pompidou de París, celebrado en 1977.

El edificio tiene dos elementos esenciales, por un lado la cubierta ondulada, que cubre el museo y crea una plaza abierta accesible al público, y por otro las tres galerías superpuestas que lo traviesan. A estos hay que añadirles una tercera característica, la forma en que el espacio interior y exterior se relacionan, borrando los límites entre uno y otro, un rasgo definitorio del modo de entender la arquitectura de Ban, siempre en relación con el contexto.

 

La cubierta

La complejidad de la cubierta reside en su forma, en sus grandes dimensiones y en su técnica de fabricación. Se compone de un armazón de madera recubierto por una membrana y adopta la forma del sombrero tradicional chino, en el que en palabras de Ban se inspira:

«En 1998 compré un sombreo chino en París. En aquella época estaba trabajando en el pabellón de Japón en Hannover, pero visitaba París casi todos los fines de semana. Vi un sombreo en una tienda de artesanía china en Saint-Germain-des Prés y me sorprendió su corte tan arquitectónico. La estructura es de bambú y cuenta con una capa de lienzo a modo de impermeabilización. Tiene otra capa de hojas secas que funciona como aislante. Es como la arquitectura de un edificio. Desde que compré ese sombrero quise diseñar una cubierta similar».

El armazón de la cubierta tiene una superficie de 8.000 metros cuadrados y está totalmente realizado en madera. Las láminas, espaciadas 2,90 metros entre sí, dibujan una trama hexagonal que pretende imitar el patrón que siguen los sombreros chinos tejidos con bambú.

Al igual que el sombrero, el conjunto de la estructura de madera está recubierto con una capa protectora, una membrana blanca a base de fibra de vidrio translúcida y teflón. Esta membrana asegura la impermeabilidad y permite regular la temperatura interior, protegiendo de los rayos solares en verano y aportando calidez en invierno, dejando que la luz natural se filtre suavemente en su interior.

Las galerías tubulares

El segundo aspecto relevante del edificio son las galerías. Bajo esta gran cubierta, tres galerías, en forma de tubos paralelepípedos de 90 x 15 m se sobreponen y se cruzan sobre los espacios de la galería “Grand Nef” y el “Forum”. Sus extremidades terminan en anchos ventanales de cristal que sobresalen unos de la fachada y otros de la cubierta. Están orientadas hacia diferentes puntos de la ciudad, desde donde los visitantes pueden divisar la catedral, la estación y otros monumentos de la ciudad.

El tratamiento de la relación interior-exterior

En el Centre Pompidou-Metz, Ban desarrolla su idea de la flexibilidad de los límites. Así, los espacios interiores han sido concebidos como una prolongación del exterior, con el que se comunican a través de un pórtico de cristal. Por ejemplo, el interior de la galería “Grand Nef” (la gran nave) se puede ver desde el Jardín Norte gracias a sus grandes ventanales y, en verano, las fachadas retráctiles del “Forum” se abren por completo, borrando así la frontera entre el exterior y el interior. Además, la gran cubierta se extiende por el parque, englobando las zonas interiores y el exterior.

Los espacios interiores

El visitante accede al centro desde el “Forum” o el vestíbulo de entrada, que da paso a la zona de información, la taquilla y la tienda, así como al guardarropa y los aseos.

Desde aquí se accede a la “Grand Nef”, el primer espacio de exposiciones, dedicado especialmente a las obras de grandes dimensiones. Con una superficie de 1.200 metros cuadrados, es un espacio flexible, que ofrece una gran libertad a la hora de planificar las exposiciones. La altura bajo techo se eleva progresivamente de 5,70 a 18 metros. La zona está presidida por una torre hexagonal, donde se ubican los ascensores y las escaleras.

En la planta inferior se encuentra también el cuerpo circular que alberga el “Estudio de creación”, un espacio polivalente (196 plazas) que sirve tanto para la realización de espectáculos como de exposiciones, y la cafetería, de 70 metros cuadrados, con una terraza que se abre al jardín. A través de la cafetería se accede al restaurante, situado en la planta superior, con capacidad para una centena de comensales y una gran terraza orientada al sur, desde donde se domina el jardín.

En la parte trasera del edificio se sitúa el Auditorio Wendel (con aforo para 144 personas) y los espacios administrativos y técnicos del museo. En las plantas superiores, sobre el “Forum”, se encuentran las tres galerías de exposición. De 80 metros de longitud cada una, están constituidas por tubos paralelepipédicos de hormigón, sin pilares interiores. Estas galerías, que se sobreponen en tres pisos y se cruzan, constituyen espacios abiertos, que conceden gran libertad a la hora de planificar el montaje de exposiciones.

Las galerías cuentan en sus dos extremos con grandes ventanales, que ofrecen a los visitantes amplias panorámicas de la ciudad, con vistas de la Catedral de Metz, de la estación o del parque que rodea el río Seille.

En el interior dominan los tonos claros, con la cubierta de madera rubia, paredes y estructuras pintadas en blanco y suelos en hormigón pulido gris perla. Mediante la apertura de paneles de cristal alrededor del perímetro del edificio, se crea una transición continua entre la zona interior y la gran plaza exterior.

Plaza y jardines

El Centro Pompidou-Metz está rodeado por una plaza y dos jardines, uno al norte y otro al sur. La plaza, ligeramente inclinada, establece un enlace directo para los peatones entre el Centro Pompidou-Metz y la estación. Tiene las mismas dimensiones que la plaza del Centre Pompidou de París. Fue diseñada por la Agencia Nicolás Michelin Asociados y Paso Doble paisajistas que también crearon el jardín norte del Centro Pompidou-Metz, aunque Ban hubiera querido trabajar con Michel Desvigne, con quien contaba en principio en su equipo.

El jardín norte tiene una extensión de dos hectáreas y sirve como una zona de transición entre el casco antiguo de la ciudad y la nueva zona donde se ubica el centro. Su diseño dibuja un campo de pliegues ondulados plantado de prunus, atravesado por numerosas pasarelas para los peatones.

 

Recursos

Bibliografía

ARTÍCULOS

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“Shigeru Ban architects - Maisons de Pëcheurs à Kinrida, Sri Lanka”. Le Moniteur architecture: AMC. N. 218 (2012); p. 86

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“Villa Vista. Shigeru Ban Architects Europe”. JA. N. 84 (2012); p. 44

“What the Japanese Can Learn from Europe's Timber Construction Technology. Shigeru Ban” JA. N. 89 (2013); p. 32

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MONOGRAFÍAS

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Schulz-Dornburg, Julia. Arte y arquitectura: nuevas afinidades: = Arte e arquitetura: novas afinidades. Barcelona: Gustavo Gili, 2002.

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Recursos en línea

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*Shigeru Ban recibe el Premio Pritzker de 2014.

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*Artículo sobre el Centre Pompidou-Metz, obra de Shigeru Ban Architects y de Jean de Gastines Architectes.

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*Artículo sobre el Nomadic Museum en Santa Mónica, obra de Shigeru Ban.

Davey, Peter. “Paper Palace in Hanover by Shigeru Ban” [Recurso electrónico]. The architectural review. Dirección URL: <http://www.architectural-review.com/8660572.article> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Artículo sobre el Pabellón de Japón en la Expo de Hannover2000, obra de Shigeru Ban.

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*Artículo sobre el Edificio de Oficinas Tamedia, obra de Shigeru Ban.

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*El arquitecto Shigeru Ban recibe el Premio Pritzker de 2014.

El japonés Shigeru Ban, Premio Pritzker de Arquitectura 2014 por sus proyectos "elegantes" [Recurso electrónico]. Rtve. Dirección URL: <http://www.rtve.es/noticias/20140324/japones-shigeru-ban-premio-pritzker-arquitectura-2014-proyectos-elegantes/903180.shtml> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*El arquitecto Shigeru Ban recibe el Premio Pritzker de 2014. Incluye vídeo en español.

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*Web oficial de Jean de Gastines Architectes

Melvin, Jeremy. “Interview with Pritzker Prize winner Shigeru Ban” [Recurso electrónico]. The architectural review. Dirección URL: <http://www.architectural-review.com/8660580.article> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Entrevista con Shigeru Ban.

Mora, Pola. "Entrevista al Premio Pritzker 2014 Shigeru Ban" (24 marzo de 2014) [Recurso electrónico]. Plataforma arquitectura. Dirección URL: <http://www.plataformaarquitectura.cl/2014/03/24/entrevista-al-premio-pritzker-2014-shigeru-ban/> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Entrevista al Premio Pritzker 2014 Shigeru Ban. Incluye vídeo

Shigeru Ban Architects [Recurso electrónico]. Shigeru Ban Architects. Dirección URL: <http://www.shigerubanarchitects.com/> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Portal oficial de Shigeru Ban Arquitectos

Shigeru Ban 2014 Laureate [Recurso electrónico]. The Pritzker Architecture Prize. Dirección URL: <http://www.pritzkerprize.com/laureates/2014> [Consulta: 1de abril de 2014].

*Página oficial del Premio Pritzker donde aparecen todos los arquitectos galardonados y una completa información sobre ellos, que incluye biografía, estudio de su obra e imágenes de estas, además de la nominación y deliberación del jurado del premio.

Shigeru Ban[Recurso electrónico]. New York Architecture. Dirección URL: <http://www.nyc-architecture.com/ARCH/ARCH-Shigero.htm> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Completa página sobre la arquitectura de Shigeru Ban. Incluye información sobre premios, publicaciones y diversos proyectos.

Shigeru Ban. [Recurso electrónico]. Plataforma aquitectura. Dirección URL: <http://www.plataformaarquitectura.cl/tag/shigeru-ban/> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Web que recoge diversos artículos relacionados con Shigeru Ban en Plataforma Arquitectura

Shigeru Ban [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Shigeru_Ban> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Web que recoge información general sobre Shigeru Ban

Shigeru Ban. [Recurso electrónico]. Urbipedia. Dirección URL: <http://www.urbipedia.org/index.php?title=Shigeru_Ban> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Página que ofrece una completa información sobre el trabajo del arquitecto Shigeru Ban e incluye imágenes de muchas de sus obras.

Shigeru Ban: designboom interview [Recurso electrónico]. Designboom.com. Dirección URL: <http://www.designboom.com/interviews/shigeru-ban-designboom-interview/> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Entrevista a Shigeru Ban

Slessor, Catherine. “Metz, France – Shigeru Ban's new Pompidou Centre nears completion” [Recurso electrónico]. The architectural review. Dirección URL: <http://www.architectural-review.com/view/metz-france-shigeru-bans-new-pompidou-centre-nears-completion/5217729.article> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Artículo sobre el Centre Pompidou-Metz

Smith, Jef. “Shigeru Ban: Works In Paper” [Recurso electrónico]. The architectural review. Dirección URL: <http://www.architectural-review.com/reviews/shigeru-ban-works-in-paper/8650007.article> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Artículo sobre la obra en papel del arquitecto Shigeru Ban

Walker, Enrique. “Entrevista con Shigerur Ban” [Recurso electrónico]. Summa+ . Dirección URL: <http://revistasummamas.com.ar/revista_pdf/61/26#visor> [Consulta: 24 de abril de 2014].

Zabalbeascoa, Anatxu. Shigeru Ban: “Los arquitectos podemos ser útiles a mucha gente, no solo a los ricos” [Recurso electrónico]. El País Semanal (25 jun. 2013). Dirección URL: <http://elpais.com/elpais/2013/06/24/eps/1372089024_687561.htm> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Entrevista a Shigeru Ban

Zabalbeascoa, Anatxu. “Shigeru Ban, el arquitecto-activista” [Recurso electrónico]. El pais.com (24 mar. 2014). Dirección URL: <http://cultura.elpais.com/cultura/2014/03/24/actualidad/1395691666_588872.html> [Consulta: 4 de abril de 2014].

*Shigeru Ban recibe el Premio Pritzker de 2014.

 

Vídeos

AD Entrevistas: Shigeru Ban

Entrevista a Shigeru Ban.

BEAUBOURG METZ MUSIC (3 years ' 3 minutes)

Vídeo sobre la construcción del Centre Pompidou de Metz.

IE Paper Pavilion by Shigeru Ban Architects

Vídeo sobre la construcción del pabellón de papel del IE en Madrid. En inglés.

SHIGERU BAN Fundación Caja de Arquitectos

Tráiler del documental sobre la arquitectura humanitaria de Shigeru Ban, editado por la Fundación Caja de Arquitectos. Director del documental: Michel Quinejure. Título original: Shigeru Ban. Architecte de l'urgence (Francia, 2000-52'). En inglés con subtítulos en español.

Shigeru Ban Paper Bridge Construction

Vídeo sobre la construcción de un puente de papel.

Shigeru Ban Premio Pritzker de Arquitectura 2014

Vídeo de Rtve sobre la concesión a Shigeru Ban del Pritzker 2014. En español.

 

 

Shigeru Ban TED Talk: Emergency Shelters

Conferencia de Shigeru Ban sobre su arquitectura de emergencia. En inglés, con subtítulos en español.

 

Luis Barragán

Biografía y obra

Luis Ramiro Barragán Morfín nace el 9 de marzo de 1902 en Guadalajara, capital de Jalisco, México, siendo uno de los siete hijos de Juan José Barragán Estrada y de María de los Ángeles Morfín. Pertenece a una familia acomodada, conservadora y católica que vive en el barrio de Santa Mónica de Guadalajara. Durante su niñez y adolescencia pasa sus vacaciones y algunas temporadas en una hacienda familiar en el campo, de las que nace su amor por la naturaleza.

Estudia ingeniería civil y arquitectura en la Escuela Libre de Ingenieros de Guadalajara, graduándose en 1923.

Durante 1925 y 1926 Barragán viaja por Europa. En España se entusiasma con las construcciones andaluzas y sobre todo con los jardines de la Alhambra y el Generalife. También llamarán su atención los jardines de las villas italianas y de la costa mediterránea. En Francia conoce al paisajista Ferdinand Bac, quien concibe los jardines como remansos de paz, y acompaña a Barragán a visitar sus jardines. Sus libros y sus conversaciones ejercerán una gran influencia sobre el arquitecto.


De 1927 a 1936 trabaja en Guadalajara, México, rehabilitando y proyectando viviendas particulares. Su primera obra es la remodelación de la residencia de Emiliano Robles León en Guadalajara. En esta casa destacan las balaustradas y puertas de madera diseñadas por Barragán y el patio central con una fuente.

En su trabajo plasma la síntesis de lo que ha asimilado en Europa, su conocimiento de la arquitectura popular mexicana y las nuevas tendencias de la arquitectura europea del momento.

En 1928 Barragán realiza la casa González Luna y la casa de Enrique Aguilar.

En 1930 fallece su padre y Barragán comienza a atender los negocios familiares. Realiza nuevos viajes, esta vez a Nueva York y a Europa, y en París conoce a Le Corbusier, Konstantin Melnikov y Friedrich Kiesler.

A su regreso Barragán reforma la casa familiar situada junto a la laguna de Chapala. Reforma radicalmente la vivienda, construida por su padre según los gustos de la época. Es una obra que hace para sí mismo, y que le procura una gran satisfacción.

En 1935 la situación económica en Guadalajara es desfavorable y Barragán decide instalar su estudio en México D. F., ciudad en plena expansión. Tiene en ese momento 34 años y lleva 6 ejerciendo su profesión. Realiza diversos proyectos dentro de un estilo racionalista o “internacional”, con una finalidad esencialmente comercial, aunque ya se observan rasgos de un lenguaje propio.

En esta época diseña los departamentos de la Plaza Melchor Ocampo. Realiza también una casa para dos familias en 1936-1937. Es una época de gran actividad, y en pocos años construye gran cantidad de edificios.

A partir de 1940 Barragán da un cambio a su obra y a su actividad, cansado de las exigencias de sus clientes, los presupuestos exiguos y la actividad frenética. Su interés por la arquitectura del paisaje y su deseo de independencia financiera para acometer proyectos que le inspiren, le llevan a comprar diversas propiedades.

Comienza a trabajar con un estilo propio, iniciándose su obra madura. Esta etapa aúna las diferentes facetas de sus años de formación con lo aprendido durante sus lecturas y viajes.

En 1943 construye la que será su primera vivienda, conocida posteriormente como Casa Ortega, en un área muy extensa de Tacubaya, con más de tres mil metros cuadrados, en los que en buena parte del terreno diseña un suntuoso jardín aterrazado.

En 1944 diseña los jardines del Predio del Cabrío, en los que el sonido del agua es un elemento fundamental, inspirándose en los jardines islámicos.

En 1945 compra, junto a José Alberto y Luis Bustamante, una gran extensión de terreno al sur de México D. F., donde Barragán proyecta una urbanización y los innovadores jardines del Pedregal de San Ángel, aprovechando la naturaleza volcánica del lugar. En el proyecto también colaboran los arquitectos Antonio Attolini y Max Cetto, y los artistas Mathias Goeritz y “Dr.Atl”.



 


 

En 1950 realiza en esa urbanización y en colaboración con Max Cetto, la Casa Prieto López, en la que utiliza recursos constructivos ya usados en su casa estudio. Además establece un diálogo discreto entre la lava y los elementos constructivos. También destacan las casas en la avenida de las Fuentes, 10 y 12, también en colaboración con Cetto, concebidas como casas piloto de la urbanización.

En 1947 Barragán divide el terreno de su casa de Tacubaya, vende esa primera vivienda, y en un área de unos mil metros cuadrados construye la que será su casa durante cuarenta años. Esta segunda y definitiva vivienda se construye a partir de 1947, y en ella plasma su personal concepción arquitectónica de modo pleno, alejándose de las tendencias y modas del momento para crear su propio lenguaje.

En esa época viaja en varias ocasiones a Europa y visita Marruecos.

Luis Barragán es un gran autodidacta que profundiza en su conocimiento a través de los libros y del arte, de sus viajes y de sus raíces, de los que extrae sus aspectos más profundos, asimilando todas esas enseñanzas sin perder sus referencias personales e históricas. No hace una amalgama superficial de todo lo aprendido y vivido, sino que lo asimila de forma personal y lo expresa de una forma nueva.

Construye con muros gruesos, colores sensuales, sobrios materiales. Emplea el agua de un modo expresivo, siendo un elemento clave en sus obras, así como es característico su uso de la luz, que dosifica con aberturas calculadas. Los jardines están omnipresentes en sus proyectos, en una búsqueda de comunión perfecta entre construcción y naturaleza: los muros frecuentan los jardines y los árboles el interior de las casas en un diálogo constante y sereno. En sus obras se respira un misticismo espiritual y un esplendor sensorial. El diseño de sus obras es emocional, y su arquitectura busca la espiritualidad, la armonía, el sosiego, la introspección, y el silencio. Y busca sobre todo la belleza.

Barragán construye viviendas y continúa con sus negocios. En 1952 comienza la reconstrucción del Convento de las Capuchinas Sacramentarias en Tlalpan, y edifica en él una nueva capilla. En este proyecto la luz se dosifica, los colores son cálidos y la sobriedad dota a la obra de calmada religiosidad.

En esa época realiza también algunos diseños urbanísticos en las costas del Pacífico que no se llegan a construir. En 1955 lleva a cabo, para el Banco Internacional Inmobiliario, la planificación de los Jardines del Bosque en Guadalajara. También diseña los jardines del Hotel Pierre Márquez en Acapulco. En 1957 diseña, con la colaboración del escultor Mathías Goeritz, las torres de Ciudad Satélite a petición de la familia Alemán Velasco.

Ese mismo año el arquitecto proyecta el conjunto residencial de Las Arboledas, en México D.F., que incluye arquitectura del paisaje del mismo y elementos ornamentales de los jardines, hoy en día en estado de abandono. En este lugar diseña un largo y estrecho canal de agua que desemboca en muros abstractos.

En 1964 diseña el proyecto de Lomas Verdes en colaboración con el arquitecto Juan Sordo Madaleno que no llegará a construirse. Ese año colabora con Louis Khan en su obra del Salk Institute de la Jolla, en California. En el proyecto de los Clubes Barragán demuestra su amor por la equitación en una de sus obras más emblemáticas. Es un terreno propio y goza de libertad para trabajar. Barragán no es sólo el autor del proyecto sino también el promotor inmobiliario, algo que también sucede en Las Arboledas. El proyecto se inicia en 1966 e incluye la Cuadra San Cristóbal, la Casa Egerstrom y la Fuente de los Amantes. Fue construido para el adiestramiento de los caballos de pura sangre de la familia Folke Egertrom.

De 1969 a 1973 Barragán trabaja en diversos proyectos que no son completados: el plan maestro de Cano en el estado de México, El Palomar en Guadalajara, y la fuente monumental en Lomas Verdes, en colaboración con Ricardo Legorreta. En 1976 proyecta la Casa Gilardi, última obra que finaliza.


En 1979 realiza el Faro del Comercio en Monterrey y la Casa Meyer, de la que no es segura su autoría. En 1976 el MOMA le dedica una exposición con la que Barragán consigue el éxito internacional. Esos años recibe diversos premios, entre ellos el Premio Pritzker de Arquitectura en 1980. En ese momento padece ya la enfermedad de Parkinson que le impide trabajar.


Durante su vida mantiene relaciones con el círculo intelectual de su época, con escultores y pintores, con poetas. Es un hombre de gran inteligencia y sensibilidad exquisita, espiritual y religioso, al que apasiona la belleza y la naturaleza. Luis Barragán fallece el 24 de noviembre de 1988 en su casa de Tacubaya, México D. F., a la edad de 86 años.

En proporción alarmante han desaparecido en las publicaciones dedicadas a la arquitectura las palabras belleza, inspiración, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento y también las de serenidad, silencio, intimidad y asombro. Todas ellas han encontrado amorosa acogida en mi alma, y si estoy lejos de pretender haberles hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro".

Luis Barragán, extracto del discurso en la ceremonia de concesión del Premio Pritzker

Discurso premio Pritzker

Deseo dejar constancia, además, de mi respeto y admiración por el pueblo norteamericano, de gran mecenas de las ciencias y de las artes, ya que sin encerrarse dentro de los límites de sus fronteras las trascendió para distinguir de manera tan honrosa y generosa, este caso, a un hijo de México. Tengo plena conciencia, por tanto, que el premio que se me otorga es un acto de reconocimiento de la universalidad de la cultura y en particular de la cultura de mi patria.

Pero como nunca nadie se debe todo a sí mismo, sería mezquino no recordar en este momento la colaboración, la ayuda y el estímulo que he recibido a lo largo de mi vida por parte de colegas, dibujantes, fotógrafos, escritores, periodistas y personales amigos que han tenido la bondad de interesarse en mi trabajo.

Quisiera valerme de esta ocasión para presentar ante ustedes algunos pensamientos, algunos recuerdos e impresiones que en su conjunto, expresen la ideología que sustenta mi trabajo. Ya a este respecto ya se anticipó ? aunque con excesiva generosidad- el señor Jay A. Pritzker cuando explico a la prensa que se me había concedido el premio por considerar que me he dedicado a la arquitectura ?como un acto sublime de la imaginación poética?. En mí se premia entonces, a todo aquel que ha sido tocado por la belleza.

En proporción alarmante han desaparecido en las publicaciones dedicadas a la arquitectura las palabras belleza, inspiración, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento y también las de serenidad, silencio, intimidad y asombro. Todas ellas han encontrado amorosa acogida en mi alma, y si estoy lejos de pretenderles hables hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro.

RELIGIÓN Y MITO
¿Cómo comprender el arte y la gloria de su historia sin la espiritualidad religiosa y sin el trasfondo mítico que nos lleva hasta las raíces mismas del fenómeno artístico? Sin lo uno y lo otro no habría pirámides de Egipto y las nuestras mexicanas; no habría templos griegos ni catedrales góticas ni los asombros que nos dejó el renacimiento y la edad barroca; no las danzas rituales de los mal llamados pueblos primitivos ni el inagotable tesoro artístico de la sensibilidad popular de todas las naciones de la Tierra. Sin el afán de Dios nuestro planeta sería un yermo de fealdad. “En el arte de todos los tiempos y de todos los pueblos impera la lógica irracional del mito” me dijo un día mi amigo Edmundo O’Gorman y con o sin su permiso me he apropiado sus palabras.

BELLEZA
La invencible dificultad que siempre han tenido los filósofos en definir la belleza es muestra inequívoca de su inefable misterio. La belleza habla como un oráculo, y el hombre, desde siempre, le ha rendido culto, ya en el tatuaje, ya en la humilde herramienta, ya en los egregios templos y palacios, ya, en fin, hasta en los productos industriales de la más avanzada tecnología contemporánea. La vida privada de belleza no merece llamarse humana.

SILENCIO
En mis jardines, en mis casas siempre he procurado que prive el plácido murmullo del silencio, y en mis fuentes canta el silencio.

SOLEDAD
Sólo en íntima comunión con la soledad puede el hombre hallarse a sí mismo. Es buena compañera, y mi arquitectura no es para quien la tema y la rehúya.

SERENIDAD
Es el gran y verdadero antídoto contra la angustia y el temor, y hoy, la habitación del hombre debe propiciarla. En mis proyectos y en mis obras no ha sido otro mi constante afán, pero hay que cuidar que no la ahuyente una indiscriminada paleta de colores. Al arquitecto le toca anunciar en su obra el evangelio de la serenidad.

ALEGRÍA
¡Cómo olvidarla! Pienso que una obra alcanza la perfección cuando no excluye la emoción de la alegría, alegría silenciosa y serena disfrutada en soledad.

LA MUERTE
La certeza de nuestra muerte es fuente de vida y en religiosidad implícita en la obra de arte triunfa la vida sobre la muerte.

JARDINES
En el jardín el arquitecto invita a colaborar con el reino vegetal. Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta la servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo.

“El alma de los jardines” decía Ferdinand Bac, “alberga la mayor suma de serenidad de que puede disponer el hombre”. Y fue Bac quien despertó en mí el anhelo de la arquitectura de jardín. El decía: “en este pequeño dominio (sus jardines de Les Colombiers) no he hecho otra cosa que unirme a la solidaridad milenaria a la que todos estamos sujetos, que no es sino la ambición de expresar con la materia un sentimiento común a muchos hombres en búsqueda de un vinculo con la naturaleza al crear un lugar de reposo, de placer apacible.” Ya se ve que es condición de un jardín aunar lo poético y lo misterioso con la serenidad y la alegría. No hay mejor expresión de la vulgaridad que un jardín vulgar.

En una vasta extensión de lava la sur de la ciudad de México me propuse, arrobado por la belleza de ese antiguo paisaje volcánico, realizar algunos jardines que humanizaran, sin destruir tan maravilloso espectáculo.

Paseando entre las grietas de lava protegido por la sobra de imponentes murallas de roca viva, repentinamente descubrí, ¡O sorpresa encantadora!, pequeños secretos valles verdes rodeados y limitados por las más caprichosas, hermosas y fantásticas formaciones de piedra que había esculpido en la roca derretida el soplo de vendavales prehistóricos.

Tan inesperado hallazgo de esos valles me produjo una sensación no desemejante a la que tuve cuando caminando por un estrecho y oscuro túnel de la Alambra, se me entregó sereno, callado y solitario, el hermoso patio de los mirtos de ese antiguo palacio. Contenía lo que debe contener un jardín bien logrado: nada menos que el universo entero.

Jamás me ha abandonado tan memorable epifanía y no es casual que desde el primer jardín que realicé en 1941, todos lo que le han seguido pretenden con humildad recoger el eco de la inmensa lección de la sabiduría plástica de los moros de España.

FUENTES
Una fuente nos trae paz, alegría y apacible sensualidad alcanza la perfección de su razón de ser cuando por el hechizo de su embrujo, nos transporta, por decirlo así, fuera de este mundo.

En la vigilia y en el sueño me ha acompañado a lo largo de mi vida el dulce recuerdo de fuentes maravillosas; las que marcaron para siempre mi niñez: los derramaderos de aguas sobrantes de las presas; los aljibes de las haciendas; los brocales de los pozos en los patios conventuales; las acequias por donde corre largamente el agua; los pequeños manantiales que reflejan las copas de los árboles milenarios, y los viejos acueductos -que desde lejanos horizontes traen presurosos el agua a las haciendas con el estruendo de una catarata.

ARQUITECTURA
Mi obra es autobiográfica, como tan certeramente lo señaló Emilio Ambas en el texto del libro que publicó sobre mi arquitectura en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En mi trabajo subyacen los recuerdos del rancho de mi padre donde pasé años de niñez y adolescencia, y en mi obra siempre alienta intento de trasponer al mundo contemporáneo la magia de esas lejanas añoranzas tan colmadas de nostalgia.

Han sido para mí motivo de permanente inspiración las lecciones que encierra la arquitectura popular de la provincia mexicana: sus paredes blanqueadas con cal; la tranquilidad de sus patios y huertas; el colorido de sus calles y el humilde señorío de sus plazas rodeadas de sombreados portales. Y como existe un profundo vínculo entre esas enseñanzas y las de los pueblos del norte de África y de Marruecos, también éstos han marcado con su sello mis trabajos.

Católico soy, he visitado con reverencia y con frecuencia los monumentales conventos que heredamos de la cultura y religiosidad de nuestros abuelos, los hombres de la colonia y nunca ha dejado de conmoverme el sentimiento de bienestar y paz que se apodera de mi espíritu al recorrer aquellos hoy deshabitados claustros, celdas y solitarios patios. Cómo quisiera que se reconociera en algunas de mis obras la huella de esas experiencias, como traté de hacerlo en la capilla de las monjas capuchinas sacramentarias en Tlalpan, Ciudad de México.

EL ARTE DE VER
Es esencial al arquitecto saber ver; quiero decir ver de manera que no se sobreponga el análisis puramente racional. Y con este motivo rindo aquí un homenaje a un gran amigo que con su infalible buen gusto estético fue maestro en ese difícil arte de ver con inocencia. Aludo al pintor Jesús (Chucho) Reyes Ferreira a quien tanto me complace traer ahora la oportunidad de reconocerle públicamente la deuda que contraje con él por sus sabias enseñanzas.

Y a este propósito no está fuera de lugar traer a la memoria unos versos de otro gran y querido amigo el poeta mexicano Carlos Pellicer: “Por la vista el bien y el mal nos llegan. Ojos que nada ven, almas que nada esperan”.

LA NOSTALGIA
Es coincidencia del pasado, pero elevada a potencia poética, y como para el artista su personal pasado es la fuente de donde mana sus posibilidades creadoras, la nostalgia es el camino para que ese pasado rinda los frutos de que está preñando. El arquitecto no debe, pues, desoír el mandato de las revelaciones nostálgicas, porque sólo con ellas es verdaderamente capaz de llenar con belleza el vació que le queda a toda obra arquitectónica una vez que ha atendido las exigencias utilitarias del programa. De lo contrario la arquitectura no puede aspirar a seguir contando entre las bellas artes.

Mi socio y amigo el joven arquitecto Raúl Ferrara y el pequeño equipo de nuestro taller comparten conmigo los conceptos que tan rudimentaria e insuficientemente he intentado presentar ante ustedes. Hemos trabajado y seguiremos trabajando animados por la fe en la verdadera estética de esa ideología y con la esperanza de que nuestra labor, dentro de sus muy modestos límites, coopere en la gran tarea de dignificar la vida humana por los senderos de la belleza y contribuya a levantar un dique contra el oleaje de deshumanización y vulgaridad.

Dumbarton Oaks, EE. UU., 3 de junio de 1980.

 

 

Premios

1987

Premio América de Arquitectura.

1985

Premio Anual de Arquitectura Jalisco.

1980

Premio Pritzker de Arquitectura.

1976

Premio Nacional de Ciencias y Artes, México.

Sus obras (selección)

1979

Faro del Comercio, en colaboración con Raúl Ferrara, Monterrey, Nuevo León.

1978

Casa Gárate (hoy B. Meyer), en colaboración con Alberto Chauvet.

1976

Casa Gilardi, Tacubaya, México D. F.

1967-1968

Cuadra San Cristóbal. Establos, piscina y casa Folke Egerstrom, en colaboración con Andrés Casillas.

1967

Lomas Verdes y Capilla, ordenación, en colaboración con Juan Sordo Madaleno.

1963

Los Clubes, ordenación general, Atizapán, Estado de México.

1958

Las Arboledas, ordenación general y jardines, Atizapán, Estado de México.

1957

Torres de Ciudad Satélite, en colaboración con Mathias Goeritz, Ciudad Satélite, México D. F.

1955

Jardines del Hotel Pierre Márquez, Acapulco.

Casa Antonio Gálvez, México D. F.

Plan de Ordenación de Jardines del Bosque (obra no construida), Guadalajara, Jalisco.

1952-1955

Convento de las Capuchinas Sacramentarias del Purísimo Corazón de María, México D. F.

1950

Casa Eduardo Prieto López, México D. F.

1948

Dos casas en la Avda. de las Fuentes, 10 y 12, en colaboración con Max Cetto, San Ángel D. F.

1947

Casa Luis Barragán, México D. F.

1945-1950

Jardines del Pedregal, San Ángel D. F.

1944

Tres jardines privados en la Avda. San Jerónimo, San Ángel D. F.

1941-1943

Casa y jardín en C/General Francisco Ramírez, Tacubaya, México D. F.

1940

Casa Eduardo Villaseñor, San Ángel D. F.

1937

Casa Pizarro Suárez, México D. F.

1936 - 1940

Edificio de apartamentos en colaboración con Max Cetto, México D. F.

Casa para alquilar, Colonia Cuauhtémoc, México D. F.

Edificio de apartamentos, Colonia Cuauhtémoc, México D. F.

Edificio de apartamentos en colaboración con José Creixell, Colonia Cuauhtémoc, México D. F.

Edificio de apartamentos y casa unifamiliar anexa, Colonia Cuauhtémoc, México D. F.

Edificio de estudios para pintores en colaboración con Max Cetto, Colonia Cuauhtémoc, México D. F.

1936

Dos casas en Avda. Parque México, México D. F.

Dos casas en Avda. Mazatlán, México D. F.

1932

Restauración de casa en colaboración con Juan Palomar, Guadalajara, Jalisco.

1931

Casa de la familia Barragán, Chapala, Jalisco.

1929

Casa de Gustavo Cristo, Guadalajara, Jalisco.

Parque de la Revolución, Guadalajara, Jalisco.

Casas de alquiler para Efraín González Luna, Guadalajara, Jalisco.

1928

Casas de alquiler para Robles León, Guadalajara, Jalisco.

Casa Harper de Garibi, Guadalajara, Jalisco.

Casa Efraín González Luna, actual Casa ITESO Clavijero, Guadalajara, Jalisco.

Casa de Enrique Aguilar, Guadalajara, Jalisco.

1927-1936

Casa en calle Simón Bolívar, Guadalajara, Jalisco.

Casa José C. Orozco, Guadalajara, Jalisco.

Casa Idelfonso Franco, Guadalajara, Jalisco.

1927-1933

Casa del Dr. Medina, Guadalajara, Jalisco.

1927

Reforma de la casa Robles León, Guadalajara, Jalisco.

CASA GONZÁLEZ LUNA (Guadalajara, 1928)

En 1928 Luis Barragán recibe el encargo de construir una casa para su amigo Efraín González Luna, abogado y político mexicano. La casa se ubica en un amplio terreno de Guadalajara.

La casa consta de dos plantas, la primera de ellas dedicada a la vivienda propiamente dicha y la planta superior, donde se sitúa la biblioteca de González Luna y un oratorio junto a una amplia terraza. La terraza se asoma a un jardín de amplias proporciones, con una fuente en un estanque, apreciándose las influencias árabes y andaluzas en todo el recinto, así como rasgos de la arquitectura local. También se observan ya algunas características típicas de la arquitectura que Barragán desarrollará posteriormente en su madurez con un lenguaje propio, como la dosificación de las aberturas al exterior buscando intimidad.

Una serie de patios y porches se sitúan en los extremos como modo de preservar esa intimidad del conjunto, vertebrado todo por un corredor. La singular composición de los espacios es una de las características más sugerentes de la vivienda.

La construcción del edificio finalizó entre 1929 y 1930. En los años treinta el arquitecto Ignacio Díaz Morales realiza algunas ampliaciones en el mismo. En la actualidad la casa es la sede del Centro Cultural Casa ITESO Clavijero.

 

 

 

CASA PARA DOS FAMILIAS (México D. F. 1936-37)

En 1936-1937 Luis Barragán realiza una casa para dos familias. Es una época de gran actividad, y en pocos años construye gran cantidad de edificios.

Barragán diseña este proyecto en la avenida Parque de México, México D. F., característico de su etapa de racionalismo internacional con influencias de Le Corbusier. En un solar reducido comparten espacio las dos viviendas cada una componiendo un bloque estrecho y largo. La entrada a las casas se ubica alejada la una de la otra para preservar la intimidad de ambas. Cuatro pisos conforman cada vivienda, con garaje y zona de servicio en la planta más baja, zonas de uso común en la primera planta, dormitorios en la segunda y una terraza en la parte más elevada. Las viviendas constan de grandes ventanales al exterior, elemento que posteriormente Barragán rechaza de sus construcciones para hacerlas más intimistas y con un carácter más privado.

En este proyecto se aprecia el carácter un tanto comercial propio de esta etapa en la obra del arquitecto, que se ha de amoldar a las limitaciones impuestas por el encargo. No afloran en el mismo las características propias de su vocabulario arquitectónico, que más adelante se evidencian con fuerza y que en su etapa de Guadalupe habían comenzado a surgir.

CASA ORTEGA (Tacubaya, México D. F., 1943)

En 1943 Luis Barragán proyecta la que será su primera vivienda, conocida posteriormente como Casa Ortega, en un área muy extensa de Tacubaya, con más de tres mil metros cuadrados, y en buena parte del terreno diseña un suntuoso jardín aterrazado. El proyecto, realizado en el número 20 de la calle General Francisco Ramírez, parte de la reforma de una casa ya construida.

El proyecto de esta vivienda se basa en los mismos principios que utilizará posteriormente en su casa estudio. Una construcción sobria y austera hacia el exterior proyecta toda su riqueza en el interior del programa, prevaleciendo la idea de intimidad y de serenidad, y la magnificencia de unos jardines sensuales ocultos al exterior. La casa sólo se abre al jardín, permanece como un refugio de sosiego en medio del bullicio de la capital.

Se trata de un edificio en el que se vislumbran las singularidades que afloran con plena madurez en la casa estudio del arquitecto.

 

PEDREGAL DE SAN ÁNGEL (México D. F., 1945)

En 1945 Luis Barragán compra, junto a José Alberto y Luis Bustamante, una gran extensión de terreno al sur de México D. F., donde proyecta una urbanización y los innovadores jardines del Pedregal de San Ángel, aprovechando la naturaleza volcánica del lugar. En el proyecto también colaboran los arquitectos Antonio Attolini y Max Cetto, y los artistas Mathias Goeritz y “Dr.Atl”.

Barragán comenta sobre el lugar:

“… la fascinación que ejerció sobre mí El Pedregal de San Ángel. La lava fue para mí una cosa incomprensible, ¿por qué esas rocas?, y ¿por qué todo eso que a los demás les parecía tan hostil y a mí me atraía tan poderosamente y me invitaba aquedarme horas allí? Fui durante tardes enteras…” (PONIATOWSKA, Elena. Todo México. Tomo 1. México D. F.: Diana, 1998; p. 17.)

Para desarrollar el proyecto el arquitecto se inspira en el texto “Requisitos para la organización del Pedregal” de Diego Rivera.

En estos terrenos con lava volcánica descubre las posibilidades que le otorga ese material para realizar jardines de gran belleza. También diseña el urbanismo aprovechando la desigual y exuberante topografía del terreno. Respeta el fluir de la lava para conservar las características del paisaje natural y diseña amplias zonas verdes donde se combina la piedra volcánica, la vegetación autóctona y formas arquitectónicas abstractas y puras.

En 1950 realiza, en colaboración a Max Cetto, la Casa Prieto López, en la que utiliza recursos constructivos ya usados en su casa estudio. Además establece un diálogo discreto entre la lava y los elementos constructivos. En esta urbanización también destacan las Casas en la avenida de las Fuentes, 10 y 12, también en colaboración con el mismo arquitecto y concebidas como casas piloto de la urbanización.

En 1952 Barragán abandona la sociedad de Los Jardines del Pedregal de San Ángel y se va modificando el proyecto. Lamentablemente gran parte de esta obra del arquitecto no se conserva en la actualidad, ya que ha sido destruida o modificada.

CONVENTO DE LAS CAPUCHINAS SACRAMENTARIAS) Tlalpan, México D.F.)

En 1952 Luis Barragán comienza la reconstrucción del Convento de las Capuchinas Sacramentarias en Tlalpan. Edifica en él una nueva capilla. En este proyecto la luz se dosifica, los colores son cálidos y la sobriedad dota a la obra de calmada religiosidad.

LOS CLUBES (Atizapán de Zaragoza, 1963)

En el proyecto de los Clubes Luis Barragán demuestra su amor por la equitación en una de sus obras más emblemáticas. Es un terreno propio y goza de libertad para trabajar. Barragán no es sólo el autor del proyecto sino también el promotor inmobiliario, algo que también sucede en Las Arboledas.

El proyecto se inicia en 1966 e incluye la Cuadra San Cristóbal, la Casa Egerstrom y la Fuente de los Amantes. Fue construido para el adiestramiento de los caballos de pura sangre de la familia Folke Egertrom.

 

 

CASA GILARDI (México D. F., 1976)

En 1976 Francisco Gilardi, de cuya familia es amigo Luis Barragán, encarga al arquitecto la construcción de su casa en México D. F. Es la última obra que Luis Barragán finaliza. Dos elementos del proyecto atraen principalmente a Barragán: el inmenso árbol Jacarandá que preside el solar y la piscina que Gilardi solicita al arquitecto. El solar es largo y estrecho, la vivienda muestra una de sus fachadas abiertas a la calle, y está dividida en dos bloques separados por un patio y un pasillo lateral. En el bloque trasero se sitúa una alberca.

En esta obra de madurez el lenguaje de Barragán aflora en todo su esplendor. La luz está cuidadosamente regulada por mesuradas aperturas a la calle, y altos muros protegen la privacidad de la vivienda. El patio interior, núcleo del programa, permite la vista del cielo y los espacios de la vivienda se asoman a ese patio para proveerse de luz pero conservando su intimidad. Una terraza actúa como mirador sobre el paisaje de la casa.

El árbol tiene su espacio como complemento del conjunto pero no tiene una función protagonista en el programa. Los colores y texturas empleados en la casa se inspiran en la pintura de su amigo Chucho Reyes.

Obra seleccionada

México D. F.

Casa estudio de Luis Barragán, México D. F.

En 1940 Luis Barragán adquirió un extenso terreno en Tacubaya, México D. F., de más de tres mil metros cuadrados, en los que en 1943 proyectó su primera vivienda, germen del proyecto de su casa estudio posterior. La vivienda contaba con un suntuoso jardín aterrazado. Posteriormente Barragán vendió esa primera vivienda y la mayoría del terreno, y en el área restante, de unos mil metros cuadrados, construyó, entre 1947 y 1948, la que sería su casa durante más de cuarenta años.

La casa estudio de Barragán está situada en la calle General Francisco Ramírez de México D. F., una estrecha calle de un barrio modesto de la ciudad. La elección del sencillo lugar en que construyó su casa Barragán no deja de ser significativa, sobre todo teniendo en cuenta que en aquella época estaba trabajando en la urbanización del Pedregal de San Ángel, zona residencial de alto nivel económico.

La casa ocupa los números 12 y 14 de la calle, el primero dedicado al taller del arquitecto y el segundo a su vivienda y jardín. En los poco más de mil metros del terreno se incluyen la casa, las terrazas, el taller y los jardines.

La fachada exterior de la casa es anodina y austera, casi sin color, y sólo llama la atención por su tamaño, mayor que el resto de las edificaciones que le rodean. Pasa desapercibida, no destaca en el barrio sencillo y se integra de forma anónima en el entorno. La belleza y el verdadero espíritu de la vivienda se reservan para el interior, y con esa austeridad exterior se preserva la intimidad y serenidad de sus habitantes dentro de ella. La casa es un refugio de calma y sosiego ajeno al bullicio de la ciudad, y anuncia desde su fachada exterior su talante introspectivo.

Pero esta vocación íntima no es la única finalidad de la sobriedad externa del edificio. Barragán busca el misterio, el enigma, y la sorpresa. De ahí que muchas estancias principales, espaciosas y muy luminosas, se separan por pequeños y oscuros espacios. El hermetismo y la sobriedad aumentan la sorpresa y el atractivo al encontrarse, al entrar, con un espacio luminoso y sumamente bello. Este juego de contrastes es una constante en la arquitectura de Luis Barragán, e incluso en su propia vida.

La casa de Luis Barragán es misteriosa y enigmática, pero también es sosegada, alegre, y de gran belleza. Es un refugio íntimo y tranquilo, cuya finalidad es proporcionar tranquilidad y serenidad al habitante de la casa.

Las estancias de la casa tienen diferente carácter según su uso:

La portería es un preámbulo a la casa, un pequeño espacio que recuerda a las entradas de los conventos y monasterios religiosos, lugar de espera y misterio, de preparación para adentrarse en un mundo secreto. Una vez dentro se pierde el contacto con el exterior y se entra en un universo absolutamente privado.

El vestíbulo, de suelo de piedra volcánica, continúa con la preparación de los sentidos a través del rosa de la pared y de una escalera que asciende hacia una nueva puerta, y una nueva sorpresa, un nuevo misterio. Por ella se sube al segundo piso, donde se encuentran los dormitorios, el oratorio y la terraza.

Desde el vestíbulo se accede también a la cocina y habitaciones del servicio. La cocina es práctica y funcional. Asimismo, desde el vestíbulo se entra a otras estancias de uso práctico, como son el desayunador y el comedor.

El desayunador es un sencillo espacio dominado por el color rosa, con un ventanal elevado que preserva la intimidad de la habitación. A su lado el comedor es un espacio más luminoso y social, y el gran ventanal esta vez baja a la altura de los ojos del comensal. El jardín entra en la estancia, y la estancia se abre a la vegetación.

El salón biblioteca es la estancia principal de la casa, una habitación espléndida de doble altura. En ella, tras superar un biombo se descubre el jardín, que se integra en la estancia través de un gran ventanal que cubre toda la pared, desde el suelo al techo.

En un lateral de la biblioteca se encuentra una estrecha escalera de madera, sin barandilla, que aparece suspendida en el muro blanco, y que asciende a la sala de música.

Las estancias del piso superior tienen un carácter ascético, casi monacal. Las imágenes y motivos religiosos abundan. Las únicas habitaciones que se asoman al jardín en esta planta son el cuarto blanco y el dormitorio principal.

La terraza de la azotea de la casa es un espacio encerrado entre altos muros, sin relación con el resto de la casa, un lugar vacío y aislado, perfecto entorno de serenidad espiritual, de reflexión e introspección, que sólo permite observar el cielo. Es uno de los espacios más singulares y personales de la casa.

El taller del arquitecto con su inclinada techumbre de madera da acceso al patio de las ollas, en el que dos elementos omnipresentes en la obra de Barragán, son aquí protagonistas: la vegetación, en forma de plantas colgantes y enredaderas, y el agua, presente a través de un estanque de piedra volcánica.

El jardín es un elemento esencial de la vivienda. Todas las estancias principales se orientan hacia él. Al principio del proyecto el césped ocupaba gran parte del terreno, pero luego Barragán dejó que las plantas y árboles fueran ocupando el terreno del prado de forma natural. De este modo una naturaleza controlada dio paso a un jardín semisalvaje de frondosa y exuberante vegetación que ha ido invadiendo el espacio.

Las aperturas al exterior son planteadas esencialmente desde el interior. En la fachada de la calle son mínimas, buscan pasar desapercibidas, y no permiten que la mirada del paseante se cuele a ninguna habitación. En el interior se adaptan al uso de la estancia: un gran ventanal para que la naturaleza acompañe en la sala biblioteca, una apertura a la altura de los comensales en el comedor, y elevada preservando la intimidad de la estancia en el desayunador. En la cocina el jardín sólo hace acto de presencia al abrir la puerta. En el taller comenzó siendo un amplio ventanal abierto al exterior y el arquitecto la modificó con los años para poder aislarse con mayor facilidad. Barragán entendía que los espacios cerrados son los que confieren la serenidad necesaria, por lo que las aperturas al exterior son meticulosamente calculadas.

Repartidas por la casa hay diversas obras de arte, como el retablo abstracto de Mahtias Goeritz, que refleja la luz del vestíbulo y a modo de faro guía hacia el interior de la casa.

La luz es un elemento rigurosamente dosificado en toda la casa, así como no es casual el uso del color. Ambos elementos se relacionan e interactúan. Cada color cumple su función, que más que estética es espacial. En los espacios principales abunda el rosa y el amarillo, aunque el color dominante en la casa es el blanco. El verde se reserva únicamente para el jardín. La luz actúa como un modulador de sensaciones y emociones, siendo también funcional en algunos casos.

Luis Barragán fue adaptando la casa a las necesidades de cada momento durante los más de 40 años que residió en la misma. Vivió siempre solo, y según pasaron los años modificó la casa para adaptarla a cambios vitales y profesionales. Modificó tabiques, alturas de ventanas, colores de los muros, e incluso cambió los usos de las habitaciones. La terraza de la azotea, desde la que en un principio se asomaba para observar el jardín, fue modificándose desde su barandilla de madera inicial hasta terminar convirtiéndose en un alto muro desde el que ya sólo se puede observar el cielo. Los planos difundidos de la casa muchas veces no coinciden con las fotografías, posiblemente a consecuencia de los numerosos cambios que fue introduciendo el arquitecto. La enfermedad de sus últimos años le obligó a aumentar estas transformaciones. A medida que la misma fue haciéndose más patente, Barragán fue abandonando espacios y reduciendo su universo.

En esta casa Luis Barragán plasmó de modo perfecto la madurez de su vocabulario arquitectónico. Asimiló las influencias de la arquitectura mediterránea e islámica, su conocimiento de la arquitectura contemporánea, y también la tradición vernácula mexicana de un modo intelectual. Y sintetizó todos esos influjos a través de un lenguaje absolutamente personal, único y auténtico.

“Mi casa es mi refugio, un trozo de arquitectura emocional”

Luis Barragán

Planos de la vivienda

Recursos

Recursos en línea

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*Página web oficial de la Fundación Barragán, situada en Suiza.


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*Post del blog sobre la capilla, obra de Luis Barragán.


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*Jorge Esquinca reseña el libro “En busca de Luis Barragán”, de María Emilia Orendáin, y se acerca a la vida y la obra del arquitecto.


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*Biografía de Luis Barragán.


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*Línea del tiempo de Luis Barragán.


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*Artículo sobre la arquitectura de Barragán en el contexto latinoamericano.


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*En la tesis “La casa del arquitecto”, de Anna Martínez Duran, se dedica un extenso capítulo a la casa estudio de Luis Barragán.


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*Tesina de Mariana Moreira Teixeira sobre tres casas de Luis Barragán de tres periodos diferentes de su trayectoria.


RUEDA VELÁZQUEZ, Claudia. "Reconstruyendo la historia a través del proyecto arquitectónico. Los Jardines del Pedregal de San Ángel" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/15021/RUEDA%20C_Reconstruyendo%20la%20historia%20a%20trav%C3%A9s%20del%20proyecto%20arquitect%C3%B3nico.%20Los%20Jardines%20del%20Pedregal%20de%20San%20%C3%81ngel.pdf?sequence=1>. Universitat Politècnica de Valencia. [Consulta: 3 de septiembre de 2013].


*Ponencia de las cuartas Jornadas Internacionales sobre Investigación en Arquitectura y Urbanismo de Valencia sobre los Jardines del Pedregal de San Ángel.


 

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Salas Portugal, Armando; Ferrera, Raúl. Luis Barragán: Capilla en Tlalpan, Ciudad de México, 1952. México D. F.: Sirio Editores, 1980.

Salas, Armando. Fotografías de la arquitectura de Luis Barragán. Barcelona: Gustavo Gili, 1992.

Smith, Clive Bamford. Builders in the sun: five mexican architects. New York: Architectural Book, 1967.

Spíndola, Humberto. Intervenciones en la arquitectura de Luis Barragan. México, D.F.: RM Editorial, 2009.

Van den Bergh, Wim; Zwarts, Kim. Luis Barragán - The Eye Embodied. Maastricht: Pale Pink Publishers, 2006.

Villalobos Alonso, Daniel. El color de Luís Barragán. Oviedo: Mores, 2002.

Vídeos

Animación Casa Estudio Luis Barragán

Artistas mexicanos del siglo XX presenta: Luis Barragán

Con los Ojos de Luis Barragán Completo

Great Architects - Luis Barragán - 1980 Pritzker Prize Laureate

Luis Barragán (Once TV México)

Luis Barragán

Luis Barragán arquitecto mexicano del siglo XX

Luis Barragán arquitecto mexicano del siglo XX Luis Barragán, retrato íntimo I

Luis Barragán, retrato íntimo II

Luis Barragán, retrato íntimo III

Luis Barragán, retrato íntimo IV

Luis Barragán, retrato íntimo V

Luis Barragán, retrato íntimo VI

Luis Barragán. Vídeo transmitido en el Museo Nacional de Arquitectura (México)

Obra y vida de Luis Barragán

Relación de la pintura metafísica con Luis Barragán

Gordon Bunshaft


 

Biografía y obra

Gordon Bunshaft nació en Buffalo, Nueva York, el 9 de mayo de 1909. Se graduó como arquitecto en el MIT-Instituto de Tecnología de Massachusetts  en 1933 y dos años más tarde obtuvo el grado de Máster en Arquitectura  en la misma escuela. Bunshaft recibió tanto el MIT Honorario Traveling Fellowship y la beca de viaje Rotch, lo que le permitió viajar por Europa y el norte de África desde 1935 hasta 1937. En su primera visita a Europa conoció al arquitecto Walter Gropius, fundador de la escuela de la Bauhaus, que le introdujo en los presupuestos arquitectónicos de esta escuela. A su regreso a los Estados Unidos entra como jefe de estudio en la prestigiosa firma neoyorquina Skidmore, Owings & Merrill (S.O.M.), donde permaneció hasta 1942. En 1946 volvió a formar parte de dicha firma, después de servir en el cuerpo del ejército de los Estados Unidos.


Sus cuarenta años de diseño de obras maestras de la arquitectura moderna demuestran una comprensión de la tecnología moderna y de los materiales que es insuperable. Bajo la firma de Skidmore, Owings and Merrill, Bunshaft colaboró con muchos artistas en sus proyectos.


Las obras del arquitecto Gordon Bunshaft, desarrolladas mientras trabajó en la empresa multinacional S.O.M. - Skidmore, Owings & Merrill - agrupan una serie de atributos constructivos que reflejan el ámbito en el cual alcanzó su máxima expresión artística. La Lever House, acabada en 1952, atrajo fama y encargos a la firma, siendo uno de los paradigmas para la concepción de edificios de oficinas modernos. La estructura laboral de la empresa S.O.M. se basaba en tres aspectos básicos: la arquitectura moderna, los métodos organizacionales estadounidenses y el dominio y desarrollo de las técnicas y materiales constructivos industrializados disponibles. Hacia los años sesenta, los proyectos de S.O.M. pasaron a tener estructuras soportantes más expresivas y refinadas técnicamente, potenciando atributos formales y adquiriendo más funcionalidades. La oficina de Nueva York, con Gordon Bunshaft a la cabeza, introdujo unidades prefabricadas de hormigón en sus proyectos, originando la mayoría de las aplicaciones posteriores de dicho material. En ese contexto, se construyeron edificios en los que la estructura prácticamente determina la forma resultante.


Bunshaft influyó en la arquitectura empresarial e industrial de América a través de sus exitosos esfuerzos por crear una identidad arquitectónica identificable y respetuosa para sus clientes. Convenció a las empresas de que la arquitectura contemporánea estadounidense podría servir como una firma.


Gordon Bunshaft ha sido acreditado con la apertura de una nueva era de diseño de rascacielos con su primer gran proyecto de diseño en 1952, la Lever House de Nueva York. Muchos consideran que es la piedra angular que establece el estilo internacional como norma de las empresas estadounidenses en la arquitectura, por lo menos hasta la década de 1970.



Posteriormente, proyectaría otras obras igualmente interesantes entre las que cabe destacar el El Manufacturers Hanover Trust Bank Branch, ubicado en Manhattan. En la Beinecke Library, en la Universidad de Yale, envuelve con una luz tenue la colección de libros antiguos y manuscritos. En el Hirshhorn Museum, en Washington, por el contrario, el arquitecto proyecta un enorme búnker cilíndrico en medio de un jardín de esculturas.


Su último proyecto antes de retirarse de SOM fue el Banco Nacional de Comercio de Jeddah, Arabia Saudita, terminado en 1983. En tres niveles, a cada lado del edificio hay logias que el arquitecto denomina "jardines en el aire." Él mismo reconoció: "Creo que este es uno de mis mejores y más exclusivos proyectos."



La obra de Gordon Bunshaft aúna racionalidad, exactitud, contención formal y un excelente manejo de la escala. Exploró en sus inicios las posibilidades sintácticas del acero y el vidrio para finalmente adentrarse en un ámbito más expresivo acompañado del uso de la piedra o el hormigón.


Gordon Bunshaft fue galardonado con un gran número de premios como el Brunner Memorial, la Medalla de Oro de la American Academy and Institute of Arts and Letters en 1984, la Medalla de honor de la división de Nueva York del American Institute of Architects y el premio Pritzker en 1988, junto al brasileño Oscar Niemeyer. El premio Pritzker reconoce la calidad y la importancia de las dos contribuciones paralelas y complementarias. Bunshaft y Niemeyer representan los lados opuestos de la arquitectura modernista: lo racional y lo romántico, lo poderosos y lo poético. Estos dos arquitectos han ejercido un profundo impacto a través de los edificios que han definido la vida y la arquitectura del siglo XX de una manera significativa e irreversible. Ambos se han comprometido con el vocabulario y las ideas de Le Corbusier y Mies van der Rohe.


Gordon Bunshaft, uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, falleció el día 6 de agosto de 1990 en Nueva York, a los 81 años de edad.



 


 

Sus obras (selección)


 

National Commercial Bank (1983)

National Commercial Bank, Jeddah, Arabia Saudí, 1983.


Gordon Bunshaft finalizó su carrera en Arabia Saudí, donde construyó un rascacielos para el National Commercial Bank de Yedda. En este proyecto Bunshaft planteó un enfoque totalmente nuevo para la solución de un edificio de oficinas en un clima extremadamente caliente y seco.




 


 

Museo y Jardín Escultórico Hirshhorn (1974)

Museo y Jardín Escultórico Hirshhorn, Washington D. C., Estados Unidos, 1974.

A finales de la década de 1930, el Congreso de Estados Unidos pretendía crear un nuevo museo de arte en el National Mall, una gran zona al aire libre ubicada en el centro de Washington D. C., pero la Segunda Guerra Mundial postergó el proyecto a un segundo plano. En el año 1955, Herman Joseph Hirshhorn, un conocido empresario y coleccionista de arte comenzó a interesarse por el arte contemporáneo, adquiriendo numerosas obras de gran valor para su colección personal. En el año 1962 se celebró una exposición de arte moderno en el Museo Guggenheim de Nueva York, despertando un gran interés en la comunidad artística internacional por la colección de pinturas y esculturas contemporáneas de Hirshhorn, e instituciones de Italia, Israel, Canadá, California y Nueva York compitieron por la cesión de su patrimonio artístico para su exposición.

El presidente de los Estados Unidos, Lyndon B. Johnson, y el Secretario del Instituto Smithsoniano, Sidney Dillon Ripley, iniciaron una campaña para retomar el proyecto del nuevo museo de arte contemporáneo en el National Mall de Washington D. C., con la intención de albergar la colección de Hirshhorn. En 1966, el Congreso de los Estados Unidos aprobó la construcción del museo bajo el nombre de Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas. El museo fue finalmente inaugurado en el año 1974, contando con una aportación de un millón de dólares para su construcción por parte de Hirshhorn.

El diseño del museo y el complejo del jardín fue realizado por el arquitecto Gordon Bunshaft, quien ideó un gran cilindro abierto y elevado por cuatro gigantescos pilares, con una amplia fuente en el centro del patio interior simulando un gran espejo, abarcando una superficie de 5.600 metros cuadrados dedicados a las exposiciones y cerca de cuatro hectáreas entre la plaza y el Jardín de Esculturas, dividido por terrazas dispuestas en varios niveles y con una estética claramente influenciada por los jardines zen japoneses. 

La impresionante colección escultural de los jardines del museo se centra en el arte contemporáneo y moderno, incluyendo obras de artistas de la talla de Auguste Rodin, Joan Miró, Pablo Serrano, Alexander Calder o Jeff Koons. 

 

 

Solow Building (1974)

Solow Building , Manhattan, Estados Unidos, 1974.


El Solow Building  es un rascacielos de Manhattan diseñado por Gordon Bunshaft y construido en 1974. Se sitúa justo al oeste de la Quinta Avenida, entre las Calles 57 y 58. Tiene 50 plantas y 210 m. de altura. Por encima de la planta 23 se ofrece una vista prácticamente sin obstrucciones del norte de Manhattan y una panorámica completa de Central Park.



Uno de los atributos estéticos notables del edificio es la inclinación vertical cóncava de sus fachadas norte y sur, en las Calles 57 y 58. Esta inclinación es similar a la de otro edificio de Bunshaf.



 


 



 

Biblioteca y Museo Lyndon Baines Johnson (1971)

Biblioteca y Museo Lyndon Baines Johnson, Austin, Estados Unidos, 1971.


La Biblioteca y Museo Lyndon Baines Johnson se encuentra en el campus de la Universidad de Texas, siendo una de las once bibliotecas presidenciales que dirige la Administración Nacional de Archivos y Registros. La biblioteca alberga 45 millones de páginas de documentos históricos; 650.000 fotografías; 304.800 metros de película cinematográfica y 5.000 horas de grabaciones sobre la carrera pública de Lyndon Baines Johnson y de sus colaboradores más cercanos.




 


 


 

Marine Midland Building (1967)

Marine Midland Building, Manhattan, Estados Unidos,1967.


El Midland Marine Building, en la actualidad también es conocido con el nombre de HSBC Bank Building, es un edificio de oficinas de 51 pisos ubicado en el 140 de Broadway, en el distrito financiero de Manhattan. El edificio, terminado en 1967, tiene unos 206 metros de altura y una superficie de 111.000 metros cuadrados. 


Su planta trapezoidal hace que la fachada este tenga cuatro columnas de ventanas mientras que la fachada oeste tiene sólo tres. La plaza está presidida por la escultura distintiva de su entrada  de Isamu Noguchi "Cube", de 1967. Se trata de un cubo rojo perforado por el centro que se apoya sobre uno de sus vértices.




 


 

Banque Lambert (1965)

Banque Lambert, Bruselas, Bélgica, 1965.


Hasta ese momento Bunshaft había utilizado para sus obras el acero y cristal como los materiales de construcción naturales de Estados Unidos.  Sus edificios posteriores, comenzando por el Banque Lambert en Bruselas y continuando con la Beinecke library, hicieron uso de hormigón, que permite una mayor libertad de forma.





 

Travertine House (1962)

Travertine House, Hamptons, Nueva York, Estados Unidos,1962.

La única vivienda unifamiliar realizada por Bunshaft fue la Casa Travertino, construida entre 1961 y 1962 para él y su esposa Nina en Long Island, Nueva York. Una de las principales características de la casa era que albergaba una importante colección de arte y de mobiliario moderno de la pareja. 


Los Bunshafts decoraron su casa principalmente en blanco con madera natural y cristal y detalles en rojo ocasionales. La iluminación fue diseñada para destacar su colección de arte que incluye obras de Pablo Picasso, Le Corbusier, Jack Youngerman y Henry Moore, entre otros.


En el año 2005 la casa fue vendida a un magnate californiano que rápidamente ordenó su demolición, construyendo en su lugar una nueva mansión.

 

 

 


 

Galería de Arte Albright-Knox (1962)

Albright-Knox Art-Gallery, Buffalo, Estados Unidos, 1962.



En la ampliación de la Albright-Knox Art Gallery, Gordon Bunshaft tuvo la ocasión de enfrentarse, por vez primera, a un programa museístico. El proyecto de este espacio expositivo conllevó la interacción física y funcional con una arquitectura preexistente.


Bunshaft evitó el enfrentamiento directo con el museo proyectado por Edward Brodhead Green en 1905 y planteó una relación basada en el equilibrio de fuerzas mediante la yuxtaposición de un edificio que establecía un orden jerárquico. Frente a la estructura neoclásica y el rigor compositivo del museo se situó la ampliación propuesta por Bunshaft.


El edificio de Bunshaft supuso un nuevo ejericicio combinatorio de tres elementos cuya reformulación se convertiría en una constante en su obra: la plataforma, el patio y el volumen principal.



Elegante y sobrio, el proyecto de ampliación de Bunshaft se hace eco de las principales líneas y proporciones del edificio antiguo y, al mismo tiempo, establece un contraste austero con el mismo.


Consiguió el equilibrio dialéctico entre el viejo museo y el nuevo proyecto, facilitando la independencia entre ambos a pesar de su inevitable continuidad física.


 


 

Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)

Manufacturers Hanover Trust Branch Bank, Nueva York, Estados Unidos, 1953.



El proyecto Manufacturers Hanover Trust Bank Branch, ubicado en Manhattan, fue construido en 1953-1954 como una sucursal de la Manufacturers Hanover Bank. El edificio ideado por Bunshaft surge como un paralelepípedo de cristal transparente. Característica que quedó registrada en las canónicas fotografías en blanco y negro obtenidas por Ezta Stoller (1915-2004), en las cuales se hace evidente la intención de Bunshaft por difuminar los límites espaciales entre interior y exterior. Un objetivo que parece ser contradictorio a primera vista con un edificio que tiene como principal función el de custodiar los bienes de sus clientes. En este aspecto debemos señalar la extraordinaria estrategia de Bunshaft, quien le imprime un matiz ético a las relaciones entre una entidad financiera y sus clientes. Una relación basada en la confianza mutua, provista de una transparencia en que nada se tiene que ocultar. De este modo, los clientes del Manufacturers Hanover Trust podía ver a cualquier hora del día sus bienes custodiados. La bóveda del Manufacturers Hanover Trust, exhibía a diario su funcionamiento. 



En su segundo nivel un tabique separaba al sector de las secretarias del de los ejecutivos. Un tabique generado por el artista y diseñador italiano Harry Bertoia (1915-1978), célebre por la creación de uno de los diseños de mobiliario más importantes del siglo XX: la Diamond chair (1951). La pantalla diseñada por Bertoia estaba construida a partir de una serie de láminas modulares de metal, las cuales adoptaban diversas disposiciones, permitiendo diversos grados de transparencia. Esta transparencia de formas y una serie de valores plásticos entregaban al espacio una atmósfera diáfana y liviana, anulando la separación entre interior y exterior.


 


 


 

Casa Lever (1951-1952)

Lever House, Nueva York, Estados Unidos, 1951-1952.



Arquitecto: Skidmore, Owings & Merill
Año de Finalización: 1952
Año del Proyecto: 1950
Altura: 92 metros
Plantas: 21
Tipo: Edificio de Oficinas
Ciudad: Nueva York
Promotor: Lever Brothers


Lever House fue construido por Gordon Bunshaft entre 1951 y 1952 para albergar la sede de la compañía británica Lever Brothers.


El edificio se encuentra en Park Avenue, entre la calle 53 y la 54 de la ciudad de Nueva York. El proyecto original exigía la construcción de un edificio para alojar la sede central de la compañía y empleados. El proyecto era claro: oficinas administrativas y dirección, auditorio, comedor, recepción, servicios auxiliares y un aparcamiento subterráneo.




 




 


En la planta baja , en lugar de disponer un vestíbulo y una zona comercial, Bunshaft proyectó un espacio abierto con una columnata, accesible desde la calle, con un patio arbolado de modo que tan solo una tercera parte de la planta baja es interior. La primera planta se encuentra encima a modo de basamento, con sus tres fachadas alineadas a las tres calles del solar. Por su parte la torre, de tan sólo 16 m de anchura y 24 plantas de altura se sitúa perpendicular a Park Avenue y en posición asimétrica. La fachada se resuelve con una subestructura de perfiles de acero y paneles de vidrio. 



Destaca la tensión entre el volumen de la torre y el cuerpo bajo elevado sobre el suelo, la continuidad entre la calle y el espacio propio del edificio en planta baja, así como el vacio del patio y el rotundo volumen construido. Igualmente, debemos mencionar su elegante muro cortina con franjas opacas y transparentes, la terraza jardín del cuerpo bajo y la serena finalización del edificio en su coronación. Señalar que fue una de las primeras torres construidas con cerramientos de vidrio y destacó tanto por su novedad como por su esmerado diseño. Estos cristales verdes azulados, eran resistentes al calor, lo que proporcionaba un control óptimo de la temperatura en el interior del edificio. La confrontación entre el cuerpo principal vertical de 24 plantas y la única planta horizontal es digna de mencionar. Gordon Bunshaft fue el director de diseño; Loewy Associates se encargó del interior; mientras que Weiskopf & Pickworth fue el ingeniero encargado de la estructura. En 1998 el edificio se renovó tras unos años de deterioro y pérdida progresiva de los cristales originales.



Las referencias de este proyecto a las obras de Le Corbusier o Mies son claras. Arne Jacobsen posteriormente, utilizó esa misma estructura formal para su hotel en Copenhague. Lewis Mumford, sociólogo y urbanista estadounidense, describió a la Lever House en el New Yorker Magazine con estas elogiosas palabras: “dice de él todo lo que puede decirse, delicado, riguroso, elegante, con fachadas de vidrio, con pilastras de acero,… un logro impecable”.



La contribución a la imagen del entorno donde se situaba fue sorprendente. Le aportaba un aire nuevo y diferente a todo lo que se venía haciendo en Nueva York hasta entonces. Este diseño permitía que la planta baja quedase diáfana, sin recubrimiento alguno, gracias a que el edificio se asienta sobre pilares. El edificio era inusualmente pequeño con respecto a los grandes edificios construidos bajo la impronta del Art Deco en Nueva York, sin embargo es necesario mencionar la calidad de su diseño. El patio central es aprovechado para múltiples exhibiciones de arte convirtiéndose en una institución cultural en Nueva York.


 



 


 


 

Obra seleccionada

Biblioteca de Manuscritos y Libros Raros Beinecke, New Haven, Connecticut, Estados Unidos, 1963.




La Biblioteca de la Universidad Yale es una de las bibliotecas de investigación más grandes de los Estados Unidos. Sus bibliotecas y colecciones las albergan aproximadamente 20 edificios, entre los cuales se incluyen la Biblioteca Conmemorativa Sterling (Sterling Memorial Library) y la Biblioteca Beinecke de Manuscritos y Libros Raros (Beinecke Rare Book and Manuscript Library). La Biblioteca de la Universidad Yale posee más de 12 millones de volúmenes y fuentes de información en todos los soportes y medios de transmisión, desde los antiguos papiros hasta las modernas bases de datos. 



 



La Biblioteca Beinecke de Manuscritos y Libros Raros alberga en su torre central 180.000 volúmenes y en las estanterías más de 500.000, también guarda una colección de papiros egipcios y manuscritos medievales y renacentistas. Entre sus joyas podemos mencionar un ejemplar de la primera Biblia de Gutenberg, salida de una imprenta de tipos móviles o el Manuscrito Voynich. Su extenso fondo puede ser consultado por estudiantes, profesores e investigadores en la sala de lectura o vía web, ya que gran parte del material bibliográfico está digitalizado.



La Universidad de Yale fundada en 1.701 se encuentra en el corazón de la ciudad de New Haven. La Biblioteca Beinecke, construida en 1963, se sitúa en el extremo de un solar rectangular de la universidad, próximo al parque Central, completando la manzana y estableciendo las distancias y los diálogos necesarios con los edificios neoclásicos y neogóticos existentes.




 



 




 


El proyecto para esta biblioteca en el campus de la Universidad de Yale conllevó la realización de un complejo ejercicio donde el manejo de la escala permitió establecer una empatía geométrica entre el nuevo edificio y las arquitecturas circundantes. La acción desplegada por Bunshaft se encaminó a resolver el choque que se derivaba de la inclusión de una arquitectura moderna y abstracta en un entorno fuertemente condicionado por la presencia de edificios neoclásicos y neogóticos.



La estrategia de escala se fundamentó en la aplicación de un doble principio sintáctico detectado en las arquitecturas circundantes: la densidad del cerramiento y su condición repetitiva.




 



La biblioteca se planteó como una sucesión de estratos funcionales concéntricos, singularizados por el empleo de diversos materiales como el granito, el mármol, el vidrio y el papel, lo que propició una lectura secuencial del edificio.



La malla ortogonal estableció una disposición regular que transcendió las distintas escalas del proyecto y se convirtió en la herramienta que ordena y sostiene las cualidades expresivas del edificio.



El edificio es un bloque rectangular paralepipédico de 40 metros de largo, 27 de ancho y 15 de alto, con orientación noroeste – sureste en su mayor dimensión.



Externamente es un volumen exento y compacto, emplazado sobre en una plaza sobriamente urbanizada, con una fachada exenta de ventanas, construida a base de granito y mármol blanco de Vermont, tensado por una cuadrícula de hormigón, ya que gracias a las propiedades del material, similares a las del alabastro, y a los finos cortes de material introducidos en las cuadrículas, permite el paso de la luz a través de él, dando una iluminación interior que gracias a la baja intensidad y la gama cromática que adquiere al atravesar la piedra, trasmite al visitante una ambientación acorde con el fondo bibliográfico que alberga en su interior.



En la biblioteca Beinecke la capacidad expresiva del contraste y la dialéctica entre condiciones opuestas como, peso-levedad, masa-vacío o la variabilidad perceptiva entre el día y la noche, alcanzaron su cota más elevada.


 


 


 


 


 

Recursos


Bibliografía

Adams, Nicholas. Skidmore, Owings & Merrill. Milano: Electa, 1936.


"Apartaments: what’s next?". Architectural Forum. (Vol. 20, marzo 1964); pp. 72-92.


Bollack, Françoise. "Bunshaft house threatened". DOCOMOMO-US National News. Summer 2005.


"Bunshaft residence". Architectural Forum. Chicago: Time Inc., (mayo 1963).


Carol Herselle Krinsky. Gordon Bunshaft of Skidmore, Owings & Merrill. New York: The Architectural History Foundation, 1988. 


Danz, Ernst. La Arquitectura de Skidmore, Owings & Merrill. Barcelona: G. Gili, 1975.


Dennis Sharp. Twentieth Century Architecture: a Visual History. New York: Facts on File, 1990.


"Gordon Bunshaft (1909-1990)". Arquitectura viva. (Enero-febrero 1991).


Martí Aris, Carlos. La Cimbra y el Arco. Barcelona: Fundación Caja de Arquitectos.


Patrick L. Pinnell. The Building. The Beinecke Library of Yale University. Ed. Stephen Parks. New Haven, CT: Beinecke Rare Book & Manuscript Library, 2004.


Paul Heyer. Architects on Architecture: New Directions in America. New York: Walker and Company, 1966.


Paul Heyer. American Architecture: Ideas and Ideologies in the Late Twentieth Century. New York: Van Nostrand Reinhold, 1993. 


Russell, James. "Bunshaft villa nears its end". Architectural Record. (Vol. 193, n. 8,  2005) ; p. 231.


Stoller, Ezra. "Paisajes arquitectónicos: seis maestros, seis imágenes". Arquitectura viva. 1990; p. 36.


William S. Saunders. Modern Architecture: Photographs by Ezra Stoller. New York: Harry N. Abrams, Publishers, 1990.


 

Recursos en línea

Lever House (1952; Skidmore, Owings & Merill; Nueva York) [Recurso en línea]. Diseño y arquitectura. Dirección URL: <http://www.disenoyarquitectura.net/2008/11/lever-house-1952-skidmore-owings-merill.html> [Consulta: 30 de julio de 2013].


Gordon Bunshaft [Recurso en línea]. Slideshare. Dirección URL: <http://www.slideshare.net/alaide/gordon-bunshaft> [Consulta: 30 de julio de 2013].


Gordon Bunshaft. Lever House [Recurso en línea]. La forma moderna. Dirección URL: <http://formamoderna.blogspot.com.es/2008/10/blog-post.html> [Consulta: 30 de julio de 2013].

Vídeos

10 architects - 6 Gordon Bunshaft

Gordon Bunshaft for Skidmore Owings and Merrill, Lever House, 1951

Dan Graham's sculpture "For Gordon Bunshaft"

Conversación entre el presidente Johnson y Gordon Bunshaft (1968)

Lever Binası, Gordon Bunshaft

Gordon Bunshaft - FAU Mackenzie HA IV

Gordon Bunshaft

Gordon Bunshaft, Lever House

F

Sverre Fehn

Biografía y obra

Sverre Fehn nació el 14 de agosto de 1924 en Kongsberg, Noruega. Cursó sus estudios en la Escuela de Arquitectura de Oslo, entorno en el que encontro a Arne Korsmo como mentor. En 1948 abrió su primer estudio en Oslo, con el que ganó el concurso para la realización del museo Lillehammer. A principios de los años cincuenta se trasladó a París donde entró en contacto con Le Corbusier y su entorno, en tre los que se encontraban Alvar Aalto y Fernand Léger entre otros. Tras esta experiencia, Fehn regresó a Oslo dónde desarrolló una particular versión de lo moderno a través de lo vernacular nórdico, haciendo especial hincapié en la luz , los materiales y la naturaleza del emplazamiento. El mismo afirmaba que su obra luchaba por la tranquilidad de estar "en el momento".

En los años 1960 realizó el Pabellón de los Países Escandinavos en los jardines de la Bienal de Venecia de 1962 y el Hedmark Museum en Hamar, Noruega, entre 1967 y 1979. Durante los años setenta centró su trayectoria en la docencia, Escuela Superior de Arquitectura de Oslo, pero también en vanguardistas centros de diseño de Londres y Nueva York. Una parte importante de su obra y trayectoria está marcada por la creación de reidencias privadas, en las que supo conjugar a la perfección naturaleza y construcción, obras destacadas son la casa Schreiner en Oslo, 1963, y la casa Busk en Bamble, 1990. El gueso des su obra se ubica en Noruega , Suecia y Dinamarca. Se le considera pionero en la incorporación a la arquitectura contemporánea de elementos propios de los países nórdicos, madera y piedra gris entre bosques frondosos.

Cabe destacar dos de sus obras, el Glacier Museum, concluido en 1991, construido en la planicie excavada por el glacial Jostedal, en la boca del fiordo Fjaerland. El museo es el centro de un panorama formado por escarpadas montañas y el fiordo con el glacial sobre éste; y Aukrust Museum, donde se conmemora el trabajo del pintor y escritor noruego Kjell Aukrust. En sus últimos años trabajó en el diseño de un museo en Noruega y en la ampliación del Teatro Nacional de Copenhague. Sverre Fehn falleció el 23 de febrero del 2009 en Oslo, a los 84 años de edad.

Durante la entrega del prestigioso Premio Pritzker en 1997, el jurado declaró que: "Sverre Fehn representa lo mejor del modernismo del siglo XX. La obra de su vida es única, de excepcional riqueza, percepción y calidad".

Premios

2001

Medalla Grosch.

1997

Premio Pritzker.

Medalla de Oro Heinrich Tessenow.

1993

Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura.

 

Sus obras (selección)

2008

Norwegian Museum of Architecture, Noruega.

2007

Gyldendal House, Oslo, Noruega.

2003-2008

Museo Nacional de Arte, Oslo, Noruega.

2003

Ampliación de Natural Lands Trust Headquarters, Media, Pennsylvania, EE. UU.

2001

Museo Noruego de Fotografía, Horten, Noruega.

2000

Centro Ivar Aasen Centre, Ørsta, Noruega.

1996

Centro Aukrust, Alvdal, Noruega.

1991

Glacier Museum, Fjaerland Fjord, Noruega.

The ECO House, Norrköping, Suecia.

1990

Busk House, Bamble, Noruega.

1982-1985

Carl Bødtker House II, Oslo, Noruega.

1975

Skårdalen School of deaf Children, Oslo, Noruega.

1972-1997

Villa Holme, Holmsbu, Noruega.

1970

Telemark Agricultural School, Nome Telemark, Noruega.

1969-1973

Hamar Bispegaard Museum, Hamar, Noruega.

1968-1970

The Jonsrud House, Oslo, Noruega.

1967-1979

Hedmark Museum, Hamar, Noruega.

1965-1967

Carl Bødtker House I, Oslo, Noruega.
Villa Sparre, Skedsmo, Noruega.

1964

Reconstrución Colosseum Theater, Oslo, Noruega.

1963-1964

Villa Norrköping, Suecia.

1963

Schreiner House, Oslo, Noruega.

1962-1972

Bøler Community Center, Oslo, Noruega.

1962-1965

The Wessel House, Oslo, Noruega.

1962

Nordic Pavilion, Venice Biennale.

1961-1965

Arne Bødtker House, Oslo, Noruega.

1958

Pabellón noruego en la Exposición de Bruselas.

1952-1955

Økern House for the Elderly, Økernveien, Oslo, Noruega.

1949

Handcraft House, Maihaugen, Lillehammer, Noruega.

Obra seleccionada

Museo Glaciar, fiordo de Fjaerland, Noruega, 1991.

El Museo Glaciar, obra del arquitecto Sverre Fehn, se ubica en Fjærland, Sogn og Fjordane, Noruega; en un valle cercano al glaciar más grande del continente europeo, Jostedalsbreen (Jostedal Glacier). Este cuenta con una superficie total de 487 kilometros cuadrados y forma parte del Parque Natural Jostedalsbreen. Se trata de un centro dedicado al hielo milenario, como el propio centro reconoce su labor se centra en "recoger, crear y difundir el conocimiento sobre los glaciares y el clima". La visita al centro permite al visitante realizar un viaje en el tiempo, retrocederá a la prehistoria y entendará cuestiones relativas al hielo, la nieve, los glaciares y los fiordos noruegos.

 

 

Fehn realizó el diseño del edificio, considerado una de sus principales obras, los materiales que empleó fueron la madera y el hormigón; los trabajos de construcción concluyeron en 1991. El museo fue erigido en la planicie excavada por el glaciar Jostedal, en la boca del fiordo Fjaerland. Sus formas geométricas incluyen un corredor rectangular a lo largo del cual se abren distintos espacios expositivos, y una sala de lectura con forma circular. Tres años después de su construcción el museo fue nombrado Museo Europeo del año en 1994.

 

 

 

Recursos

Recursos en línea

"El arquitecto que inspiró el modernismo nórdico" [Recurso electrónico]. Noruega: el portal oficial en Chile.  Dirección URL: <http://www.noruega.cl/ARKIV/Cultura-/Arquitectura/modernisten_Fehn/#.Ukqqmn9NwZF>. Deutscher Bundestag. [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Artículo que recoge información sobre la trayectoria del arquitecto noruego Sverre Fehn.


Infante Krebs, Agustín. "Sverre Fehn 1924-2009" [Recurso electrónico]. Plataforma arquitectura. (24 febrero 2009). Dirección URL: <http://www.plataformaarquitectura.cl/2009/02/24/sverre-fehn-1924-2009/> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Artículo que anuncia el fallecimiento del afamado arquitector Sverre Fehn.


Mings, Josh. "The Story of Building. Sverre Fehn's Museums" [Recurso electrónico]. Joshua Mings. Dirección URL: <http://www.joshuamings.com/files/Mings_fellowship_lecture.pdf> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Documento en Pdf que trata sobre la trayectoria profesional y los museos realizados por el arquitecto Sverre Fehn.


"Sverre Fehn 1997 Laureate" [Recurso electrónico]. Pritzker Prize. Dirección URL: <http://www.pritzkerprize.com/laureates/1997> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Página oficial de los Premios Pritzker, en ella se puede consultar información sobre el arquitecto Sverre Fehn galardonado en 1997.


"Sverre Fehn" [Recurso electrónico]. Archiplanet. Dirección URL: <http://www.archiplanet.org/wiki/Sverre_Fehn> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Página web que recopila información sobre la trayectoria profesional y obras del arquitecto Sverre Fehn.


"Sverre Fehn" [Recurso electrónico]. EcuRed.  Dirección URL: <http://www.ecured.cu/index.php/Sverre_Fehn> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Página web que recoge información sobre la trayectoria del arquitecto noruego Sverre Fehn.


"Sverre Fehn" [Recurso electrónico]. El poder de la palabra. Dirección URL: <http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=41> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Página web que recoge información sobre la vida y trayectoria del arquitecto noruego Sverre Fehn.


"Sverre Fehn y el pabellón nórdico en Venecia" [Recurso electrónico]. Enredad.com. (26 agosto 2010). Dirección URL: <http://www.enredad.com/11/2958/> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Artículo que ahonda en algunos de los aspectos de la obra del arquitecto Sverre Fehn.



Foster + Partners [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.fosterandpartners.com/> [Consulta: 27 de junio del 2013].


*Página web de la firma Foster + Partners.


"El arquitecto del mundo" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://elpais.com/diario/2007/12/23/eps/1198394815_850215.html>. El País. [Consulta: 22 de julio del 2013].


*Entrevista a Norman Foster en que se repasa su trayectoria y su modo de trabajo.


"Facts. The Bundestag at a glance" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <https://www.btg-bestellservice.de/pdf/80140000.pdf>. Deutscher Bundestag. [Consulta: 22 de julio del 2013].


*Artículo del parlamento alemán sobre su institución y el edificio que lo acoge. En inglés, pp. 36-43.

- See more at: http://catalogo.artium.org/dossieres/exposiciones/premios-pritzker-viaje...


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*Página web de la firma Foster + Partners.


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*Entrevista a Norman Foster en que se repasa su trayectoria y su modo de trabajo.


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"The Three Aspects: Verncaular/Modern/Fehn" [Recurso electrónico]. TUN. Dirección URL: <http://tun23.blogspot.com.es/2006/07/three-aspects-verncaularmodernfehn.html> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Artículo que ahonda en algunos de los aspectos más característicos de la obra del arquitecto Sverre Fehn.


Zabalbeascoa, Anatxu. "Arquitectura y Verano 4: Sverre Fehn en bicicleta" [Recurso electrónico]. El País-Blogs Cultura. (26 agosto 2010). Dirección URL: <http://blogs.elpais.com/del-tirador-a-la-ciudad/2010/08/arquitectura-y-verano-4-sverre-fehn-en-bicicleta-1.html> [Consulta: 01 de octubre del 2013].


*Artículo que ahonda en algunos de los aspectos de la obra del arquitecto Sverre Fehn.



"El arquitecto del mundo" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://elpais.com/diario/2007/12/23/eps/1198394815_850215.html>. El País. [Consulta: 22 de julio del 2013].


*Entrevista a Norman Foster en que se repasa su trayectoria y su modo de trabajo.

- See more at: http://catalogo.artium.org/dossieres/exposiciones/premios-pritzker-viaje...

 

Bibliografía

Architect Sverre Fehn: intuition-reflection-construction: [exhibition at The National Museum-Architecture, 07.03-03.08.2008]. .

Cinco maestros nórdicos: Peter Celsing, Sverre Fehn, Aarno Ruusuvuori, Knud Holscher, Hogna Sigurdardottir-Anspach. Madrid: Ministerio de Obras Públicas, Transportes y Medio Ambiente, Centro de Publicaciones, 1995.

. Drawing the motive force of architecture. West Sussex: Wiley, 2008.

Faber, Tobias. Scandinavian modern houses: the spirit of nordic light: volume 1. Copenhagen: Living architecture, 2003.

Sverre Fehn.

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Museo en Hamar. Madrid: Ministerio de la Vivienda, 2006.

Museum 2. Tokyo: ADA Edita, 2008.

"Museum, Vangsnes, Norway". The architectural review. N. 1120 (Junio 1990); pp. 57-58.

Rincón Borrego, Iván I. Sverre Fehn: la forma natural de construir. Valladolid: Universidad de Valladolid, Escuela Técnica Superior de Arquitectura, 2010.

Sánchez Moya, María Dolores. El Pabellón de los Países Nórdicos en la Bienal de Venecia de Sverre Fehn :la cubierta filtro: sol, árboles, sombra [Tesis doctoral]. Madrid: M. D. Sánchez, 2012.

Sverre Fehn, architekt. Salzburgo: Punset, 2001.

Sverre Fehn prosjekter:1933-96. Oslo: Norske arkitecters landsforbund, 1997.

Sverre Fehn: the thought of construction. New York: Rizzoli, 1983.

Sverre Fehn: the poetry of the straight line. Helsinki: Museum of Finnish Architecture, 1992.

.

World architecture 1900-2000: a critical mosaic. Volume 3, Northern Europe, Central Europe and Western Europe. Wien: China Architecture & Building Press: Springer-Verlag, 2000.

. .

Vídeos

Great Architects - Sverre Fehn - 1997 Pritzker Prize Laureate

Sverre Fehn - Norwegian Architect Documentary

Sverre Fehn Schreiner House

Sverre Fehn: Nordic Pavilion, Venice

Sverre Fehn: Releitura do espaço e do lugar

Norman Foster

Biografía y obra

Norman Foster nace el 1 de junio de 1935 en Mánchester, Reino Unido, en el seno de una familia de clase trabajadora. Es el hijo único de una camarera y el dueño de una tienda de empeños. En esa ciudad industrial deprimida Foster consigue desarrollar sus inquietudes infantiles a través del dibujo. Al finalizar sus estudios, con dieciséis años trabaja durante dos años de conserje en el ayuntamiento de su ciudad. Después realiza el servicio militar en la RAF, donde fue técnico de radar.

Desde joven estuvo interesado por el diseño y la ingeniería, lo que le lleva a estudiar en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad de Mánchester. Compatibiliza sus estudios con trabajos que se los financien, entre ellos concursos de dibujo. Al finalizar consigue la beca de investigación Henry Fellowship para continuar sus estudios en la Universidad de Yale, donde cursa el Masters Degree de arquitectura en 1962. En esa época conoce a Richard Rogers, y estudia entre otros con James Stirling.

Después de trabajar como consultor en proyectos de renovación urbana en los Estados Unidos, Foster vuelve al Reino Unido en 1962 influido por su experiencia americana. A su regreso trabaja durante doce años con el arquitecto Richard Buckminster Fuller, con quien colabora hasta la muerte de éste. En 1963 funda el estudio de arquitectos “Team 4”, junto a Richard Rogers, Su Brumwell (primera esposa de Rogers), y Wendy Cheesman, quien se convertiría pronto en su primera esposa. Montan una oficina en el piso de Wendy y sus primeros encargos provienen de los familiares del equipo. El primero, del padre de Sue Rogers, quien les encarga un mirador para ver los concursos náuticos del estuario. Esta primera obra ya avanza el estilo de Foster, muy tecnológica, pero al mismo tiempo muy orgánica.

Consiguen hacer algunas casas y empiezan a ser conocidos. El proyecto más importante de esta época es la fábrica Reliance. El edificio es de gran belleza en su simplicidad y tiene influencia americana. A pesar de los premios conseguidos con este edificio, ésto no se materializa en encargos, por lo que el Team 4 se acaba disolviendo.

En 1967 funda junto a Wendy la firma Foster Associates, conocida en la actualidad como Foster +Partners. Al tiempo que diseña obras residenciales, Fostner está fascinado por la arquitectura industrial, y realiza la construcción de la terminal de pasajeros Fred Olsen, con un concepto muy innovador, mezclando a los oficinistas con los descargadores del muelle. Consigue aunar en un proyecto un diseño minimalista de sofisticación técnica con un discurso social e igualitario. El edificio es demolido poco después, pero a partir de este proyecto surgirán muchos otros.

Trabaja hasta 1983 con Buckminster Fuller en diversos proyectos. En algunos proyectos junto al notable filósofo, inventor y matemático americano, Foster explora hipótesis casi utópicas. Fuller es un personaje visionario y Norman Foster admira profundamente su trabajo.


Los años setenta van a ser de intenso trabajo y consagración. En los primeros años son proyectos minimalistas, como las oficinas de IBM, la sede central de Willis, Faber & Dumas en Ipswich, o el Centro de las Artes Visuales Sainsbury, en la Universidad de East Anglia, Norwich. Posteriormente sus diseños se transforman en estructuras más expresivas, como el Banco de Hong-Kong y Shanghái. Es el primer rascacielos de Foster, y se convierte en uno de los edificios más emblemáticos del arquitecto. Concibe una estructura de suspensión, un interior de gran flexibilidad y por primera vez toma la luz natural exterior y a través de espejos la introduce en el edificio.

Es el momento de máxima expresividad, plasmada en edificios como el Centro de Distribución Renault, en Swindon, Reino Unido. Su oficina se ha ampliado y necesitan una nueva sede, para la cual diseñan el mobiliario. De estos muebles saldrá posteriormente el sistema Nomos de Tecno. En 1981 le encargan a Foster el proyecto del Aeropuerto de Stansted en Londres, donde cambia por completo la concepción clásica de los aeropuertos. A través de una distribución de usos innovadora, consigue dotar de luz natural a los espacios públicos del aeropuerto.

En 1982 diseña dos casas geodésicas, para su familia y para la de Buckminster Fuller, aunque nunca llegan a materializarse. Hasta entonces se había considerado a Foster un arquitecto tecnológico, caracterizado por un estilo High tech. Realiza entonces varios edificios patrimoniales, que dialogan con su entorno, en una nueva concepción arquitectónica. Muestra de ello es el Carré d’Art de Nîmes, un proyecto que suponía el reto de conjugar lo nuevo y lo antiguo, creando un edificio que representa su propio tiempo con integridad y que a la vez dialoga con el entorno. La remodelación de la Royal Academy de Londres en 1984 es otro ejemplo de esa nueva intervención de Foster en entornos históricos.

En 1986 el estudio necesita una nueva oficina y la construyen junto al Támesis. Se trata de una oficina entendida como un gran espacio de trabajo abierto y común.

Su mujer Wendy fallece víctima de un cáncer en 1989, un hecho que afecta a Foster personal y profesionalmente. Del matrimonio con Wendy Norman Foster tiene cuatro hijos, dos de ellos adoptados. En 1991 Foster se casa con Sabiha Rumani Malik, una amiga íntima de la familia, cuyo matrimonio dura hasta 1995. Realiza grandes proyectos de infraestructuras, como el Metro de Bilbao o la Torre de Collserola, ambas convertidas en puntos icónicos de la ciudad. En 1996 se casa con Elena Ochoa, psicóloga española y profesora de universidad, que actualmente dirige la editorial y galería de arte Ivorypress.

Con los años la obra de Norman Foster se hace más ligera y aparecen las curvas. Lleva a cabo proyectos como el Commerzbank en Frankfurt, el rascacielos más alto de Europa, o el Aeropuerto de Chek Lap Kok Airport en Hong Kong, un edificio muy liviano a pesar de sus enormes proporciones. El viaducto de Millau es otra obra de esa época, o el Puente del Millenium de Londres, ambas también de aspecto leve.

La intervención en un edificio histórico más importante de su carrera es la remodelación del Reichstag en Berlín. Con una gran cúpula accesible, permite a los ciudadanos poder observar a sus dirigentes. Posteriormente realiza también la intervención en el British Museum de Londres. Algunos de sus proyectos más recientes y más representativos de su obra actual son la Biblioteca de la Universidad Libre de Berlín, o diversos edificios en Londres, como el Ayuntamiento de la ciudad o la Torre Swiss Re.

Al mismo tiempo realiza una gran cantidad de proyectos por todo el mundo, como la pirámide de Kazajastán, o la Torre Rusia en Moscú y la Torre Hearst en Nueva York. Además lleva a cabo varios proyectos en España, como la torre realizada en Madrid, las estaciones de servicio de Repsol, y las Bodegas Portia. Algunos de sus últimos proyectos en España no han llegado aún a materializarse debido al estallido de la burbuja inmobiliaria: los diseños para la Ciudad de la Justicia en Madrid, la remodelación del Camp Nou en Barcelona, o la Ciudad del Motor de Alcañiz.

Otros proyectos actuales importantes son el Aeropuerto de Pekín y la ciudad de Masdar en Abu Dabi, una urbe sostenible, así como el Aeropuerto de Kuwait. Sus edificios son cada vez más livianos. Fundada en Londres, Foster & Partners hoy en día es una firma internacional, con oficinas en más de veinte países. Norman Foster es un arquitecto sumamente preocupado por la sostenibilidad, optimiza el diseño de sus edificios para construir edificios con un eficaz ahorro energético. También tiene en cuenta a las personas que van a utilizar el edificio, de modo que se sientan cómodas con él. Otra de las características de sus diseños es la versatilidad, que permite que los edificios se adapten a nuevas necesidades que surgen con el tiempo. Flexibilidad de uso, ahorro energético, ligereza, cobertura del máximo espacio con una envoltura mínima, o iluminación natural son algunas de sus premisas más habituales.

Nunca estoy satisfecho con mi trabajo, es como perseguir el final del arcoíris.” Norman Foster

Premios

1983

Medalla de oro del RIBA (Royal Institute of British Architects).

1986

Doctor Honoris Causa por la Universidad de Bath.

1990

Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.

1990

Nombrado caballero por la Reina de Inglaterra (Sir Norman Foster).

1991

Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura.

1991

Doctor Honoris Causa por el Royal College of Art de Londres.

1992

Doctor Honoris Causa por la Universidad Politécnica de Valencia.

1994

Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectura (AIA).

1994

Oficial de la Orden de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura de Francia.

1997

Orden del Mérito británica.

1998

Premio Stirling (Museo Imperial de Guerra, Duxford).

1999

miembro vitalicio de la Cámara de los Lores, nombrado Lord Foster of Thames Bank.

1999

Premio Pritzker de Arquitectura.

2002

Praemium Imperiale (Premio Mundial de la Cultura en memoria de Su Alteza Imperial el Príncipe Takamatsu).

2002

Premio Auguste Perret de la Unión Internacional de Arquitectos.

2004

Premio Stirling (30 St Mary Axe, Londres).

2007

The Lynn S. Beedle Lifetime Achievement Award

2008

Doctor Honoris Causa por la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Dundee.

2009

Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

2012

Doctor Honoris Causa por la Universidad Politécnica de Madrid.

Obras y proyectos

2012

Foster 520 Armchair, Alemania.

Musée de la Romanité Narbonne, Francia.

Porcelanosa, EE. UU.

Vantone, China.

2011

Faena House, EE. UU.

Flo Light, Italia.

Kuwait International Airport, Kuwait.

Marseille Vieux Port, Francia.

Saqqara Development, México.

2010 – 2011

Kai Tak Cruise Terminal, China.

2010

Banco Ciudad Corporate Offices, Argentina.

Imperial War Museum, Reino Unido.

Molteni & C - Arc Table, Italia.

Thames Hub, Reino Unido.

Vietinbank, Vietnam.

2009 – 2011

McLaren Production Centre, Reino Unido.

West Kowloon Cultural District, China.

2009 – 2010

Ilham Baru, Malasia.

NetJets, EE. UU.

2009

Al Haramain High Speed Rail, Arabia Saudí.

Campus Biometropolis masterplan, México.

Citic Bank HQ, China.

Mont Kiara, Malasia.

Patil University School of Management, India.

2008 – 2012

Aeropuerto Internacional de Hong Kong, China.

Slussen Masterplan, Suecia.

2008 – 2010

3Beirut, Líbano.

Sperone Westwater, EE. UU.

UAE Pavilion Shanghai Expo 2010, China.

2008

Hermitage Plaza, Francia.

Rimini Seafront and Mixed Use, Italia.

Routemaster, Reino Unido.

2007 – 2012

Velux Modular Lights, Reino Unido.

2007 – 2011

Beach Road, Singapur, Singapur.

Kurla, India.

2007 – 2010

7 More London Riverside, Reino Unido.

DASH Task Light, EE. UU.

Bodegas Portia, España.

Masdar Institute, Emiratos Árabes Unidos.

2007 – 2009

BMCE Branches, Marruecos.

Sailing Yacht Panthalassa, Italia.

Tai Po, China.

2007 – 2008

Ivorypress, España.

Masdar Development, Emiratos Árabes Unidos.

2007-

Garennes, Francia.

2007

Al Raha Beach Development, Emiratos Árabes Unidos.

Anfa Place, Marruecos.
Estadio Camp Nou Stadium para el FC Barcelona, España.

Duisburg City Masterplan, Alemania.

Louis Poulsen LED Lights, Dinamarca.

Ciudad del Motor, España.

UN Plaza, EE. UU.

Yale School of Management, EE. UU.

Zayed National Museum, Emiratos Árabes Unidos.

2006 – 2014

Spaceport America, EE. UU.

2006 – 2012

The Aleph, Argentina.

2006 – 2011

Aldar Central Market, Emiratos Árabes Unidos.

2006 – 2010

Fortaleza Hall and the Commons, SC Johnson, EE. UU.

Khan Shatyr Entertainment Centre, Kazajistán.

2006 – 2009

CircleBath, EE. UU.

Tower 2 at World Trade Center, EE. UU.

2006

Banyan Tree Corniche Bay, Mauricio.

City Center DC, EE. UU.

Emeco 20 - 06 Chair, EE. UU.

Eurogate, Alemania.

Tribunal Superior de Justicia, Madrid, España.

Iguzzini - Radial Lights, Italia.

Molteni - Still Sofa, Italia.

Nemo - Illium Lights, Italia.

New Holland Island, Rusia.

Randers - RF1 Stacking Chair, Dinamarca.

Russia Tower, Rusia.

Soft Cells AS Wall and Ceiling System, Dinamarca.

2005 – 2013

The Bow, Canadá.

2005 – 2012

Queen Alia International Airport, Jordania.

2005 – 2011

The Index, Emiratos Árabes Unidos.

The SSE Hydro, Reino Unido.

2005 – 2010

The Walbrook, Reino Unido.

2005 – 2009

Dallas Artist Square, EE. UU.

YachtPlus 40 Signature Series Boat Fleet, Reino Unido.

2005 – 2008

Cyberport, China.

2005 – 2006

Posthaus Restaurant, Suiza.

2005

FontanaArte - Three Sixty Table Lamp, Italia.

Hoesch – Baths, Alemania.

2004 – 2013

ME Hotel, Reino Unido.

2004 – 2011

The Troika, Malasia.

2004 – 2008

Corby Academy, Reino Unido.

Langley Academy, Reino Unido.

Zénith Music Venue, Francia.

2004 – 2007

Smithsonian Institution, EE. UU.

2004 – 2006

Palace of Peace and Reconciliation, Kazajistán.

2004 – 2005

Silken Hotel Puerta América, España.

Steelcase - Forward Office System, Francia.

2004

Dada - Place Kitchen, Italia.

Jameson House, Canadá.

2003 – 2009

Capella Singapore, Singapur, Singapur.

Margot and Bill Winspear Opera House, EE. UU.

Yacht Club de Monaco, Mónaco.

Beijing Airport, China.

2003 – 2007

Folkestone Academy, Reino Unido.

Regent Place, Australia.

Spinningfields, Reino Unido.

The Murezzan, Suiza.

Thomas Deacon Academy, Reino Unido.

2003 – 2006

3 More London Riverside, Reino Unido.

Leedon Park House, Singapur, Singapur.

2003

Boavista, Portugal.

Florence TAV Station, Italia.

New Globe Theater, EE. UU.

Santa Giulia Masterplan, Italia.

Lenbachhaus, Alemania.

2002 – 2009

Torre Caja Madrid, España.

2002 – 2008

Dolder Grand Hotel, Suiza.

Elephant House, Copenhagen Zoo, Dinamarca.

Vivaldi Tower, Países Bajos.

2002 – 2006

Leslie L. Dan Pharmacy Building, Canadá.

London Academy, Edgware, Reino Unido.

West London Academy, Reino Unido.

2002 – 2005

Djanogly City Academy, Reino Unido.

2002 – 2004

Asprey Store New York, EE. UU.

2002

Trilux - Focus Bollards, Alemania.

Walter Knoll - 2 Sofa Ranges; 500 and 505 Series, Alemania.

World Trade Center, EE. UU.

2001 – 2015

Quartermile Masterplan, Reino Unido.

2001 – 2007

Willis HQ, Lime Street, Reino Unido.

2001 – 2005

Allen & Overy HQ, 1 Bishops Square, Reino Unido.

2001 – 2004

Asprey Store, Bond Street, Reino Unido.

Imperial College Faculty Building, Reino Unido.

Trapex - FT Door Handles, Reino Unido.

2001 – 2003

Bexley Business Academy, Reino Unido.

Centrica, Scottish Gas HQ, Reino Unido.

2001

Duravit – Sanitaryware, Alemania.

2000 – 2008

California State University Channel Islands, EE. UU.

2000 – 2006

Hearst Tower, EE. UU.

2000 – 2005

Supreme Court Singapore, Singapur, Singapur.

Chesa Futura, Suiza.

2000 – 2004

France Avenue, Francia.

Imperial College Business School, Reino Unido.

2000 – 2003

Capital City Academy, Reino Unido.

Ernst & Young Headquarters, 1 More London Place, Reino Unido.

2000

Thea Auditorium Chair for Poltrona Frau, Italia.

1999 – 2010

Museum of Fine Arts, EE. UU.

1999 – 2004

San Marino World Trade Centre, San Marino.

1999 – 2003

Clark Center, Stanford University, EE. UU.

1999 – 2000

ENEL Pylons, Italia.

1998 – 2004

McLaren Technology Centre, Reino Unido.

Petronas University of Technology, Malasia.

1998 – 2003

Albion Riverside, Reino Unido.

More London Masterplan, Reino Unido.

1998 – 2002

City Hall, Reino Unido.

1998 – 2001

Artemide - RA Lighting System, Italia.

1998

Alessi – Tray, Italia.

1997 – 2006

Dresden Station Redevelopment, Alemania.

1997 – 2005

Deutsche Bank Place, Australia.

Free University, Alemania.

Moor House, Reino Unido.

1997 – 2004

Kamakura House, Japón.

Swiss Re Headquarters, 30 St Mary Axe, Reino Unido.

The Sage Gateshead, Reino Unido.

1997 – 2003

Metropolitan, Pilsudski Square, Polonia.

1997 – 2002

HSBC UK Headquarters, Reino Unido.

1997 – 2001

Duisburg Housing, Alemania.

Imperial College, Flowers Building, Reino Unido.

1997 – 2000

Bloomberg HQ, 50 Finsbury Square, Reino Unido.

Electronic Arts European Headquarters, Reino Unido.

1997 – 2000

EXPO Station, Singapur, Singapur.

Helit - Helit Foster Series Desk Accessories, Alemania.

JCDecaux Headquarters, Reino Unido.

1997 – 1999

Vitra - Airline Seating System, Suiza.

1997

Acerbis - Cambridge Shelving, Italia.

Thonet - A900 Series, Alemania.

1996 – 2007

Wembley Stadium, Reino Unido.

1996 – 2005

National Police Memorial, Reino Unido.

1996 – 2003

Offices, 10 Gresham Street, Reino Unido.

Trafalgar Square Redevelopment, Reino Unido.

1996 – 2002

Her Majesty's Treasury Redevelopment, Reino Unido.

1996 – 2000

Citibank, Reino Unido.

Millennium Bridge, Reino Unido.

World Port Centre, Países Bajos.

1996 – 1997

Estaciones de Servicio de Repsol, España.

1995 – 2001

Gerling Ring, Alemania.

Jiushi Corporation Headquarters, China.

1995 – 2000

Center for Clinical Science Research, EE. UU.

Great Glass House, Reino Unido.

1995 – 1999

Multimedia Centre, Alemania.

1995 – 1998

Aspire Sports Centre, Reino Unido.

North Greenwich Interchange, Reino Unido.

1995 – 1997

SECC Conference Centre, Reino Unido.

1995

Fusital - Two Ranges Door Furniture, Italia.

1994 – 2005

Arsta Bridge, Suecia.

1994 – 2000

Al Faisaliah Complex, Arabia Saudí.

Great Court at the British Museum, Reino Unido.

1994 – 1998

Imperial College, Sir Alexander Fleming Building, Reino Unido.

Robert Gordon University, Reino Unido.

1994 – 1996

Duisburg Hafenforum, Alemania.

1993 – 2004

Millau Viaduct, Francia.

1993 – 2001

Arag, Alemania.

LSE Library, Reino Unido.

1993 – 2000

Holborn Place, Reino Unido.

1993 – 1998

Palacio de Congresos de Valencia, España.

1993 – 1995

Motoryacht, Japón.

Wind Turbine, Alemania.

1992 – 2002

Tower Place, Reino Unido.

1992 – 2001

Musée de Préhistoire, Francia.

1992 – 1999

Reichstag, New German Parliament, Alemania.

1992 – 1998

Chek Lap Kok Airport, China.

HACTL Superterminal, China.

1992 – 1997

Essen Design Centre, Alemania.

1992 – 1996

Electricité de France Regional Headquarters, Francia.

1992 – 1994

Addition to Joslyn Art Museum, EE. UU.

Maack Schreiter House, Alemania.

1992 – 1993

Marine Simulation Centre, Países Bajos.

1991 – 2003

Duisburg Inner Harbour Masterplan, Alemania.

1991 – 1999

Canary Wharf Underground Station, Reino Unido.

1991 – 1997

Commerzbank Headquarters, Alemania.

1991 – 1993

Lycée Albert Camus, Francia.

1990 – 1995

Faculty of Law, University of Cambridge, Reino Unido.

1990 – 1993

House in Corsica, Francia.

1989 – 1992

Cranfield University Library, Reino Unido.

1989

Millennium Tower, Japón.

1988 – 1996

Microelectronic Centre, Alemania.

1988 – 1995

Metro Bilbao, España.

1988 – 1993

Business Promotion Centre, Alemania.

1988 – 1992

Torre de Collserola, España.

1988 – 1991

Crescent Wing, Sainsbury Centre for Visual Arts, Reino Unido.

1987 – 1997

American Air Museum, Reino Unido.

1987 – 1992

House in Japan, Japón.

1987 – 1991

Century Tower, Japón.

1987 – 1989

Stockley Park Offices, Reino Unido.

1987 – 1988

Esprit Shop, Reino Unido.

1987

Tecno - Nomos Desking System, Italia.

1986 – 1990

Riverside Apartments and Studio, Reino Unido.

1986 – 1987

Katharine Hamnett Shop, Reino Unido.

1985 – 1991

Sackler Galleries, Royal Academy of Arts, Reino Unido.

1984 – 1993

Carré d'Art, Francia.

1982 – 1985

BBC Radio Centre, Reino Unido.

1981 – 1991

Stansted Airport, Reino Unido.

1980 – 1982

Renault Distribution Centre, Reino Unido.

1979 – 1986

Hongkong and Shanghai Bank Headquarters, China.

1975

Gomera Masterplan, España.

1974 – 1978

Sainsbury Centre for Visual Arts, Reino Unido.

1971 – 1975

Willis Faber & Dumas Headquarters, Reino Unido.

1971

Samuel Beckett Theatre, Reino Unido.

1970 – 1971

IBM Pilot Head Office, Reino Unido.

1967

Reliance Controls, Reino Unido.

1965 – 1966

Jaffe House (Skybreak House), Reino Unido.

1965

Newport School, Reino Unido.

Wates Housing, Reino Unido.

1964 – 1966

Creek Vean, Reino Unido.

1963 – 1966

Murray Mews, Reino Unido.

1963

The Retreat, Reino Unido.

Obra seleccionada

REICHSTAG, Berlín, Alemania, 1995-1999.

Obra: rehabilitación del edificio del Reichstag, Berlín.

Cliente: Bundesrepublik Deutschland

Proyecto: 1992-1995

Construcción: 1995-1999

Ubicación: Platz der Republik, Berlín, Alemania.

El Reichstag fue construido originalmente por Paul Wallot en 1894 en un estilo neobarroco, siendo sucesivamente dañado a lo largo de su historia. Fue sede del Parlamento nacional de Alemania desde 1920 hasta 1933, año en que se quemó, destruyéndose el interior y parte de la cúpula, que había sido realizada en cobre y cristal. El incendio, supuestamente provocado por un comunista holandés, fue un hecho vital para la consecución el poder absoluto por parte del nazismo en Alemania. Cuando finalizaba la Segunda Guerra mundial el edificio sufrió nuevos y serios daños debido al ataque del ejército ruso al tomar la ciudad, que lo dejó en un estado próximo a la ruina. Posteriormente, en la década de 1960, diversas rehabilitaciones alteraron su esencia de manera sucesiva. El edificio permaneció sin uso durante décadas, una situación representativa del estado de una Alemania dividida.

Tras la caída del muro en 1989 y la reunificación alemana, Berlín pasó a ser la capital del país, siendo el Reichstag designado como sede del Bundestag o parlamento alemán. Se abordó entonces la rehabilitación del edificio, para lo cual se convocó un concurso cerrado que se desarrolló en dos fases y que se inició en mayo de 1992. En él participaron numerosas empresas alemanas y se invitó a catorce firmas extranjeras de prestigio.

Tras el encargo de reelaboración de sus propuestas a varios arquitectos de los más de 80 que participaron en el concurso, el proyecto fue adjudicado a la firma Foster + Partners en junio de 1993. Una decisión cargada de simbolismo, al otorgar a un estudio de arquitectura británico, y por tanto extranjero, la reconstrucción de uno de los símbolos más importantes del país. En el largo proceso de diseño del edificio, Foster tuvo que adaptar sus ideas profesionales a cuestiones económicas y sobre todo políticas. La propuesta inicial de Foster constaba de una gran estructura, una cubierta horizontal translúcida que se elevaría sobre el antiguo edificio. De este modo deseaba exorcizar el pasado convulso de Alemania. A petición del comité encargado, se realizó una primera modificación, que limitaba la cubierta a la sala de plenos. Sin embargo, aún se trataba de un proyecto muy caro y la propuesta fue desechada nuevamente por el comité, que pidió a Foster que lo hiciera más barato y pequeño, además de incluir una cúpula para respetar la memoria simbólica de este elemento destruido por los avatares de la historia.

En un principio Norman Foster era reacio a reconstruir un símbolo del pasado de un imperio autoritario. Por eso el arquitecto se había empeñado en concebir un proyecto que reflejara una Alemania democrática, alejada del modelo anterior. Tras revisar el proyecto Foster consiguió ganar el concurso con un nuevo diseño que finalmente incluiría una cúpula.

La transformación del proyecto provocó que Calatrava, otro de los participantes en el concurso, acusase a Foster de plagio, ya que el diseño del arquitecto español constaba también de una cúpula. Sin embargo los especialistas valoraron que una cúpula es un elemento muy común en la arquitectura como para ser susceptible de considerarse plagio por el mero hecho de coincidir en el proyecto. En cualquier caso uno de los criterios establecidos en el concurso era la transparencia, y el proyecto de Foster era el único que proponía el acceso de los ciudadanos al interior del edificio, hasta el punto de que los ciudadanos pueden observar a sus mandatarios mientras gobiernan.

Antes de que comenzaran las obras, los artistas Christo y Jean-Claude envolvieron el Reichstag con sus características telas tras la aprobación de la performance por el Bundestag. El proyecto, titulado “Reichstag empaquetado”, tuvo mucha difusión internacional y atrajo las miradas del público sobre el edificio. Justo después de que finalizara esta obra comenzó la reconstrucción del Reichstag.

La rehabilitación del Reichstag se basa en cuatro premisas clave: la relevancia del Bundestag como foro democrático, el respeto por la historia, un compromiso de accesibilidad y un firme objetivo de sostenibilidad medioambiental.

En la intervención de Foster se eliminaron los añadidos posteriores a Wallot, aunque en el interior del edificio se han respetado algunas evidencias históricas y huellas de las distintas etapas que han vivido el edificio y la propia Alemania, como los graffitis realizados por los soldados soviéticos. Se decidió conservar estas muestras de lo acontecido en el país a modo de cicatrices didácticas, como un testimonio de la historia del mismo y una decisión de abordar el futuro sin olvidar el pasado.

El elemento principal de la rehabilitación arquitectónica es la cúpula, que se asienta en la azotea del edificio y sobre la sala de plenos del parlamento. Con una estructura de vidrio y acero de 40 metros de diámetro, una altura de 23,5 metros y un peso de 1200 toneladas, está formada por un armazón de nervios verticales de acero tensionados por anillos horizontales concéntricos. Además, dispone de una pantalla móvil para evitar el calor y la luz directa del sol.

Un cono invertido que pende de los nervios de la cúpula está compuesto por 360 espejos que funcionan a modo de calidoscopio. La estructura cónica refleja la luz natural hacia abajo, donde se encuentra la cámara principal del Bundestag. Controla la iluminación y ventilación de la sala de plenos y la cúpula, asistida por un escudo móvil que bloquea el exceso de luz. El aire caliente sale por la parte superior del cono trabajando como un sistema de ventilación natural. De este modo el edificio se convierte en un elemento activo que controla su propio consumo energético. Dos rampas en espiral recorren la gran cúpula rodeando su perímetro, y constituyen una plataforma impresionante de observación de la ciudad y un mirador público sobre el Bundestag. En el Reichstag se aplicaron avanzadas tecnologías para hacer el edificio medioambientalmente sostenible, como un sistema que combina el calor con un generador de energía que funciona con biodiesel para producir su propia electricidad. El calor generado se usa no sólo para calentar el edificio, sino también para enfriarlo, y para poner en marcha un sistema de acuíferos. También emplea paneles fotovoltaicos, y al utilizar aceite vegetal en su funcionamiento consigue lograr un conjunto ejemplar de tecnologías sostenibles. El edificio de este modo logra de un modo muy eficiente gran parte de la energía que necesita de su entorno.

La cúpula es el núcleo esencial y estructurador de todo el proyecto, parte integral del edificio y clave en el aprovechamiento de la luz natural y el máximo ahorro de energía posible. Todos los elementos de la misma son independientes y al mismo tiempo se unen en armónico equilibrio. Una piel de vidrio laminado de seguridad cubre el conjunto. De noche su forma sugiere la de un faro que ilumina y guía, habiéndose convertido en un símbolo para la democracia alemana.

Los visitantes y los políticos entran al edificio como iguales por el mismo camino, destacando la facilidad de acceso para el público, que puede observar desde la cúpula cómo sus representantes parlamentarios gobiernan, en un ejercicio de transparencia democrática. Así, el espacio público se sitúa en la parte superior del edificio, donde además del observatorio se sitúan otros usos, como un restaurante.

Según comenta el propio Foster, “creo que el Reichstag verdaderamente eleva el umbral de las expectativas creadas y ofrece un modelo para una nueva generación de edificios públicos, tanto estructuras nuevas o edificios históricos en una etapa de renovación”.

La rehabilitación de este edificio es uno de los proyectos más filosóficos y simbólicos de Norman Foster, en el que ha conseguido unir con gran éxito lo antiguo y lo nuevo, el pasado y el presente, en una síntesis formidable que refleja arquitectónicamente la historia del edificio. Además, la arquitectura del poder ha sido reemplazada por la arquitectura de la transparencia y la libertad, adecuada para la concepción de una nueva Alemania, y la cúpula del Reichstag se ha convertido en un auténtico símbolo del país.

 

Recursos

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*En este documento se describe el proceso del concurso de remodelación del Reichstag, pp. 20-21.


 

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Vídeos

Conferencia: Norman Foster (Reino Unido, 2012)

Conferencia de Norman Foster Arquitectura: lo común, en el marco del II Congreso de Arquitectura y Sociedad celebrado en Pamplona en junio de 2012.

Luis Fernández-Galiano retrata el talento de Norman Foster (2011)

Conferencia ofrecida por Luis Fernández-Galiano dedicada a Norman Foster, dentro del ciclo Protagonistas de la arquitectura del siglo XXI. Celebrada el 18 de octubre de 2011 en la Fundación Juan March.

 

How much does your building weigh, Mr. Foster? (2010)

NORMAN FOSTER RIBA TALK (2010)

Conferencia de Norman Foster en el RIBA en octubre de 2010.

Norman Foster: Drawings 1958-2008 - Colloquium 'Art in the context of Architecture (2009)

Primer coloquio con ocasión de la exposición Norman Foster: Drawings 1958-2008 en Ivorypress en septiembre de 2009, en esta ocasión sobre el arte en el contexto de la arquitectura.

 

Segundo coloquio con ocasión de la exposición Norman Foster: Drawings 1958-2008 en Ivorypress en septiembre de 2009, en esta ocasión sobre el factor económico en la arquitectura.

 

Tercer coloquio con ocasión de la exposición Norman Foster: Drawings 1958-2008 en Ivorypress en septiembre de 2009, en esta ocasión sobre arquitectura sostenible.

 

Segundo coloquio con ocasión de la exposición Norman Foster: Drawings 1958-2008 en Ivorypress en septiembre de 2009, en esta ocasión sobre el factor económico en la arquitectura. - See more at: http://catalogo.artium.org/dossieres/exposiciones/premios-pritzker-viaje...

Norman Foster (2007)

Conferencia para DLD de Norman Foster en 2007.

Norman Foster (2006)

New and old, conferencia de Norman Foster en C:CA, Center of Contemporary Architecture en Moscú en abril de 2006. Presentación en ruso, conferencia en inglés.

An Exhibition of Norman Foster's Architectures

Imágenes de la arquitectura de Norman Foster.

Entrevista a Carlos Carcas y Norberto L-Amado sobre documental de Foster

Carlos Carcas y Norberto López-Amado, directores de ¿Cuánto pesa su edificio, sr. Foster? hablan con Antonio Peláez (www.radiocine.org) sobre la película, en su presentación en San Sebastián.

Grand Central Terminal: The Next 100

Norman Foster participa en una presentación y mesa redonda sobre la Grand Central Station en Nueva York.

Iconic Turn: Norman Foster - Stadterneuerung

Conferencia de Foster en Múnich sobre renovación urbana.

Norman Foster, 3 minutes with

3 minutes with Norman Foster, un vídeo de Paolo Rosselli.

Norman Foster at the University of Oxford: Heritage and Lessons

Conferencia de Norman Foster en la Universidad de Oxford en noviembre de 2011.

Norman Foster: Building on the green agenda

El arquitecto Norman Foster analiza su propio trabajo para demostrar cómo los ordenadores pueden ayudar a los arquitectos a diseñar edificios bellos y sostenibles.

Investidura de Norman Foster como Doctor Honoris Causa por la UPM

Conferencia de Norman Foster con motivo de su investidura como Doctor Honoris Causa por la Universidad Politécnica de Madrid.

Norman Foster - DLD10 - Interview Series

Entrevista a Norman Foster.

Norman Foster on 425 Park Avenue, at the Municipal Art Society of New York

Norman Foster y David Levinson analizan el proyecto 425 Park Avenue en la Municipal Art Society de Nueva York.

Sir Norman Foster

Peter Hyatt entrevista a Norman Foster.

Sir Norman Foster

El genio de Sir Norman Foster: imágenes de la arquitectura de Foster.

Sir Norman Foster BBC interview & profile in Brief Encounters, a short BBC Knowledge film

Documental sobre Norman Foster de la BBC Knowledge.

G

Frank Gehry

 

Biografía y obra

Frank Owen Gehry nació el 28 de febrero de 1929 en Toronto (Canadá). Sus estudios los realiza en diferentes centros, entre ellos cabe destacar la University of Southern California en la que se graduó en 1954 en arquitectura. Tras cumplir con el servicio militar inicia sus estudios de Planificación Urbana en la Graduate School of Design, University of Harvard, en 1956. En 1961 se traslada con su familia a París, donde trabaja en el estudio de André Rémonder. Durante su estancia en Francia dedica gran parte de su tiempo a estudiar las obras de Le Corbusier y otros arquitectos europeos. A su regreso en 1962, pasa a dirigir su primer despacho de arquitectura, Frank O. Gehry and Associates, en Los Ángeles.

Su arquitectura tomará fuerza y prestigio con el paso del tiempo, al mismo tiempo que incorporará nuevos y modernos elementos de trabajo, como por ejemplo el diseño asistido por ordenador y el software industrial. Consigue así pasar de las convencionales maquetas a edificios realizables y “ciberbarrocos”. Proyectos, obras y creaciones de difícil valoración para el espectador inexperto, a menos que éste sea capaz de apreciar el juego que establece entre volúmenes y materiales empleados en las fachadas.

Entre otros galardones, recibió el Arnold W. Brunner Memorial Prize de Arquitectura otorgado por la Academia Americana de Artes y Letras de 1977, en 1989 el Premio Pritzker de arquitectura, equiparable al conocido Premio Nobel. Frank O. Gehry se ha convertido en uno de los arquitectos de mayor prestigio del siglo XX.

 

Diseño de exposiciones

2001
The Art of the Motorcycle. The Solomon R. Guggenheim Museum, Las Vegas, EE. UU.

1999-2000
The Art of the Motorcycle. The Solomon R. Guggenheim Museum, Bilbao, España.

1999
The Art of the Motorcycle. The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EE. UU.

1997
Exiles + Emigrés. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1994
Degenerate Art. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1986
The ARchitecture of Frank Gehry. Walker Art Center, Minneapolis, EE. UU.

1983
German expresionist Sculpture. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.
Available Light. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1981
Seventeen Artists in the Sixties. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.
1980 The Avant-Garde in Rusia, 1910-1930: New perspectives. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1978
Treausures of Tutankhamen. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1968
Billy Al Begston Retrospective. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.
Norton Simon Sculpture Courtyard. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1966
Assyrian Reliefs. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

1965
Art TReausures of Japan. Los Angeles Country Museum of Art, Los Ángeles, EE. UU.

 

Exposiciones individuales

2005
Arquitecturas del vino: Bodegas del Marqués de Riscal. Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, España.

2002
Frank Gehry Architect. Guggenheim Museum, Bilbao, España.

2001
Frank Gehry Architect. Guggenheim Museum, Nueva York, EE. UU.

1999
Frank Gehry: A Study. Gagosian Gallery, Los Ángeles, EE. UU.

1998
Frank O. Gehry. The Architect’s Studio. Louisiana Museum of Modern Art, EE. UU.; Humlebaek, Dinamarca; Soanes Mueum, Londres, Reino Unido; Dundee Contemporary Arts Centre, Escocia, Reino Unido; Architectuuinstituut, Róterdam, Países Bajos; Les Fonds Regionaux d’Arts Contemporain, Burdeos, Francia; Henry Art Gallery, Seattle, EE. UU.

1996
Frank O. Gehry. Design i Architektura. Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Alemania; Panstwowa Galeria Sztuki, Sopot, Polonia.

1994
Frank Gehry: Innovation in Furniture Design 1969 to the present. The Westsman Gallery of 20th Century Decorative Art, Birmingam, Michigan, EE. UU.
Frank Gehry: European Projects. Aedes Gallerie und Arkitecturforum, Berlín, Alemania.
Frank O. Gehry. University of Virginia, EE. UU.
Frank O. Ghery. Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Alemania.

1992-1993
Frank O. Gehry: New Bentwood Furniture Designs. St. Louis Art Museum, Misuri, EE. UU.

1992
Frank Gehry: New Bentwood Furniture Designs. Musée des Arts Décoratifs de Montréal, Montreal, Canadá.

1991
Frank O. Gehry. Can Reekum Museum, Apeldoorn, Países Bajos.
Frank O. Gehry. Dansk Arkiturcenter, Conpenhague, Dinamarca.
Frank O. Gehry, Projects in Europe. Centre Georges Pompidou, París, Francia.

1990-1991
Frank O. Gehry (furniture and lamps). b.d. Madrid Gallery, Madrid, España.
Frank O. Gehry (furniture and lamps). b.d. Madrid Gallery, Barcelona, España.
Frank O. Gehry. Arkitektur Museet, Estocolmo, Suecia.
Frank O. Gehry: The Architect’s Sketchbook and Contemporary Design. The Getty Center, Santa Mónica, EE. UU.
Frank O. Gehry. Fundació Joan Miró, Barcelona, España.


1990
Frank O. Ghery. Centraal Museum, Utrech, Países Bajos.
Frank O. Gehry. Center of Contemporary Art, Varsovia, Polonia.
Frank O. Gehry. Singel Museum, Amberes, Bélgica.


1989
Frank O. Gehry: Sketches of Recent Projects. The Art Store Gallery, California, EE. UU.
Frank O. Gehry. Architekturmuseum, Basilea, Suiza.
The Work of Fran Gehry. Galerie für Architektur und Raum, Berlín, Alemania.


1988
Frank O. Ghery: New Cardboard Furniture. Hoffman/Borman Gallery, Los Ángeles, EE. UU.


1986
Frank O. Gehry. Castello di Rivoli, Turín, Italia.
The Architecture of Frank Gehry. Walker Art Center, Minnesota, EE. UU.; Contemporary Art Museum, Houston, EE. UU.; Art Gallery at Harbourfront, Toronto, Canadá; High Museum of Art, Atlanta, EE. UU.; Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, EE. UU.; Whitney Museum of American Art, Nueva York, EE. UU.


1985
Frank O. Gehry: Recent Projects. Gallery MA, Tokio, Japón.

1984
Frank O. Gehry: Fish and Snake Lamps. Metro Pictures, Nueva York, EE. UU.
Frank O. Gehry: Recent Drawings. Ballenford Architectural Books, Toronto, Canadá.
Frank O. Gehry:Unique Fish Lamps. Larry Gagosian Gallery, Los Ángeles, EE. UU.

Premios

2002
Premio Europeo de Arquitectura, European Foundation for Culture.
Caballero honorario de la Orden Canadá.

2000
Medalla de Oro del Real Instituto Británico de Arquitectura.
Premio Lifetime Achievement Award de Americans for the Arts.

1999
Medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos.
Medalla Lotos al Mérito, The Lotos Club.

1998
Premio Friedrich Kiesler.
Académico de Honor en la Royal Academy of Arts.
Medalla de Oro, Royal Architectural Institute of Canada.
Medalla Nacional de las Artes, National Endowment for the Arts.
Doctor honoris causa en Derecho, University of Toronto.
Canciller del Ayuntamiento de la Ciudad de Bilbao.

1997
Doctor honoris causa en Arquitectura, Southern California Institute of Architecture.
Consul Honorífico de la ciudad de Bilbao.

1994
Premio Dorothy and Lillian Gish.
Nombrado Académico en la National Academy of Design.

1993
Doctor honoris causa en Humanidades, Occidental College.

1992
Premio Imperial de Arquitectura de la Japanese Art Association.
Premio Wolf de las Artes.

1991
Miembro de la American Academy of Arts and Sciences.

1989
Miembro de la American Academy en Roma.
Premio Pritzker de Arquitectura.
Doctor honoris causa en Ingeniería, Technical University of Nova Scotia.
Doctor honoris causa en Bellas Artes, Otis Art Institute.

1987
Miembro de la American Academy of Arts and Letters.
Doctor honoris causa en Artes Visuales, California Institute of the Arts.
Doctor honoris causa en Bellas Artes, Rhode Island School of Design.

1977
Premio Arnold W. Brunner Memorial de Arquitectura.

1974
Miembro del American Institute of Architects.

 

Sus obras (selección)

2000-2007
Jerusalem Museum of Tolerance, Jerusalén, Israel.

1999
Experience Music Project Seattle, EE. UU.
Neuer Zolhof, Düsseldorf, Alemania.

1998
Ray & Maria Stata Center, Massachusetts, EE. UU.

1997
Team Disneyland Administration Building, California, EE. UU.
Montreal Museum of Decorative Arts Montreal, Canadá.
Bard College Center for the Performing Arts, Nueva York, EE. UU.

1996-2000
Experience Music Project de Seattle, Washignton, EE. UU.

1996-1999
DG Bank. Berlín-Mitte, Alemania,

1996
Goldstein Sud Housing, Alemania.

1995
Üstra Office building, Alemania.
Telluride residence, Telluride, Colorado, EE. UU.

1994-2001
La Pariser Platz 3 de Berlín, Alemania.

1994-1996
Edififio Fred y Ginger de National – Nederlanden, Praga, República Checa.

1993-1997
Guggenheim de Bilbao, España.

1993-1995
Disney Ice o Anaheim Ice, EE. UU.

1993
American Center de París, Francia.
University of Cincinnati Center of Molecular studies, Cincinnati, EE. UU.

1992-1996
Dancing Building Prague, Praga, República Checa.

1991
Chiat Day Office Venice, EE. UU.

1990-1993
Fredrick R. Weisman Art Museum Minneapolis, EE. UU.

1990-1992
Art Buliding de la University of Toledo, Ohio, EE. UU.

1990
Schnabel House Brentwood, California, EE. UU.

1989-1992
Festival Disney de Marne-la-Vallée, Francia.
Bentwood Furniture, Los Ángeles, EE. UU.

1989
Loyola Law School de Los Ángeles, EE. UU.

1989-1994
Vitra Furniture Museum and Factory, Alemania.

1988
Edgemar Development Santa Monica, California, EE. UU.

1987-1992
Laboratory Building, Iowa University, EE. UU.

1987-1989
Vitra Design Museum, Alemania.
Fishdance Restaurant Kobe, Japón.

1987
Walt Disney Concert Hall, Los Ángeles, EE. UU.

1986
Frances Howard Goldwyn Regional Branch Library, Los Ángeles, EE. UU.

1985-1986
Yale Psychiatric Institute New Haven, EE. UU.

1984-1986
Camp Good Times Santa Monica Mountains, California, EE. UU.
Sirmai-Peterson House Thousand Oaks, EE. UU.

1984
Mèdiathèque – Centre d’Art Contemporain Maison Carrée Nîmes, Francia.

1983-1986
Frances Howard Goldwyn Regional Branch Library Hollywood, California, EE. UU.
Winton Guest House Wayzata, EE. UU.

1983-1984
California Aerospace Museum, EE. UU.

1983
Norton House Venice, EE. UU.

1982-1984
Wosk Residence Bervely Hills, California, EE. UU.

1981
Indiana Avnue Houses Venice, California, EE. UU.
Arnoldi Triplex Venice, California, EE. UU.
Benson House Los Angeles, California, EE. UU.

1979
Cabrillo Marine Museum San Pedro, California, EE. UU.

1978
Gehry House Santa Monica, California, EE. UU.
De Menil House New York City, EE. UU.

1976
Shoreline Aquatic Park Pavilion Long Beach, California, EE. UU.

1975-1991
Chiat / Day / Mojo Venice, California, EE. UU.

1974
Rouse Company Headquarters Columbia, EE. UU.

1970-1972
Ron Davis House Malibu, California, EE. UU.

1967
Reception Center Columbia, EE. UU.

1959
Steves House Brentwood, California, EE. UU.

 

Museo de la Biodiversidad de Panamá (2006-2014)

Museo de la Biodiversidad de Panamá, 2006-2014.

El Museo de la Biodiversidad se consolida como un proyecto realizado con el propósito de albergar en sí el montaje de exposiciones que relacionan la elevación geológica del istmo de Panamá con algunas transformaciones importantes en la fauna y vegetación de la región. La estructura se organiza en torno a un atrio central al aire libre, rodeando al mismo se hallan las zonas expositivas al oeste y este, y al norte se aglutinan una serie de tiendas gozando de unas magníficas vistas de la ciudad de Panamá. Una peculiaridad de este proyecto es la utilización de colores intensos en su exterior siendo el material dominante el acero.

 

 

Peter B. Lewis Building, Weatherhead School of Mangement (2002)

Peter B. Lewis Building [Weatherhead School of Management], Cleveland, 2002.

En esta ocasión el edificio construido alberga en sí una amplia variedad de salas y aulas destinadas a diferentes actividades aunque todas ellas están vinculadas a la enseñanza. Así encontramos una cafetería, dependencias de uso administrativo, aulas de estudio y otras tantas equipadas con avanzados equipos audiovisuales, también se pueden encontrar espacios dedicados a la enseñanza informática y para la realización de reuniones. La disposición de las aulas y dependencias configuran un perímetro en forma de U, con un patio interior que alberga las cuatro aulas más grandes de todo el edificio.

Los materiales empleados en el exterior del edificio son el ladrillo rojo y, una vez más, el acero inoxidable. La imagen que se percibe desde el exterior es de nuevo impactante ya que las dos torres de las aulas se expresan como dos formas escultóricas en cascada, detalle que matiza con el empleo de metal que emula el movimiento del agua cuando cae.

 

Richard B. Fisher Center for the Performing Arts (2003)

Richard B. Fisher Center for the Performing Arts, Nueva York, 2003.

Rodeado de un precioso paisaje verde y ubicado en el campus de Bard College, este complejo de unos 9.750 metros cuadrados alberga espacios destinados a las representaciones de danza, teatro, ópera y música. Su principal sala, la Sala Sosnoff, puede acoger hasta 850 personas, entre el patio de butacas y dos galerías, y está equipada con un completo sistema móvil para la preparación y montaje de escenarios. Su techo de madera es alto y la disposición de esta sala permite crear ambientes según la ocasión y el número de personas que vayan a presenciar el acto. Con el objetivo de lograr una mejor acústica realizó los muros de hormigón aportando así la masa necesaria para este propósito.

Además de este espacio principal, cuenta con otro conocido como la Sala 2, que se define como una caja negra destinada a producciones estudiantiles de danza y arte dramático. Dispone de un equipo de montaje de decorados y su capacidad es de hasta 300 plazas. Su interior se reviste de paneles pintados de madera contrachapada perforados. Junto a esta sala se han dispuesto otros cuatro espacios para ensayos, tanto de danza como de arte dramático, todas las salas están ventiladas e iluminadas gracias a unas ventanas practicables. En cuanto al exterior mencionar que el material escogido se integra con la naturaleza circundante, ya que se trata de acero inoxidable cepillado con el propósito de reflejar los colores del cielo y el entorno.

 

Experience Music Project (2000)

Experience Music Project, Washington, 2000.

Proyecto financiado por el cofundador de Microsoft, Paul Allen. El edificio se revistió con paneles de aluminio y acero inoxidable e incluía un elemento nuevo que hasta entonces no había empleado en sus obras, el uso de diferentes colores intensos, como por ejemplo el rojo. Color escogido a propósito ya que es símbolo de las viejas furgonetas descoloridas que las estrellas de Rock and Roll solían conducir. El edificio tiene forma de guitarra algo que consiguió gracias a un complejo programa de diseño asistido por ordenador. Así, el edificio está formado por unos 21.000 paneles cortados y combados de una manera específica, sabiendo que cada uno de ellos poseía un lugar determinado en la gran estructura arquitectónica. Según su diseñador: “...con sus pliegues, el edificio pretende abrazar al visitante, como si se tratara de una madre que mece en los brazos a su bebé contra los pliegues de su vestido”.

Este complejo esta conformado por seis elementos: la Iglesia del Cielo, la Encrucijada, el Laboratorio del Sonido, el Viaje del Artista, la Biblioteca Eléctrica y la Casa de la Educación.

La Iglesia del Cielo representa al conjunto de personas unidas por su pasión por la música, es en realidad el espacio público de reunión situado en el centro del edificio. La Encrucijada es el espacio que aglutina diferentes zonas dedicadas a la exposición de tradiciones y puntos de vista que constituye la música Pop norteamericana. El Laboratorio del Sonido ensalza la experiencia que el espectador tiene de la música y su elaboración. El Viaje del Artista ofrece, desde un punto de vista diferente, la historia de la vida y la época de los músicos Pop. La Biblioteca Eléctrica proporciona un archivo multimedia de la colección y una serie de recursos de información del Proyecto Experience Music. La Casa de la Educación ofrece la posibilidad de profundizar en temas de interés personal, así como de experimentar y participar en diversas actividades musicales con el objetivo de analizar las aptitudes musicales y creativas de cada uno.

 

The New Zollhof (1998)

The New Zollhof, Düsseldorf, 1998.

Se trata de un complejo compuesto por tres edificios independientes, ubicado en la orilla del río Rin, cercano al centro administrativo regional de Renania del Norte-Westfalia. La zona en la que se encuentra ha sido objeto de remodelaciones y de rehabilitación de diferentes edificios que albergan oficinas relacionadas con el arte y la comunicación. Se trata de una zona portuaria rehabilitada que pretende ofrecer un servicio público al mismo tiempo que ensalza el papel de Düsseldorf como centro de negocios y cultural.

La ubicación de los tres edificios obedece a la convergencia de dos calles, la Brueckenstrasse y la Wupperstrasse. Están construidos con losas de hormigón y presentan ventanas perforadas en la fachada exterior. En cuanto a los acabados son diferentes dependiendo del edificio: el edificio central está forrado de paneles metálicos, la torre más alta, la este, se reconoce por sus volúmenes curvilíneos y la torre oeste por un conjunto de volúmenes revestidos de ladrillo. La mayoría de las oficinas goza de vistas hacia el río y sus ventanas permiten una ventilación natural. Cada edificio está perfectamente definido y posee identidad propia, aunque la disposición de las ventanas, igual en los tres edificios, los dota de armonía.

 

Museo Guggenheim de Bilbao (1997)

Museo Guggenheim Bilbao, 1997.

Impresionante proyecto llevado a cabo por el arquitecto Frank Gehry. En un solar que alcanza los 46.000 metros cuadrados el Museo Guggenheim abarca 24.000. La propuesta de realización de este museo supuso una recuperación de la ribera del Nervión, zona industrial de la capital vizcaína y la consolidación de la misma como un referente artístico a nivel internacional. En definitiva, ese era el objetivo perseguido por las autoridades vascas, convertir el edificio en un reclamo para el mundo de la cultura que sirviera de catapulta a la ciudad. El museo Guggenheim de Bilbao es el punto de cruce de este propósito y de las ambiciones y creatividad del arquitecto.

Y una vez más atendiendo a la historia y al contexto del lugar, Gehry ideó un impresionante edificio combinando piedra, titanio y vidrio. Gracias a la creatividad y capacidad como arquitecto de Gehry, fue posible encontrar el modelo a construir, pero cabe mencionar que esto no habría sido posible sin la ayuda de un programa de diseño gráfico llamado CATIA y los sistemas de diseño CAD-CAM.

En definitiva, Gehry propone así un edificio con un gran atrio central coronado por una flor metálica y tres alas orientadas al sur, este y oeste, la cuarta que se correspondería con el norte no existe y en su lugar dispuso una enorme puerta de vidrio.

 

Cafeteria Condé Nast (1996-2000)

Cafeteria Condé Nast, Nueva York, 1996-2000.

La cafetería está situada en la cuarta planta de la sede de la Editorial Condé Nast ubicada en el Times Square en Nueva York. El espacio está ideado con el propósito de dar un servicio como organizar los almuerzos y reuniones de trabajo incluyendo para ello un comedor. La atmósfera que se crea es al mismo tiempo íntima y abierta. Todo el perímetro está configurado por reservados diseñados para cuatro o seis personas. Las paredes están cubiertas por unos paneles de titanio azul e incluyen un forro acústico que garantizan la absorción del sonido. Existen también reservados en una zona elevada y delimitada por paneles curvos de vidrio en el centro de la estancia.

Los comedores privados, además de estar equipados con los más avanzados equipos audiovisuales, están realizados en madera contrachapada con acabado de fresno, y sus paredes están articuladas por unos paneles de vidrio que permiten una iluminación natural. Reseñar que tres de estos comedores poseen la característica de mover sus paredes de tal forma que se adecuan a cualquier sugerencia o petición del cliente pudiendo modificar el espacio a su gusto.

 

DZ Bank building (1995-2001)

DZ Bank building, Berlín, 1995-2001.

El edificio alberga en sí una zona comercial y otra residencial. La edificación tiene dos orientaciones y ambas fachadas presentan las mismas características, ya que están revestidas de piedra caliza de color castaño claro igual que la puerta de Brademburgo. Su amplio vestíbulo ofrece una visión del gran atrio interior del edificio. Tras éste, una arcada de madera conduce hasta los ascensores que transportan hasta las oficinas, espacios orientados hacia el interior, iluminadas por luz natural gracias al techo de vidrio. El salón principal del edificio está dentro de un caparazón recubierto de acero inoxidable por fuera y de madera en su interior. La parte residencial del edificio se caracteriza por viviendas de diversos tamaños, desde estudios de dimensiones más modestas hasta áticos que abarcan las dos últimas plantas.

 

Nationale-Nederlanden Office Building (1992–1996)

Nationale-Nederlanden Office Building, Praga, 1992–1996.

Cercano a otros iconos culturales de la ciudad de Praga, este proyecto se centró en la creación de una torre gemela que suavizara la transición entre las dos calles, además de convertirse en un punto de atención para el viandante. Son dos torres que se apoyan sobre un conjunto de columnas. La torre de cristal consta de dos muros cortina de vidrio sujetos por vigas de acero. El alzado principal con vistas al río Vltava tiene una serie de ventanas escalonadas, además unas bandas horizontales definen una fachada ondulada acorde con las sinuosas líneas de las cornisas. Gehry se propuso en esta ocasión, como en tantas otras, encajar la obra con su contexto, buscaba la integración del edificio de forma llamativa pero armoniosa. El complejo se estructura en tres partes principales, la primera es la planta baja, en la que se disponen una cafetería y una serie de locales comerciales. El resto del edificio se compone de oficinas hasta llegar a un nivel superior donde se ubica un restaurante en el que los visitantes pueden gozar de unas espectaculares vistas.

 

Loyola Law School (1978)

Loyola Law School, Los Ángeles,1978.

Se trataba de la creación de un campus para la Facultad de Derecho de la universidad ubicada en una zona industrial próxima al centro de Los Ángeles. A petición de su cliente, debía introducir elementos de carácter clásico. Atendiendo a estas referencias Gehry propuso un conjunto de edificios semejante a una acrópolis, en lugar de una única estructura. Las alusiones históricas reconocen el deseo de la escuela de plasmar la solemnidad de la profesión legal. El resultado, a pesar del notable escepticismo por parte de la facultad, ha sido positivo e incluso ha sido comparado con el campus de Thomas Jefferson de la Universidad de Virginia en Charlottesville.

 

Schnabel House (1989)

Schnabel House, Brentwood, California, 1989.

Se considera que esta obra la realizó en el cénit de su creatividad. Se trata de una casa de 550 metros cuadrados realizada con materiales nada ostentosos, algo que también ocurre con su casa de Santa Mónica. Ofrece una imagen aparentemente caótica pero que realmente encierra un desorden ordenado. En ella Gehry tuvo presente el sentido del confort; la supo integrar con su entorno a la vez que la dejó abierta y protegida del fuerte sol. El aparatoso formato del exterior de sus creaciones muestran cálidos y confortables espacios internos, y esta casa es muestra de ello. En esta ocasión, sus variaciones arquitectónicas provocan una mayor sensación de monumentalidad. Se considera esta casa como la obra que encierra en sí el resumen concentrado de todos los logros de Gehry.

 

Museo Guggenheim Nueva York (no construido)

Museo Guggenheim Nueva York (no construido).

Este proyecto Gehry lo concebía como un edificio que se elevaría por encima del East River. Unos macizos super-pilotes reforzados sujetarían tan emblemático edificio. La idea era la de elevarlo entre 19 y 34 metros por encima del agua de forma que el corredor visual hacia el río quedara abierto desde Wall Street. Debajo del complejo museístico se construiría una plaza pública con forma curvilínea, lo que facilitaría la circulación de los visitantes. En este espacio se habilitarían tres zonas, una para carga y descarga de las obras de arte, otra para locales comerciales y la última para la bajada de viajeros de vehículos. En el centro de esta plaza se situaría un jardín acuático convertido en pista de patinaje durante los meses más fríos del año. El complejo museístico contaría con una planta baja en la que se situarían las taquillas y servicios de información y una cafetería con vistas al jardín acuático. Unas impresionantes escaleras mecánicas elevarían al visitante a una segunda planta donde se recogerían las salas de exposiciones distribuidas en forma de “C”, proporcionando la posibilidad a los comisarios de gozar de flexibilidad en cuanto a la organización de sus exposiciones.

El museo como tal contaría con una colección permanente, con exposiciones de carácter temporal, con un centro de artes y tecnologías y otro de arquitectura y diseño y finalmente, contaría con una torre en la que se situarían apartamentos para ejecutivos y un restaurante de alta cocina. Finalmente, el proyecto ganador que se erigiría como la nueva sede del Museo Guggenheim de Nueva York sería el presentado por Frank Lloyd Wright.

 

Obra seleccionada

Walt Disney Concert Hall, Los Ángeles (2003)

Walt Disney Concert Hall es la cuarta sala de conciertos del Centro de Música de Los Ángeles. Está ubicado en el centro, sobre la colina de Bunker Hill. Se encuentra al lado del Dorothy Chandler Pavilion, entre First Street y Grand Avenue. La sala tiene un aforo de 2.265 personas y sirve de sede de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y el Coro Magistral de Los Ángeles. Se inauguró el día 23 de octubre de 2003, y fue diseñada por Frank Gehry. Para la ceremonia de inauguración se encargó una obra al compositor estadounidense John Adams, The Dharma at Big Sur.

Para Gehry éste fue el primer gran encargo que se le confió en su ciudad, por ello, tiene además del significado que cualquier obra de arte ya posee un valor añadido sentimental más profundo. Una vez más su propuesta asombró al gran público y de nuevo recibió duras críticas por el boceto que presentó. La compleja forma fue comparada con una “rosa en explosión”. Consciente de que la acústica lo es todo en un auditorio, decidió construir el edificio de dentro hacia fuera. Concibió el espacio interior como una forma cúbica convexa revestida de madera.

Vista del interior del Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles.

Un tema de gran importancia, que ralentizó la construcción de este edificio, fueron los enormes costes de los materiales y, sobre todo, la incapacidad de encontrar quién subvencionara el proyecto. Ante esta situación, Gehry decidió recubrir el edificio de titanio gris, en vez de emplear piedra caliza, mucho más costosa. La maqueta que en un principio el arquitecto presentó, mostraba un edificio muy diferente a los de su entorno, edificación que rompía con un estilo prosaico introduciendo formas y estructuras muy distintas.

Podría decirse que esta idea es una de las más ambiciosas en Los Ángeles. Como en muchos de los proyectos públicos del arquitecto, estructura el espacio, y para ello emplea una especie de pasillo central para orientar el resto del edificio. Una vez más, el diseño de Gehry pretendía ofrecer a sus usuarios un edificio funcional y cómodo, que atendiera a las necesidades propias del que sería la sede permanente de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Rodeado de jardines el vestíbulo se extiende hasta el borde de la calle, unas cristaleras correderas facilitan el paso a los diferentes servicios: tienda, cafetería, sala de ensayos, etc. El recubrimiento de madera y las formas del techo de la Sala de Conciertos hacen que el espectador perciba el lugar como una gran embarcación anclada entre los muros del edificio. Los conciertos diurnos gozan de luz natural gracias a los lucernarios y ventanales situados tras la sala. Finalmente, cabe mencionar que el órgano tiene una posición central entre los palcos situados en la parte trasera del escenario.

 

Recursos

Recursos en línea

“Frank Gehry” [Recurso en línea]. El País. Dirección URL: <http://elpais.com/tag/frank_gehry/a/>. [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web que recoge artículos sobre la trayectoria y proyectos del arquitecto Frank O. Gehry.


“Frank Gehry: architect” [Recurso en línea]. The great buildings collection. Dirección URL: <http://www.greatbuildings.com/architects/Frank_Gehry.html>. [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web en la que se pueden consultar la biografía del arquitecto, sus proyectos, premios que ha obtenido, y fuentes de información en las que ampliar los datos disponibles. Si se desea, se puede navegar por el sitio web para obtener más información sobre algunos de los proyectos de Frank Gehry.


“Frank Gehry, Pritzker Architecture Prize Laureate, 1989” [Recurso electrónico]. The Pritzker Architecture Prize World Wide Web Site. Dirección URL: <http://www.pritzkerprize.com/gehry.htm> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web con una breve biografía de Frank Gehry, imágenes de sus obras, los motivos que alegó el jurado para concederle el premio Pritzker en 1989, las palabras que pronunció el arquitecto al recibir el premio, y un ensayo de Ada Louise Huxtable al respecto.


“Frank O. Gehry” [Recurso en línea]. Borders of reality: the site of freedom minds. Dirección URL: <http://spazioinwind.libero.it/freedom_mind/Mind%20Food/Frank_O.Gehry/FrankO.Gehry.html>. [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web en italiano en la que, además de información sobre la obra del artista, se puede acceder a las imágenes de algunas de sus obras arquitectónicas más representativas.


"Frank O. Gehry" [Recurso electrónico]. Marques de Riscal. Dirección URL: <http://www.marquesderiscal.com/secciones/43/N/3> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página en la que se ofrece información Frank Gehry y el proyecto que diseñó en Elciego, Rioja Alavesa.


“Frank O. Gehry” [Recurso en línea]. Thomas Mayer archive. Dirección URL: <http://www.thomasmayerarchive.de/categories.php?cat_id=291&l=english> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web con imágenes muy ricas de edificios diseñados por Frank Gehry.


“Gehry, Frank O.” [Recurso en línea]. Arqhys: architects site. Dirección URL: <http://www.arqhys.com/articulos/frank-gehry.html> [Consulta: 19 de febrero de 2015].


*Página web con una breve biografía del arquitecto en español.


Gehry Partners [Recurso en línea]. Dirección URL: <http://www.foga.com/> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web de Gehry Partners, firma de arquitectos encargada de publicar ofertas de empleo dirigidas a arquitectos senior, para tomar parte en proyectos diseñados y dirigidos personalmente por Frank Gehry.


Herederos del Marqués de Riscal [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.marquesderiscal.com/> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Página web oficial de la bodega Marqués de Riscal. En ella, además de información general sobre la bodega y los caldos que producen, se puede encontrar información sobre el edificio vanguardista diseñado por el arquitecto Frank Gehry.


“The representation of perception: cubo-suprematisme by Frank Gehry. Part one, three houses” [Recurso electrónico]. KMT Space: african art and architecture. Direcciones URL: <http://www.kmtspace.com/gehryOne.htm> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Sendas páginas web en las que se pueden consultar imágenes de los proyectos realizados por Frank Gehry para la construcción de: la Familian House, la Gehry House y la Schnabel House.


Walt Disney Concert Hall [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.laphil.com/> [Consulta: 19 de febrero de 2015]


*Sitio oficial del auditorio de Los Ángeles. En sus páginas se puede encontrar información sobre el edificio y el equipo que lo ha diseñado, liderado por Frank Gehry.


 

Bibliografía

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Vídeos

 

Deborah Borda and Frank Gehry on Walt Disney Concert Hall

Frank Gehry on the Walt Disney Cocert Hall

 

Walt Disney Concert Hall Virtual Tour

Primera parte

 

Segunda parte

 

Tercera parte

 

Cuarta parte

 

Quinta parte

 

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Zaha Hadid

Biografía y obra

Zaha Hadid nació el 31 de octubre de 1950 en Bagdad, Irak, y murió el 31 de marzo de 2016 en Miami. Está considerada como una de las principales figuras de la arquitectura contemporánea actual. En sus comienzos estudió Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut. En 1972 se trasladó a Londres para estudiar arquitectura en la Architecture Association.  Se graduó en 1977 obteniendo el Diploma con Mención Especial y poco después ejerció como docente en el propio centro.


En 1977 se asoció con la Office for Metropolitan Architecture (OMA) de Londres, trabajando con sus antiguos profesores los arquitectos Rem Koolhaas y Elia Zanghelis.



En 1979 fundó su propio estudio de arquitectura en Londres, Zaha Hadid Architects. Durante los años siguientes sigue alternando su faceta docente con sus proyectos arquitectónico.



 


Hadid comenzó a ser conocida por sus magníficos dibujos y pinturas que realizaba para sus proyectos, la mayoría no construídos. Es muy conocido su proyecto ganador “The Peak”  en Hong Kong (1982) y por el proyecto de la Opera House en Cardiff Bay (1994). Las formas utilizadas eran muy revolucionarias y muchos se preguntaban si realmente podían llegar a ser construídas, este rechazo provocó que en última instancia el proyecto de Opera House no siguiera adelante.


En 1987 abandonó su estudio de Londres para centrarse en la docencia, recorriendo las más prestigiosas universidades del mundo, como Harvard, Illinois, Hamburgo o Nueva York. Otro de los motivos del abandono del estudio fue para desarrollar sus propios proyectos. Ha sido profesora invitada en la Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo, en la Escuela Knolton de Arquitectura de Ohio y en el Masters  Studio de la Universidad de Columbia de Nueva York. Actualmente ocupa la cátedra Eero Saarinen de Diseño Arquitectónico en la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut. Además es miembro honorario de la Academia Americana de Artes y Letras, y Miembro del Instituto Americano de Arquitectura.


En 1998 participó en una muestra colectiva clave en su carrera Arquitectura Deconstructivista y que fue organizada por el arquitecto estadounidense Philip Jhonson. En esta exposición que primero estuvo en la Tate Gallery de Londres y luego en el Moma de Nueva York presentó siete proyectos, totalmente innovadores, de distintos arquitectos no muy conocidos hasta ese momento. Los elegidos fueron: Frank O. Gehry, Daniel Libenskind, Rem Koolhas, Peter Eisenman, Coop Himenblau, Bernard Tshumi y Zaha Hadid, que obtendrá su primer premio internacional con el Club social La Punta de Hong Kong. En aquellos momentos hablar de deconstrucción era hablar de una corriente arquitectónica nueva.


Sus primeros proyectos fueron pequeños, con un estilo arquitectónico que se va a caracterizar por el uso de volúmenes ligeros, las formas puntiagudas y angulosas, los juegos de luz y la integración de los edificios con el paisaje. Algunos de sus primeros trabajos arquitectónicos fueron: el parque de bomberos de Vitra, en la fábrica de muebles de Weil-am-Rhein (1993), el Pabellón Landesgartenschau (1999), la Plataforma de saltos de esquí Bergisel de Innsbruck (2002) o la estación de tranvías de Estrasburgo (2002). Los grandes proyectos tardaron en llegar a pesar de participar y ganar numerosos e importantes concursos como el Ku'Damm de Berlín (1986), el Art and Media Centre de Dusseldorf (1993), el Habitable Bridge Competition for London (1996)....





Algunos de sus proyectos más recientes son: la Nueva Terminal del Aeropuerto de Zagreb (2008), Museo de Vilna, Vilna, Lituania (2011), Lilium Tower de Varsovia (2012), Torre de Oficinas Opus de Dubái (2007-2020), Biblioteca de la Universidad de Sevilla (2010), London Aquatics Centre de Londres (2011).




Además de su fama como arquitecta Zaha Hadid es también conocida por muchas otras facetas como la pintura, el dibujo, el diseño de escenografías, interiores, exposiciones o la creación de estructuras temporales.


Los cuadros y dibujos realizados por Zaha Hadid para la elaboración de sus proyectos siempre han representado un interesante campo de pruebas y un medio para la investigación. Han sido expuestos en numerosas galerías y museos de todo el mundo como la Architectural Association de Londres (1983), en el Museo Guggenheim de Nueva York (1978), en la GA Gallery de Tokio (1985), en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1988), en el Graduate School of Design de la Universidad de Harvard (1995), en la Gran Central Station de Nueva York (1995), en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1997/98).




Entre sus últimas exposiciones individuales destacamos Zaha Hadid en la Buchmann Galerie de Berlín (2012), Zaha Hadid: Form in Motion en el Philadelphia Museum of Art (2011) y Zaha Hadid and Suprematism en la Galerie Gmurzynska de Zúricch.




La obra de Hadid también forma parte de las colecciones permanentes de varias instituciones como el MoMA en Nueva York, el MoMA en San Francisco y el Deutsches Architektur Museum en Frankfurt.


Hadid también ha diseñado las exposiciones: The Great Utopia en el Museo Guggenheim de Nueva York (1992), WishMachine en la Vienna Kunsthalle (1996), Addressing the Century en la Hayward Gallery de Londres (1998), Paper Art Biennale, Düren (1996),  Venice Biennale Masters Pavilion (1996) o en el Palais des Beaux Arts, Bruselas (2000).


Zaha Hadid también ha trabajado en diferentes escenografías como la de Pet Shop Boys World Tour 1999/2000; Charleroi Dance Company, Bélgica (2000); y la ópera Beat Furrer's, Desire, encargada por Steirischer Herbst, Graz (2003).



También ha realizado diseños de mobiliario y de interiores como el Bitar de Londres (1985), el restaurante Moonsoon en Sapporo (1990), Z-Play (2002) y Z-Scape (2000), o Tea and Coffee Towers para Alessi (2003).




 


 


También estructuras temporales como Folie en Osaka (1990), el Pabellón del Vídeo Musical en Groningen (1990), y un Pabellón para la revista Blueprint en Birmingan (1995),  Instalación Meshworks (Villa Medici, Roma, Italia - 2000), el Pabellón en verano para la Serpentine Gallery (Londres, Gran Bretaña - 2000) o el Pabellón R. Lopez de Heredia Vina Tondonia (Barcelona, España - 2001).


 



A lo largo de su carrera ha recibido numerosos e importantes premios como: el Premio RIBA (2000), el prestigioso Pritzker Architecture Prize (2004) siendo la primera mujer arquitecta en lograrlo, Medalla de Aquitectura Fundación Thomas Jefferson (2007, Praemium Imperiale (2009), RIBA Stirling Prize (2011), Structural Steel Design Awards (2010), el Stirling Prize  (2010), el Evelyn Grace Academy (2011), European Museum Academy Micheletti Award (2012),  el premio de la AIA Michigan Honor Award (2013).



 


Praemium Imperiale.

Exposiciones individuales (selección)

2012

Zaha Hadid. BUCHMANN GALERIE, Berlín, Alemania.

2011

Zaha Hadid: Form in Motion. Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, EE. UU.

2010

Zaha Hadid and Suprematism. Galerie Gmurzynska - Zürich, Zúrich, Suiza.

2007

Zaha Hadid - New Works. BUCHMANN GALERIE, Berlín, Alemania.

Zaha Hadid - Architecture and Design. Design Museum, Londres, Reino Unido.

Zaha Hadid - Selected Works. Designer´s Gallery - Gabrielle Ammann, Colonia, Alemania.

2006

Zaha Hadid: forest of towers.  Kenny Schachter / ROVE Projects LLP, Londres, Reino Unido.

Zaha Hadid - Thirty Years in Architecture. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EE. UU.

2005

Zaha Hadid. BUCHMANN GALERIE, Berlín, Alemania.

2003

Zaha Hadid.  Artists Space, Nueva York, EE. UU.

Zaha Hadid: Architektur. MAK - Museum für Angewandte Kunst, Viena, Austria.

2002

Zaha Hadid - opere e progetti. MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma, Italia.

2001

zaha hadid. aut. architektur und tirol, Innsbruck, Austria.

2000

Urban Projects. AedesLand, Berlín, Alemania.

Zaha Hadid. ICA - Institute of Contemporary Arts London, Londres, Reino Unido.

1997

Zaha Hadid: Painted Projects. San Francisco Museum of Modern Art - SFMOMA, San Francisco, EE. UU.

 

Exposiciones colectivas (selección)

2013

Summer Group Exhibition. Designer´s Gallery - Gabrielle Ammann, Colonia, Alemania.

Murano-Merano. Kunst Meran, Merano, Italia.

Kultur:Stadt. AdK - Akademie der Künste, Berlín, Alemania.

2012

Oriental Mirages, Pomegranates and Prickly Pears. Collection Lambert, Avignon, Francia.

Die Rationale Iii.  Frauenmuseum Bonn, Bonn, Alemania.

Postmodernismo. Stile e Sovversione 1970-1990. MART- Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto, Italia.

Friends & Family. Kenny Schachter / ROVE Projects LLP, Londres, Reino Unido.

2011

Verso Est. Chinese Architectural Landscape. MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma, Italia.

Car Culture. Medien Der Mobilität. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Karlsruhe, Alemania.

Glasstress 2011. Palazzo Cavalli Franchetti, Venecia, Italia.

Musea In De 21ste Eeuw. Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen, Amberes, Bélgica.

2010

Destrøy Design. Aarhus Kunstbygning - Center for Contemporary Art, Aarhus, Dinamarca.

Work in Transit. Designer´s Gallery - Gabrielle Ammann, Colonia, Alemania.

Contemplating the Void.  Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EE. UU.

Destroy Design. MUDAC - Musée de design es d`arts appliques contemporains, Lausana, Suiza.

2009

Never dance alone. Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains, Tourcoing, Francia.

Super Contemporary. Design Museum, Londres, Reino Unido.

elles@centrepompidou, artistes femmes dans les collections du Centre Pompidou. Centre Pompidou - Musée National d´Art Moderne, París, Francia.

Collected Visions. Bronx Museum of the Arts (BxMA), Nueva York, EE. UU.

Flight of Fancy. Kenny Schachter / ROVE Projects LLP, Londres, Reino Unido.

BUCHMANN GALERIE MONUMENTS WITH A HORIZON LINE II.  BUCHMANN GALERIE, Berlín, Alemania.

2008

Dorotheum comes to Moscow. Stella Art Foundation, Moscú, Rusia.

11. Mostra Internazionale di Architettura. Biennale Architettura di Venezia, Venecia, Italia.

Sothebys - Beyond Limits. Chatsworth House, Bakewell, Derbyshire, Reino Unido.

Design Cities. Istanbul Modern, Estambul, Turquía.

East meets West. Designer´s Gallery - Gabrielle Ammann, Colonia, Alemania.

Imperative Design. Barbara Davis Gallery, Houston, EE. UU.

2007

Art loves Design. Galerie ART AFFAIR, Ratisbona, Alemania.

Design A-Z.  mitterrand+cramer / art advisory, Ginebra, Suiza.

Tatort Architektur. Personen, Werkzeuge, Schauplätze - Architekturzentrum Wien, Viena, Austria.

Design contre Design - Deux siècles de créations. Galeries nationales du Grand Palais, París, Francia.

The Architect’s Table: Swid Powell and Postmodern Design. Yale University Art Gallery, New Haven, EE. UU.

Il Futuro del Futurismo. GAMeC - Galleria d´Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Bérgamo, Italia.

Nature Design - Von Inspiration zu Innovation.  Museum für Gestaltung Zürich, Zúrich, Suiza.

Global Cities. Tate Modern, Londres, Reino Unido.

OPEN: New designs for Public Space. MOCA - Museum of Contemporary Art Cleveland, Cleveland, EE. UU.

Conceptual paper. Kenny Schachter / ROVE Projects LLP, Londres, Reino Unido.

Conceptual Paper. Arndt & Partner - Berlin + Zurich, Zúrich, Suiza (cerrado, 2009).

Airs de Paris. Centre Pompidou - Musée National d´Art Moderne, París, Francia.

Design For Living. Initial Access Frank Cohen Collection, Wolverhampton, Reino Unido.

2006

Glass - Material Matters. Los Angeles County Museum of Art - LACMA, Los Ángeles, EE. UU.

Homenaje a Chillida. Museo Guggenheim de Arte Moderno y Contemporáneo, Bilbao, España.

Tokyo Blossoms. Hara Museum of Contemporary Art, Tokio, Japón.

2005

Lichtkunst aus Kunstlicht. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Karlsruhe, Alemania.

Spatiale malerei. Galleria Marabini, Bolonia, Italia.

OPEN: New Designs for Public Space. National Building Museum, Washington D. C., EE. UU.

2004

utopia station: auf dem weg nach porto alegre. Haus der Kunst München, Múnich, Alemania.

Archiskulptur. Fondation Beyeler, Riehen, Suiza.

Fantasy Architecture. The New Art Gallery Walsall, Walsall, West Midlands, Reino Unido.

Die erste Skizze. Overbeck-Gesellschaft, Lübeck, Alemania.

Support - Die Neue Galerie als Sammlung - 1950 - Heute. Neue Galerie Graz - Universalmuseum Joanneum, Graz, Austria.

Across The Border. MDD - Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, Bélgica.

2003

Visionen und Utopien. Architekturzeichnungen aus dem Museum of Modern Art, NY - Schirn Kunsthalle, Fráncfort del Meno, Alemania.

2002

TRANS-POSITIONS. Centre d'Art Passerelle, Brest, Francia.

2001

Todays Utopia. Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen, Alemania.

printemps de septembre. Printemps de Septembre, Toulouse, Francia.

2000

Museen für ein neues Jahrtausend. Kunsthaus Bregenz, Bregenz, Austria.

La Ville, le Jardin, la Mémoire. Académie de France à Rome - Villa Médicis, Roma, Italia.

Museen für ein neues Jahrtausend. Deichtorhallen Hamburg, Hamburgo, Alemania.

1999

Contemporary Architect. Mucsarnok Kunsthalle, Budapest, Hungría.

Revues. Galerie Grita Insam, Viena, Austria.

1996

Die Schrift des Raumes. Kunst Architektur Kunst - Kunsthalle wien project space karlsplatz, Viena, Austria.

1995

4. International İstanbul Biennial. International Istanbul Biennial, Estambul, Turquía.

1988

The Modern Chair. Cornerhouse, Mánchester, Reino Unido.

The Modern Chair. ICA - Institute of Contemporary Arts London, Londres, Reino Unido.

Metropolis: New British Architecture And The City. ICA - Institute of Contemporary Arts London, Londres, Reino Unido.

Deconstructivist Architecture. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

 

Premios

 

2013

AIA Michigan Honor Award.

Related: Eli & Edythe Broad Art Museum.

Arabian Business ‘100 Most Powerful Arab Women 2013’ (Zaha Hadid ranked number 4).

BBC Women’s Hour Power 100 (Zaha Hadid).

DLD13 'The Aenne Burda Award for Creative Leadership' (Zaha Hadid).

European Museum of the Year.

Related: Glasgow Riverside Museum of Transport.

New London Award.

Related: ROCA London Gallery.

RIBA European Award.

Related: Pierresvives.

RIBA International Award.

Related: Galaxy Soho.

RIBA Lubetkin Prize shortlisted.

Related: Galaxy Soho.

Veuve Clicquot 'Businesswoman of the Year' (Zaha Hadid).

2012

Architectural Record Magazine China Award 'Best Public Project'.

Related: Guangzhou Opera House.

Dame Commander of the Order of the British Empire for services to architecture (Zaha Hadid).

European Museum Academy Micheletti Award.

Related: Glasgow Riverside Museum of Transport.

FX International Interior Design Awards 2012.

Related: ROCA London Gallery.

Honorary President of the FT/Citi Ingenuity Awards Urban Ideas in Action programme judging committee (Zaha Hadid).

Interior Design Best of Year Award 'Beauty / Spa / Fitness'.

Related: London Aquatics Centre.

International Road Federation ‘Global Road Achievement Award for Design’.

Related: Sheikh Zayed Bridge.

Jane Drew Prize 'Outstanding contribution to the status of women in architecture' (Zaha Hadid).

The Design Week Awards 2012.

Related: ROCA London Gallery.

The Sunday Times ‘Makers & Shakers 1962-2012’.

Travel & Leisure Design Awards 'Best Bridge'.

Related: Sheikh Zayed Bridge.

2011

AIA UK Chapter Award.

Related: Guangzhou Opera House.

Arabian Business Magazine 'World’s 50 Most Powerful Arabs' (Zaha Hadid).

Foreign Policy Magazine 'Top 100 Global Thinkers of 2011' (Zaha Hadid).

Honorary Doctorate from the University of the Arts, London (Zaha Hadid).

Huffington Post Game Changer (Zaha Hadid).

International Road Federation Award for Design.

Related: Sheikh Zayed Bridge.

Newsweek Magazine '150 Women Who Shake The World' (Zaha Hadid).

Outstanding Engineering Design Excellence Award.

Related: Guangzhou Opera House.

Philadelphia Museum of Art, Collab Design Excellence (Zaha Hadid).

RIBA Award (London).

Related: Evelyn Grace Academy.

RIBA Award.

Related: Guangzhou Opera House.

RIBA Stirling Prize.

Related: Evelyn Grace Academy.

2010

Best Small Project Award, SEAOI.

Related: Burnham Pavillion.

Commandeur de l’ordre des arts et des lettres.

Innovation & Design Awards, Conde Nast.

Related: MAXXI: Museum of XXI Century Arts.

RIBA Award (European Union).

Related: MAXXI: Museum of XXI Century Arts.

RIBA Stirling Prize, MAXXI Museum.

Related: MAXXI: Museum of XXI Century Arts.

Structural Steel Design Awards.

Related: London Aquatics Centre.

Structural Steel Design Awards.

Related: Glasgow Riverside Museum of Transport.

The Sunday Times ‘100 Top International Companies’.

Time magazine ‘100 Most Influential People in the World' (Zaha Hadid).

UNESCO Artist for Peace (Zaha Hadid).

Visionary of the Year, Harper's Bazaar (Zaha Hadid).

WAF World Building of the Year.

Related: MAXXI: Museum of XXI Century Arts.

Woman of the Year Outstanding Achievement Award (Zaha Hadid).

2009

Premio del Editor, Architectural Digest (España).

Premios Innovación y Diseño, Conde Nast Traveller (Pabellón Puente en la Expo '08).

Praemium Imperiale.

2008

Diseñador del Año, Maison & Objet, París.

Premio Dedalo Minosse International (Edificio Central BMW).

Premios Travel & Leisure Design, Mejor Edificio de Transporte (Estaciones del funicular del Nordpark).

Premio Spirit of Achievement, Nueva York.

Premio Europeo RIBA (Estaciones del funicular del Nordpark).

Premio Cityscape (Signature Towers).

The Chicago Athenaeum, The International Architecture Award (Maggie's Cancer Care Centre Five).

2007

AIA, UK Chapter Award (Maggie's Cancer Care Centre Five).

Finalista Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea (Centro de la Ciencia Phaeno).

Medalla de Aquitectura Fundación Thomas Jefferson.

Premio Scottish Design, Best Public Building (Maggie's Cancer Care Centre Five).

London Design Medal, Outstanding Contribution for Design.

Premio Frame Magazine 'Great Indoors' (Bodega López de Heredia).

2006

Medalla RIBA, Edificio Cultural Europeo del Año (Centro de la Ciencia Phaeno).

Premio Jencks RIBA.

AIA, UK Chapter Award (Centro de la Ciencia Phaeno).

Leading European Architecs Forum, Best Structural Design (Centro de la Ciencia Phaeno).

Finalista Premio Stirling RIBA (Centro de la Ciencia Phaeno).

2005

Finalista Premio Stirling RIBA (Edificio Central BMW).

Medalla de Oro al Diseño, Comité Olímpico Internacional (Pista de Salto de Esquí de Bergisel).

Austrian Decoration for Sciencie and Art, Viena.

Diseñador del Año, Design 05 Miami.

Premio Deutsche Architecture (Edificio Central BMW).

2004

Pritzker Architecture Prize.

2003

Aparcamiento y Terminal Hoenheim Norte, Estrasburgo, Francia, Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea.

2002

Equerre d'Argent (Aparcamiento y Terminal Hoenheim Norte).

2000

Premios RIBA 2000 (Mind Zone en Millennium Dome).

1982

British Architecture Gold Medal for Architectural Design (59 Eaton Place).


 

Sus obras (selección)

2008

Abu Dhabi Performing Arts Center, Abu Dabi, Emiratos Árabes Unidos.

Darat King Abdullah II, Amán, Jordania.

Nueva Terminal del Aeropuerto de Zagreb, Zagreb, Croacia.

2007

Centro Cultural Haydar Aliyev, Bakú, Azerbaiyán.

Dongdaemun World Design Park, Seúl, Corea del Sur.

Mercado Financiero de Dubái, Dubái, Emiratos Árabes Unidos.

Palacio de la Justicia, Madrid, España.

Circuito Internacional de Bahréin, Manama, Baréin.

Museo del Mediterráneo, Regio de Calabria, Italia.

Broad Art Museum, East Lansing, EE. UU.

2007-2008

Mobile Art, pabellón itinerante de Chanel, Nueva York, EE. UU.

2007-2011

Innovation Tower en Universidad Politécnica de Hong Kong, Hong Kong, China.

Museo de Vilna, Vilna, Lituania.

2007-2012

Lilium Tower, Varsovia, Polonia.

Museo de Arte Contemporáneo de Bahréin, Al Muharraq, Baréin.

2007-2020

Torre de Oficinas Opus, Dubái, Emiratos Árabes Unidos.

2006

Teatro de la Ópera y Centro Cultural, Dubái, Emiratos Árabes Unidos.

Kartal Pendik Masterplan, Estambul, Turquía.

Museo de Arte Contemporáneo, Cagliari, Italia.

Expocenter Towers, Moscú, Rusia.

Signature Towers, Dubái, Emiratos Árabes Unidos.

2006-2010

Residencia Capital Hill, Moscú, Rusia.

Plaza Szervita, Budapest, Hungría.

Edificio Campus, Barcelona, España.

Biblioteca de la Universidad de Sevilla, Sevilla, España.

2005-2008

Pabellón Puente en la Expo '08, Zaragoza, España.

2005-2010

Torre CMA-CGM, Marsella, Francia.

2005-2011

London Aquatics Centre, Londres, Reino Unido.

2004-2007

Estaciones del funicular del Nordpark, Innsbruck, Austria.

2004-2010

Glasgow Riverside Museum, Glasgow, Reino Unido.

Oficinas Centrales del EuskoTren, Durango, España.

2004-2012

Estación de Tren de Alta Velocidad Napoli-Afragola, Nápoles, Italia.

2004-2014

Citylife Milan, Milán, Italia.

2003-2005

Hotel Puerta América, Madrid, España.

2003-2010

Teatro de la Ópera, Cantón, China.

2002-2011

Pierres Vives, Montpellier, Francia.

2001

Biblioteca Nacional de Quebec, Montreal, Canadá.

2001-2005

Ampliación del Museo de Arte Ordrupgaard, Copenhague, Dinamarca.

Edificio Central BMW, Leipzig, Alemania.

2001-2006

Maggie's Cancer Care Centre Five, Kirkaldy, Reino Unido.

2001-2021

One-North Masterplan, Singapur, Singapur.

2000-2005

Centro de la Ciencia Phaeno, Wolfsburg, Alemania.

2000-2010

Terminal Marítima de Salerno, Salerno, Italia.

1999

Ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España.

Museo para la Colección Real, Madrid, España.

Museo de Arte, Graz, Austria.

1999-2002

Pista de Salto de Esquí de Bergisel, Innsbruck, Austria.

1998-2000

Mind Zone en Millennium Dome, Londres, Reino Unido.

1998-2001

Aparcamiento y Terminal Hoenheim Norte, Estrasburgo, Francia.

1998-2009

MAXXI, Museo Nacional del Arte del Siglo XXI, Roma, Italia.

1997-2010

Puente Sheikh Zayed, Abu Dabi, Emiratos Árabes Unidos.

1997-2003

Centro Rosenthal de Arte Contemporáneo, Cincinnati, EE. UU.

1996-1999

Landscape Formation One (LF One), Weil am Rhein, Alemania.

1994-1996

Teatro de la Ópera de Cardiff Bay, Cardiff, Reino Unido.

1993

Remodelación del Puerto de Rheinau, Colonia, Alemania.

1991-1993

Parque de bomberos Vitra, Weil am Rhein, Alemania.

1989-1993

Zollhof 3 Media Park, Düsseldorf, Alemania.

1989-1990

Restaurante Moonsoon, Sapporo, Japón.

1985-1986

24 Cathcart Road, Londres, Reino Unido.

1982-1983

The Peak, Hong Kong, China.

1979-1980

Residencia del Primer Ministro Irlandés, Dublín, Irlanda.


 

Obra seleccionada

Pabellón Puente, Expo 2008, Zaragoza, España, 2005-2008.


El Pabellón Puente fue diseñado por la arquitecta Zaha Hadid para la Exposición Universal de 2008 en Zaragoza, dedicada en aquella ocasión al agua. El Pabellón Puente estaba construído sobre el río Ebro y tenía varias funciones, desde entrada a la Exposición, pasarela peatonal y también en su interior acogía una exposición sobre la gestión sostenible del agua. El proyecto de Hadid está considerado como uno de los más importantes de su carrera.



El Pabellón Puente cuenta con dos plantas y está concebido en forma de gladiolo, con un extremo estrecho que apoya en la ribera derecha del río y un extremo que se bifurca en tres ramales o tallos y que apoya en la ribera izquierda.


Tiene una longitud de 270 metros, el apoyo central soporta alrededor de 7.000 toneladas y los cimientos se apoyan sobre 22 pilotes, de los cuales diez se instalan en la isleta central, cuatro en la margen derecha del río y ocho en la margen izquierda.


La base estructural es de acero y la envoltura que rodea la estructura está inspirada en las escamas de un tiburón.


Al terminar la Expo de Zaragoza se cuestionó cuál sería el futuro del pabellón. En 2010 se firmó un acuerdo para que el Pabellón volviera a abrir al público en el último cuatrimestre de 2012 como museo de nuevas tecnologías,  interactivo y experimental, centrando su contenido centrará en el vídeo y el 3D.



PABELLÓN-PUENTE EXPO 2008. CONCEPCIÓN ESTRUCTURAL Y PROYECTO:


El Pabellón-Puente para la Expo2008 de Zaragoza es un edificio tendido sobre el río Ebro que sirve como puerta de entrada al recinto de la Expo 2008 a la vez que alberga en su interior espacios expositivos dispuestos en varios niveles. Es un proyecto en el que la estructura es protagonista esencial por su complejidad y porque está fuertemente integrada en el concepto arquitectónico. Fue objeto de un concurso internacional de arquitectura en el que el proyecto ganador resultó ser el propuesto por el equipo de la arquitecta Zaha Hadid. Se trata de una estructura metálica de 250 m de longitud, planteada con dos vanos de 100 y 150 m de luz respectivamente, con geometría curva en planta y sección transversal variable en anchura, altura y geometría. El proyecto de construcción lo realizó FHECOR Ingenieros Consultores y la construcción fue llevada a cabo por la UTE formada por DRAGADOS y URSSA. Proyecto completo: http://oa.upm.es/3539/1/INVE_MEM_2008_55431.pdf


El Pabellon Puente: una intensa experiencia profesional. Francisco Millanes Mato. Dr. Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos


Se describen los aspectos más relevantes de las experiencias extraídas de los trabajos de Asesoría Técnica para el Control del Proyecto y Ejecución del Pabellón Puente de Expoagua. La metodología desarrollada para dicho trabajo puede resultar de interés y aplicación en otras obras singulares.  Artículo completo: http://ropdigital.ciccp.es/detalle_articulo.php?registro=18664&anio=2008&numero_revista=3490


Pabellón Puente Expo Zaragoza 2008. José Romo Martín. Profesor de la Escuela de la Edificación. FHECOR Ingenieros Consultores SA. Artículo completo: http://www.escueladelaedificacion.org/Otros%20Enlaces/25A%C3%91OS/Conferencia_PabellonPuente.pdf


 






 




Vídeo de las obras de construcción del Pabellón Puente




Vídeo de Zaha Hadid visitando las obras del Pabellón Puente




 

Recursos

Recursos en línea

Alemany, Luis. "Muere Zaha Hadid, símbolo y excepción de la arquitectura contemporánea" [Recurso electrónico]. El Mundo. Dirección URL: <http://www.elmundo.es/cultura/2016/03/31/56fd3ec6e2704e20458b4574.html> [Consulta: 1 de abril de 2016].
*Artículo con motivo del fallecimiento de Zaha Hadid.


Fernández-Costa, Rubén. "Zaha Hadid habla de Zaha Hadid" [Recurso electrónico]. Magazine Fuera de Serie. Dirección URL: <http://fueradeserie.expansion.com/2012/09/13/personajes/1347529859.html> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Diálogos con Zaha Hadid.


Moree, Rowan. "La arquitectura de Zaha Hadid, reina de la curva" [Recurso electrónico]. ArqClarín.com. Dirección URL: <http://arq.clarin.com/arquitectura/arquitectura-Zaha-Hadid-reina-curva_0_991101284.html> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Análisis de la obra de la arquitecta Zaha Hadid.


"Nova, el nuevo zapato diseñado por Zaha Hadid" [Recurso electrónico]. Arquitecturaviva.com. Dirección URL: <http://www.arquitecturaviva.com/Info/News/Details/4826> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Nuevo diseño de Zaha Hadid.


"Zaha Hadid" [Recurso electrónico]. Artsy.net. Dirección URL: <https://www.artsy.net/artist/zaha-hadid> [Consulta: 06 de mayo de 2015].
*Página web en la que se recoge información sobre la biografía, obra y trayectoria de la artista Zaha Hadid.


"Zaha Hadid Architects" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.zaha-hadid.com/> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Página web del estudio de arquitectura de Zaha Hadid.


"Zaha Hadid" [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <https://es.wikipedia.org/wiki/Zaha_Hadid> [Consulta: 30 de septimbre de 2013].


*Introducción a la figura de la arquitecta Zaha Hadid.


"Zaha Hadid" [Recurso electrónico]. Plataforma Arquitectura. Dirección URL: <http://www.plataformaarquitectura.cl/tag/zaha-hadid/> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Selección de artículos sobre Zaha Hadid.


"Zaha Hadid" [Recurso en línea]. Biografía y vidas. Dirección URL: <http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hadid.htm> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Apuntes biográficos de la arquitecta Zaha Hadid.


"Zaha Hadid" [Recurso en línea]. The Pritzker Arquitecture Prize. Dirección URL: <http://www.pritzkerprize.com/laureates/2004> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Página web de los Premios Pritzker dedicada a la arquitecta Zaha Hadid.


"Zaha Hadid design"[Recursos electrónico]. Dirección URL: <http://zaha-hadid-design.com/> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Página web de diseños de la arquitecta Zaha Hadid.


"Zaha Hadid, primera mujer que gana el Pritzker de arquitectura" [Recurso en línea]. ElMundo.es. Dirección URL: <http://www.elmundo.es/elmundo/2004/03/22/cultura/1079916902.html> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Artículo sobre la concesión del Premio Pritzker a la arquitecta Zaha Hadid.


Zabalbeascoa, Anatxu. ""Si no te comes el miedo, no consigues nada" [Recurso en línea]. El País (13 de enero de 2008). Dirección URL: <http://elpais.com/diario/2008/01/13/eps/1200209212_850215.html> [Consulta: 30 de septiembre de 2013].


*Entrevista a Zaha Hadid.


Zabalbeascoa, Anatxu. "Muere Zaha Hadid, estrella de la arquitectura mundial" [Recurso en línea]. El País (1 de abril de 2016). Dirección URL: <http://cultura.elpais.com/cultura/2016/03/31/actualidad/1459436737_304244.html> [Consulta: 1 de abril de 2016].


 


 


 

Bibliografía

Monografías

The architect: women in contemporary architecture. New York: Watson-Guptill Publications, 2001.

The Berlage survey of culture, education, and practice of architecture and urbanism. Rotterdam: NAi Publishers: Berlage Institute, 2011.

The diagrams of architectur. Chichester: Wiley, c2010.

Amoroso, Nadia. Digital landscape architecture now. London ; New York: Thames & Hudson, 2012.

Austria, area of action for international architects: Biennale di Venezia 2000, June 18-October 29, 2000. Austria: s.n., 2000.

Blaser, Werner. Begegnungen: an architect meets architects. Basel ; Boston: Birkhäuser, 2000.

Blum, Elisabeth. Ein Haus, ein Aufruhr: Anmerkungen zu Zaha Hadids Feuerwehrhaus.  Braunschweig: Vieweg, 1997.

Brandolini, Sebastiano. Rome: new architecture. Milano: Skira ; New York: Distributed in North America by Rizzoli International Publications, 2008.

CAC: contemporary art center, Zaha Hadid Studio 2000, Yale School of Architecture. New York: Monacelli Press, 2001.

Cañizares, Ana G. Great new buildings of the world. New York: Harper Design, 2005.

Crickhowell, Nicholas. Opera house lottery: Zaha Hadid and the Cardiff Bay Project. Cardiff: University of Wales Press, 1997.

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Constructing the ineffable: contemporary sacred architecture. New Haven, Conn.: Yale School of Architecture: Distributed by Yale University Press, 2010.

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Artículos

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"Addressing the century: Hayward Gallery, London, United Kingdom: 1999". El Croquis. N. 103, 2000; p. 232.

"Al Wahda: complejo deportivo = sports centre: Abu Dhabi, Emiratos Árabes Unidos: 1988". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 84-89.
 
"Ampliación del Centro de Arte Reina Sofía : (concurso) = Extension of the Reina Sofía Museum: (competition): Madrid, España: 1999". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 62-71.
 
"Ampliación del Hotel Billie Strauss = Extension to Billie Strauss Hotel: Nabern, Alemania: 1992". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 68-71.
 
"Ampliación del Hotel Billie Strauss = Extension to Billie Strauss Hotel: Nabern, Alemania: 1992". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 68-71.
 
"Aparcamiento y terminal de tranvías Hoenheim-Nord: (en construcción) = Car Park and Terminus Hoenheim-Nord: (under construction): Estrasburgo, Francia : 1999-2001". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 140-157.
 
"Azabu Jyuban: edificio comercial y de oficinas = commercial and office building: Tokio, Japón: 1987". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 70-77.
 
"Biblioteca Nacional de Quebec: (concurso) = Bibliotheque Nationale du Quebec: (competition): Canadá: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 86-91.
 
"Bloques sobre un viaducto, Viena = Blocks over a Viaduct, Vienna (Austria) [de] Zaha Hadid". A&V: monografías. (Noviembre-Diciembre 2005); pp. 62-65.
 
"Blueprint pavillion: Birmingham, United Kingdom: 1995". El Croquis. N. 103, 2000;  p. 224.
 
"Centro de Arte Contemporáneo de Roma: (concurso : primer premio) = Contemporary Arts Center in Rome: (competition: first prize): Italia: 1999-". El Croquis. N. 103 (2000, 5), pp. 178-189.
 
"Centro de arte multimedia Zollhof 3 = Zollhof Media Park: Düsseldorf, Alemania: 1993-1995". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 72-81.
 
"Centro de la Ciencia en Wolfsburg: (concurso: primer premio) = Science Centre Wolfsburg: (competition: first prize): Alemania: 2000-". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 198-213.
 
"Centro de la Ciencia, Wolfsburg (Alemania) = Science Center, Wofsburg (Germany) [de] Zaha Hadid". A&V: monografías. (Mayo-Junio
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"Centro Rosenthal de Arte Contemporáneo: (concurso: primer premio) = Rosenthal Center for Contemporary Art: (competition: first prize) : Cincinnati, Ohio, EEUU : 1999-" . El Croquis. N. 103, 2000; pp. 166-173.
 
"Dos propuestas de villas en La Haya = The Hague villas: La Haya, Holanda: 1991". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 62-67.
 
"Edificio de la Filarmónica de Luxemburgo: (concurso) = Luxembourg Philarmonic Hall: (competition): Luxemburgo: 1997. El Croquis. N. 103, 2000; pp. 38-43.
 
"Edificios de viviendas IBA Berlín = Berlin IBA housing: Alemania: 1987-1993". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 30-37.
 
"Estación de bomberos de Vitra = Vitra Fire Station: Well am Rhein, Alemania: 1991-1993". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 38-61.
 
Focho. "Zaha Hadid: Hadid y Popeye: twisters". Arquitectura viva. (Enero-Febrero 2000); pp. 48-49.
 
"Folly Three: pabellón para la Expo 90 = Expo'90 pavilion: Osaka, Japón: 1990". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 178-188.
 
González Cobelo, José Luis. "El ángel en el laberinto = The angel in labyrinth". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 18-43.
 
"Gran Mezquita de Estrasburgo: (concurso) = La Grande Mosquee de Strasbourg: (competition): Estrasburgo, Francia: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 92-99.

"Groningen: pabellón del vídeo musical = music video pavilion: Groningen, Holanda: 1990". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 156-161.

"Hadid, Zaha. Serie Z: Centro de producción y "Showroom" para BMW, Leipzig". Arquitectura viva. 2006; pp. 52-59.

Hadid, Zaha. "Entrevista con Zaha Hadid = Interview with Zaha Hadid". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 6-17.
 
Hadid, Zaha. "El paisaje como planta: (una conversación con Zaha Hadid) = Landscape as plan: (a conversation with Zaha Hadid)". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 6-35.
 
"Haffenstrasse: edificios de viviendas y oficinas = office and residential development: Hamburgo, Alemania: 1989". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 98-109.
 
"Hotel en el Centro JVC de Guadalajara = JVC Hotel in Guadalajara: México: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 214-221.
 
"Hotel en la calle 42: (concurso) = 42nd street hotel: (competition): Nueva York, Estados Unidos: 1995". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 114-122.
 
"IBA Berlín: edificio de viviendas sociales y locales comerciales = social housing with commercial programme: Berlín, Alemania: 1987". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 66-69.
 
"Ica Exhibition: London, United Kingdom: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; p. 231.
 
"Intercambiador, Estrasburgo (Francia) = Intermodal transportation terminal, Strasbourg (France) [de] Zaha Hadid". A&V: monografías. (Septiembre-Octubre 2001); pp. 98-103.
 
"Jewellery exhibition: Zurich, Switzerland: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; p. 233.

Jiménez, Carlos. "Tumulto flotante: Zaha Hadid, Centro de Arte Contemporáneo en Cincinati". Arquitectura viva.  N. 91 (julio-agosto 2003); pp. 100-107.

"Juegos de la razón: zona de la Mente en la Cúpula del Milenio, Greenwich [de] Zaha Hadid. (2000)". Arquitectura viva. N. 71 (marzo-abril 2000); pp. 44-45.

"Juzgado de lo civil del Campus de la Justicia, Madrid: Zaha Hadid, Patrik Schumacher. (2007)".  AV proyectos. N. 21, 2007;  p. 14.

"Kurfurstendamm 70: edificio de oficinas = office building: Berlín, Alemania: 1986". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 58-65.

"Leicester Square: proyecto para una plaza pública = public square design: Londres, Reino Unido: 1990. (1991)". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 134-137.

"LFone: Landesgartenschau 1999: Weil am Rhein, Alemania: 1997-1999". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 102-121.

"Meshworks: Villa Medici, Rome, Italy: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; p. 226.

"Metapolis: Belgium: 1999". El Croquis. N. 103, 2000; p. 227.

"Moonsoon: restaurante y bar = restaurant and bar: Sapporo, Japón: 1990". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 162-177.

"Museo Carnuntum: (proyecto Pfaffenberg): (concurso) = Carnuntum Museum: (Pfaffenberg Project): (competition): Viena, Austria: 1993". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995, 3; pp. 88-95.

"Museo de Arte en Graz: (concurso) = Art Museum in Graz: (competition): Austria: 1999". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 80-85.

"Museo de Artes Islámicas: (concurso) = Museum of Islamic Arts: (competition): Doha, Qatar: 1997". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 44-51.

"Museo para las Colecciones Reales: (concurso) = Museum for the Royal Collection: (competition): Madrid, España: 1999". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 72-79.

"Nuevo centro para el Campus del IIT: (concurso) = New Campus Centre for IIT: (competition): Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago, EEUU : 1998". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 52-61.

"Ópera en la bahía de Cardiff: (concurso: primer premio) = Cardiff Bay Opera House: (competition: first prize): Cardiff, Gales, Reino Unido: 1994". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 102-113.

"Pabellón de arte para Chanel, Nueva York (Estados Unidos) = Chanel Art Pavilion, New York (United States) [de] Zaha Hadid". A&V: monografías. N. 140 (noviembre-diciembre 2009); pp. 68-69.

"Paper art: Leopold-Hoesch Museum: Düren, Germany: 1996". El Croquis. N. 103, 2000; p. 230.

Patón, Vicente. "Líneas de fuerza: estación de bomberos de Vitra, Weil am Rhein: Zaha Hadid".  Arquitectura Viva. N. 31 (julio-agosto 1993); pp. 87-93.

"The peak: club de tiempo libre = leisure club: Kowloon, Hong Kong: 1982-1983". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 44-57.

MarcarRibal, Pilar. "Inventar un mundo diferente: Zaha Hadid". Lápiz. N. 181 (marzo 2002); pp. 24-33.

"Rusia, Zaha Hadid: Expocenter, Moscú". Arquitectura viva. N. 115, 2007; p. 55.

"Serpentine Gallery: Kensington Gds., London, United Kingdom: 2000". El Croquis. N. 103, 2000; p. 225.

"Tokyo Forum: concurso para centro cultural = competition for cultural centre: Tokio, Japón: 1989". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 126-133.

"Venice Biennale: Italy: 2000".  El Croquis. N. 103, 2000; pp. 234-235.

"Viaducto de Spittelau = Spittelau viaduct : Viena, Austria: 1994". El Croquis. Año 14, n. 73-1, 1995; pp. 96-101.

"Vitra: estación de protección contra incendios = fire startion: Weil am Rhein, Alemania: 1990-1991". El Croquis. Año 11, n. 52,  1991; pp. 110-125.

"Zaha Hadid y Patrik Schumacher: Sede de Euskroten, Durango, Vizcaya". Arquitectura viva.  N. 104, 2005; pp. 58-59.

"Zollhof 3: centro de medios audiovisuales = media center: Dusseldorf, Alemania: 1989". El Croquis. Año 11, n. 52, 1991; pp. 138-149.

"Zona de la mente en la Cúpula del Milenio: (concurso: primer premio) = Mind zone, Millennium Dome: (competition: first prize): Londres, Reino Unido: 1992-2000". El Croquis. N. 103, 2000; pp. 122-139.

 

Vídeos

Entrevista Zaha Hadid | 13 Congreso Arquine

 

Panel Discussion - Zaha Hadid Beyond Boundaries, Art and Design

 

What is New? - Zaha Hadid

 

Zaha Hadid - Phaeno

 

Zaha Hadid

 

Entrevista a la arquitecta Zaha Hadid

 

ZAHA HADID: Arquitecta polémica y genial

 

Herzog & de Meuron

Biografía y obra

Herzog & de Meuron es un prestigioso grupo suizo de arquitectos integrado por Jacques Herzog y Pierre de Meuron.

Jaques Herzog y Pierre de Meuron nacen en 1950 (el 19 de abril y el 8 de mayo respectivamente) en Basilea (Suiza). Estudian Arquitectura en la Escuela Politécnica Federal (ETH) de Zurich. En 1978 abren el estudio de arquitectura Herzog & de Meuron en Basilea. Otros socios del estudio serían: Harry Gugger (1991), Christine Binswanger (1994), Robert Hösl (2004), Ascan Mergenthaler (2004) y Stefan Marbach (2006).
Una vez constituido el estudio, los proyectos no tardaron en llegar. En sus primeros trabajos, tales como la Casa Azul, la Casa de Piedra o el Almacén Ricola, tomaron como punto de partida la construcción tradicional y los materiales cotidianos pero reinterpretándolos para que adquiriesen un nuevo significado. El resultado fueron unos edificios de aspecto minimalista en los que el elemento más innovador se manifestaba sobre todo en el exterior.


La búsqueda de la forma del edificio mediante la lógica del material empleado y del proceso constructivo, es una característica que ha acompañado a Herzog & de Meuron a lo largo de toda su carrera. Esta concesión del resultado formal al material negaba, entre otras cosas, la componente meramente artística de la arquitectura. Los dos arquitectos suizos negaban la interpretación meramente estilística de la arquitectura.

El redescubrimiento de los materiales y sus capacidades expresivas desembocaba también, como señala Moneo, en una vuelta a los orígenes  de la arquitectura, donde eran los propios materiales quienes forzosamente determinaban el resultado de la arquitectura. Este aspecto es evidente en obras como los almacenes  Ricola, pero especialmente en las Bodegas Dominus de Napa Valley, California, (1995-97).

Como alumnos en Zurich, y admiradores en un principio, de Aldo Rossi, Herzog y de Meuron estaban familiarizados con el lenguaje de formas simples y volúmenes puros de éste último. Pero la arquitectura de Herzog y de Meuron poco tiene que ver con la de Rossi, cuyo interés por la expresividad del material era mucho menor que la de los suizos. En ese sentido, es mucho más importante el interés por algunos de los más representativos artistas minimalistas como Donald Judd.

La raíz de los dos arquitectos en la tradición es combinada con la tecnología moderna con una extraordinaria inventiva en soluciones arquitectónicas para las necesidades planteadas. Entre sus obras, destacan las bodegas Dominus en el valle de Napa (California), el revestimiento de cobre de la Signal Box, en Basilea para los ferrocarriles suizos, y las imágenes impresas en los paramentos de la biblioteca de la universidad de Eberswalde (Alemania).

Herzog & de Meuron han diseñado proyectos que van desde la pequeña escala, con numerosas viviendas y edificios residenciales, hasta la gran escala del diseño urbano, estadios, museos y fábricas.

Hoy en día Herzog & de Meuron figuran entre los arquitectos más prestigiosos del mundo, y también entre los más galardonados: Premio Pritzker en el año 2001, y en el 2006 les ha sido otorgada la medalla de oro de la RIBA (Royal Institute of British Architects).

 

Exposiciones (selección)

2013

Kultur: Stadt.  AdK - Akademie der Künste, Berlín, Alemania.

2010

Biennale Architettura di Venezia. People meet in architecture, Venecia, Italia.

2008

China Design now. Victoria & Albert Museum - V&A, Londres, Reino Unido.

2007

Herzog & de Meuron. MAM - Miami Art Museum, Miami, EE. UU.

Studio as Muse: Herzog & de Meuron. Parrish Art Museum, Southampton, Nueva York, EE. UU.

2006

On-Site: New Architecture in Spain. Museo de Arte Moderno, Nueva York, EE. UU.

Herzog & de Meuron. No. 250. An Exhibition. Haus der Kunst, Múnich, Alemania.

Artist’s Choice: Herzog & de Meuron, Perception Restrained. Museo de Arte Moderno, Nueva York, EE. UU.

2005

Herzog & de Meuron. No. 250. An Exhibition. Tate Modern, Londres, Reino Unido.

2004

Chaulager. Fundación Laurenz, Basilea, Suiza.

Herzog & de Meuron. N. 250. An Exhibition. Instituto Holandés de Arquitectura, Róterdam, Países Bajos.

2002

Herzog & de Meuron: Archéologie de l’imaginaire. Centro Canadiense de Arquitectura, Montreal, Canadá.

2001

Works in Progress (proyectos de Herzog & de Meuron y Rem Koolhaas/OMA). Fundación Prada, Milán, Italia.

2000

Co-laboraciones: Artistas/Architectos. Colegio de Arquitectos de Canarias, Tenerife, España.

Sala Jorge Vieira, Lisboa, Portugal.

Herzog & de Meuron-11 Statios at Tate Modern. Tate Modern, Londres, Reino Unido.

Herzog & de Meuron: In Process. Walker Art Center, Minneapolis, EE. UU.

1999

The Unprivate House. Museo de Arte Moderno, Nueva York, EE. UU.

1997

Architectures of Herzog & de Meuron: Portraits by Thomas Ruff. TN Probe, Tokio, Japón.

1996

Der Architeckt als Seismograph, 6ª Bienal Internacional de Arquitectura. Pabellón Internacional, Venecia, Italia.

1995

Herzog & de Meuron. Une exposition. Centro Georges Pompidou, París, Francia.

1991

Architecture of Herzog & de Meuron, 5º Bienal Internacional de Arquitectura. Pabellón Suizo, Venecia, Italia.

1988

Architektur Denkform. Architekturmuseum, Basilea, Suiza.

 

Premios

2005

Premio de Diseño del Instituto de Arquitectura de Japón (Epicentro Prada Aoyama, Tokio).

2004

Medalla de Honor, Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Santander, España.

2003

Premio Stirling del Royal Institute of British Architects (RIBA), Londres, Reino Unido (Centro de Danza Laban, Londres).

2001

Premios Pritzker de Arquitectura.

Prix Equerre d'Argent, Prix d'Architecture du Moniteur, París, Francia.

Fundación Hyatt, Los Ángeles, EE. UU.

Deutscher Architekturpreis Beton 2001 de la Federación Alemana de la Industria del Cemento, Baden-Baden, Alemania por el Museo Küppersmühle.

Premio de la Industria de la Construcción Británica, Londres, por el Tate Modern London.

2000

Premio Max Petitpierre 2000, Berna, Suiza.

Premio RICS 2000 (Real Colegio de Topógrafos), Londres, por el Tate Modern London.

1999

Premio Rolf Schock 1999 de Artes Visuales, Estocolmo, Suecia.

Branderburgischer Architekturpreis 1999, Alemania, por la Biblioteca de la Escuela Técnica Superior de Eberswalde.

1996

Brunel  Award 1995, Washington, D. C., EE. UU.  Por el Depósito de Locomotoras Auf Dem Wolf, Basilea.

Premio Max Beckmann 1996, Fráncfort, Alemania.

Premio Europeo Construtec 1996 a la Arquitectura Industrial, Hannover, Alemania, por el Centro de Señalización en Basilea.

1995

Brunel Award 1994, Washington, D.C., EE. UU. Por el Centro de Señalización Auf Dem Wolf, Basilea.

1994

Premio Deutscher Kritikerpreis 1993, Categoría Arquitectura, Colonia/Berlín, Alemania.

1987

Premio de Arquitectura de la Akademia der Künste, Berlín, Alemania.

 

Proyectos

2013-

El Punto, Mega Centro Comunitario-Religioso, Ciudad Juárez, México.

2009

Complejo Cultural Luz, São Paulo, Brasil.

Barranca Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Guadalajara, México.

Ampliación del Museo Unterlinden. 1er premio, Colmar, Francia.

Edificio 1 Roche, Basilea, Suiza.

Museo de Arte Parrish, Water Mill, EE. UU.

2008

Porta Volta Fundación Feltrinelli, Milán, Italia.

2006

Triangle, París, Francia.

2005-2010

Centro Empresarial Actelion, Allschwil, Suiza.

2005

Espacio Goya. 1er premio, Zaragoza, España.

2004-2007

Edificio de Apartamentos en 40 Bond, Nueva York, EE. UU.

2004-2005

Estructuras Jinhua, Jinhua, China.

2004

Proyecto Nuevo Stadtcasino, Basilea, Suiza.

2003

Campus Tree Village, Pekín, China.

Ciudad del Flamenco. 1er premio, Jerez de la Frontera, España.

Filarmónica del Elba, Hamburgo, Alemania.

2002-2008

Estadio Nacional para los Juegos Olímpicos (“Nido de Pájaro”) de 2008.

1er premio, Pekín, China.

2001-2005

Allianz Arena. 1er premio, Múnich, Alemania.

2001

Auditorios Temporales Paul Sacher, Basilea, Suiza.

2000-2004

Edificio y Plaza del Forum 2004. 1er premio, Barcelona, España.

1999-2005

Centro de Arte Walker, Minneapolis, EE. UU.

Museo De Young. 1er premio, San Francisco, EE. UU.

1998-2008

Plaza de España. 1er premio, Santa Cruz de Tenerife, España.

TEA, Tenerife Espacio de las Artes, Santa Cruz de Tenerife, España.

1998-2003

Fundación Schaulager Laurenz, Basilea, Suiza.

1998-2001

Dos Alas de Vidrio. Edificio Helvetia Patria, St. Gallen, Suiza.

1997-2003

Residencia y Colección Audiovisual Kramlich, Oakville, EE. UU.

Ampliación del Museo de Arte de Aarau, Aarau, Suiza.

Centro de Danza Laban. 1er premio, Londres, Reino Unido.

1997-1998

Sede de Ricola, Laufen, Suiza.

1997

Cines Multiplex Heuwaage. 1er premio, Basilea, Suiza.

1996-2002

Estadio St. Jakob Park, Basilea, Suiza.

1996-2000

Edificio de Viviendas en la Rue des Suisses. 1er premio, París, Francia.

1996

Centro Cultural y Teatro, Zúrich, Suiza.

1995-2000

Museo Tate de Arte Moderno, Londres, Reino Unido.

1995-1998

Bodegas Dominus en Napa Valley, Yountville, EE. UU.

1995-1997

Estudio Rémy Zaugg, Mulhouse-Pfastatt, Francia.

1995

Casa Lüscher-Rasi, Arlesheim, Suiza.

1994-2003

Fünf Höfe. Cinco Pasajes Comerciales. 1er premio, Múnich, Alemania.

1993-2000

Edificio Comercial y Viviendas en la Dornacherplatz, Soluera, Suiza.

1993

Dos Bibliotecas para el Campus de Jussieu, París, Francia.

Biblioteca Universitaria Cottbus. 1er premio, Cottbus, Alemania.

1992

Complejo Museístico del Siglo XX, Múnich, Alemania.

1991

Centro Cultural, Blois, Francia.

1990-2005

Elsässertor II. 1er premio, Basilea, Suiza.

1989-1992

Galería de Arte Goetz, Múnich, Alemania.

1988-1995

Depósito de Locomotoras Auf Dem Wolf, Basilea, Suiza.

1988-1994

Puesto de Señalización Auf Dem Wolf, Basilea, Suiza.

1986-1991

Nave de Almacén de La Fábrica Ricola, Laufen, Suiza.

1985-1988

Casa de Madera Contrachapada, Bottmingen, Suiza.

Casa de Piedra, Tavole, Italia.

1985-1986

Casa para un Coleccionista de Arte, Therwil, Suiza.

1984-1988

Edificio Hebelstrasse, Basilea, Suiza.

1983-1984

Casa para un Veterinario, Dagmersellen, Suiza.

1979-1980

Casa Azul, Oberwil, Suiza.

 

Sus obras (selección)

Museo de Arte Parrish (2009-2012)

Museo de Arte Parrish, Nueva York, 2009-2012.



 El Museo de Arte Parrish se extiende como un prisma horizontal sobre el llano paisaje de la isla neoyorquina de Long Island. El proyecto original proponía la agregación de pabellones dispersos por el entorno. La propuesta finalmente realizada evoca la arquitectura vernácula de la zona con dos naves paralelas unidas por un pasillo desde el que se accede a las diferentes estancias. Las vigas de madera, que sustentan las cubiertas de metal a dos aguas, conectan visualmente el exterior con las galerías interiores.



Las paredes exteriores, realizadas con hormigón in situ, hacen las veces de contrafuerte estructural y se rematan en su base exterior con una forma ergonómica que sirve como banco corrido.


 


 

VitraHaus (2006-2009)

VitraHaus, Weil am Rhein, Alemania, 2006-2009.



El campus del fabricante de mobiliario Vitra surge en 1981 cerca de la ciudad de Basilea. Nicholas Grimshaw fue el responsable de diseñar la primera fábrica de la nueva etapa y, posteriormente, han ido surgiendo proyectos heterogéneos de arquitectos como Frank Gehry, Tadao Ando, Álvaro Siza o Zaha Hadid.



La VitraHaus, concebida para alojar y mostrar la Home Collection de Vitra, es el último edificio incorporado a este campus. El concepto de VitraHaus viene de dos conceptos que repiten en la obra de Herzog & de Meuron: la casa arquetipo y los volúmenes apilados. Las doce casas que forman el proyecto se superponen en un total de cinco niveles, en algunos casos con voladizos de hasta 15 metros, y los forjados penetran en la fachada del nivel inmediatamente inferior, ofreciendo un conjunto al mismo tiempo doméstico y escultural. Los encuentros entre estas doce casas se aprovechan para integrar elementos de comunicación vertical, así como para crear vacíos que conectan visualmente las plantas entre sí.




El color antracita del estuco exterior unifica la estructura  y la conecta con el pasaje local. Una plaza abierta en el centro del edificio constituye el nodo alrededor del cual se agrupan una sala de conferencias, una sala de exposiciones, el conjunto formado por la tienda del museo, el vestíbulo con la recepción y el guardarropa, y una cafetería con terraza exterior.


Con dimensiones máximas de 57 metros de largo, 54 metros de ancho y 21 metros de alto, VitraHaus se alza sobre los otros edificios del campus.


 

Sede de Actelion (2005-2010)

Sede de Actelion, Allschwil, Suiza, 2005-2010.



La sede de la biofarmaceútica Actelion, situada en las afueras de Basilea, se presenta como una superposición de barras de 6,70 metros de distancia entre ejes de estructura, y longitud y orientación variables, que se colocan alrededor de un vacío central, cruzándose cerca de las esquinas y apilándose hasta cinco niveles de altura.


Desde la recepción, ubicada en su centro, parten cuatro alas con un auditorio de 120 butacas, el restaurante, con capacidad para 230 personas y abierto hacia el patio interior, la cafetería, varias salas de reuniones y aulas de formación y algunos espacios de configuración variable para albergar diferentes eventos.



Las fachadas de vidrio permiten el contacto visual y subrayan la transparencia del edificio, enfatizada por la inclinación de las paredes. Para lograr esta apertura visual, todas las instalaciones están situadas en suelos y techos. El apilamiento de las vigas que contienen oficinas dota a estas con vistas del exterior y del interior.


 

Filarmónica de Hamburgo (2003)

Filarmónica de Hamburgo, 2003.



Construida sobre el edificio Kaispeicher A, un almacen de ladrillo para almacenar cacao diseñado pro Werner Kallmorgen y construido entre 1963 y 1966. La filarmórnica se levanta sobre este edificio macizo situado en una esquina del renovado puerto de Hamburgo. Se trata de un centro cultural con una sala de conciertos, una sala de música de cámara, restaurantes, viviendas, bares, un hotel, un aparcamiento y una terraza.



La cubierta ondulante alcanza una altura de 108 metros en el vértice la península donde se sitúa, descendiendo unos 20 metros en dirección este.


La plaza ubicada sobre el antiguo almacén y bajo la sala de conciertos es un espacio público con unas extraordinarias vistas sobre el río Elba y sobre algunos de los monumentos más importantes de la ciudad.



La sala de conciertos, con 2.200 localidades, ocupa el centro del complejo y su forma vertical condiciona la estructura del edificio y se expresa en su volumen exterior. Su diseño responde tanto a criterios acústicos y de visibilidad, como al objetivo de permitir el mayor acercamiento posible entre los espectadores y los músicos.



La fachada de vidrio serigrafiado está formada por paneles planos y curvos que permiten la ventilación natural de los espacios interiores. Algunos paneles se han perforado en forma de U para ofrecer terrazas.


 


 

Torre St. Jakob (2003-2008)

Torre St. Jakob, Basilea, 2003-2008.



Situada en un extremo del complejo comercial, residencial y deportivo de St. Jakob Park, presidido por el estadio de fútbol de la ciudad, también obra de Herzog & de Meuron, la torre St. Jakob se convierte en un hito vertical que da acceso a la ciudad de Basilea.


Además de la torre, con programa residencial y de oficinas, el proyecto se completa con el volumen horizontal y topográfico del concesionario de coches Mercedes-Benz, en el extremo sur. El concesionario ha sido diseñado como una estructura abierta y transparente, cuyos forjados forman una superficie continua de tres niveles unidos mediante rampas. Entre la torre y el concesionario se ubica una plataforma elevada 6,10 metros con respecto al nivel perimetral del estadio, concebida como un espacio de circulación y de encuentro.



La torre de 17 plantas, semejante a un cuerpo cristalino rasgado por las líneas horizontales que marcan la presencia  de las terrazas de las viviendas en la fachada sur. Un núcleo central de hormigón y una serie de pilares metálicos perimetrales conforman la estructura del edificio.


 

Messe Basel (2002-2013)

Messe Basel, Basilea, 2002-2013.



Sede de importantes ferias internacionales, las instalaciones de Messe Basel se concentran en torno a la Messeplatz, en el barrio de Kleinbasel. Con el objetivo de reforzar la densidad de esta plaza, de recuperar para usos residenciales y comerciales espacios de la antigua estación de tren alemana y de modernizar sus propias instalaciones, algunas de las cuales no cumplen los estándares técnicos contemporáneos, la dirección de Messe Basel decidió reemplazar dos de sus antiguos edificios (la cabecera del Hall 1 y el Hall 3) por una nueva estructura.




El principal elemento arquitectónico y urbano del proyecto, concebido como una extensión del Hall 1 a lo largo de la avenida Riehenring, es una gran plaza iluminada cenitalmente que se ha denominado City Lounge. Se trata este de un espacio público cubierto dotado de todo tipo de servicios.


Internamente, el edificio cumple con los requisitos de una instalación de estas características: salas rectangulares con grandes luces y altura libre en torno a los 10 metros.



El proyecto arquitectónico propone un diseño transparente y de formas fluidas en planta baja, que responde a los flujos circulatorios de la ciudad. Los dos niveles superiores presentan geometrías ligeramente diferentes y fachadas alabeadas. Una superficie continua de lamas metálicas curvas cubre tanto estas fachadas como el interior del patio circular sobre el City Lounge. La fachada regula la caída de la luz natural en las propiedades adyacentes y enmarca vistas específicas de los espacios individuales hacia la ciudad.


 

Estadio Nacional de Pekín (2002-2008)

Estadio Nacional, Pekín, 2002-2008.

Al norte de Pekín, en el centro del Parque Olímpico, se ubica el Estadio Nacional construido con el objetivo principal de ser el escenario principal de las pruebas olímpicas de atletismo, las ceremonias de inauguración y clausura, y algunos partidos del Torneo Olímpico de Fútbol durante las olimpiadas de Pekín 2008.

El Estadio diseñado por los suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron en colaboración con ArupSport y China Architecture Design & Research Group resultó ganador del concurso internacional convocado en 2002.

La forma del  estadio, conocido popularmente como “el nido”, se hace eco del contorno de los graderíos contenidos en su interior. Desde lejos se puede distinguir no sólo la forma redondeada del edificio, sino también la trama de la estructura portante, que rodea el recinto y a la vez parece penetrar en él. Se genera en torno al estadio un vestíbulo de doce metros de profundidad que es simultáneamente fachada, estructura, elemento decorativo y ámbito público. Este espacio es el vínculo entre la ciudad y el interior del recinto deportivo y es, al mismo tiempo, un enclave urbano autónomo.

La imagen del estadio es puramente estructural: fachada y estructura son idénticas. La estructura de acero, independiente del cuenco de hormigón que alberga las gradas, suma una longitud de 36 km de elementos ensamblados, salvando una luz máxima de 320 m y alcanzando una altura de 69 m. El denso entramado que forma la estructura tiene su continuidad en elementos de menor tamaño, como los cielorrasos con motivos geométricos que cubren parte de los espacios interiores del estadio.

 

Museo de las Culturas (2001-2010)

Museo de las Culturas, Basilia, 2001-2010.



Jacques Herzog y Pierre de Meuron son los autores de la rehabilitación del Museo de las Culturas de Basilea. Construido en 1849, reemplazando el antiguo monasterio agustino de Münsterhügel  por un edificio clasicista del arquitecto Melchior Berri. El museo fue ampliado en 1917 por los arquitectos Vischer & Söhne con el objetivo de albergar una colección que superaba las 40.000 piezas. En 2001, el museo contaba con 300.000 piezas y decide iniciar una segunda ampliación.



La intervención actúa sobre el edificio de 1917 de diferentes maneras. La primera intervención consistió en dotar al Museo de las Culturas de una entrada independiente, ya que hasta ese momento el Museo de las Culturas y el Museo de Historia Natural compartían la misma entrada. Ahora, el primero posee una nueva entrada desde la plaza de la catedral a través de un patio trasero antes inaccesible. Parte de este patio, en el que se han colocado plantas colgantes y vides trepadoras ancladas en la cubierta, se ha bajado un nivel de cota, creando una nueva planta de acceso al museo.


Las fachadas del edificio también han experimentado cambios: muchas de sus ventanas se han cegado, ganando así superficie expositiva en los muros y acentuando el carácter sólido del edificio, mientras que los huecos conservados se han ampliado de tamaño hasta alcanzar el suelo.



La nueva cubierta del edificio es el elemento más llamativo del proyecto. La construcción, realizada con una estructura de cerchas metálicas, consiste en una serie de pliegues irregulares de fuerte pendiente que remiten a las cubiertas medievales que la rodean.


 

CaixaForum (2001-2008)

Edificio CaixaForum, 2001-2008, Madrid.



CaixaForum, el centro cultural y social de la Obra Social Fundación "la Caixa”, se sitúa en un solar del madrileño Paseo del Prado, próximo al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, al Museo Thyssen-Bornemisza y al Museo del Prado.


La Obra Social "la Caixa" ha rehabilitado la antigua central eléctrica del Mediodía para alojar CaixaForum Madrid. Para ello, ha confiado el diseño arquitectónico al prestigioso equipo profesional de Jacques Herzog y Pierre de Meuron.


La antigua central eléctrica del Mediodía se proyectó en 1899, y la licencia de construcción se concedió el 28 de noviembre de 1900 a nombre del empresario José Batlle. El proyecto fue llevado a cabo por el arquitecto Jesús Carrasco y Encina, y el ingeniero José María Hernández, encargado de la instalación de maquinaria. La central destaca por sus muros de ladrillo, típicos de la arquitectura industrial madrileña de la época y merecedores de protección patrimonial.


Tras su intervención, CaixaForum Madrid conserva la fachada original de uno de los escasos edificios industriales modernistas que se conservan en la ciudad, y pasa de 2.000 metros cuadrados a ocupar una superficie total aproximada de 10.000 metros cuadrados.



El proyecto de rehabilitación parte de una operación destinada a preservar la envolvente de ladrillo eliminando los elementos innecesarios con el fin de crear un gran espacio público bajo el edificio. Se ha eliminado el zócalo de granito que rodea la antigua fábrica, dejando el edificio suspendido en el aire sobre una gran plaza pública abierta hacia los cuatro costados que ocupa una superficie de más de 2.500 metros cuadrados.


El suelo está recubierto por una estructura de triángulos de hormigón que dibujan planos de diferentes inclinaciones. La parte cubierta de la plaza tiene un falso techo también con formas triangulares, colocado según diferentes pendientes y realizado con planchas metálicas.


Dos fuentes ornamentales bañan la plaza, una de ellas bajo el espectacular jardín vertical, obra de Patrick Blanc. Este jardín cuenta con 24 metros de altura, donde 460 metros cuadrados albergan 15.000 plantas de 250 especies diferentes. Es un muro vegetal que sobrevive sin tierra, solo necesita agua y nutrientes.


 

TEA de Tenerife (1999-2008)

TEA, Tenerife Espacio de la Artes, Santa Cruz de Tenerife, 1999-2008.



Después de ganar el concurso para la remodelación del Muelle de Enlace y la Plaza de España de Santa Cruz de Tenerife, el estudio suizo recibió el encargo del Cabildo Insular de realizar  un centro cultural. 



El proyecto, de 20.622 metros cuadrados construidos, incluye: el Instituto Óscar Domínguez, la Biblioteca de la Red Insular, el Centro Fotográfico Isla Tenerife, las oficinas del Área de Cultura, Patrimonio Artístico y Museos del Cabildo Insular de Tenerife, el Patronato Insular de Música y las propias oficinas de administración del museo.



Situado en el casco antiguo de Tenerife, el centro cultural salva la fuerte pendiente del terreno mediante una vía pública que lo cruza diagonalmente. Desde ella se accede al vestíbulo, donde se sitúa la cafetería, la tienda y las taquillas del museo. Una escalera de caracol conecta la planta inferior con la superior, donde se ubican las salas con iluminación cenital de la colección Óscar Domínguez. El nivel inferior cuneta con una gran superficie divisible para las exposiciones temporales.



La biblioteca, concebida como un amplio espacio diáfano, se divide en dos zonas mediante la vía pública que atraviesa el edificio. 



Uno de los rasgos más característicos del edificio es su fachada de hormigón, perforada con un gran número de vanos que filtran la luz hacia el interior creando una sorprendente imagen nocturna.


Este edificio se propone como un punto de encuentro y de integración en la ciudad que se materializa en su arquitectura.



 

Plaza de España de Santa Cruz de Tenerife (1999-2008)

Remodelación de la Plaza de España, Santa Cruz de Tenerife, 1999-2008.



La remodelación de la Plaza de España se encuadra en la primera fase del proyecto para la transformación de la franja costera que separa el casco histórico del puerto de Santa Cruz de Tenerife. 



Un proyecto con el que se pretende maximizar el impacto de la naturaleza en el que se ve integrado, potenciando la presencia de las montañas y el mar por el que está rodeado.  El objetivo principal de la intervención es restaurar el contacto de la ciudad con el mar.



La peculiaridad del proyecto es su concepción paisajística. El terreno sobre el que se construye la plaza está formado por una serie de capas de rellenos superpuestos. La superficie de esta capa se estructura como una naturaleza artificial que evoca una extensa bahía dotada de con las instalaciones necesarias para el uso ciudadano: cafés, quioscos, bares y espacios de servicio, almacenaje y estacionamiento.



Todos estos equipamientos se albergan en tres pabellones, cada uno de ellos con una forma distinta e irregular que mezcla trazados rectilíneos y curvos. Los edificios están cubiertos por los diseños vegetales del francés Patrick Blanc. En el centro de la plaza destaca un estanque circular de ochenta metros de diámetro, que se llena y vacía siguiendo el ritmo de las mareas. 


 

Obra seleccionada

Proyecto Tate Modern, Londres, Reino Unido, 1995-2002.



Tate Modern es el nombre por el que se conoce el Museo Nacional Británico de Arte Moderno. Se encuentra ubicado en Bankside, un área que se localiza en la zona londinense de Southwark, en la ribera sur del río Támesis y forma parte del grupo de museos Tate junto con Tate Britain, Tate Liverpool y Tate St Ives. Bankside está delimitada por el puente de Blackfriars al oeste y por el puente de Londres al este. El Puente del Milenio ha hecho fácilmente accesible el área de Bankside desde la ribera norte del Támesis, conectándola directamente con la Catedral de San Pablo.


La construcción de Tate Modern ha supuesto un impulso al desarrollo económico y cultural del área de Southwark en la que se sitúa. Siendo considerado como ejemplo por revitalizar zonas degradadas de la ciudad y convertirlas en nuevos focos dinámicos de crecimiento y de desarrollo económico.



Antedecendes:



Tate Modern se encuentra alojado en la antigua central de energía de Bankside, originalmente diseñada por Sir Giles Gilbert Scott y construida en dos fases entre 1947 y 1963. La central eléctrica fue cerrada en  1981 y el edificio fue reconvertido en museo por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, quienes tras resultar vencedores en un concurso internacional dieron al edificio su imagen actual.



En julio de 1994 se presentó un concurso internacional para rediseñar la central de energía y adaptarla a su nuevo uso. Hacia noviembre del mismo año se produjo una selección entre los 148 proyectos iniciales, quedando seis para la fase final del concurso, entre los que se encontraban los proyectos de los siguientes estudios de arquitectura: David Chipperfield (Londres), Rem Koolhaas (Rotterdam), Renzo Piano (Génova), Tadao Ando (Osaka), Herzog & de Meuron (Basilea) y Rafael Moneo (Madrid).


En enero de 1995, el estudio de arquitectura de los suizos Herzog & de Meuron fue designado oficialmente como el ganador del concurso internacional, valorando el jurado la simplicidad de su propuesta, el respeto por la arquitectura original de la central, la introducción de luz natural al interior del edificio a través de grandes lucernarios y la creación de un interior funcional.


La estructura original diseñada por Giles Gilbert Scott se basaba en pórticos compuestos por vigas y pilares de acero que sustentan los muros de fábrica de ladrillo.El proyecto de Herzog & de Meuron preveía la conservación y reutilización de la estructura primitiva con pequeñas modificaciones.


Proyecto constructivo:



La intervención de los suizos preveía la creación de una calle interior en el lugar que antes ocupaba la sala de las turbina. Es el espacio en el que anteriormente se encontraban los generadores de electricidad de la central de energía. Se trata de un espacio de 155 metros de longitud, 23 de ancho y 35 metros de altura, con una superficie de unos 3.500 metros cuadrados. Esta calle estaría iluminada cenitalmente mediante un gran lucernario, quedando relacionada visualmente con las salas de exposiciones mediante unos miradores. Estos miradores sirven de punto de descanso y de observación, y relacionan visualmente la sala de las turbinas con las tres plantas de exposición del museo. Los arquitectos los diseñaron con el objetivo de servir de reclamo para aquellos visitantes que accediesen a la sala de las turbinas, e invitarlos de esta manera a entrar en las salas de exposición del museo. El gran lucernario principal se mostraría hacia el exterior como una caja de vidrio apoyada sobre el basamento de ladrillo de la antigua central, y se iluminaría de noche para servir de punto de referencia hacia la ciudad de Londres. 



La organización interna del edificio original estaba dividida en tres franjas paralelas de distintos usos: norte, central y sur. En la franja norte, con fachada al río Támesis, se encontraba la antigua sala de calderas. Esta zona acoge actualmente el programa principal del museo: un auditorio, la cafetería, las tiendas y tres plantas de exposición. La franja central estaba ocupada por la sala de turbinas, que tras la intervención mantiene su nombre y es el espacio principal del museo, en ella se desarrollan las exposiciones temporales.  La tercera franja, la sur, estaba ocupada por los transformadores.




La entrada principal al museo se encuentra en la fachada oeste del edificio mediante una rampa que lleva al visitante a la sala de las turbinas, cuya rasante se encuentra situada por debajo del nivel del agua del Támesis. También existe una entrada secundaria en la fachada norte, que prolonga el acceso peatonal desde el Puente del Milenio hasta el interior del edificio.  



El criterio en el que se basaron los arquitectos a la hora de definir los diferentes acabados del edificio fue la sobriedad y la sencillez. Los materiales utilizados en el edificio fueron el acero, la madera y el vidrio. La estructura de acero original se pintó de negro mate, mientras que los paramentos verticales de la sala de turbinas fueron pintados de gris, en consonancia con la solera de hormigón visto de la planta inferior y de la rampa de entrada. En las salas de exposición se utilizaron paramentos verticales pintados de blanco mate, mientras que para el pavimento se optó por un entarimado de roble sin tratar, generando espacios sobrios para la exposición y dejando el protagonismo a las obras expuestas.



Los trabajos de construcción de Tate Modern concluyeron a finales de 1999, y en enero de 2000 comenzaron a instalarse las obras de arte en las salas de exposición, siendo inaugurado oficialmente por la Reina Isabel II en mayo de 2000.


Proyecto de ampliación de la Tate Modern:




Desde su inauguración en 2000, la Tate Modern ha tenido un gran impacto tanto en la vida artística, cultural y social de Londres, como en el desarrollo urbanístico de la ribera sur del Támesis y del municipio de Southwark donde se ubica.


En 2008 Herzog & de Meuron presentaron el último proyecto de ampliación con el que se pretendía impulsar esta parte de la ciudad aún con mayor intensidad, proponiendo la creación de una plaza ubicada en su frente sur que permite, gracias a un pasaje que la conecta con el lado norte a través de la Sala de Turbinas, unir Southwark con el Támesis.



Dentro de los aspectos que se han priorizado en el proyecto de ampliación debemos señalar:
• Favorecer la exposición de todas las obras pertenecientes a la colección del museo de la forma más especializada posible.
• Permitir la colocación de las instalaciones más radicales.
• Proveer los espacios de aprendizaje requeridos por el público.
• Integrar completamente el aprendizaje en el diseño del edificio.
• Mejorar las instalaciones de acogida para los visitantes y crear nuevos espacios sociales.
El elemento más significativo de la ampliación es una torre piramidal cuya geometría responde al contexto urbano y al edificio existente al que se adosa. Bajo ella se encuentran los antiguos depósitos de petróleo, que ya han sido transformados en galerías para la realización de actividades artísticas. La torre ofrece salas de diferentes tamaños, así como galerías con geometrías menos convencionales y espacios educativos. Aparte de doblar la superficie de exposiciones, la ampliación ofrece una serie de espacios públicos dedicados a la reflexión, a la realización de actividades y a la investigación. Estos espacios se extienden a lo largo de la torre y se conectan por medio de un sistema de circulación vertical.
La integración de la ampliación con el edificio existente y con el perfil de la ciudad es uno de los principales objetivos del proyecto, así como permitir la correcta orientación de los visitantes tanto desde el exterior cómo desde el interior. Igualmente, la integración se expresa en las nuevas fachadas, que emplean el ladrillo como en la antigua estructura, pero declinándolo de forma diferente en una celosía que filtra la luz diurna, pero que irradia luz artificial durante las horas nocturnas.


 

Recursos


Bibliografía

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Massad, Fredy;  Alicia Guerrero Yeste. “Ordos 100: Finales, no principios”. Exit Express. N. 46 (octubre 2009) ; pp. 80-83.


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Massad, Fredy; Alicia Guerrero Yeste.” Bird's Nest”. Exit Express. N. 42 (marzo 2009) ; pp. 82-83.


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Fernández-Galiano, Luis. “La Belleza Súbita: [Cottbus Inicia Un "annus Mirabilis" De H&deM] = Sudden Beauty : [Cottbus Starts an "annus Mirabilis" of H&deM]”. AV. N. 117-118 (2006) ; pp. 230-233.


 

Recursos en línea

Vídeos

Conference Herzog & de Meuron, presented by Revista Ensamble:


 

FSSDC: HASSELL + Herzog & de Meuron


 

Herzog & de Meuron Architects: Messe Basel New Hall


 

Jacques Herzog: "Herzog & de Meuron Architectures"


 

Herzog & de Meuron - Interview by Studio Banana TV


 

Caixa Forum, Madrid, Spain, Herzog & De Meuron


 

Herzog & de Meuron, Lecture by Jacques Herzog


 

Herzog & de Meuron, Fundación Caja de Arquitectos


 

Hans Hollein

Biografía y obra

Hans Hollein nace el 30 de marzo de 1934 en Viena, Austria, en el seno de una familia dedicada a la ingeniería de minas. Desde su infancia manifiesta talento por el dibujo, y acude a las clases de Franz Cizek en su Escuela de Arte Juvenil.

Tras graduarse en 1953 en la Bundesgewerbeschule de Viena, estudia arquitectura en la Academia de Bellas Artes de la ciudad, donde asiste a las clases de Clemen Holzmeister. Combina sus estudios con estancias laborales en Estocolmo. Después de diplomarse en 1956, consigue una beca para continuar sus estudios en Estados Unidos. Entre 1958 y 1959 estudia en el Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago, y posteriormente en la Universidad de California en Berkeley, donde cursa un máster de arquitectura. Durante su estancia en Estados Unidos viaja por el país y por México, donde se interesa por la arquitectura de Rudolf M. Schindler y de los indios americanos. Durante esos años de estancia en Estados Unidos conoce a algunos de los arquitectos que más admira, como Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright y Richard Neutra.

Al terminar sus estudios en Estados Unidos regresa a Viena donde trabaja en varios estudios de arquitectura, hasta que establece su propio negocio en 1964. Durante esos años comienza sus proyectos, algunos en el plano teórico pero también lleva a materializar varios, principalmente reformas y ampliaciones de edificios, como la tienda de velas Retti en Viena, un proyecto que inicia en 1965 y completa al año siguiente. Con este proyecto conseguirá el Premio R. S. Reynolds Memorial ese año.

Gran parte de su trabajo sin embargo lo desarrolla como profesor, tanto en Austria, como en Estados Unidos, donde es profesor invitado en diversas universidades. Desde 1964 a 1970 es editor de la revista “Blau” en Viena, trabajando al mismo tiempo como corresponsal para periódicos y revistas de arquitectura nacionales y extranjeros. En 1969 Hollein desarrolla una idea sobre la oficina móvil, un concepto totalmente innovador por aquel entonces, a través de una burbuja transparente de material plástico en la que podía trabajar con un equipamiento sencillo.

En 1972 aborda el proyecto del Museo Abteiberg en Mönchengladbach, Alemania, con el que consigue el reconocimiento internacional. Hollein finaliza el proyecto diez años después, y consigue en 1984 el Premio Reynolds Memorial en Estados Unidos. El museo se localiza en una zona elevada del centro histórico de la ciudad, junto a la catedral y una abadía, con espacios para la colección permanente, exposiciones temporales, usos didácticos y esculturas al aire libre.

Ese año también diseña la joyería Schullin de Viena, que finaliza en 1974.

De 1967 a 1976 trabaja como profesor en la Academia de Arte de Dusseldorf, y en años posteriores vuelve a desarrollar su labor académica en Viena. Entre 1976 y 1978 lleva a cabo el proyecto de la Oficina de Turismo Austríaco en Viena, que lamentablemente fue destruida en 1987.

En esa época también renueva un antiguo edificio de Teherán para convertirlo en el Museo del cristal y la cerámica de la ciudad. Hollein intenta alterar el mínimo posible el edificio para que se conserve como monumento cultural, y pone un especial énfasis en la iluminación, clave para la exhibición de los objetos.

En 1981 Hollein lleva a cabo el diseño para la filial en Nueva York de la firma alemana "Ludwig Beck am Rathauseck" en la Torre Trump, que se completa en 1983.

Un año después emprende el proyecto del Museo de Arte Moderno de Fráncfort, que culminará en 1990.

En 1985 Hollein recibe el Premio Pritzker de arquitectura. En el citado premio, “El jurado reconoce a Hans Hollein como un maestro de su profesión, que con ingenio y gusto ecléctico se inspira en las tradiciones del Nuevo Mundo tan fácilmente como en las del Antiguo… En el diseño de museos, escuelas, tiendas y viviendas públicas, mezcla audaces formas y colores con un exquisito refinamiento en los detalles y no teme unir ricos mármoles antiguos y lo último en materiales plásticos.”

Tras recibir el premio Hans Hollein diseña un ambicioso proyecto que sin embargo no llegará a materializarse nunca. Se trata del proyecto para un Museo Guggenheim en Salzburgo, Austria. El diseño de un museo excavado en la roca de la colina de Mönchsberg en tres niveles era espectacular, pero tensiones políticas malograron el proyecto.

En 1992 diseña el Museo del Estado de Baja Austria en Sankt Pölten, que termina en 2002. El museo, una antigua institución localizada previamente en otro emplazamiento, abarca el arte, ciencias naturales e historia de la zona, y se organiza en una compleja red de espacios con un vestíbulo común.

A mediados de los años 90 Hollein aborda la construcción de la embajada austríaca en Berlín, con un escultural volumen de formas rectangulares que se yuxtaponen.

Entre 1996 y 2001 el arquitecto construye uno de los emblemas arquitectónicos de Perú, la Torre Interbank de Lima. Ésta consta en realidad de dos volúmenes comunicados, la torre propiamente dicha y un edificio de inferior tamaño y forma muy dispar. El conjunto se completa con un basamento de piedra andina. La torre, de 20 pisos, se encuentra ligeramente inclinada hacia adelante, cumpliendo una función tanto estética como antisísmica.

En esa época realiza otra de sus construcciones más logradas, el Centrum Bank de Vaduz, en Liechtenstein, un gran volumen escultural que simula una roca asentada en el terreno con solidez y elegancia.

En 2001 Hollein comenzó la remodelación de la Albertina en Viena, donde el arquitecto ha añadido un enorme y espectacular dosel voladizo de titanio a la entrada del museo que transforma por completo la apariencia de éste.

En la actualidad Hans Hollein se encuentra inmerso en varios proyectos, como el presentado a concurso en el Museo de Historia de Baviera en Ratisbona, un proyecto en el que dos volúmenes diferentes de usos también distintos rompen con el contexto de la ciudad medieval. Otros proyectos en los que trabaja son el edificio de la Bolsa de Teherán, la Biblioteca Central de Helsinki, o la guardería Kiga Stadtpark en Viena.

Hans Hollein no sólo se ha dedicado a la arquitectura y la enseñanza, es también urbanista, teórico, diseñador y artista, con muchas de sus obras de arte en colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Como diseñador, Hollein ha realizado diversas piezas de mobiliario, joyería, instrumentos musicales, diseño textil, y diversos objetos de uso cotidiano, incluida una colección de gafas de sol.

Ha expuesto su obra en el MoMA de Nueva York, en la Albertina de Viena, en la Fundació Joan Miró de Barcelona, en la Bienal de Venecia en varias ocasiones y en el Shanghai Art Museum entre otros prestigiosos centros de arte. El arquitecto se casa con Helene Hollein, con la que tiene dos hijos, Max, conservador de arte y director de museos, y Lilli, periodista y crítica de arquitectura y diseño, además de responsable de las “Vienna Design Weeks”.

El día 24 de abril de 2014 Hans Hollein fallece en Viena a los 80 años de edad, tras una larga enfermedad.

 

 

 

Premios y reconocimientos

2011

Cehaus Innovations-u. Kreativitätspreis.

2009

Großes Goldenes Ehrenzeichen für Verdienste um die Republik Österreich.

Goldener Rathausmann der Stadt Wien.

2004

Ehrenmedaille der Bundeshauptstadt Wien in Gold.

Goldenes Komturkreuz des Ehrenzeichens für Verdienst um das Land Niederösterreich.

Premio Arnold W. Brunner Memorial de Arquitectura, EE. UU.

Premio Internazionale Dedalo Minosse, Vicenza, Italia.

Miembro Honorario del Werkbund nord, Hannover, Alemania.

2003

Oficial de la Orden de la Legión de Honor, Francia.

Oficial de la Orden Nacional de la Legión de Honor, Francia.

2001

Alumno Distinguido de la Universidad de Berkeley, California, EE. UU.

2000

Visitante Ilustre del Colegio de Arquitectos de Perú.

Doctorado Honoris Causa de la Universidad Palermo, Buenos Aires, Argentina.

Profesor Honorario de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas, Lima, Perú.

1999

Presidente del Austrian Art Senate.

1998

Gran Premio de la Séptima Bienal de Arquitectura de Buenos Aires, Argentina.

1997

Das Grosse Verdienstkreuz des Verdienstordens der Bundesrepublik Deutschland.

Miembro Honorario del Bund Deutscher Architekten, BDA, Alemania.

1996

Österreichischer Staatspreis für Consulting, Viena, Austria.

Comendador de la Orden al Mérito de la República Italiana.

1995

Academia de Arquitectura, París, Francia.

1994

Goldenes Ehrenzeichen für Verdienste um das Land Wien.

Premio a la Excelencia en Planificación y Diseño por el Banco de Santander, Madrid, otorgado por Architectural Record, EE. UU.

Architektenkammer Brandenburg.

1993

Miembro Honorario del RIBA (Royal Institute of British Architects), Londres, Reino Unido.

1991

Academia Scientiarum et Artium Europaea, Salzburgo, Austria.

Comissió Internacional de Difusió de la Cultura Catalana, España.

1990

Österreichisches Ehrenzeichen für Wissenschaft und Kunst, Viena, Austria.

Premio de Arquitectura de Chicago, EE. UU.

Miembro del Comité de Arte, Viena, Austria.

1989

Prix Rhénan/Prix Soprema, Estrasburgo, Francia.

1988

Haas International Award, Berkeley, California, EE. UU.

Miembro Honorario de la Bezalel Academy of Arts & Design, Jerusalén, Israel.

1987

Presidente Honorario del R. M. Schindler Centennial, Los Ángeles, EE. UU.

1986

Miembro Honorario de la Royal Academy, La Haya, Países Bajos.

Architektenkammer Hessen.

1985

Premio Pritzker de Arquitectura.

1984

Reynolds Memorial Award, EE. UU.

Miembro Honorario del Royal Swedish Academy of Fine Arts, Estocolmo, Suecia.

1983

Grosser Österreichischer Staatspreis.

1981

Miembro Honorario del American Institute of Architects (HFAIA), EE. UU.

1976

Bund Deutscher Architekten (BDA).

1974

Preis der Stadt Wien für Architektur.

1973

Rosenthal Studio Preis, Alemania.

1970

Bard Award for Excellence in Architecture and Urban Design, Nueva York, EE. UU.

1968

Österreichischer Staatspreis für Umweltgestaltung.

1967

Architektenkammer Nordrhein-Westfalen.

1966

Reynolds Memorial Award, EE. UU.

1964

Zentralvereinigung der Architekten Österreichs, Presidente de 1996 a 2007.

1963

Bundesingenieurkammer, Sección Arquitectura, Austria.

1956

Staatspreis, Akademie der Bildenden Künste, Viena, Austria.

1954

Goldene Füger Medaille, Akademie der Bildenden Künste, Viena, Austria.

 

Proyectos

2011

Casa Linser, Vipiteno, Italia.

2008

Sede de Eton Solar, Taiwán.

La Ola, edificio de oficinas, Viena, Austria.

Hotel Hilton, Viena, Austria.

2007

Sea Mio, torre de apartamentos, Taipéi, Taiwán.

Remodelación y ampliación del Castillo Rothschild, Waidhofen an der Ybbs, Austria.

2006

Ampliación y reforma de la Casa Haas, Viena, Austria.

Ático en la Plaza de San Esteban, Viena, Austria.

2005

Centro de Clientes Generali, Viena, Austria.

Ex-Hospital Alberti, San Giovanni Valdarno, Italia.

2004

Torre Saturno, Viena, Austria.

2003

Ampliación de la Albertina, Viena, Austria.

2002

Museo del Estado de Baja Austria, Sankt Pölten, Austria.

Centrum Bank, Vaduz, Liechtenstein.

Museo Vulcania, Saint-Ours-Les-Roches, Auvernia, Francia.

2001

Embajada Austríaca en Berlín, Alemania.

Torre Interbank, Lima, Perú.

2000

Generali Media Tower, Viena, Austria.

1999

Escuela Primaria de Donau City, Viena, Austria.

1996

Zumtobel Staff Lichtforum, Viena, Austria.

1993

Peek & Cloppenborg, Düsseldorf, Alemania.

Sede del Banco Santander, Madrid, España.

Sede del distrito E. A. Generali, Bregenz, Austria.

1992

Visibilidad del yacimiento arqueológico de la Plaza de San Miguel, Viena, Austria.

Tienda de Tabaco en la Casa Haus, Viena, Austria.

1991

Museo de Arte Moderno, Fráncfort, Alemania.

1990

Casa Haas, Viena, Austria.

Escuela Elemental VS Köhlergasse.

1989

Club de Golf Castillo de Ebreichsdorf, Ebreichsdorf, Austria.

1985

Viviendas sociales en Rauchstrasse, Berlín, Alemania.

1983

"Ludwig Beck am Rathauseck" en la Torre Trump, sede en Nueva York de la firma, EE. UU.

1982

Joyería Schullin II, Viena, Austria.

Museo Abteiberg, Mönchengladbach, Alemania.

1979

Oficina de Turismo Austríaco, Viena, Austria.

1978

Museo de Vidrio y Cerámica, Teherán, Irán.

1976

Ayuntamiento de Perchtoldsdorf, Perchtoldsdorf, Austria.

1975

Fundación Carl Friedrich von Siemens, Múnich, Alemania.

1974

Joyería Schullin I, Viena, Austria.

1972

Tienda de muebles Section – N, Viena, Austria.

1969

Z – Kugel, Viena, Austria.

Feigen Gallery, Nueva York, EE. UU.

Oficina Móvil, Viena, Austria.

1967

Boutique Christa Metek, Viena, Austria.

1966

Tienda de velas Retti, Viena, Austria.

 

Sus obras (selección)

 

ALBERTINA, VIENA, 2001-2003

En 2001 Hollein comenzó la remodelación de la Albertina en Viena, donde el arquitecto ha añadido un enorme y espectacular dosel voladizo de titanio a la entrada del museo que transforma por completo la apariencia de éste.

 

CENTRUM BANK, VADUZ, LIECHTENSTEIN, 1997-2002

En 1997 Hans Hollein diseña una de sus construcciones más logradas, el Centrum Bank de Vaduz, en Liechtenstein, un gran volumen escultural que simula una roca asentada en el terreno con solidez y elegancia.

 

TORRE INTERBANK, LIMA, PERÚ, 1996-2001

Entre 1996 y 2001 el arquitecto Hans Hollein construye uno de los emblemas arquitectónicos de Perú, la Torre Interbank de Lima. Ésta consta en realidad de dos volúmenes comunicados, la torre propiamente dicha y un edificio de inferior tamaño y forma muy dispar. El conjunto se completa con un basamento de piedra andina. La torre, de 20 pisos, se encuentra ligeramente inclinada hacia adelante, cumpliendo una función tanto estética como antisísmica.

 

VULCANIA, SAINT-OURS-LES-ROCHES, AUVERNIA, FRANCIA, 1994-2002

En 1994 Hans Hollein comienza la construcción del Museo Vulcano en Saint-Ours-Les-Roches, Auvernia, Francia, proyecto que culminará en 2002. Situado en un paisaje de volcanes inactivos a una altitud de 1000 metros, el complejo tiene como finalidad informar, educar y experimentar con los volcanes y las fuerzas de la naturaleza. Con la mayoría de su programa subterráneo, un cono de 28 metros de altura y revestido de piedra volcánica con un interior de metal dorado, ejerce de volcán metafórico.

 

MUSEO DEL ESTADO DE BAJA AUSTRIA, SANKT PÖLTEN, 1992-2002

En 1992 Hans Hollein diseña el Museo del Estado de Baja Austria en Sankt Pölten, que finaliza en 2002. El museo, una antigua institución localizada previamente en otro emplazamiento, abarca el arte, ciencias naturales e historia de la zona, y se organiza en una compleja red de espacios con un vestíbulo común.

 

 

MUSEO GUGGENHEIM, SALZBURGO, AUSTRIA, 1989, proyecto

En 1989 Hans Hollein diseña un ambicioso proyecto que sin embargo no llegará a materializarse nunca. Se trata del proyecto para un Museo Guggenheim en Salzburgo, Austria. El diseño de un museo excavado en la roca de la colina de Mönchsberg en tres niveles era espectacular, pero tensiones políticas malogran el proyecto.

Maqueta para un Museo Guggenheim en Salzburgo, Austria, interior. Fuente: Arquitectura + historia (documentación tomada de la publicación GA Document, 29 del mes de abril de 1991).

 

MUSEO ABTEIBERG, MÖNCHENGLADBACH, ALEMANIA, 1972-1982

En 1972 Hans Hollein aborda el proyecto del Museo Abteiberg en Mönchengladbach, Alemania, con el que consigue el reconocimiento internacional. Hollein finaliza el proyecto diez años después, y consigue en 1984 el Premio Reynolds Memorial en Estados Unidos. El museo se localiza en una zona elevada del centro histórico de la ciudad, junto a la catedral y una abadía, con espacios para la colección permanente, exposiciones temporales, usos didácticos y esculturas al aire libre.

 

MUSEO DEL CRISTAL Y LA CERÁMICA, TEHERÁN, IRÁN, 1977-1978

En 1977 Hans Hollein renueva un antiguo edificio de Teherán para convertirlo en el Museo del cristal y la cerámica de la ciudad. Hollein intenta alterar el mínimo posible el edificio para que se conserve como monumento cultural, y pone un especial énfasis en la iluminación, clave para la exhibición de los objetos.

 

Obra seleccionada

HAAS HAUS, VIENA, 1986-1990

La Casa Haas se concibe como un edificio comercial en el corazón de Viena y su diseño no fue una tarea fácil debido a la importancia histórica del emplazamiento. Hans Hollein decidió seguir la línea de los antiguos muros fortificados alrededor del campo romano de Vindobona, donde se ubica el proyecto. De este modo, el volumen sigue una línea curva que abarca la esquina en que se sitúa.

La construcción del edificio fue bastante polémica en su día debido a que se trata de un edificio vanguardista que se localiza en el centro histórico de la ciudad, rodeado de edificios antiguos, y situado frente a la Iglesia de San Esteban. Finalmente el proyecto se llevó a cabo, gracias sobre todo al apoyo del alcalde de la ciudad.

Hollein consideraba que las construcciones van estableciéndose sobre otras anteriores, de modo que en un terreno de edificaciones romanas se sitúan las medievales y así sucesivamente cada época va construyendo sobre la anterior. Cada época deja sus huellas, que pueden convivir en perfecto equilibrio unas con otras.

De estilo moderno, el edificio sustituye a uno anterior que había sido construido tras la Segunda Guerra Mundial y que había reemplazado a su vez a la antigua tienda de tapices de la casa “Philipp Haas und Shöhne (Philippe Haas e Hijos). El inmueble se llamó Haas desde sus orígenes.

La Casa Haas es un edificio posmoderno de llamativa fachada curva, en que una primera parte de piedra se escalona y deja paso a una parte de vidrio, que finaliza en un cuerpo también de vidrio que sobresale. En su parte baja hay un cubo inclinado de piedra, que contrasta con la curvatura del resto del edificio y bajo el que se accede al edificio. Desde la azotea hay una bella vista de la plaza, la Catedral de San Esteban y el centro histórico de la ciudad.

El interior es ecléctico y creativo, concibiéndose con un atrio de cinco plantas con tiendas de lujo, tres plantas dedicadas a oficinas y dos restaurantes, uno de ellos en la azotea. Recientemente este atrio central ha sido modificado y se han añadido nuevos usos al interior del volumen, entre ellos un hotel.

La Casa Haas es un moderno edificio en cuya fachada se refleja el perfil de la Catedral de San Esteban, y muestra que la arquitectura contemporánea puede coexistir en armonía con un contexto histórico.

 

Recursos

Recursos en línea

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*Entrevista a Hans Hollein.

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*Amplia información sobre Hans Hollein y sobre la concesión del Pritzker que se le otorgó en 1985.

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*Vídeo e información sobre la Casa Haas.

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*Comunicado de prensa sobre el proyecto de Guggenheim en Salzburgo.

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*Información sobre el proyecto de Hans Hollein del Museo Guggenheim en Salzburgo, que finalmente no se llevó a cabo.

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*Información del edificio Pezet 515, obra de Hans Hollein en Lima, Perú.

Hans Hollein [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.hollein.com/> [Consulta: 2 de abril de 2014].

*Página de la firma de Hans Hollein, con información sobre su trabajo como arquitecto, diseñador y artista, así como exposiciones y escritos sobre Hollein.

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*Información sobre el Museo de Vidrio y Cerámica de Teherán.

Juárez Chicote, Antonio. "Todo es arquitectura" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.antoniojuarezchicote.com/8-todo-es-arquitectura/>. Antonio Juárez Chicote. [Consulta: 2 de abril de 2014].

*Post de un blog de arquitectura donde se incluye el texto de Hans Hollein de 1968 Todo es arquitectura en castellano.

Lucarelli, Fosco. "Hans Hollein’s Alles Ist Architektur (1968)" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://socks-studio.com/2013/08/13/hans-holleins-alles-ist-architektur-1968/>. Socks. [Consulta: 3 de abril de 2014].

*Información e imágenes sobre el texto de Hans Hollein de 1968 “Todo es arquitectura” en inglés.

Ramírez Gisbert, Ricardo. "Haas Haus, postmodernismo en la Viena clásica" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.elarquitectoviajero.com/2011/10/12/haas-haus-postmodernismo-en-la-viena-clasica/>. El arquitecto viajero. [Consulta: 2 de abril de 2014].

*Post sobre la Casa Haas en Viena, obra de Hans Hollein.

Upapiura. "Taller de diseño, Arq. Hans Hollein Faua Upao Piura" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://es.scribd.com/doc/55627437/Taller-de-Diseno-ARQ-HANS-HOLLEIN-FAUA-UPAO-PIURA>. Scribd. [Consulta: 3 de abril de 2014].

*Información e imágenes sobre Hans Hollein y sobre la Haas Haus de Viena.

 

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Vídeos

 

Andreas Rumpfhuber. Architecture of Immaterial Labour 6/8 - Hans Hollein

Biennale Architettura - Hans Hollein

HANS HOLLEIN & Partner | CSCGI

HANS HOLLEIN & Partner | MEIXIHU

 

HANS HOLLEIN & Partner | TSE

Haas Haus - Viena 09/01/2013

Hans Hollein

Hans Hollein

Interview mit Hans Hollein zum Thema "Trophäenimmobilien"

Interview with Hans Hollein

Museum Frankfurt

Viena Casa Haas (Haas Haus)

J

Philip Johnson

@Vanity Fair


 

Biografía y obra

El arquitecto Philip Johnson nació el 8 de julio de 1906 en Cleveland, Ohio. Aunque siempre estuvo interesado en el arte y la arquitectura, decidió estudiar Filosofía en la Universidad de Harvard. Allí, Johnson descubrió la arquitectura que se estaba realizando en Europa, y a los arquitectos Martin Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier... En 1927 decidió viajar a Europa para conocer su obra, y a su regreso  a los Estados Unidos escribió El estilo internacional (1932) junto con el historiador Henry Russel Hitchcok. El libro se convirtió en un éxito e incluso le abrió las puertas en el recien creado Departamento de Arquitectura del Museo de Arte de Nueva York (1930-1936). El Estilo Internacional se caracterizó por su concepción minimalista, primacía del funcionalismo sobre la ornamentación suplerflua.

A Johnson le atraía además de la arquitectura, el mundo de las ideas, la política, llegando a ser candidato para la legislatura del estado, sin embargo, y según palabras del propio Johnson "era un pésimo político". Pronto comprendió que aquello no era lo suyo y decidió con 34 años estudiar arquitectura. En esta época Johnson también se convirtió en un destacado defensor de Adolf Hitler. Sin embargo, en 1940 decide abandonar esta ideología y años después llegó a pedir perdón proyectando gratis una sinagoga.

En 1940 entró a estudiar arquitectura en la universidad de Harvard, donde tuvo como profesores a Walter Gropius y Marcel Breuer. Tres años más tarde se licenció como arquitecto, y gracias a unas inversiones exitosas amasó una gran cantidad de dinero que Johnson decidió invertir en realizar en su finca el proyecto de tesis con el que obtuvo el título de arquitecto, la conocida como Glass House o Casa de Cristal (1949) situada en New Canaan (Connecticut). Este proyecto se convertiría en uno de sus trabajos más conocidos y valorados. Como se aprecia en este trabajo, los comienzos de Johnson en la arquitectura estuvieron muy influenciados por la figura de Mies van der Rohe.

En 1946 vuelva a retomar la dirección del Departamento de Arquitectura del Moma, donde permanecería hasta 1954. Johnson destacó en esta etapa en el Moma al conseguir traer por primera vez a los Estados Unidos la obra de la Bauhaus, los arquitectos funcionalistas y a Mies van der Rohe, con quién llegó a trabajar. Entre sus obras destacan los rascacielos: el Seagram Building en colaboración con Mies van der Rohe, en Nueva York (1958), el Kline Science Center en New Haven (1962) o el Penzoil Place de Houston (1976), el museo Kunsthalle Bielefeld Museum en Bielefeld, Alemania (1968), las bibliotecas Boston Public Library Extension de Boston (1972) y Elmer Holmes Bobst Library de Nueva York (1973).

Entre 1964 y 1967 se asoció con Richard Foster, y en ese mimo año decidió compartir vida y obra con John Burgee. Esta sociedad se mantuvo cerca de veinte años.

En los años ochenta, Johnson se convirtió en un ferviente defensor del Postmodernismo como así lo demuestra su proyecto del AT&T de Nueva York (1984). En estos años Philip Johnson, será considerado uno de los padres de los rascacielos realizando numeros proyectos como el Wells Fargo Center de Denver (1983), el Williams Tower de Houston (1984), el Pittsburgh Plate Glass de Pittsburgh (1984), el One International Place Boston (1985), el Lipstick Tower de Nueva York (1986), el Bank One Center de Dallas (1987) o el One Atlantic Center de Atlanta (1988).

En 1989 decidió retirarse, pero regresó cinco años después de la mano de Alan Ritchie, con quien diseñó la Trump Internacional Hotel and Tower de Nueva York.

Entre sus últimos trabajos destacaron la Comerica Tower de Detroit (1990), 191 Peachtree de Atlanta (1992), la Puerta de Europa (Torres Kio) de Madrid trabajo realizado cuando tenía 92 años o  la First Union Plaza de  Boca Raton, Florida (2000).

Johnson recibió a lo largo de su vida numeroso premios como La Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos (1978), y  la primera edición del Premio Pritzker, máximo galardón en arquitectura (1979). Philip Johnson falleció el 25 de enero de 2005 en su casa, la Glass House de  New Canaan, Connecticut. Johnson ha pasado a la historia de la aquitectura, gracias a su larga carrera que le permitió coquetear con varios estilos en sus numeroso proyectos, y  por la incorporación de dos nuevos términos en arquitectura: el 'estilo internacional' y el 'desconstructivismo'.

Exposiciones individuales

2008

Philip Johnson: Architecture as Art. Kreeger Museum, Washington D. C., EE. UU.

1985

Philip Johnson Installation. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

 

 

Exposiciones colectivas

2012

Postmodernismo. Stile e Sovversione 1970-1990. MART- Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto, Italia.

2010

Arcadia/Suburbia: Architecture on Long Island 1930–2010. Heckscher Museum of Art, Huntington, Nueva York, EE. UU.

2001

Art of Architecture - Winners of Pritzker 's Prize in 1979-2000. Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia, Polonia.

1970

Work in Progress: Architecture by Johnson, Roche, Rudolph. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

1952

New Directions: Domestic Architecture. Contemporary Arts Museum Houston, Houston, Texas, EE. UU.

 

 

 

 

Premios

1978


Medalla de Oro American Institute of Architects (AIA).
 


1979


Pritzker Architecture Prize.


 


 

Sus obras (selección)

Puerta de Europa (1996)

Puerta de Europa (Torres Kio), Madrid, 1996.


Las dos torres de la Puerta de Europa, son también conocidas como Torres KIO (nombre de la empresa kuwaití que promovió el proyecto). Se inauguraron simultáneamente en 1996, y fueron los primeros rascacielos inclinados que se construyeron en el mundo. Las torres tienen una altura de 114 metros y un total de 26 plantas. La obra fue realizada por los arquitectos Philip Johnson y  John Burgee.



 


 

191 Peachtree Tower (1991)

191 Peachtree Tower, Atlanta, Estados Unidos, 1991.


191 Peachtree Tower es un rascacielos de 235 m de altura y 50 plantas situado en Atlanta. Fue diseñado por las firmas Johnson/Burgee Architects y Kendall/Heaton Associates Inc. Comenzó a construirse en 1990 y fue inaugurado en 1991. Fue galardonado con los Premios BOMA al edificio del año.



 


 

Comerica Tower (1991)

Comerica Tower, Detroit, Michigan, Estados Unidos, 1991.



 


 

One Atlantic Center (1987)

One Atlantic Center, Atlanta, Georgia, Estados Unidos, 1987.


One Atlantic Center, conocido también como IBM Tower, está situado en Midtown Atlanta. El rascacielos tiene una altura de 250 metros  y  cuenta con 50 plantas. Se comenzó su construcción en 1986 y fue inaugurado un año después. One Atlantic Center fue diseñado por Johnson/Burgee Architects y Heery International, Inc. como arquitecto asociado.


Web del edificio: http://www.1ac.com/



 

Bank One Center (1987)

Bank One Center, Dallas, Texas, Estados Unidos,1987.



 

Lipstick Tower (1986)

Lipstick Tower, Nueva York, Estados Unidos, 1986.


El Lipstick Building es un rascacielos de 138 metros de altura y 34 pisos ubicado en Manhattan , Nueva York. Fue diseñado por los arquitectos John Burgee y Philip Johnson. El edificio recibe su nombre por su forma y color, que se asemejan a un tubo de lápiz labial.



 

Nations Bank Center (1983)

Nations Bank Center, Houston, Texas, Estados Unidos, 1983.


El Nations Bank Center es un rascacielos que representa uno de los primeros ejemplos significativos de la arquitectura posmoderna de la construcción en el centro de Houston. El edificio fue diseñado por Philip Johnson y John Burgee en 1983 y tiene una altura de 240 metros y 56 plantas.


 


 

Catedral de Cristal (1980)

Catedral de Cristal, Garden Grove, Estados Unidos, 1980.


La Catedral de Cristal está situada en la ciudad de Garden Grove, en el Condado de Orange, California. La iglesia fue fundada en 1955 por el Reverendo Dr. Robert H. Schuller y su esposa Arvella. El edificio consta de 10.000 paneles rectangulares de vidrio y fue construida a principios de la década de los ochenta por el arquitecto Philip Johnson. La Catedral de Cristal posee el órgano tubular más ancho del mundo, con más de 16000 tubos. 




 


 

Sony Building (1978-1983)

AT&T Building (Sony Building), Nueva York, Estados Unidos, 1978-1984.


La Sony Tower, conocida anteriormente por AT&T Building, es un rascacielos de 197 m de altura y 37 plantas situado en el 550 de Avenida Madison entre las calles 55 y 56 en Manhattan. Fue diseñada por los arquitectos Philip Johnson y su socio John Burgee. El proyecto fue inciado en 1978 y concluyó en 1984.



 

Pennzoil Place (1976)

Pennzoil Place, Houston, Texas, Estados, 1976.


Pennzoil Place es un rascacielos de 151 metros de altura y 36 pisos, situado en el centro de Houston. Fue diseñado por Philip Johnson y John Burgee entre 1975 y 1976.  



 

Edificio Seagram (1954-1958)

Edificio Seagram, Nueva York, 1954-1958.


El Edificio Seagram está situado en el 375 de Park Avenue en Nueva York.  Este rascacielos de oficinas fue diseñado conjuntamente por el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe, en colaboración con Philip Johnson. El edificio es la sede central de la corporación Seagram, y cuenta con 39 pisos en 157 metros de altura y fue construido entre los años 1954 y 1958.



 


 

Sinagoga Kneses Tifereth Israel (1954-1956)

Sinagoga Kneses Tifereth Israel, Port Chester, Estados Unidos, 1954-1956.

Proyecto realizado por Philip Johnson de manera gratuita entre 1954-1956, supuso una forma de pedir perdón públicamente por su relación durante los años cuarenta con la ideología fascista.

 

Jardín de esculturas del MoMA (1953)

Jardín de esculturas del MoMA, Nueva York, 1953.



 


 

Casa Hodgson (1951)

Casa Hodgson, New Canaan, Estados Unidos, 1951.



 


 

Obra seleccionada

"Yo considero mi casa no tanto una vivienda (aunque para mí lo sea) cuanto un laboratorio de ideas que luego puedo depurar en mi propia obra o en la de otros arquitectos".


Philip Johnson



Glass House o Casa de cristal está considerada como uno de los edificios más emblemáticos en la carrera del arquitecto Philip Johnson. Obra maestra en el uso del cristal, supuso una gran influencia para la arquitectura moderna. La casa fue diseñada para su proyecto de la tesis de la Universidad de Harvard, y terminó siendo su residencia desde su construcción en 1949 hasta su muerte en 2005. Hoy día ha pasado a ser un museo.



La casa de cristal está situada en New Canaan, un pueblo ubicado en el condado de Fairfield en el estado estadounidense de Connecticut. El terreno, de unos 190.000 m2, pertenecía por herencia a la familia Johnson. Además de la casa de cristal, Johnson diseñó en la parcela una casa de invitados denominada la Casa de ladrillo, un espacio cerrado que contrasta con el espacio del vidrio. Posteriormente, y en colaboración con su socio David Whitney, Johnson fue ampliado los edificios construídos en ese terreno. Se añadió una Galería de pintura (1965), la Galería de escultura (1970) y  una biblioteca-estudio (1980). También se construyó en la zona del estanque un proyecto visual denominado Lake Pavillion (1962).




La frase de Mies Van der Rohe “less is more” (menos es más), sirvió de referencia para la realización del proyecto. La casa de cristal ha sido a menudo comparada con la Casa Farnsworth de Mies van der Rohe. Ambos arquitectos se conocieron en 1928 cuando Mies estaba diseñando el Pabellón de Alemania para la Exposición de Barcelona de 1929. Mientras Mies se encontraba realizando la Casa Farnsworth (1946 y 1951), Johnson decidió homejearle construyendo la Casa de cristal.



El exterior de la Casa de Cristal está formado por cristal y una estructura mínima de acero. El suelo de ladrillo está aproximadamente 25 cm por encima del terreno. El paisaje exterior se convierte en elemento decorativo de la propia casa, variando durante las horas del día y con las estaciones del año.


El interior de la casa es un espacio abierto dividido por vitrinas bajas de nogal. La condensación interior de la vivienda se solucionó con una ventilación cruzada permanente, para la entrada y salida del aire, evitando que los vidrios se empañaran. El mobiliario del interior de la casa fue diseñado por el propio Philip Johnson, excepto algunos muebles pertenecientes a Ludwig Mies van der Rohe. El mobiliario y las alfombras fueron utilizadas para crear la separación de los espacios, dormitorio, sala de estar y comedor.  Llama la atención el cilindro de ladrillo que contiene el baño y es el único objeto que llega hasta el techo.




El proyecto de Johnson pasó a ser para muchos un objeto de culto y alabanza, mientras que para otros era objeto de crítica ya que la consideraban poco confortable para vivir.


Tras la muerte de Philip Johnson en 2005 y la de su socio Whitney pocos meses después, la Glass House pasó a manos de la Fundación Nacional para la Conservación del Patrimonio Histórico de los Estados Unidos.



+Fotografías





Selección de publicaciones en internet





Vídeos











 

Recursos


Recursos en línea

Alemany, Luis. "Philip Johnson, el primer premio Pritzker de arquitectura" [Recurso electrónico]. Elmundo.es. Dirección: URL: <http://www.elmundo.es/elmundo/2005/01/27/obituarios/1106822638.html> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Interesante artículo que recoge la trayectoria de Philip Johnson. 

Casa de cristal [Recurso electrónico]. Wikiarquitectura. Dirección URL: <http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Casa_de_Cristal> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Página web que recoge información sobre el proyecto La casa de cristal del arquitecto Philip Johnson.

Franco, Mireia. Philip Johnson [Recurso electrónico]. Historia del disseny. Dirección URL: <http://historiadeldisseny2012-13.blogspot.com.es/2013/03/philip-johnson-mireia-franco-biografia.html> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Artículo que recoge información sobre la trayectoria de Philip Johnson.

Philip Johnson [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Philip_Johnson> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Página web que recoge información general sobre el arquitecto Philip Johnson.

Philip Johnson [Recurso electrónico]. epdlp. Dirección URL: <http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=77> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Recopilación de algunos de los trabajos más destacados de Philip Johnson.

Philip Johnson - Alan Ritchie Architects [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.pjararchitects.com/> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Página web del estudio de arquitectura de Philip Johnson y Alan Ritchie.

Philip Johnson (Philip Cortelyou Johnson) [Recurso electrónico]. Solo arquitectura. Dirección URL: <http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/philip_johnson.html> [Consulta: 22 de julio de 2013].

*Página web que recoge datos biográficos, proyectos y premios del arquitecto Philip Johnson.

The Glass House [Recurso electrónico]. The Philip Johnson Glass House. Dirección URL: <http://theglasshouse.org/> [Consulta: 22 de julio de 2013].

* Página web de la Glass Housse diseñada por el arquitecto Philip Johnson.

 

Bibliografía

-BIBLIOGRAFÍA


Alexander, Ricardo Jesse; Eduardo Juan Cervera. Philip Johnson. Buenos Aires, Universidad de Buenos Aires, Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas, 1967.


The Architecture of Philip Johnson. New York: Bulfinch, 2002.
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Cook, John Wesley. Conversations with architects: Philip Johnson, Kevin Roche, Paul Rudolph, Bertrand Goldberg, Morris Lapidus, Louis Kahn, Charles Moore, Robert Venturi & Denise Scott Brown, by John W. Cook and Heinrich Klotz. New York: Praeger, 1973.


Huxtable, Ada Louise. Kicked a Building Lately?. New York: Quadrangle - The New York Times Book, 1967.


Jacobus, John M. Philip Johnson. George Braziller, 1962.


Jenkins, Stover. The houses of Philip Johnson. New York: Abbeville Press, 2001. 


Johnson / Burgee: Architecture. New York: Random House, 1979.


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Johnson, Philip. Architecture 1949-1965. London: Thames & Hudson, 1966.


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Johnson, Philip. Johnson House, New Canaan, Connecticut, 1949- . Tokyo: A. D. A. EDITA, 1972.


Johnson, Philip. Mies van der Rohe. New York: The Museum of Modern Art, 1947.


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Johnson, Philip. Philip Johnson: the architect in his own words. New York: Rizzoli, 1994.


Johnson, Philip. Philip Johnson: Architecture 1949-1965. New York: Holt, Rinehart and Winston, 1966.


Johnson, Philip. Philip Johnson: The Constancy of Change.New Haven, Connecticut: Yale University Press, 2009.


Johnson, Philip. The Philip Johnson tapes: interviews by Robert A.M. Stern. New York: Monacelli Press, 2008.


Johnson, Philip. Skyscrapers. New York:  Black Dog & Leventhal Publishers, 1996.


Johnson, Philip. Writings. New York: Oxford University Press, 1979.


Kipnis, Jeffrey. Philip Johnson: recent work. London: Academy Editions; Lanham, Md.: National Book Network, 1996.


Philip Johnson / John Burgee: Architecture 1979-1985. New York: Rizzoli, 1985.


Philip Johnson/Alan Ritchie Architects. New York: Monacelli, 2003.


Philip Johnson Writings. New York: Oxford University Press, 1979.


Schulze, Franz. Philip Johnson: Life and Work. New York: Knopf, 1994.
Sitte, Camillo. The art of Building Cities: City Building According to its artistic Fundamentals. New York: Reinhold Publishing Cor., 1945.


Stern, Robert A.M.: Gregory Giomartin; Thomas Mellins. New York 1930: Architecture and Urbanism Between and two world wars.New York: Rizzoli, 1987.


Tallmadge, Thomas Eddy. Story of Architecture in America. New York: W.W. Norto & Company, 1927.


Tomkins, Calvin. "Profiles: Forms Under Light". The new Yorker. (23 de mayo 1977) ; pp. 43-80.


Whitney, David; Jeffrey Kipnis. Philip Johnson: The Galss House. New York: Pantheon Books, 1993.


Whitney, David. Philip Johnson: la casa di cristallo. Milano: Electa, 1996.


Wright, George S. Monument for a city: Philip Johnson’s design for the Amon Carter Museum. Fort Worth, Tex.: The Museum, 1997.


 

Vídeos

American Architecture Now: Philip Johnson


 

Inside New York's Art World: Philip Johnson, 1978


 

Philip Johnson, his life and work - Screener


 

Frank Stella: Return to The Glass House


 

Philip Johnson: Visionary


 

Charlie Rose - P. Johnson / "El Greco " Exhibit


 

K

Rem Koolhaas

Biografía y obra

Rem Koolhaas nació el 17 de noviembre de 1944 en Rotterdam.  Hasta los doce años vivió en Yakarta, Indonesia. El país se acababa de independizar y Koolhaas vivía como si fuera indonesio. Su padre era un destacado periodista, novelista y guionista amigo de Sukarno, el primer presidente de Indonesia. Este periodo en un lugar tan exótico como Indonesia, junto con la guerra y la posguerra en Holanda, marcarían su futuro. 

A su regreso a Holanda Koolhaas frecuentó las exposiciones del Museo Stedelik de Arte Moderno, dirigido en aquella etapa por Willem Sandberg, y también se aficionó al cine principalmente de Pier Paolo Pasolini y Michelangelo Antonioni.

Koolhaas decidió estudiar periodismo como su padre y durante un tiempo estuvo trabajando en el periódico Haagse Post de Amsterdam. Su interés por el cine le llevó a realizar algunos guiones para el cine. Después de su etapa como periodista decidió estudiar arquitectura como su abuelo. Se trasladó a Londres donde ingresó en la Architectural Association.

En 1972 viajó a los Estados Unidos gracias a una beca y quedó fascinado por Nueva York. Esta experiencia le llevó a escribir un ensayo sobre el impacto de la cultura metropolitana en la arquitectura: Delirious New York, a retroactive manifiesto for Manhattan.

En 1975 regresó a Europa, decidió fundar junto a tres socios, Elia y Zoe Zenghelis y Madelon Vriesendorp, la Office for Metropolitan Architecture (OMA), un estudio cuyo objetivo era definir los nuevos tipos de relaciones entre la arquitectura y la situación cultural contemporánea. En 1978 decidió abrir otro despacho en Rotterdam, centralizándose aquí todas las actividades de OMA. Al mismo tiempo, creó la Fundación Grosztadt, para coordinar las actividades culturales de la OMA. Hoy OMA se ha convertido en una destacada firma internacional con oficinas en Europa (OMA Rotterdam), América del Norte (OMA Nueva York) y Asia (OMA Pekín).

Además de un Koolhaas arquitecto, existe un Koolhaas teórico de la arquitectura que ha publicado varios libros: S, M, L, XL, un libro sobre sociedad contemporánea, construcción, y desarrollo urbano, también documentando el trabajo de OMA, Mutaciones, Content, OMA .

Desde 1995 Koolhaas es profesor en la universidad de Harvard y ha dirigido una serie de proyectos de investigación para el Harvard Project on the City. 

Entre sus proyectos más destacadados se encuentran: el edificio Grand Palais (Lille, Francia); el Plan Maestro de Desarrollo Urbanístico (Lille, Francia) y el Centro Euralille (Lille, Francia); el Teatro de la Danza de Holanda (La Haya), la embajada de los Países Bajos en Berlín; Viviendas Nexus (Fukuoka, Japón); el Museo de Arte Kunsthal (Rotterdam); el Museo Guggenheim de Las Vegas (Estados Unidos), y la Biblioteca Pública de Seattle (Estados Unidos).

A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y homenajes: Premio Progressive Architecture (con Laurinda Spear) (1974), Le Moniteur, Premio de Arquitectura por la Villa dall’Ava, París. (1991), Premio del Instituto de Arquitectura de Japón, por las Viviendas Nexus World en Fukuoka (1992),  Premio Antonio Gaudí, Galardones Olímpicos, por el Proyecto Urbano de Lille, Francia (1992), Pritzker Architecture Prize (2000), Praemium Imperiale (2003), Medalla de Oro Royal Institute of British Architects (RIBA) (2004) y  Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea (2005).

Actualmente el estudio de Rem Koolhaas, OMA, emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo, como  la nueva sede de la televisión China junto a un centro cultural. Rem Koolhaas está considerado como uno de los arquitectos más influyentes del panorama internacional.

Publicaciones en internet

 

 

Exposiciones individuales

2011

Cronocaos. New Museum of Contemporary Art, Nueva York, EE. UU.

2010

Oma Book Machine: The Books Of Oma. AA Gallery - AA School of Architecture, Londres, Reino Unido.

2006

OMA in The Hague. Stroom Den Haag, La Haya, Países Bajos.

2004

Das Bild Europas: amo / rem koolhaas und foreign policy center. Haus der Kunst München, Múnich, Alemania.

Rem Koolhaas Oma-amo - Content: Gebouwen, Concepten, Ontwerpen Vanaf 1996. Kunsthal Rotterdam, Róterdam, Países Bajos.

2000

Rem Koolhaas. OMA, Rotterdam (2000). Dutchtown - AedesLand, Berlín, Alemania.

1999

Oma Rem Koolhaas: Living. ICA - Institute of Contemporary Arts London, Londres, Reino Unido.

1994

Thresholds/O.M.A. at The Museum of Modern Art: Rem Koolhaas and the Place of Public Architecture. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

1984

Drie ontwerpen voor Parijs. Zeno X Gallery, Amberes, Bélgica.

 

Exposiciones colectivas

2013

Architektura znějící hudbou. Galerie výtvarného umění v Ostravě, Dum umeni, Ostrava, República Checa.

Kultur: Stadt. AdK - Akademie der Künste, Berlín, Alemania.

2012

Architectural Model. Tool, Fetish, Small Utopia - Deutsches Architekturmuseum, Fráncfort del Meno, Alemania.

Sweethearts. Pippy Houldsworth Gallery, Londres, Reino Unido.

2011

Erre, variations labyrinthiques. Centre Pompidou-Metz, Metz, Francia.

Verso Est. Chinese Architectural Landscape. MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma, Italia.

194X–9/11: American Architects and the City. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

2010

Biennale Architettura 2010. People meet in architecture, Biennale Architettura di Venezia, Venecia, Italia.

The Surreal House. Barbican Art Gallery, Londres, Reino Unido.

Dreamlands. Centre Pompidou - Musée National d´Art Moderne, París, Francia.

FAX. Para/Site Art Space, Hong Kong, SAR, China.

2009

STADTanSICHTEN. ifa-Galerie Berlin, Berlín, Alemania.

2008

Brussels Biennial 1. Brussels Biennial, Bruselas, Bélgica.

Manifesto Marathon. Serpentine Gallery, Londres, Reino Unido.

Here Is Every. Four Decades of Contemporary Art. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

Brave New World. On the Transformation of Central and Eastern European Cities. ifa-Galerie Stuttgart, Stuttgart, Alemania.

Dreamland: Architectural experiments since the 1970s. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

 ...In The Cherished Company of Others...(1648-2036).  Appel arts centre, Amsterdam, Países Bajos.

China Design now. Victoria & Albert Museum - V&A, Londres, Reino Unido.

Schengen. Galerie Feinkost, Berlín, Alemania.

Brave new world. Schöne neue Welt . ifa-Galerie Berlin, Berlín, Alemania.

2007

2007 Bi-City Biennale. Shenzhen & Hong Kong Bi-City Biennale of Urbanism/Architecture, Shenzhen, China.

9e Biennale de Lyon 2007. La Biennale de Lyon, Lyon, Francia.

Global Cities. Tate Modern, Londres, Reino Unido.

2006

Shrinking Cities. Interventions. Pratt Manhattan Gallery, Nueva York, EE. UU.

Venice. Istanbul - Istanbul Modern, Estambul, Turquía.

Glass. Material Matters - Los Angeles County Museum of Art - LACMA, Los Ángeles, EE. UU.

the people´s choice. Isola Art Center, Milán, Italia.

2005

The 2nd Guangzhou Triennial. uangzhou Triennial, Guangzhou, Guangdong, China.

Centre of Gravity. Istanbul Modern, Estambul, Turquía.

Panopticon. The Architecture and Theatre of Prisons. Zacheta - National Gallery of Art, Varsovia, Polonia.

BIG BANG. Centre Pompidou - Musée National d´Art Moderne, París, Francia.

51st International Art Exhibition Venice Biennale / Biennale di Venezia. Always a little further. La Biennale di Venezia, Venecia, Italia.

2004

Algorithmische Revolution. Zur Geschichte der interaktiven Kunst. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Karlsruhe, Alemania.

Tapei Biennial 2004 - Do you believe in reality? Taipei Biennial, Taipéi, Taiwán.

Muse-Um? - Companionship of Plurality - Leeum. Samsung Museum of Art, Seúl, Corea del Sur.

2003

Content - Rem Koolhaas und OMA-AMO - Bauten, Projekte und Konzepte seit 1996. Neue Nationalgalerie, Berlín, Alemania.

II Bienal de Valencia - La Ciudad Ideal. Bienal de Valencia, Valencia, España.

Visionen und Utopien. Architekturzeichnungen aus dem Museum of Modern Art, NY. Schirn Kunsthalle, Fráncfort del Meno, Alemania.

LEVIATHAN - Visuelle Formierungen von staatlicher Macht. Kunsthalle Düsseldorf, Düsseldorf, Alemania.

2001

Rhethorics of surveillance from Bentham to Big Brother. ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Karlsruhe, Alemania.

printemps de septembre. Printemps de Septembre, Toulouse, Francia.

What's Shakin' - New Architecture in LA. The Geffen Contemporary at MOCA, Los Ángeles, EE. UU.

Art of Architecture - Winners of Pritzker 's Prize in 1979-2000.  Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia, Polonia.

Architecture radicale. IAC - Institut d'art contemporain Villeurbanne/Rhône-Alpes, Villeurbanne, Francia.

2000

Museen für ein neues Jahrtausend. Kunsthaus Bregenz, Bregenz, Austria.

escape_space. Ursula Blickle Stiftung, Kraichtal-Unteröwisheim, Alemania.

Against Architecture. The Urgency to (Re)Think the City. EACC - Espai d´Art Contemporani de Castelló, Castellón de la Plana, España.

1997

Cities on the move. Wiener Secession, Viena, Austria.

Christine & Irene Hohenbüchler: documenta X. Documenta, Kassel, Alemania.

1992

Räume für Kunst. Europäische Museumsarchitektur der 90er Jahre. Galerie für Zeitgenössische Kunst - GfZK, Leipzig, Alemania.

1990

Energieën. Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam, Países Bajos.

1988

Autobiografische architectuur. Stadsgalerij Heerlen, Heerlen, Países Bajos.

Deconstructivist Architecture. MoMA - Museum of Modern Art, Nueva York, EE. UU.

1983

Drawings by Architects. ICA - Institute of Contemporary Arts London, Londres, Reino Unido.

 

Premios

2005


Embajada de los Países Bajos, Berlín, Alemania, Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea.


2004


Medalla de Oro Royal Institute of British Architects (RIBA).


2003


Praemium Imperiale.


2000


Pritzker Architecture Prize.


1997


American Institute of Architects (AIA), premio de publicación por S, M, L, XL.


1993


Visiting Scholar del Centro Getty, Los Angeles, California, Estados Unidos.


1992


Premio del Instituto de Arquitectura de Japón, por las Viviendas Nexus World en Fukuoka.


Premio Antonio Gaudí, Galardones Olímpicos, por el Proyecto Urbano de Lille, Francia.


1991


Le Moniteur, Premio de Arquitectura por la Villa dall’Ava, París.


1974


Premio Progressive Architecture (con Laurinda Spear).

Frases

"Nunca me ha atraído el futuro. Tengo una obsesión por el ahora, por el presente".

 

"La arquitectura es una profesión peligrosa".

 

"Me planteo ejecutar ahora la arquitectura como una producción cinematográfica."

 

"Si uno no cambia, no evoluciona, termina por dejar de pensar".

 

"La arquitectura es una mezcla paradójica de poder e impotencia".

 

"Intento entender el contexto más amplio en el que suceden las cosas de forma que nuestras intervenciones encajen bien en este entorno".

 

"Creo que uno de los progresos más notorios es que ya no se siente la necesidad compulsiva de argumentar o justificar las cosas. Estamos mucho más dispuestos a admitir que ciertas cosas son instintivas y otras son intelectual".


 

Rem Koolhaas

Sus obras (selección)

2009-2013

De Rotterdam, Róterdam, Países Bajos.

2010

New Court, St. Swithin's Lane, Londres, Reino Unido.

2009

Riga Port City, Riga, Letonia.

2008-2009

Teatro Dee y Charles Wyly, Dallas, Texas, EE. UU.

2008

Edificio del 23 East 22nd Street, Nueva York, EE. UU.

Bryghusprojektet, Copenhague. Dinamarca.

Sede de CCTV, Beijing, China.

Centro de Congresos, Córdoba, España (Cancelado).

2005

Museo Universitario Nacional, Seúl, Corea del Sur.

2004-2005

Plan de Regeneración White City Area, Londres, Reino Unido.

2003-2008

Edificio Beijing Books, Beijing, China.

2003-2005

Ampliación del Hermitage, San Petersburgo, Rusia.

2002-2008

Plan General Zeche Zollverein, Essen, Alemania.
2002-2004

Leeum, Museo de Arte Samsung, Seúl, Corea del Sur.

2002

Oslo Vestbanen, Oslo, Noruega.

2001

Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Los Ángeles, EE. UU.

2000-2004

Prada Los Angeles Epicenter, Beverly Hills, EE. UU.

2000-2001

Prada New York Epicenter, Nueva York, EE. UU.

Guggenheim Las Vegas, Las Vegas, EE. UU.

2000

Prada San Francisco Epicenter, San Francisco, EE. UU.

1999-2005

Casa de la Música, Oporto, Portugal.

1999-2004

Biblioteca Central de Seattle, Seattle, EE. UU.

1998-2005

Remodelación Urbana, Almere, Países Bajos.

1998

Haus um die Schenkung, Berlín, Alemania.

Cine Blok 6, Almere, Países Bajos.

1997-2003

Embajada de los Países Bajos, Berlín, Alemania.

Centro McCormick en el IIT, Chicago, EE. UU.
1995-2003

El Cabayo de Troya, La Haya, Países Bajos.

1995

Ciudad Aeropuerto, Seúl, Corea del Sur.

1994-2004

Metro de La Haya, La Haya, Países Bajos.

1994-1998

Casa en Burdeos, Burdeos, Francia.

1994-1995

Hypo-Theatiner-Zentrum en Gablerhaus, Múnich, Alemania.

Ampliación de la Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

1994

Plan General de Euralille, Lille, Francia.

Ópera, Cardiff, Reino Unido.

Centro de Artes Escénicas, Miami, EE. UU.

1993-1997

Educatorium, Utrecht, Países Bajos.

1992-1993

Casa en el Bosque, Países Bajos.

1992

Dos Bibliotecas Jussieu, París, Francia.

Anillo Urbano de Yokohama, Yokohama, Japón.

1991

Edificio Nexus, Fukuoka, Japón.

1990-1994

Congrexpo (Gran Palacio de Lille), Lille, Francia.

1990

Hotel y Palacio de Congresos, Agadir, Marruecos.

1989

ZKM Centro de Arte y Tecnología de los Medios, Karlsruhe, Alemania.

Estación Marítima, Zeebrugge, Bélgica.

Biblioteca de Francia, París, Francia.

1988

Instituto Holandés de Arquitectura, Róterdam, Países Bajos.

1987-1992

Kuntshal, Róterdam, Países Bajos.

1987

Teatro de Danza de Países Bajos, La Haya, Países Bajos.

1985-1991

Villa dall'Ava, París, Francia.

1984-1988

Dos Casas Patio, Róterdam, Países Bajos.
 

Teatro Dee y Charles Wyly (2009)

Teatro Dee y Charles Wyly, Dallas, Texas, 2004-2009.


Biblioteca Central de Seattle (2004)

Biblioteca Central de Seattle, Seattle, Estados Unidos.


Guggenheim Las Vegas (2001)

Hermitage Guggenheim, Las Vegas, Estados Unidos, 2001.

 

 

Prada San Francisco Epicenter (2000)

Prada San Francisco Epicenter, San Francisco, Estados Unidos.


Maison à Bordeaux (1998)

Maison à Bordeaux, Bordeaux, France, 1998.

 

Grand Palais, Lille (1994)

Grand Palais, Lille, Francia, 1994.

 

 

Kuntshal (1992)

Kunstal, Rotterdam, Netherlands, 1992.



 

Edificio Nexus (1991)

Nexus Housing, Fukuoka, Japan, 1991.

 

Villa dall'Ava (1991)

Villa dall’Ava, Paris, Francia, 1991.


Netherlands Dance Theater (1988)

Netherlands Dance Theater, La Haya, Países Bajos, 1988.


 


Obra seleccionada

Casa da Musica, Oporto, Portugal, 2001-2005.



 En 2001 Oporto  fue designada junto a Róterdam como la Capital Europea de la Cultura.  El Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de la ciudad portuguesa decidieron crear la Sociedad Oporto 2001 que se encargaría de organizar todo lo relativo a este evento. Entre los diferentes actos culturales, la Sociedad convocó a cinco estudios internacionales para la construcción de un auditorio en el centro de la ciudad. Finalmente el elegido fue OMA-Rem Koolhaas que propuso la realización de un edificio exento muy visual y de fácil acceso.



El proyecto se situaba en una zona muy transitada de la ciudad, la rotonda de Boavista, un antiguo lugar de almacenamiento de tranvías, y debía convertirse en un nexo entre la ciudad histórica y el barrio de gente trabajadora. El coste total del proyecto fue de 100 millones de euros.


El edificio está asentado sobre una plaza ondulada que sirve de punto de unión entre lo antiguo y lo nuevo.



Desde la plaza se accede al edificio por unas amplias escaleras, que recuerdan a la entrada de una nave del futuro.



La Casa da Musica da cabida a la institución del mismo nombre y sus tres orquestas, Orquestra Nacional do Oporto, Orquesta Barroca y Remix Koolhaas. Tiene dos auditorios principales y muchas otras zonas fácilmente adaptables para conciertos, talleres, actividade educativas... El auditorio principal tiene capacidad para 1238 personas, aunque puede variar según las necesidades. Uno de los grandes logros del edificio no es sólo su belleza y su forma invertida, sino también la capacidad de adaptación del edificio por dentro.


Curiosamente la idea para el diseño del edificio surgió originariamente con otra finalidad. OMA había diseñado una vivienda familiar con una sucesión de espacios abiertos pero al mismo tiempo con espacios particulares para cada miembro de la familia. Cuando quedaban unas dos semanas para presentar las propuestas para el concurso de Oporto, Koolhaas se dió cuenta de que ese mismo concepto de la casa familiar podía aplicarse a la Casa da Musica.


Aunque en un principio Koolhaas pensó en hacer en el auditorio algo distinto a lo que tradicionalmente se hacía, es decir, una sala rectangular llamada caja de zapatos, llegó a la conclusión, después de investigar la calidad acústica de salas de concierto existentes, que los mejores auditorios en el mundo tenían esa forma.


La sala del auditorio está  recubierta de planchas de madera con pintura dorada y presenta dos grandes ventanales que la diferencian del resto de auditorios que son cerrados.



En el auditorio están presentes vidrios ondulantes que además de favorecer una mejor acústica, permiten el acceso de la luz y la visión de otras partes del edificio.



El segundo  auditorio, el más pequeño es también flexible, y no tiene un aforo fijo. En líneas generales serían unas 300 personas sentadas y 650 de pie.



Casa Da Música puede albergar los más variados proyectos desde música clásica, proyectos de música electrónica, hasta música de calle. Otro espacio muy destacable en el edificio es el de la Cibermúsica, forrada en verde.



La parte superior de la Casa da Música alberga un restaurante con capacidad para 250 personas y una terraza con azulejos blancos y negros desde donde se puede ver la ciudad y el mar.



 


 



El proyecto que fue iniciado en 1999 y concluyó en 2005 se convertiría en uno de los iconos más importantes de la ciudad de Oporto. La inauguración de la Casa da Musica fue el 14 de abril de 2005 y contó con la presencia de los artistas Clà y Lou Reed.



 


 


Web de la Casa da Música



 


Videos





Enlaces de interés


Capitel, Antonio. "La Casa de la Música en Oporto o El formalismo de la arquitectura de OMA". http://oa.upm.es/3075/2/CAPITEL_ART_2007_02A.pdf


Espinosa, Marcelo A. "Substracción.  Adición la Casa da Música en Oporto". http://arq.unne.edu.ar/publicaciones/cuaderno_urbano/cu_5/archivos/pdf/espinosa.pdf


Magnasco, Mauricio. "Plataforma en viaje. Casa da Musica, Rem Koolhaas". http://www.plataformaarquitectura.cl/2008/10/06/plataforma-en-viaje-casa-da-musica-rem-koolhaas/


OMA. "Casa da Música". http://oma.eu/projects/2005/casa-da-musica


Zeballos, Carlos. "Koolhaas, Casa da Musica, Oporto". http://moleskinearquitectonico.blogspot.com.es/2009/02/koolhaas-casa-da-musica-oporto.html


 


 


 



 

Recursos


Recurso en línea

Frases de Rem Koolhaas [Recurso electrónico]. Frases y pensamientos. Dirección URL: <http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/rem-koolhaas.html> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Página web que recoge frases y pensamientos del arquitecto Rem Koolhaas.

García-Herrera, Adela. "El arquitecto Rem Koolhaas logra el Premio Pritzker" [Recurso electrónico]. El País (17 de abril de 2000). Dirección URL: <http://elpais.com/diario/2000/04/17/cultura/955922401_850215.html> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Artículo sobre la concesión del Premio Pritzker al arquitecto Rem Koolhaas.
Mozas, Javier. "Vivimos un urbanismo loco" [Recurso electrónico]. El País (19 de diciembre de 2009). Dirección URL: <http://elpais.com/diario/2009/12/19/babelia/1261185157_850215.html> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Entrevista al arquitecto Rem Koolhaas.

OMA [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.oma.eu/> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Página  oficial del arquitecto Rem Koolhaas.

Rem Koolhaas [Recurso electrónico]. Epdlp. Dirección URL: <http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=84> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Página web que recoge algunos de los proyectos más importantes de Rem Koolhaas.

Rem Koolhaas [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Rem_Koolhaas> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Introducción a la figura del arquitecto Rem Koolhaas.

Rem Koolhaas, 2000 laureate [Recurso electrónico]. Pritzker prize. Dirección URL: <http://www.pritzkerprize.com/laureates/2000> [Consulta: 4 de junio del 2015].

*Página web oficial de los Premios Pritzker.

 

Bibliografía

Gargiani, Roberto. Rem Koolhaas/OMA: the construction of merveilles. Lausanne: EPFL Press, 2011.


Gargiani, Roberto. Rem Koolhaas/OMA: Essays in Architecture. Routledge, 2008.


Herzog & de Meuron & Rem Koolhaas: Identität in der Zeit der Globalisierung = identité en période de globalisation. Zürich: FSAI, 2000. 


Lucan, Jacques. OMA - Rem Koolhaas: pour une culture de la congestion. Milan ; Paris: Electa Moniteur, 1990.


Mutations. Actar, 2001.


OMA Rem Koolhaas. Madrid: El Croquis, 2006-2007. El Croquis 131/132 134/135.


OMA Rem Koolhaas: living = vivre = leben. Bordeaux: Arc en rêve ; Basel [etc.]: Birkhäuser, 1998.


OMA / Rem Koolhaas. Princeton University Press, 1991.


Oma/Rem Koolhaas: 1992 - 1996. Madrid: El Croquis, 1996.


Project Japan: Metabolism Talks... Taschen, 2011.


Qu'est-ce que l'OMA ?: à propos de Rem Koolhaas et de l'Office for Metropolitan Architecture. Paris: Ed. Le Moniteur, 2004.


Rem Koolhaas - Hans Ulrich Obrist. Rem Koolhaas, Hans Ulrich Obrist. Köln: W. König, 2006. 


Rem Koolhaas: trasparenze metropolitane. Torino: Testo & Immagine, 1996.


Rem Koolhaas - O.M.A. 1987-1992. Madrid: El Croquis, 1992. 


S,M,L,XL: Architektur am Scheideweg. Marburg: Jonas, 1999.


Simon, Michel. Un jour, un train: la saga d'Euralille. Lille: La Voix du Nord, 1993.


Small, medium, large, extra-large. Köln: B. Taschen, 1997.


Tabet, Marco. La terrifiante beauté de la beauté: naturalisme et abstraction dans l'architecture de Jean Nouvel et Rem Koolhaas.Paris: Sens & Tonka, 1996.


 Villa dall'Ava. Paris:  ADAV, 1996.


What is OMA? Considering Rem Koolhaas and the Office for Metropolitan Architecture. NAi, 2004.
 

Vídeos


 

Rem Koolhaas y la arquitectura Moderna (2007)




Rem Koolhaas: "Recent Pre-occupations: Architecture and Exhibition Making"


 

Room for Discussion presents: Rem Koolhaas


 

Rem Koolhaas on CNN -- "Living differently"


 

La Villa Dall'Ava - Rem Koolhaas


 

"Preservation of History"- Rem Koolhaas


 

Rem Koolhaas


 

M

Thom Mayne

Biografía y obra

Thom Mayne nació el 19 de enero de 1944 en Waterbury, Connecticut. En 1968 se graduó en la Universidad del Sur de California, y en 1972 creó, junto con Michael Rotondi, el estudio Morphosis y SCI-ARC junto a compañeros y colegas de profesión.

 

Premios

2005

Pritzker Architecture Prize.

2001

Premio de Excelencia en Diseño Chrysler.

2000

Medalla de Oro Los Ángeles, American Institute of Architects (AIA).

1992

Premio de Arquitectura Brunner, Academia Americana de Artes y Letras.

1987

Premio de Roma de la Academia Americana en Roma.

Sus obras (selección)

2012
NYC2012 Villa Olímpica en Hunter's Point, Nueva York, EE. UU.

2009
Centro Astrofísicas Cahill, Pasadena, EE. UU.
U.S. Land Port of Entry en Alexandria Bay, Nueva York, EE. UU.

2008
Edificio Académico, The Cooper Union for the Advancement of Science and Art, Nueva York, EE. UU.

2007
Palenque en Centro JVC, Guadalajara, México.
Viviendas Sociales, Madrid, España.

2006
Edificio Federal, San Francisco, EE. UU.
Wayne L. Morse United States Courthouse, Eugene, EE. UU.
Casa Matano, Paso Robles, EE. UU.

2005
Centro Recreativo Estudiantes Universidad de Cincinnati, Cincinnati, EE. UU.
National Oceanic Atmospheric Administration (NOAA) Satellite Operation Facility, Suitland, EE. UU.

2004
Sede Caltrans District 7, Los Ángeles, EE. UU.
Dr. Theodore T. Alexander, Jr. Science Center School, Los Ángeles, EE. UU.
Proyecto Hypo Bank, Udine, Italia.
Proyecto L.A. Now Volumes 1-3, Los Ángeles, EE. UU.
Proyecto Residencia Mutano, Paso Robles, EE. UU.

2003
Silent Collisions, Charleroi, Bélgica.

2002
Hypo Alpe-Adria Center, Klagenfurt, Austria.
Proyecto Propuesta World Trade Center, Nueva York, EE. UU.
Proyecto Bodegas Azalea Springs, Napa Valley, EE. UU.

2001
Proyecto Museo de los Niños, Los Ángeles, EE. UU.

2000
University of Toronto Graduate Student Housing, Toronto, Canadá.
Proyecto IFP/Independent Film Center, Los Ángeles, EE. UU.

1999
Silent Collisions, Róterdam, Países Bajos.
Escuela Elemental Internacional, Long Beach, EE. UU.
Lutece, Las Vegas, EE. UU.
Tsunami Asian Grill, Las Vegas, EE. UU.
Escuela Superior Diamond Ranch, Pomona, EE. UU.

1998
SHR Perceptual Management, Scottsdale, EE. UU.

1997
Edificio de Oficinas Salick Healthcare (8150), Los Ángeles, EE. UU.
Residencia Landa, Manhattan Beach, EE. UU.
Sun Tower, Seúl, Corea del Sur.
ASE Centro de Diseño, Taipéi, Taiwán.
Proyecto Residencia Mack, Sherman Oaks, EE. UU.

1996
FJC (Freidland Jacobs Communications), Los Ángeles, EE. UU.

1995
Residencia Blades, Santa Bárbara, EE. UU.

1994
Proyecto MASH One Room Schoolhouse, Las Vegas, EE. UU.
Proyecto Viviendas Wagramerstrasse, Viena, Austria.

1993
Ove Arup and Partners, Los Ángeles, EE. UU.
Proyecto Academia Cranbrook, Bloomfield Hills, EE. UU.
Proyecto Frankfurt Waste Management Facility, Fráncfort, Alemania.

1991
Edificio de Oficinas Salick Healthcare (8201), Los Ángeles, EE. UU.
Proyecto Museo de Coches Yuzen Vintage, Los Ángeles, EE. UU.
Proyecto Club de Golf Chiba, Chiba, Japón.

1990
Store No. 2 (Politix), Portland y Cleveland, EE. UU.
Expo '90, Osaka, Japón.
Residencia Crawford, Montecito, EE. UU.
Proyecto Estudios MTV, Los Ángeles, EE. UU.

1989

Vecta No. 1, Los Ángeles, EE. UU.
Proyecto Edificio de Oficinas Higashi Azabu, Tokio, Japón.
Proyecto Centro de Artes Emery, Cincinnati, EE. UU.

1988
Leon Max Showroom, Los Ángeles, EE. UU.
Club Post Nuclear, Laguna Beach, EE. UU.
Residencia 6th Street, Santa Mónica, EE. UU.
Centro Cedar Sinai, Los Ángeles, EE. UU.

1987
Store No. 1 (Politix), Los Ángeles, EE. UU.

1986
Vecta Nº. 2, Nueva York, EE. UU.
Kate Mantilini, Beverly Hills, EE. UU.
Proyecto Residencia Malibú, Malibú, EE. UU.

1985
Proyecto Residencia Was, Los Ángeles, EE. UU.

1984
Hennessy y Ingalls, Santa Mónica, EE. UU.
Restaurante Angeli, Hollywood, EE. UU.

1983
72 Market Street, Venice, EE. UU.

1982
Venice III, Venice, EE. UU.
Proyecto Oficinas Centrales del Distrito, Hermosa Beach, EE. UU.

1981
Proyecto Residencia Cohen, Los Ángeles, EE. UU.

1980
Residencia Sedlak, Venice, EE. UU.
Residencia Lawrence, Hermosa Beach, EE. UU.
Proyecto Residencia Sedlak, Venice, EE. UU.

1979
Proyecto Residencia Flores, Los Ángeles, EE. UU.

1978
2-4-6-8, Venice, EE. UU.
Proyecto Mexico House II, Tiajuana, México.

1976
Residencia Delmer, Venice, EE. UU.

Vídeos

2013 AIA Gold Medal Winner - Thom Mayne

SLIVER LECTURE SERIES - Thom Mayne

Thom Mayne: Architecture is a new way to connect to the world

A New Sculpturalism: Contemporary Architecture from Southern California Pt. 2 - MOCA tv

A.UD Lecture Series: Neil Denari and Thom Mayne in Conversation

Interview with Thom Mayne (Morphosis)

IoA, SLIVER LECTURES, Thom Mayne

Technion 5h year Studio, Review with architect Thom Mayne

Thom Mayne - Citizen of the Year Award 2009

Thom Mayne: U.S. Federal Office Building, San Francisco

Recursos

Richard Meier


 


 

Biografía y obra

Richard Meier nació el 12 de octubre de 1934 en Newark, Nueva Jersey. Estudió arquitectura en la Universidad de Cornell, graduándose en 1957. Al acabar sus estudios trabajó para Skidmore, Owings and Merrill, un estudio de ingeniería y arquitectura norteamericano, también conocido bajo las siglas SOM, famosos por sus rascacielos en forma de caja de cristal. Posteriormente estuvo trabajando tres años con Marcel Breuer, arquitecto y diseñador industrial, y uno de los principales maestros del Movimiento Moderno.

En 1963 abrió su propio estudio de arquitectura y desde 1964 ejercerá como profesor durante varios años en la Cooper Union de Nueva York. Entre 1967 y 1973 ejerce de profesor invitado en la Universidad de Yale. En 1979 ganó el concurso para el museo de Artes de Decorativas de Fráncfort, siendo el inicio de su periplo europeo.

En 1972 fue identificado como uno de Los Cinco en Nueva York (Five Architects), un grupo arquitectónico estadounidenes formado por  Peter Eisenmanm, Michael Graves, Charles Gwathmey y John Hejduk. Su obra apareció expuesta por primera vez en el Museum of Modern Art de Nueva York, en una exposición organizada por Arthur Drexler en 1967. Posteriormente publicarían el libro titulado Five Architects (1972). Al grupo se le conocía con el nombre de "los blancos" debido a su gusto por las superficies limpias  y lisas, sin adornos, y por el blanco de sus materiales. En su discurso de entrega del Premio Pritzker explicó su gusto por el blanco: "La blancura del blanco nunca es simplemente blanca; casi siempre se traslada por la acción de la luz y por todo lo que cambia: el cielo, las nubes, el sol y la luna".

Como arquitecto ha ganado casi todos los premios importantes:  la Medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos (1997),  Premium Imperiale de la Japan Art Association (1997),  la Medalla de Oro por el Royal Institute of British Architects (1989),  el Premio Pritzker (1984).

Richard Meier siempre ha reconocido su admiración por el arquitecto Le Corbusier, sobre todo por sus villas puristas como la Villa Savoye. Así en sus comienzos Meier realizó varias villas como la de Essex Fells en Nueva Jersey (1963) o la Smith House en Darien, Connecticut (1965) en homenaje a Le Corbusier.

Sin embargo lo más reconocido del trabajo de Richard Meier son los museos como el High Museum Art de Atlanta (1983) o The Atheneum in New Harmony, Indiana (1979). En 1984 ganó el concurso para la construcción del Getty Center de Los Ángeles, uno de los encargos más importantes en la carrera de Richad Meier.

En los últimos años y a pesar de su edad, Meier se ha mantenido muy activo. Entre sus trabajos más recientes están: la  Iglesia del Jubileo, en Roma, con motivo de la celebración del Jubileo en el 2003, el Museum Frieder Burda en Baden Baden (2004),  la  City Tower de Praga (2004–2007), el Arp Museum de Alemania (2008), la Universidad de Scranton, (2007), la  Meier Tower de Tel Aviv (2008–),  el Bodrum Houses de Turquía (2010–) y el  Vinci Partners Corporate Headquarters de Rio de Janeiro, Brasil (2012).
 

"La luz es usada como una metáfora del Bien en toda su perfección, en el significado atribuído por filósofos, poetas, pintores, músicos, políticos y papas. En arquitectura como en cualquier otra expresión creativa, la luz ha sido siempre una fuente de éxtasis e inspiración"

Richard Meier

 

Exposiciones individuales

2012

Richard Meier. Building as Art. Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen, Alemania.

2011

Richard Meier: retropectiva. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, Monterrey, México.

2009

Meier 75. Cooper-Hewitt, National Design Museum, Nueva York, EE. UU.

2007

Richard Meier: Art and Architecture. Louise Blouin Foundation, Londres, Reino Unido.

1999

Richard Meier - l'exposition.  Jeu de Paume, París, Francia.

1998

Richard Meier. The Getty Center. Galleria Civica di Trento, Trento, Italia.

1996

Richard Meier Builds: From Tabletop to Rooftop. Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, EE. UU.

1994

Richard Meier. Leo Castelli Gallery, Nueva York, EE. UU.

1985

Richard Meier - Passages. Centre d'art contemporain, Troyes, Francia.

1980

Richard Meier / Matrix 58.  The Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, EE. UU.

 

Exposiciones colectivas

2010

Armitage Gone Dance Exquisite Corpse Project.  Klemens Gasser & Tanja Grunert, Inc., Nueva York, EE. UU.

2009

Mixografia: Innovation and Collaboration. Portland Art Museum, Portland, EE. UU.

2008

Paperweight. Mehdi Chouakri, Berlín, Alemania.

2007

Repairing the World: Contemporary Ritual Art. The Jewish Museum of New York, Nueva York, EE. UU.

The Architect’s Table: Swid Powell and Postmodern Design. Yale University Art Gallery, New Haven, EE. UU.

2006

Modernism in American Silver: 20th-Century Design. Dallas Museum of Art, Dallas, EE. UU.

La Bellezza. La Permanente Milano, Milán, Italia.

Modernism in American Silver - 20th-Century Design. Nevada Museum of Art NMA, Reno, EE. UU.

2001

Art of Architecture - Winners of Pritzker 's Prize in 1979-2000. Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia, Polonia.

2000

Museen für ein neues Jahrtausend. Deichtorhallen Hamburg, Hamburgo, Alemania.

1999

Open House West - Museum Architecture and Changing Civic Identity. USC Fisher Museum - University of Southern California, Los Ángeles, EE. UU.

1996

The International Challenge. ARKEN Museum for Moderne Kunst, Ishoj, Dinamarca.

1993

Richard Meier e Frank Stella: arte e architettura. Palazzo delle Esposizioni, Roma, Italia.

1992

Räume für Kunst. Europäische Museumsarchitektur der 90er Jahre. Galerie für Zeitgenössische Kunst - GfZK, Leipzig, Alemania.

Museo d'Arte e Architettura. Museo Cantonale d´Arte Lugano, Lugano, Suiza.

1986

Les Annees 60. Fondation Cartier pour l'art contemporain, París, Francia.

1984

Architecture in Silver. The Renaissance Society at The University of Chicago, Chicago, EE. UU.


 

Premios

2008


 American Academy of Arts and Letters.


2004


New York Society of Architects.


1998


American Institute of Architects, Section Los Angeles.


 


1997


Medalla de Oro de la Asociación Internacional de Arquitectos (AIA).


Awarded the Praemium Imperiale Prize for Architecture, Japan Art Association, Tokyo.


1995


American Academy of ARts.


1992


Comendador de las Artes y las Letras por el Gobierno francés.


1989


Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos.


1984


Premio Pritzker.


1980


American Institute of Architects.


1972


Arnols Memorial Preis. American Academy of Arts and Letters.


1968


American Institute of Architects, Section New York.


 


 

Obras y proyectos

2012

Vinci Partners Corporate Headquarters, Río de Janeiro, Brasil.

2010-

Bodrum Houses, Bodrum, Turquía.

2010

International Coffee Plaza, Hamburgo, Alemania.

2008-

Meier Tower, Tel Aviv, Israel.

2008

Weill Hall, Ithaca, Nueva York, EE. UU.

Arp Museum, Remagen-Rolandseck, Alemania.

2007

Universidad de Scranton, Connolly Hall, EE. UU.

2004-2007

Beach House, Miami, EE. UU. 

2004-2007

ECM City Tower, Praga, República Checa.

2003-2008

Saint-Denis Office Development, Saint-Denis, Francia.

2003-2006

165 Charles Street, Nueva York, EE. UU.

2003

Jesolo Lido Hotel and Residential Complex, Jesolo Lido, Italia.

2002-2004

Feldmühleplatz Office Building, Düsseldorf, Alemania.

2002

Avery Fisher Hall, Lincoln Center, Nueva York, EE. UU.

World Trade Center Design Proposal, Nueva York, EE. UU.

2001-2007

Cornell University Life Sciences Technology Building, Ithaca, EE. UU.

Peek & Cloppenburg Department Store, Mannheim, Alemania.

2001-2004

Burda Collection Museum, Baden-Baden, Alemania.

2001-2002

66, Nueva York, EE. UU.

2001

Santa Barbara House, Santa Bárbara, EE. UU.

Wjinhaven Kwartier Urban Design Proposal, La Haya, Países Bajos.

Performing Arts Center, Bethel, EE. UU.

Yale University History of Art and Arts Library, New Haven, EE. UU.

FSM East River Masterplan, Nueva York, EE. UU.

2000-2006

Edythe and Eli Broad Art Center, UCLA, Los Ángeles, EE. UU.

2000-2005

Pankrac City Masterplan, Praga, República Checa.

1999-2002

173/176 Perry Street, Nueva York, EE. UU.

1999-2003

Painted Turtle Camp, Lake Hughes, EE. UU.

1998-2000

Friesen Residence, Los Ángeles, EE. UU.

1998-2001

Peek & Cloppenburg Department Store, Düsseldorf, Alemania.

Rickmers Reederei Headquarters, Hamburgo, Alemania.

Southern California Beach House, Southern California, EE. UU.

1998-2002

Canon Headquarters, Tokio, Japón.

1998-2005

San Jose City Hall, San José, EE. UU.

1997-2001

Kuala Lumpur House, Kuala Lumpur, Malasia.

1996

Cittadella Bridge, Alessandria, Italia.

1996-2003

Iglesia del Jubileo, Roma, Italia.

Crystal Cathedral International Center, Garden Grove, EE. UU.

1995-1998

Neugebauer House, Naples, EE. UU.

1995-2006

Ara Pacis Museum, Roma, Italia.

1995-2007

Arp Museum, Rolandseck, Alemania.

1994-1995

Gagosian Gallery, Beverly Hills, EE. UU.

1994-1996

Museum of Television & Radio, Beverly Hills, EE. UU.

1994-2000

Sandra Day O'Connor United States Courthouse, Phoenix, EE. UU.

1993-2000

U.S. Courthouse and Federal Building, Islip, EE. UU.

1991-1995

Swissair North American Headquarters, Melville, EE. UU.

1991-1996

Rachofsky House II, Dallas, EE. UU.

1990-1998

Camden Medical Centre, Singapur, Singapur.

1989-1992

Daimler-Benz Research Center, Ulm, Alemania.

1989-1993

Hypolux Bank Building, Luxemburgo, Luxemburgo.

1988-1992

Sede Central Canal+, París, Francia.

1988-1995

Espace Pitôt, Montpellier, Francia.

1987

Madison Square Garden Site Redevelopment, Nueva York, EE. UU.

1987-1992

Weishaupt Forum, Schwendi, Alemania.

Royal Dutch Paper Mills Headquarters, Hilversum, Países Bajos.

1987-1995

Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), Barcelona, España.

1986-1993

Exhibition Hall and Assembly Building, Ulm, Alemania.

1986-1995

Hague City Hall and Central Library, La Haya, Países Bajos.

1985-1989

Oficinas y Laboratorios Siemens, Múnich, Alemania.

1984-1986

Westchester House, Westchester County, EE. UU.

Ackerberg House, Malibú, EE. UU.

1984-1989

Bridgeport Center, Bridgeport, EE. UU.

Grotta House, Harding Township, EE. UU.

1984-1997

The Getty Center, Los Ángeles, EE. UU.

1983-1999

Siemens Headquarters Building, Múnich, Alemania.

1982-1984

Des Moines Art Center Addition, Des Moines, EE. UU.

1980-1983

High Museum of Art, Atlanta, EE. UU.

1979-1983

Giovannitti House, Pittsburgh, EE. UU.

1979-1985

Museo de Artes Decorativas, Fráncfort, EE. UU.

1978-1981

Hartford Seminary, Hartford, EE. UU.

1978-1982

Clifty Creek Elementary School, Columbus, EE. UU.

1977-1978

Aye Simon Reading Room Guggenheim Museum, Nueva York, EE. UU.

1977-1979

House in Palm Beach, Palm Beach, EE. UU.

1975-1979

The Atheneum, New Harmony, EE. UU.

1972-1974

Casa Shamberg, Chappaqua, EE. UU.

1971-1973

Casa Douglas, Harbor Springs, EE. UU.

1971-1976

Casa Maidman, Long Island, EE. UU.

1970-1976

Centro Experimental Bronx, Nueva York, EE. UU.

1968-1971

Casa en Old Westbury, Old Westbury, EE. UU.

1967-1969

Casa Saltzman, East Hampton, EE. UU.

1967-1970

Westbeth Artists' Housing, Nueva York, EE. UU.

1966-1969

Casa Hoffman, East Hampton, EE. UU.

1964-1966

Casa Smith, Darien, EE. UU.


 

 

Sus obras (selección)

International Coffee Plaza (2010)

International Coffee Plaza, Hamburgo, Alemania, 2010.



 

Saint-Denis Office Development (2003)

Saint-Denis Office Development, Saint-Denis, Francia, 2003-2008.



 

Crystal Cathedral International Center (1996)

Crystal Cathedral International Center, Garden Grove, Estados Unidos, 1996-2003.



 

Camden Medical Centre (1990)

Camden Medical Centre, Singapur, Singapur, 1990-1998.



 

Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (1987)

Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), Barcelona, España, 1987-1995.



 

Grotta House (1984)

Grotta House, Harding Township, Estados Unidos, 1984-1989.


High Museum of Art (1980)

High Museum of Art, Atlanta, Estados Unidos, 1980-1983.


The Atheneum (1975)

The Atheneum, New Harmony, Estados Unidos, 1975-1979.


Casa Douglas (1971)

Casa Douglas, Harbor Springs, Estados Unidos, 1971-1973.





 


 


 

Casa Hoffman (1966)

Casa Hoffman, East Hampton, Estados Unidos, 1966-1969.



 

Casa Smith (1964)

Casa Smith, Darien, Estados Unidos, 1964-1966.


Obra seleccionada

The Getty Center, Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1997.

"Pensé en una estructura clásica, elegante y atemporal emergiendo serena e ideal de la ladera salvaje de la colina. Un tipo de estructura aristotélica dentro del paisaje." 

Richard Meier

The Getty Center (El Centro Getty) se encuentra en el barrio de Brentwood de Los Ángeles, California (Estados Unidos) y es la sede  principal del Museo J. Paul Getty, la Fundación Getty, un Instituto de Investigación, un Instituto de Conservación y el Fideicomiso Getty, además de las instalaciones de un auditorio y varios jardines.

El Centro lleva el nombre del  empresario petrolero y filántropo norteamericano Jean Paul Getty que había reunido desde los años treinta una importante colección de arte. En 1974 se inauguró el Museo J. Paul Getty en una villa propiedad del magnate situada en una zona residencial de Pacific Palisades en Malibú (California). A su muerte, la Fundación que heredó su nombre, decidió levantar un nuevo complejo donde trasladar los diferentes organismos que la conformaban.

La Fundación J.Paul Getty encargó al entonces reciente ganador del premio Pritzker (1984), Richard Meier, la construcción de un complejo cultural en Los Ángeles. El proyecto tuvo un coste de mil millones de dólares, pasando a ser la mayor inversión privada para el arte de toda la historia de los Estados Unidos.  La relación entre la Fundación y el arquitecto no siempre fue fluida, y a lo largo de los años Meier tuvo que aceptar algunas cuestiones que afectaban al propio diseño del proyecto. Los trabajos de construcción del centro duraron cerca de trece años, desde 1985 hasta 1997. 

 

En 1997 se inauguró el Centro Getty en Los Ángeles diseñado por Richard Meier. Allí se trasladaron todas las colecciones del Fondo Getty, excepto las piezas romanas y griegas que se quedaron en la villa. El Getty Center además de sus impresionantes vistas del Océano Pacífico y de la ciudad de Los Ángeles, alberga una de las mayores colecciones de arte del mundo.

 

Para su construcción Meier se inspiró en la arquitectura romana de las villas del campo. Richard Meier: "En mi pensamiento siempre estuvo presente la Villa Adriano, en Caprarola, por su secuencia de espacios, su sentido del orden y la forma en la que los edificios y el paisaje se pertenecen unos a otros." Las paredes exteriores estan recubiertas de mármoles travertinos extraídos de Bagni di Tivoli, Italia, es decir el mismo travertino con el que construyó el Coliseo, la Fontana de Trevi y la columnata de la Basílica de San Pedro. Fueron necesarios cerca de 100 viajes a través del Océano Atlántico para trasladarlo de Europa a América.

Para llegar a la cima, donde se encuentran los edificios, existen dos tranvías que transportan a los visitantes desde el nivel inferior, donde se encuentran los estacionamientos, hasta la parte más alta, donde se localiza el museo.

La entrada al Centro Getty se hace a través de una amplia plaza de mármol travertino alrededor del cual se disponen los distintos edificios. A la izquierda están el auditorio, el centro de información sobre historia del arte, el centro educacional, el instituto de conservación y las oficinas del trust. El restaurante y el centro de historia se extienden a la derecha de la plaza.

El museo tiene cuatro pabellones: el pabellón Norte esta destinado al arte antes de 1600, el Este y el Sur al arte del período comprendido entre 1600 y 1800, y el pabellón Oeste alberga el arte del período posterior a 1800. 

 

El Jardín central, fue creado por el conocido diseñador paisajista Robert Irwin.

Página web de The Getty Center

 

 

Video

 

 

Recursos

Bibliografía

Apraxine, Pierre. Architecture: Seven Architects. Raimund Abraham Emilio Ambasz Richard Meier Walter Pichler Aldo Rossi James Stirling Venturi and Rauch. New York: Leo Castelli - Institute of Contemporary Art, 1977.

Architecture, shaping the future: a symposium and exhibition with Ricardo Legorreta, Fumihiko Maki, Richard Meier, Richard Rogers. La Jolla?, Calif.: University of California, San Diego, 1990.

The Atheneum, New Harmony, Indiana, 1975-1979. Tokyo, Japan: A.D.A. Edita Tokyo, 1981.

Blaser, Werner. Richard Meier: details. Basel ; Boston: Birkhäuser Verlag, 1996.

The City Hall/Library Complex by Richard Meier in The Hague = Stadhuis/Bibliotheek. Rotterdam: NAi Publishers ; Den Haag : Gemeente, 1995.

Marcar Cassarà, Silvio. Richard Meier. Barcelona: Gustavo Gili, 1997.

Conforti, Claudia ; Marzia Marandola. Richard Meier (Minimum. Bibl. essenziale di architettura). New York: Motta Architettura, 2009. 

Everke, Gerhard. Museum Frieder Burda Architekt Architect Richard Meier. Ostfildern (Alemania): Hatje Cantz, 2011.  

Frampton, Kenneth. Richard Meier. London, New York: Phaidon Press, 2012.

Frampton, Kenneth. Richard Meier. Milan: Electa Architecture, 2003.

Jodidio, Philip. Richard Meier. Köln: Taschen, 1996.

Jodidio, Philip. Meier: Richard Meier and Partners, complete works 1963-2008. Köln: Taschen, 2008.

Jodidio, Philip. Meier. Köln: Taschen, 2012.

Jodidio, Philip. Richard Meier. Köln: Taschen, 2013.

Making architecture: the Getty Center. Los Angeles, CA: J. Paul Getty Trust, 1997.

Meier, Richard. Building the Getty. California: Univ of California Pr; Edición: New Ed, 1996.

Meier, Richard. Grotta House by Richard Meier. New York: Rizzoli International Publications, 2007.

Meier, Richard. Richard meier "arquitecto". Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 1997.

Meier, Richard. Richard Meier: Arbeitsbuch Rolandseck 1990. [Germany]: Stiftung Hans Arp and Sophie Taeuber-Arp, 1990.

Meier, Richard. Richard Meier, architect: 1985/1991. New York: Rizzoli, 1991.

Meier, Richard. Museu d'Art Contemporani de Barcelona - MACBA (Guías de Arquitectura Museística). Barcelona: Polígrafa, 2010.

Meier, Richard. Shards. London ; New York, NY: Petersburg Press, 1983.

Rykwert, Joseph. Richard Meier, Architect.  New York: Non Basic Stock Line, 1999.

Shapiro. Richard Meier. Nueva York: Universe Publishing, 2003.

Stamberg Aferiat. New York: Rizzoli, 1997.

Twentieth-Century Museums I. London: Phaidon Press, 1999.

 

 

Recursos en línea

Maldonado Ochoa, Alfonso. "Entrevista a Richard Meier". Revista Código. Dirección URL: <http://www.revistacodigo.com/entrevista-a-richard-meier/> [Consulta: 22 de agosto del 2013].

*Entrevista al arquitecto Richard Meier.

"Richard Meier"  [Recurso en línea]. Pritzker Prize. Dirección URL: <http://www.pritzkerprize.com/laureates/1984> [Consulta: 22 de agosto del 2013].

*Página dedicada al premio Pritzker Richard Meier.

"Richard Meier" [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Meier> [Consulta: 22 de agosto del 2013].

*Introducción general a la figura del arquitecto Richard Meier.

"Richard Meier" [Recurso electrónico]. Plataforma Arquitectura. Dirección URL: <http://www.plataformaarquitectura.cl/tag/richard-meier/> [Consulta: 22 de agosto del 2013].

*Selección de artículos relacionados con el trabajo del arquitecto Richard Meier.

"Richard Meier: retrospectiva" [Recurso electrónico]. Marco. Dirección URL: <http://www.marco.org.mx/expos/RichardMeier.htm> [Consulta: 22 de agosto del 2013].

*Página web del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey dedicada a la exposición de Richard Meier.

"Richard Meier & Patners Architects LLP" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://www.richardmeier.com/www/> [Consulta: 22 de agosto del 2013].

*Página web oficial del estudio de arquitectura de Richard Meier.

Vídeos

 

 

Richard Meier. El Arquitecto de Blanco

 

American Architecture Now: Richard Meier

 

Richard Meier - Portrait des Architekten

 



 








 

10 architects- 8 Richard Meier

 

MARCO. Richard Meier, entrevista

 

Paulo Mendes da Rocha

Biografía y obra

Paulo Archias Mendes da Rocha nace en Vitória, ciudad portuaria del estado de Espirito Santo, Brasil, el 25 de octubre de 1928. Su padre es ingeniero, y sus abuelos por parte de padre y madre son ingeniero militar y constructor respectivamente. El hecho de nacer en ese puerto de mar, donde tanto se construye, junto con los antecedentes de su familia de ingenieros serán determinantes en su decisión de formarse como arquitecto.

En 1940 la familia traslada su domicilio a São Paulo, donde el padre, Paulo Menezes Mendes da Rocha, dirige la Escuela Politécnica de 1943 a 1947. El joven Paulo Mendes da Rocha estudia arquitectura en esa escuela, y en 1954 se licencia como arquitecto en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Mackenzie de São Paulo. Se trata de una escuela privada, en la que toma contacto con profesores que le influyen notablemente, algunos por sus concepciones arquitectónicas, y otros por su postura ética ante esta materia. En la escuela conoce a Vilanova Artigas, de quien Mendes da Rocha recibe una gran influencia.

Con 29 años y recién salido de la universidad, Paulo Mendes da Rocha se presenta al concurso del Club Atlético Paulistano en São Paulo, que gana, siendo este hecho decisivo en su carrera, ya que entra en el círculo de arquitectos más importantes, con los que comienza a relacionarse estrechamente. Mendes da Rocha se presenta a este concurso con total libertad, y de forma intuitiva, sin seguir a ninguna corriente, logra sorprender y seducir al jurado. En esta obra inicial aparecen ya los principales recursos y características del arquitecto. No se inspira en otros gimnasios ya construidos, normalmente cerrados, sino que presenta una plaza abierta, cubierta por una gran plataforma horizontal de hormigón. Esta obra, realizada en 1958, recibe el Gran Premio en la sexta edición de la Bienal Internacional de São Paulo en 1961. El jurado destaca “el ingenio de la estructura” así como la “belleza plástica” del volumen.

Tras el fallo del concurso, Vilanova Artigas llama a Mendes da Rocha y le invita a ser su asistente, y en 1960 se convierte en profesor en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo.

Vilanova Artigas lidera el movimiento de la escuela paulista o escuela paulista brutalista, que realiza una arquitectura influida por Le Corbusier y caracterizada por el énfasis en la técnica de construcción y en la estructura, el uso del hormigón armado y una especial sensibilidad social. Paulo Mendes da Rocha participa de estos principios y similitudes aunque su adscripción a un movimiento concreto no es algo unánimemente admitido.

En 1964 Mendes da Rocha diseña su propia vivienda, construida en el barrio Butanta de São Paulo, que finaliza en 1967. El edificio se proyecta con la idea de prefabricación, con una estructura modular para adaptarse a futuros cambios, aunque se construye con hormigón en el terreno.

Se trata de una etapa de gran fertilidad en la que también construye el Edificio Residencial Guaimbe, en 1964. En 1968 realiza, en colaboración con Vilanova Artigas y Fábio Penteado, el conjunto de viviendas “Zezinho Magalhaes Prado”, situado en Guarulhos, en el cual experimentan con la prefabricación para realizar viviendas populares y dignas a costes asequibles.

En 1969 la dictadura militar le prohíbe continuar su trabajo como profesor, junto a Vilanova Artigas y dos profesores más.

En esa época Mendes da Rocha gana el concurso para construir el Pabellón de Brasil para la Exposición Universal de 1970 en Osaka, Japón. El arquitecto tiene en cuenta para este proyecto el simbolismo del mismo y los condicionantes del terreno, constantemente sometido a terremotos. Construye el edificio, pero en ese momento es censurado por el gobierno militar y se le prohíbe continuar en el mismo, por lo que no puede participar en la exposición y abandona la ciudad sin ver el proyecto terminado. El pabellón es desmantelado al finalizar la exposición y hoy en día sólo se tiene acceso a él a través de fotografías de la época.

En 1970 construye en São Paulo la Casa Fernando Millán, una construcción excavada en un terreno en pendiente. También realiza el Estadio Serra Dourada en Goiania, que finaliza en 1973 y cuya estructura abierta plantea relacionarse con la ciudad.

A mediados de los ochenta, a punto de cumplir los sesenta años, Paulo Mendes da Rocha actualiza su técnica a través de nuevas preocupaciones. Conserva la coherencia de su discurso, pero añade nuevos elementos a sus obras, como los componentes metálicos, y deja de adaptar sus edificios al terreno sustituyendo esa práctica por la construcción de edificios elevados.

En este periodo se materializan obras tan brillantes como la Tienda Forma. Esta tienda de objetos de diseño se construye en uno de los lados de una autopista de São Paulo. La elevación de su planta permite al mismo tiempo el aparcamiento de vehículos bajo la misma y la exposición de los artículos, a modo de escaparate, para que sean vistos desde la autopista. El espacio de los artículos expuestos se convierte en protagonista indiscutible de la tienda, que parece una inmensa vitrina suspendida frente a la autopista.

En 1980 retoma la docencia en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo, actividad que continuará de forma ininterrumpida hasta 1999.

En 1984 Mendes da Rocha inicia la construcción del edificio de viviendas Jaraguá en São Paulo. Realiza la Capilla de San Pedro en 1987 en Campos de Jordão, un volumen escultórico que alberga una pequeña iglesia. El edificio de dos plantas, debido a la topografía del terreno y dependiendo del ángulo de visión, parece de una sola planta.

Entre 1988 y 1991 Mendes da Rocha construye la Casa Gerassi, una vivienda unifamiliar en un barrio acomodado de la ciudad de São Paulo. El proyecto pretende aprovechar al máximo el terreno para las actividades de ocio de la familia, mediante la elevación del edificio, y racionalizar el proceso de construcción, llevada a cabo en tres días, a través del prefabricado.

En 1987 comienza la realización del Museo Brasileño de Escultura, finalizado en 1995. Más que un edificio este museo es un espacio urbano. Liberando el terreno crea una zona pública, que abarca las esculturas al aire libre, dejado el museo cerrado para el espacio enterrado bajo él. Una serie de plataformas guían al visitante hacia el museo interior. Una gran viga de hormigón se levanta a modo de señal del conjunto.

En 1992 proyecta la Plaza del Patriarca y el Viaducto del Chá, que realiza en parte en 2002. En la remodelación de la Plaza del Patriarca Mendes da Rocha deja patente su interés por crear espacios públicos.

En 1993 construye el Museo de Bellas Artes, y de 1993 a 1998 acomete la reforma de la Pinacoteca del Estado en São Paulo. Se trata de un edificio de estilo ecléctico italiano construido a finales del siglo XIX, en el que Mendes da Rocha interviene en 1993. El arquitecto no acomete reformas sustanciales en el exterior pero realiza una resuelta intervención en el interior del edificio. Por este proyecto recibe en el año 2000 el Premio Mies van der Rohe de arquitectura latinoamericana.

En 1996 Mendes da Rocha diseña el Centro Cultural FIESP en la planta baja de un preexistente rascacielos. La intervención en el recio edificio de estructura de hormigón armado destaca por un nuevo cuerpo de acero y vidrio que asoma a la calle en su fachada frontal y que complementa al edificio preexistente.

También realiza el proyecto de Poupatempo Itaquera, inaugurado en el año 2000. Se trata de una oficina de servicios integrados al ciudadano que para una afluencia masiva prevista se situó junto a un complejo de estaciones de metro, trenes metropolitanos y autobuses urbanos, en el este de São Paulo. La finalidad del servicio es ahorrar tiempo al ciudadano y construir un servicio asociado a la estación. Para ello se aprovecha una pasarela que ya existía y se utiliza como acceso a un gran volumen elevado. Mendes da Rocha está más interesado en las infraestructuras que en edificios aislados, en un uso social de la arquitectura, entendido en el sentido de una ciudad para todos.

En 2006 el arquitecto recibe el Premio Pritzker de Arquitectura, lo que supone su consagración.

En España realiza en Madrid unas viviendas de promoción pública y en Vigo diseña el Campus Tecnológico de su Universidad. En los últimos años ha desarrollado importantes proyectos, como el Muelle de las Artes en Vitória en 2007, y el Museo Nacional de Coches de Lisboa en 2008.


La arquitectura de Paulo Mendes da Rocha huye de los edificios icónicos construidos con recursos técnicos muy avanzados usados sin filtro, carentes de capacidad crítica. Su interés no se centra en los edificios sino en una ciudad construida para todos, en la que todas las viviendas son sociales. Esta idea del arquitecto no proviene de un socialismo cándido, sino de un pragmatismo técnico, que ayude al hombre a vivir en la ciudad. En este sentido Mendes da Rocha está interesado en la ciudad más que en los edificios como objetos aislados, en la vida en armonía con su entorno y en una naturaleza transformada.

Las obras de este arquitecto se inician con un preciso análisis del lugar y el contexto del proyecto, y el trabajo final siempre revela la identidad y el genio de su creador. Sus obras son universales y atemporales, explorando constantemente nuevas vías sin caer en lenguajes exhibicionistas o insustanciales. El arquitecto otorga una importancia esencial a la técnica. Busca, mediante el uso de elementos como el hormigón armado –en muchas ocasiones pretensado- y las estructuras prefabricadas, racionalizar la construcción. Las estructuras se evidencian, exponiéndose abiertamente y sin ornamentaciones superfluas el proceso constructivo.

En muchos casos sus obras aparecen elevadas, liberando la planta baja y ofreciendo de este modo una continuidad visual y espacial que no es entorpecida por la edificación. Los apoyos se reducen al máximo, ofreciendo una sensación de levedad. Sus proyectos además se relacionan con su entorno, en el que se integran. Este entorno, ya sea natural o urbano, no es un mero escenario sino que forma parte de la obra. Mendes da Rocha busca un nivel de excelencia independientemente de los recursos con los que cuenta el proyecto, que se materializa en construcciones honestas, racionales y accesibles a todos.

Su método de trabajo se aleja del habitual en los grandes arquitectos. Un antiguo y reducido estudio, en el que trabaja con su secretaria, alberga planos y maquetas. Colabora con diferentes oficinas a las que convoca cuando ha de trabajar sobre una propuesta, y de este modo conserva su libertad y comparte ideas y propuestas.

La trayectoria de Paulo Mendes da Rocha, a pesar de los intentos por encuadrarla en corrientes y escuelas arquitectónicas, es difícilmente clasificable y lejos de modas internacionales, ha sido una de las más rigurosamente coherentes desde sus inicios en los años 50. Más que una evolución en su obra, hay una profundización y persistencia en sus principios, que se aplican con independencia de la envergadura del proyecto abordado.

Paulo Mendes da Rocha continúa en activo a sus 87 años.

 

Premios y reconocimientos

2006

Premio Pritzker de Arquitectura.

2000

Es elegido para representar a Brasil en la Bienal de Venecia.

2000

Premio Mies van der Rohe de arquitectura latinoamericana por la reforma de la Pinacoteca del Estado de São Paulo.

1999

Es seleccionado para el Premio Mies van der Rohe de arquitectura latinoamericana por el proyecto del Museo de la Escultura (MUBE).

1961

Gran Premio en la sexta edición de la Bienal Internacional de São Paulo por el proyecto del Club Atlético Paulistano.

 

Reflexiones del arquitecto

“Mi arquitectura está siempre inspirada en una idea, no en los cánones clásicos de la arquitectura, y no está referida a modelos paradigmáticos –como el palacio o el castillo- sino a cómo el hombre transforma el lugar de habitar, con gran interés social y solidario, mediante una visión abierta al futuro.”


“Para mí no son las formas las que dicen las cosas. Es en el comportamiento de los materiales donde está el campo abierto para la creatividad.”


“La simple naturaleza no nos ampara directamente, tenemos que transformarla. El espacio habitable no existe de por sí y lo que hacemos es imaginar con la técnica. Estamos delante del dilema de la imaginación, y construir cosas para expresar lo que queremos es la dimensión del discurso de la arquitectura que interesa.”


“Se trata de pensar una respuesta a una situación dada, y no se trata sólo de funcionalidad, se trata de oportunidad.”


“Los arquitectos no deberíamos pensar en espacios privados y espacios públicos. Si es espacio, debería ser público. El único espacio privado es la mente humana y el gran deseo del hombre es que su mente se haga pública, que logre comunicarse. Sin los otros las personas no somos nada y eso debería reflejarlo la arquitectura.”


“La arquitectura es siempre una invención, algo vivo que debe cambiar con el mundo y con la vida de los hombres. Por tanto, depende claramente no sólo de un contexto físico, sino de muchos otros contextos.”


“la técnica y la tecnología están ahí para que nosotros las empleemos de acuerdo con proyectos humanos, y no estar obligados a exhibir esa o aquella técnica, eso no tendría ningún sentido.” (Extracto de una entrevista recogida en “Cuadernos de Arquitectura FAUUSP”, nº2)


“Es el deseo de superar la oposición entre consideraciones técnicas, funcionales o representativas; del convencimiento de que las decisiones arquitectónicas casi nunca se sostienen en una sola razón ni en una sola familia de ellas, sino en una red, cuanto más trabajada mejor, de razones que se alían y se refuerzan mutuamente, y que la belleza es fundamentalmente una cuestión de verdad, de contar con ella verdades.” (Entrevista de Helio Piñón a Paulo Mendes da Rocha, recogida en “Cultura e Naturaleza”, p. 22)


“La arquitectura es un modo de conocimiento, una técnica, un saber para organizar el espacio de todos, para hacer la vida posible allí donde azarosamente se la desea.”

Proyectos y obras

2010

Cais das Artes, Vitória, Brasil.

2008

Nuevas instalaciones del Museu Nacional dos Coches, Lisboa, Portugal.

2006

Reforma de la Estação da Luz, São Paulo y proyecto del Museu da Língua Portuguesa, São Paulo, Brasil.

2005

Centro Daros, Río de Janeiro, Brasil.

Central Azucarera, Paracicaba, Brasil.

2004

Viviendas de promoción pública en Vallecas, Madrid, España.

Universidad de Vigo, Vigo, España.

2003

Estudios Candidatura Juegos Olímpicos 2012, São Paulo, Brasil.

2002

Proyecto Centro Ciencia y Tecnología FUSP, Ipiranga, Brasil.

Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janeiro, Brasil.

2001

Proyecto Centro Cultural 24 de Mayo SESC, São Paulo, Brasil.

Proyecto Escuela de Cine Darcy Ribeiro, Río de Janeiro, Brasil.

Proyecto Desarrollo Puerto Histórico, Recife, Brasil.

Proyecto Deltametropolis, Milleubeheer, Países Bajos.

2000

Restauración Zonas Parque Ibirapuera Park, São Paulo, Brasil.

Proyecto 500 Aniversario Descubrimiento de Brasil, São Paulo, Brasil.

Proyecto Manzana de los Museos Universidad de São Paulo, São Paulo, Brasil.

Proyecto Instalaciones Juegos Olímpicos 2008, París, Francia.

Museo Portugués de la Lengua, São Paulo, Brasil.

1999

Residencia Candido Vinicius Bocaiuva Brasley Pessôa, São Paulo, Brasil.

Proyecto para diseñador de vestuario M. Officer's "Public Body", São Paulo, Brasil.

Clínica Médica, São Paulo, Brasil.

Proyecto Pabellón del Mar, Caraguatatuba, Brasil.

1998

Centro de Servicios Gubernamental, São Paulo, Brasil.

Diseño Exposición XXIV Bienal de São Paulo, São Paulo, Brasil.

Estudio Reconfiguración Bahía de Montevideo, Montevideo, Uruguay.

Proyecto Centro General Coordinación Vigilancia del Amazonas, Brasilia, Brasil.

1997

Plan de Desarrollo Manzana Alberto Lion, São Paulo, Brasil.

Proyecto Centro de Exposiciones SENAI/SESI, São Paulo, Brasil.

Diseño Exposición III Bienal Internacional de Arquitectura, São Paulo, Brasil.

1996

Proyecto Centro Cultural SESC Tatuape, São Paulo, Brasil.

Terminal de Autobuses Dom Pedro II, São Paulo, Brasil.

Proyecto XXIII Bienal Internacional São Paulo, São Paulo, Brasil.

Estudio Preliminar Ampliación SENAC, Campinas, Brasil.

Centro Cultural FIESP, São Paulo, Brasil.

1995

Carril Bus Francisco Mourato, Francisco Morato, Brasil.

Proyecto Exposiciones Fundación Bienal São Paulo, São Paulo, Brasil.

Residencia Mario Masetti, Cabreuva, Brasil.

Proyecto Escuela Administración de Empresas campus Fundación Getulio Vargas, São Paulo, Brasil.

1993

Planificación Urbana Bahía de Vitória, Vitória, Brasil.

Reforma de la Pinacoteca del Estado, São Paulo, Brasil.

Proyecto Centro de Arte y Naturaleza Krajcberg, Vitória, Brasil.

1992

Proyecto Plaza Patriarca y Viaducto do Cha, São Paulo, Brasil.

Escenario para 500 Años de Ópera en el Teatro Municipal, São Paulo, Brasil.

1991

Proyecto Escuela Pública Elemental y Superior Jardim dos Campeões, Diadema, Brasil.

Escuela Pública Elemental y Superior Jardim Novo Horizonte, Carapicuiba, Brasil.

Escuela Pública Elemental y Superior Jardim Bandeirantes, Franco da Rocha, Brasil.

Proyecto Acuario Municipal, Santos, Brasil.

1990

Proyecto August 11th Athletic, São Paulo, Brasil.

Residencial Jardim São Luis I, São Paulo, Brasil.

Residencial General Salgado, General Salgado, Brasil.

Escenario ópera Hermana Angélica en el Teatro Municipal, São Paulo, Brasil.

1988

Museo Brasileño de Escultura, São Paulo, Brasil.

Capilla de San Pedro, Campos do Jordão, Brasil.

Residencia Antonio Gerassi Neto, São Paulo, Brasil.

Proyecto Biblioteca de Alejandría UNESCO, Alejandría, Egipto.

1987

Tienda de Muebles Forma, São Paulo, Brasil.

Edificio de Oficinas H. Stern, São Paulo, Brasil.

Escuela Técnica SENAC, São Paulo, Brasil.

1986

Urbanización y residencial Hospital Padre Bento, Guarulhos, Brasil.

Apartamentos Aspen, São Paulo, Brasil.

1985

Terminal de Autobuses, Goiãnia, Brasil.

Apartamentos Golden Hill, São Paulo, Brasil.

Banco Estatal São Paulo, Maringá, Brasil.

Diseños Silla y Tumbona Swivel.

1984

Edificio de Oficinas Keiralla Sarhan, São Paulo, Brasil.

Apartamentos Jaragua, São Paulo, Brasil.

Proyecto Biblioteca Pública de Río de Janeiro, Río de Janeiro, Brasil.

1983

Apartamentos Costão das Tartarugas, Guarujá, Brasil.

Residencia Carlos Eduardo Ferreira Montenegro, Jaú, Brasil.

1982

Centro de Entrenamiento SENAI, Franca, Brasil.

Residencia Mauricio Thomaz Bastos, Guarujá, Brasil.

1981

Estación de Autobuses Interestatal, Aguaí, Brasil.

Residencia Haiym Chodik, São Paulo, Brasil.

Proyecto Estación de Autobuses Interestatal, Caraguatatuba, Brasil.

Proyecto Estadio Rudge Ramos, São Bernardo do Campo, Brasil.

Proyecto Estadio Riacho Grande, São Bernardo do Campo, Brasil.

1980

Proyecto Urbanización Ciudad de Tietê, Tieté, Brasil.

Residencia James Francis King, Guarujá, Brasil.

Laboratoruio Fleury, São Paulo, Brasil.

1979

Urbanización de la ribera, Cuiabá, Brasil.

Residencia Silvio Antonio Bueno Netto, Catanduva, Brasil.

Residencia Alexandre Honore Marie Thiollier Filho, São Paulo, Brasil.

1978

Proyecto Residencia del Gobernador, Cuiabá, Brasil.

Proyecto Sede CREA, São Paulo, Brasil.

1977

Estación de Autobuses Interestatal, Cuiabá, Brasil.

Proyecto Compañía de Gas São Paulo Gas COMGAS Casa das Retortas, São Paulo, Brasil.

Proyecto Centro Institucional Universidad Rondonopolis, Cuiabá, Brasil.

Fundación Brasileña Desarrollo Ciencia Educativa FUNBEC, Barueri, Brasil.

Escuela Pública Elemental y Superior Vila Heliopolis, São Paulo, Brasil.

Residencia Carlos Eduardo Pereira Corbett, São Paulo, Brasil.

1976

Proyecto Edificio Industrial y Cultural Centro Nacional Agricultura, Sorocaba, Brasil.

Proyecto Centro Cultural y de Convenciones, Campos do Jordão, Brasil.

Escuela Pública Elemental y Superior Vila Matilde, São Paulo, Brasil.

Escuela Pública Elemental y Superior Jardim Fraternidade, São Paulo, Brasil.

Residencia Antonio Junqueira de Azaevedo, São Paulo, Brasil.

Proyecto Instituto de Educación Caetano de Campos, São Paulo, Brasil.

1975

Proyecto Apartamentos, Escuelas y Comercios, Itatiba, Brasil.

Proyecto Museo de Arte Contemporáneo Universidad de São Paulo, São Paulo, Brasil.

Sede Montepío Municipal CAM, São Paulo, Brasil.

1974

Plan de Urbanización para las riberas del río, Jaú, Brasil.

Proyecto Grotto Park reurbanización región Bela Vista, São Paulo, Brasil.

Edificio Industrial Transmissões Nacionais, Guarulhos, Brasil.

1973

Estadio Serra Dourada, Goiãnia, Brasil.

Diseño Exposición I Bienal Internacional de Arquitectura, São Paulo, Brasil.

Edificio de Apartamentos Jauperi, São Paulo, Brasil.

Residencia Ignacio Gerber, Angra dos Reis, Brasil.

Residencia Nabor Ruegg, Guarujá, Brasil.

Residencia Newton Isaac Carneiro, Jr., São Paulo, Brasil.

Residencia Dalton Macedo Soares, São Paulo, Brasil.

Residencia Marcelo Nitsche, São Paulo, Brasil.

Residencia Artemio Furlam, Ubatuba, Brasil.

1972

Instituto Educación Elemental Jardim Calux, São Bernardo do Campo, Brasil.

Residencia James Francis King, São Paulo, Brasil.

Proyecto Remodelación del Centro, Santiago, Chile.

1971

Proyecto Hotel, Poxoréu, Brasil.

Proyecto Centro Georges Pompidou, París, Francia.

1970

Edificio Industrial Northeast Brazilian Cotton Growers Society, Río de Janeiro, Brasil.

Residencia Fernando Millán, São Paulo, Brasil.

Residencia Mario Masetti, São Paulo, Brasil.

1969

Pabellón de Brasil Expo '70. 1er premio, Osaka, Japón.

1968

Depósito Elevado, Urania, Brasil.

Escuela Pública Superior Presidente Roosevelt, São Paulo, Brasil.

Escuela Técnica Servicio Nacional de Industria SENAI, São Paulo, Brasil.

Escuela Técnica Servicio Nacional de Comercio, Campinas, Brasil.

Escuela Técnica SENAI, Santos, Brasil.

1967

Escuela Pública Elemental Vila Baeta Neves, São Bernardo do Campo, Brasil.

Escuela Pública Elemental Godofredo Teixeira da Silva Telles, São Bernardo do Campo, Brasil.

Residencial Zezinho Magalhaes Prado CECAP, Guarulhos, Brasil.

1966

Banco Estatal Goias, São Paulo, Brasil.

1964

Residencia Sebastião Camargo, Río de Janeiro, Brasil.

Residencia Silvio Albanese, São Paulo, Brasil.

Residencias Paulo Mendes da Rocha y Luiz Gonzaga Cruz Secco, São Paulo, Brasil.

1963

Comercial Vapores Grieg, Santos, Brasil.

Residencia Bento Odilon Moreira, Goiãnia, Brasil.

Residencia Francisco Malta Cardoso, São Paulo, Brasil.

Seaside Club, Guarujá, Brasil.

1962

Proyecto Escuela de Antropología y Sociología Universidad de São Paulo, São Paulo, Brasil.

Banco Leme Ferreira, São Paulo, Brasil.

Foro Público, Avaré, Brasil.

Proyecto Confederación Nacional de Industria CNI, Brasilia, Brasil.

Escuela Pública Elemental Vila Maria, São José dos Campos, Brasil.

Escuela Pública Elemental Taboão, São Bernardo do Campo, Brasil.

Residencia Bolivar Ferraz Navarro, São Paulo, Brasil.

Residencia Gaetano Miani, São Paulo, Brasil.

Residencia Celso Vieira Mello, Piracicaba, Brasil.

Goias Jockey Club. 1er premio, Goiãnia, Brasil.

Apartamentos Guaimbê, São Paulo, Brasil.

1960

Sucursal Volkswagen Brasilwagen, São Paulo, Brasil.

Centro de Trabajo Social, Cedral, Brasil.

Escuela Pública Elemental Antonio Villela, Campinas, Brasil.

Banco Bandeirantes, São Paulo, Brasil.

Residencia José Raul Brasiliense Carneiro, São Paulo, Brasil.

Residencia Fabio Monteiro de Barros, São Paulo, Brasil.

Residencia Virgilio Lopes da Silva, São Paulo, Brasil.

1958

Club Atlético Paulistano, São Paulo, Brasil.

Guardería en Club Atlético Paulistano, São Paulo, Brasil.

1957

Proyecto Palacio de la Asamblea Legislativa del Estado de Santa Catarina. 1er premio, Florianópolis, Brasil.

Silla Paulistano.

 

Sus obras (selección)

 

Club Atlético Paulistano (1961)

Club Atlético Paulistano, São Paulo, Brasil, 1958-1961.

Con 29 años y recién salido de la universidad, Paulo Mendes da Rocha se presenta al concurso del Club Atlético Paulistano en São Paulo, que gana, y este hecho es decisivo en su carrera, ya que entra en el círculo de arquitectos más importantes, con los que comienza a relacionarse estrechamente. Mendes da Rocha se presenta a este concurso con total libertad, y de forma intuitiva, sin seguir a ninguna corriente, logra sorprender y seducir al jurado. En esta obra inicial aparecen ya los principales recursos y características del arquitecto, como el planteamiento estructural y la reunión de distintos espacios bajo una misma cubierta. No se inspira en otros gimnasios ya construidos, normalmente cerrados, sino que presenta una plaza abierta, cubierta por una gran plataforma horizontal de hormigón. Esta estructura descansa sobre seis apoyos grandes pero de gran ligereza, con una cubierta circular de acero –diáfana en el centro para permitir la entrada de luz natural- que cubre la piscina, las gradas, el gimnasio, las zonas para entrenamiento y otras dependencias en torno a un jardín interior. El hecho de que el programa se presente abierto manifiesta una intención de relacionarse con su entorno, que se reafirma al enterrar la construcción y presentar una explanada que conduce a la misma, permitiendo la libre circulación desde la plaza al programa.

Esta obra, realizada en 1958, recibe el Gran Premio en la sexta edición de la Bienal Internacional de São Paulo en 1961. El jurado destaca “el ingenio de la estructura” así como la “belleza plástica” del volumen.


 

Casa en Butanta (1967)

Casa en Butanta, São Paulo, Brasil, 1964-1967.

En 1964 Mendes da Rocha diseña su propia vivienda, construida en el barrio Butanta de São Paulo, que finaliza en 1967. La casa tiene una vivienda gemela, la casa de la hermana del arquitecto, en la parcela contigua. El edificio se proyecta con la idea de prefabricación, con una estructura modular para adaptarse a futuros cambios, aunque se construye con hormigón en el terreno. Se eleva en el solar de una pequeña colina buscando la luz y una relación con los árboles y la ciudad. La planta baja queda libre y la vivienda de este modo aparece suspendida. Los muros interiores de la vivienda no llegan al techo, creando un espacio fluido que favorece la ventilación del interior.

“Suspendí la casa en esos cuatro pilares y corté el territorio de la colina sólo por debajo de la casa (...) de modo que no se interpretara como una ofensa a la colina y al trazado de la calle que allí existía” (Extracto de Piñón, HELIO. Paulo Mendes da Rocha. Barcelona, UPC, 2007; p. 23)

 

Pabellón de Brasil para la Exposición Universal (1970)

Pabellón de Brasil para la Exposición Universal de 1970 de Osaka, Osaka, Japón, 1969-1970.

Paulo Mendes da Rocha gana el concurso para construir el Pabellón de Brasil para la Exposición Universal de 1970 en Osaka, Japón. Tiene en cuenta para este proyecto el simbolismo del mismo y las condicionantes del terreno, constantemente sometido a terremotos. El arquitecto concibe este pabellón como una plaza abierta con ligeras ondulaciones artificiales en el terreno y cubierta por una gran estructura de hormigón y cristal. Un apoyo vertical constituido por el cruce entre dos arcos soporta la estructura junto con otros tres puntos de apoyo adicionales. El conjunto alude de forma metafórica a la ciudad y el lugar edificado.

El arquitecto construye el edificio pero en ese momento es censurado por el gobierno militar y se le prohíbe continuar en el mismo, por lo que no puede participar en la exposición y abandona la ciudad sin ver el proyecto terminado. El pabellón es desmantelado al finalizar la exposición y hoy en día sólo se puede ver a través de fotografías de la época.

 

 

Casa Fernando Millán (1974)

Casa Fernando Millán, São Paulo, Brasil, 1970-1974.

En 1970 Paulo Mendes da Rocha construye en São Paulo la Casa Fernando Millán -también conocida como Casa Leme-, una construcción excavada en un terreno en pendiente. Un único acceso no enterrado permite la entrada a la vivienda, que busca la intimidad mediante una insólita orientación de las estancias hacia la cocina. La vivienda además se presenta como un espacio ininterrumpido a través de elementos como los muros interiores que no llegan al techo, también presente en su casa de Butanta, o el suelo asfaltado del salón que continúa el ambiente del garaje. La estructura de hormigón se hace evidente rompiendo una vez más las convenciones de la arquitectura residencial.

 

Tienda Forma (1994)

Tienda Forma, São Paulo, Brasil, 1987-1994.

La Tienda Forma de objetos de diseño se construye en uno de los lados de una autopista de São Paulo. La elevación de su planta permite al mismo tiempo el aparcamiento de vehículos bajo la misma y la exposición de los artículos, a modo de escaparate, para que sean vistos desde la autopista. El espacio de los artículos expuestos se convierte en protagonista indiscutible de la tienda, que parece una inmensa vitrina suspendida frente a la autopista. El escaparate, largo y estrecho, muestra una imagen de horizontalidad. En esta estructura de hormigón pretensado el arquitecto usa por primera vez los componentes metálicos para una conseguir una construcción simplificada.
Sobre este proyecto Paulo Mendes da Rocha comenta:

“El proyecto surgió, más o menos, de ahí: suspenderlo todo. Digamos que era más o menos intuitivo: realizar un escaparate que tuviera esa visibilidad con relación al movimiento de los automóviles. El mayor escaparate posible, que alcanzase treinta metros y ocupase todo el terreno. Y condensar luego esa visibilidad disminuyendo la altura del escaparate, ya que las piezas expuestas son domésticas: mesas, sillas y sofás. Nada supera el metro y veinte, por lo que el escaparate no requería más de un metro cincuenta, o un metro sesenta, por treinta metros. Ello le otorgaba un sentido cinemático, como si se tratara de los fotogramas de una película.” (Extracto de Piñón, HELIO. Paulo Mendes da Rocha. Barcelona, UPC, 2007; p. 23)

 

Casa Gerassi (1991)

Casa Gerassi, São Paulo, Brasil, 1988-1991.

Paulo Mendes da Rocha realiza la Casa Gerassi entre 1988 y 1991, una vivienda unifamiliar que se construye en un barrio acomodado de la ciudad de São Paulo. El proyecto pretende aprovechar al máximo el terreno para las actividades de ocio de la familia mediante la elevación del edificio y racionalizar el proceso de construcción, que se lleva a cabo en tres días.

Para cumplir el primero de los objetivos se eleva la vivienda y se libera el espacio que queda bajo la casa. El volumen suspendido de hormigón armado está sostenido por seis pilares prefabricados. Bajo el edificio se sitúa la escalera de acceso a la vivienda, una caja de una sola planta de hormigón deliberadamente expuesto. La casa se ubica en el centro del solar, junto a una piscina, un garaje y el jardín, y como el propio Mendes da Rocha explica “una casa elevada, como esta, huye de la idea de tener un pequeño jardín en frente de la casa y otro al fondo. El terreno está libre, sea para guardar el coche, sea para hacer una barbacoa”. El terreno está libre y los distintos espacios interconectados con fluidez.

Con respecto a la estructura prefabricada, los técnicos precisan tres meses para fabricar las piezas pero el montaje de las mismas se materializa en tres días. Las piezas se conciben previamente, se construyen y se montan, pudiendo ser fácilmente desmontadas, duplicadas o montadas de otro modo y racionalizándose la técnica al máximo de forma eficaz y sencilla. El procedimiento rompe con los patrones tradicionales en los que las soluciones modulares se emplean para viviendas sencillas de barrios modestos. En este caso el prefabricado sirve a los deseos individuales de un cliente y el uso del mismo no depende de un modelo económico concreto sino que se ajusta a los conocimientos técnicos, que permiten realizar una construcción notable, racionalizada y accesible para todos.

 

Pinacoteca del Estado (1998)

Pinacoteca del Estado, São Paulo, Brasil, 1993-1998.

De 1993 a 1998 Paulo Mendes da Rocha acomete la reforma de la Pinacoteca del Estado en São Paulo. Se trata de un edificio de estilo ecléctico italiano construido a finales del siglo XIX según un proyecto del estudio de Ramos de Azevedo, en el que Mendes da Rocha interviene en 1993. El arquitecto no acomete reformas sustanciales en el exterior pero realiza una resuelta intervención en el interior del edificio: cambia la entrada al museo, cubre los patios interiores con claraboyas de acero y vidrio laminado y conecta los patios laterales con pasarelas metálicas elevadas, creando elementos de circulación entre los diferentes espacios que antes carecían de un adecuado modo de tránsito. El antiguo sistema de circulación periférico se transforma de este modo en un sistema de circulación más directo a través de su eje central. También se sustituyen las antiguas carpinterías de las ventanas por acero. Las transformaciones dan como resultado un edificio elegante y sugerente, con una personalidad única, que además se adapta a la programación de grandes exposiciones internacionales.
Por este proyecto recibe en el año 2000 el Premio Mies van der Rohe de arquitectura latinoamericana.

 

 

Centro Cultural FIESP (1998)

Centro Cultural FIESP, São Paulo, Brasil, 1996-1998.

 

En 1996 Paulo Mendes da Rocha diseña el Centro Cultural FIESP en la planta baja de un preexistente rascacielos. La intervención en el recio edificio de estructura de hormigón armado destaca por un nuevo cuerpo de acero y vidrio que asoma a la calle en su fachada frontal y que complementa al edificio preexistente.

 

Obra seleccionada

Museo Brasileño de Escultura, MUBE, São Paulo, Brasil, 1987-1995.

 

El Museo Brasileño de Escultura, MUBE, se sitúa en una zona residencial de São Paulo. El solar, de 7000 metros cuadrados de superficie y forma triangular, limita al sur con la Avenida Europa y al oeste con la calle Alemania.

El proyecto tiene su origen en las aspiraciones de un grupo empresarial de construir un centro comercial en la parcela. Ante la oposición de los residentes de la zona y asociaciones culturales, el ayuntamiento cede el terreno a condición de que se edifique una obra de carácter cultural para la comunidad. Finalmente se decide la construcción de un museo dedicado a la escultura y la ecología.

Se convoca un concurso cerrado en el que se invita a participar a varios estudios de arquitectura de la ciudad. Entre las premisas del concurso se limita la construcción a 3000 de los 7000 metros cuadrados de la parcela y se exige que la altura del museo respete la de las viviendas colindantes. Paulo Mendes da Rocha se alza ganador del concurso con un proyecto innovador que respeta las premisas solicitadas. La construcción comienza en 1987, dura ocho años y es financiada en gran parte por donaciones privadas.

El museo se concibe como una gran explanada que comprende parte del programa: un anfiteatro al aire libre, jardines y parte de la exposición de esculturas, que se complementa con un espacio interior semienterrado. Mendes da Rocha comprende que un museo de escultura debe exponer tanto en espacios interiores como en el exterior, lugar idóneo para las esculturas. Además, el proyecto trata de generar espacio libre y abierto que se integre de forma fluida en la ciudad.

Para hacer el programa visible, Mendes da Rocha concibe un gran dintel de sección rectangular que acoge al anfiteatro y encuadra los jardines. La altura de este dintel es de unos dos metros y medio, la altura media de una casa común, un nivel que no causa impacto visual en el entorno. Este elemento que a modo de gigantesco umbral cobija parte del programa produce, debido a sus proporciones, un aspecto de levitación. Está construido a base de hormigón pretensado con acabado natural para simplificar la construcción y desnudarla de ornamentaciones superfluas. Además, es una pieza de considerable complejidad técnica, ya que se apoya en nudos articulados con elastómeros, que permiten la libre dilatación para absorber las deformaciones del hormigón armado. Entre los soportes y la viga hay un pequeño espacio libre que permite cambiar los elastómeros cuando sea necesario y visualmente separa ambos elementos.

El dintel del MUBE es un elemento simbólico y punto de referencia del programa. Paulo Mendes da Rocha concibe el mismo como una piedra en el cielo, para constituir una referencia fundamental, con un carácter similar al de Stonehenge. Ofrece sombra y cobijo, determina y marca un lugar, pero no apunta al terreno que hay debajo, sino que establece una referencia, una señal escultórica en el horizonte. También es un pórtico de los jardines del museo y de la exposición de esculturas al aire libre. Se establece además un contraste entre la gigantesca viga (12 metros de ancho, 60 metros de largo) y el discreto museo. Desde la lejanía se ve la pieza suspendida, como si no tuviera apoyos, produciendo un cierto efecto hipnótico en el observador.

“Es la suprema realización de aquello que soñaba tanto, porque colocar una piedra como dintel era el único medio de una cierta época de colocar al hombre debajo de una construcción, pero el hormigón armado justamente es el nuevo símbolo. Vea eso como una virtud, yo consigo hacer una piedra horizontal sólo con hormigón pretensado. Y cosas sutiles que me gustaría contarles, que son en mi opinión supremas manifestaciones de arquitectura.” (Entrevista a Paulo Mendes da Rocha en “Cuadernos de arquitectura FAUUSP, nº2, p. 43)

Bajo la gran explanada, a nivel semisubterráneo, se hallan las salas de exposición con la obra de menor tamaño o que ha de preservarse de la intemperie. Se sitúan en estas zonas interiores, además de las salas de exposiciones, zonas de administración, depósitos, un auditorio y los servicios. A pesar de estar bajo el nivel del suelo estos espacios disponen de luz cenital que ilumina de forma natural las obras y no hay en absoluto una sensación opresiva o claustrofóbica, aunque es patente en cualquier espacio del proyecto que el verdadero protagonista es el exterior.

La circulación de los espacios se establece a través de un sistema de escaleras, rampas y ascensores, que organizan los diferentes recintos, siendo las rampas las que procuran el acceso a los diferentes niveles y una sensación de continuidad exterior-interior. La entrada al museo es pequeña, acorde con la discreta topografía del mismo.

Las cubiertas de los suelos del programa interior que forman el pavimento de la gran explanada son totalmente horizontales, realizadas con placas prefabricadas. Esta horizontalidad favorece la filtración de las aguas pluviales, que se realiza a través de un sistema de recogida en diversos puntos, evitando de esta forma su estancamiento. Además, una gran red de drenaje protege el interior de posibles infiltraciones producidas por el elevado nivel freático del terreno.

El proyecto paisajístico del jardín es diseñado por Roberto Burle Marx, y cuenta con árboles, plantas autóctonas y espejos de agua.

El MuBE, Museu Brasileiro da Escultura, fue inaugurado en mayo de 1995. Es una de las obras más emblemáticas de Paulo Mendes da Rocha por su naturaleza creativa, rotunda y provocadora.

 

Recursos

Recursos en línea

"Cita del jurado" [Recurso electrónico]. FAU UCV. Dirección URL: <http://www.fau.ucv.ve/medio_digital/md17/premio_pritzker.pdf>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Cita del jurado sobre la concesión del Premio Pritzker a Paulo Mendes da Rocha.

"Museo brasileño de la Escultura, Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. Yasni. Dirección URL: <http://www.yasni.es/ext.php?url=http%3A%2F%2Fwww.arquicatedra.uma.es%2Fdatos%2Fmaestros%2Fmaestros_02.pdf&name=Paulo+Mendes&cat=document&showads=1>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Artículo de la Escuela de Arquitectura de Málaga sobre el MUBE de São Paulo.

"Paulo Mendes da Rocha (Paulo Archias Mendes da Rocha)" [Recurso electrónico]. Sólo arquitectura. Dirección URL: <http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/paulo_mendes_da_rocha.html> [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Breve biografía, premios y listado de obras de Paulo Mendes da Rocha.

"Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Paulo_Mendes_da_Rocha>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Información sobre Paulo Mendes da Rocha.

"Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. Plataforma arquitectura. Dirección URL: <http://www.plataformaarquitectura.cl/tag/paulo-mendes-da-rocha/>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Diversos artículos sobre Paulo Mendes da Rocha.

"Paulo Mendes da Rocha, Premio Pritzker 2006" [Recurso electrónico]. UPCommons. Dirección URL: <http://upcommons.upc.edu/revistes/bitstream/2099/13189/1/Palimpsesto%2003%201%20Paulo%20Mendes%20da%20Rocha.pdf> [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Entrevista a Paulo Mendes da Rocha realizada en 2011.

"Paulo Mendes da Rocha, Premio Pritzker de Arquitectura 2006" [Recurso electrónico]. Arquimaster. Dirección URL: <http://www.arquimaster.com.ar/arquitectos/nota_mendesdarocha.htm>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Trayectoria e información sobre Paulo Mendes da Rocha a propósito de la concesión del Premio Pritzker.

"Paulo Mendes da Rocha, São Paulo, 1987" [Recurso electrónico]. Dirección URL: <http://pab.pa.upc.edu/pdfs/mendes.pdf >. UPC. [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Trabajo sobre el MUBE de São Paulo del Departamento de Proyectos Arquitectónicos de Barcelona, ETSAB / UPC.

ADRIÀ, Miquel. "Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. Letras Libres. Dirección URL: <http://www.letraslibres.com/revista/artes-y-medios/paulo-mendes-da-rocha> [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Artículo sobre Paulo Mendes da Rocha.

BARAHONA, Miguel. "Mendes da Rocha. El racionalismo tropical" [Recurso electrónico]. Miguel Barahona.Dirección URL: <http://miguelbarahona.es/DI167-Mendes%20da%20rocha-txt.pdf> [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Artículo que recoge la trayectoria profesional de Paulo Mendes da Rocha.

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*El autor narra su encuentro con Paulo Mendes da Rocha.

CHAO, Enrique. "El arquitecto de la línea recta" [Recurso electrónico]. imcyc. Dirección URL: <http://www.imcyc.com/ct2006/mayo06/ARQUITECTURA.pdf>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Artículo de “Construcción y Tecnología”, de mayo de 2006, sobre Paulo Mendes da Rocha.

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*Tesis sobre la obra de Paulo Mendes da Rocha.

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*Entrevista a Paulo Mendes da Rocha.

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*Tesis sobre el pretensado en la obra de Paulo Mendes da Rocha.

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*Trabajo sobre el pretensado en la obra de Paulo Mendes da Rocha.

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*Prólogo del libro de Helio Piñón sobre Paulo Mendes da Rocha.

SÁNCHEZ MELÉNDEZ, Iván Junior. "Pavilhao: techos y empenas en la obra de Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. Dspace. Dirección URL: <http://dspace.ucuenca.edu.ec/handle/123456789/548> [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Tesis sobre la obra de Paulo Mendes da Rocha.

SELEME, Fernanda. "La tectónica de la Casa Gerassi. El prefabricado en la obra de Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. UPCommons. Dirección URL: <http://upcommons.upc.edu/pfc/bitstream/2099.1/17924/1/FernandaSeleme_TFM.pdf>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Trabajo sobre la Casa Gerassi de Paulo Mendes da Rocha.

SIMOES ROZESTRATEN, Artur. "Apuntes acerca del papel de la representación en el proceso de proyecto de arquitectura de Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. Redalyc. Dirección URL: <http://www.redalyc.org/articulo.oa?id=193614470005> [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Reflexiones sobre la lección de Paulo Mendes da Rocha acerca del proceso del proyecto.

VILLAC, María Isabel. "Paulo Mendes da Rocha" [Recurso electrónico]. UPCommons. Dirección URL: <http://upcommons.upc.edu/revistes/handle/2099/10562>  [Consulta: 1 de octubre de 2013].

*Artículo que recoge una conferencia de Paulo Mendes da Rocha e información sobre el arquitecto.

 

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Vídeos

ADBR Entrevista : Paulo Mendes da Rocha

Casa Butantã PMR Residência Paulo Mendes da Rocha

 

Paulo Mendes Da Rocha FAU USP, 5-03-13

 

Paulo Mendes da Rocha

 

Paulo Mendes da Rocha, nosso querido arquiteto

Paulo Mendes da Rocha

Visita a Paulo Mendes da Rocha

Paulo Mendes da Rocha, projetando um museu

 

Rafael Moneo

Biografía y obra

José Rafael Moneo Vallés nació el 9 de mayo de 1937 en Tudela, Navarra. Realizó sus estudios en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid donde se graduó en 1961. Entre 1958 y 1962 tabajó como estudiante con los arquitectos Francisco Javier Sáenz de Oiza en Madrid (1958-1961), y posteriormente con Jorn Utzon en Dinamarca (1961-1962). En 1963 se fue a estudiar a la Academia de España en Roma gracias a una beca de dos años.

A su vuelta a España fue profesor adjunto en la Escuela de Arquitectura de Madrid entre 1966 y 1970. En 1972 ganó la Cátedra de Elementos de Composición en la ETSAB en Barcelona. Estuvo viviendo casi diez años en esta ciudad hasta que en 1980 ganó la cátedra de Composición en la Escuela de Arquitectura de Madrid, que abandonó en 1985.

En 1985 fue nombrado Chairman del Departamento de Arquitectura de la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard. Allí se mantendría hasta 1990. Actualmente sigue de profesor de Arquitectura en la GSD.

Además de arquitecto y profesor, también ha realizado una gran actividad como conferenciante y crítico. En este sentido, ha sido confundador de la revista Arquitectura Bis, y sus escritos se han publicado en numerosas revistas profesionales. Asimismo ha publicado libros como el reciente Inquietud teórica y estrategia proyectual en la obra de ocho arquitectos contemporáneos, además de su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Sobre el concepto de arbitrariedad en arquitectura.

Ha recibido numerosos premios como el Pritzker de Arquitectura (1996), la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects de Londres (2003), la Medalla de Oro de Bellas Artes del Gobierno Español (1992), el Premio Príncipe de Viana del Gobierno de Navarra (1993), el Premio Schock de las Artes Visuales de Suecia (1993), Premio Arnold W. Brunner de la American Academy of Arts and Letters (1993), Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura de Francia, la Medalla de Oro de la UIA (1996) y el Premio Internalizionale di Architettura fondo Antonio Feltrinelli de la Accademia Nazionale dei Lincei (1998).

En 1994, el Museo Nacional de Arte Romano recibió el Premio Manuel de la Dehesa como Edificio Público Emblemático de la Arquitectura Española de la Década 1983-1993. En 1995, el Premio Manuel de la Dehesa de la III Bienal de Arquitectura Español. En 1998 recibió el Premio Kasper-Salin concedido por la Asociación Nacional de Arquitectos Suecos. En 2001, el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea-Premio Mies van der Rohe y el Premio Manuel de la Dehesa de la VI Bienal de Arquitectura de España. En 2012 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

En 1993 fue investido Doctor Honoris Causa por la Katholieke Universiteit Leuven de Bélgica. Un año depués recibió una Laurea ad Honorem del Instituto Universitario di Architettura di Venezia. En 1997 fue investido Doctor Honoris Causa por la Real Escuela Superior de Tecnología de Estocolmo y nombrado Académico Numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1999 le otorgaron la Creu de Sant Jordi en Barcelona y en 2002 fue investido Doctor Honoris Causa por L'École Polytechnique Fédérale de Lausanne. Al año siguiente recibió la Royal Gold Medal del Royal Institute of British Architects.

De su trayectoria profesional se pueden destacar: el edificio Urumea en San Sebastián (1969-1973), el Ayuntamiento de Logroño (1973-1981), el edificio Bankinter de Madrid (1973-1976), el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (1980-1985), la estación de Atocha de Madrid (1984-1992), el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (1989-1992), la Fundación Pilar i Joan Miró en Palma de Mallorca (1987-1992), el Museo de Arte Moderno y de Arquitectura de Estocolmo (1991-2000), el Kursaal de San Sebastián (1990-1999), el Museo de Bellas Artes de Houston (1992-2000), la nueva Catedral de Los Ángeles (1996-2000), el hospital materno-infantil Gregorio Marañón de Madrid (1998-2003), el Centro de Arte y Naturaleza de la Fundación Beulas en Huesca (1999-20005), la biblioteca de la Universidad de Deusto (2001) y la ampliación del Banco de España en Madrid (2001-2006).

 

 

 

 

 

Exposiciones individuales

2013

Rafael Moneo. Una reflexión teórica desde la profesión. Materiales de archivo 1961-2013. Fundación Barrié, A Coruña, España.

2012

Rafael Moneo. Obra Internacional. Palacio de Revillagigedo, Gijón, España.

Rafael Moneo, Príncipe de Asturias de las Artes. Casa del Almirante, Tudela, España.

Mirada a la obra de Rafael Moneo. Casa del Almirante, Tudela, España.

2006

Rafael Moneo - Museos, auditorios, bibliotecas.CDAN - Centro de Arte y Naturaleza - Fundación Beulas, Huesca, España.

 

Exposiciones colectivas

Exposiciones colectivas (selección)

2001

Art of Architecture - Winners of Pritzker 's Prize in 1979-2000. Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia, Polonia.

1992

Museo d'Arte e Architettura. Museo Cantonale d´Arte Lugano, Lugano, Italia.

 

Premios

Premios

2012

Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

2006

Medalla de Oro de la Arquitectura (CSCAE).

2003

Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects (RIBA).

2001

Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.

1996

Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos.

1996

Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Artes Visuales.

Premio Pritzker

1991

Premio Nacional de Arquitectura, junto a Fernando Higueras, por el anteproyecto de Centro de Restauraciones Artísticas (Madrid).

 

Sus obras (selección)

Torre Puig (2012)

Torre Puig o Torre CatalunyaBank, Hospitalet de Llobregat, 2012.

Iglesia de Iesu (2011)

Iglesia de Iesu, Donostia-San Sebastián, 2011.

Foto: Simoncio

Nueva Biblioteca de la Universidad de Deusto - CRAI (2009)

Nueva Biblioteca de la Universidad de Deusto - CRAI, Bilbao, 2009.

Foto:  aherrero

Ampliación del Museo del Prado (2007)

Ampliación del Museo del Prado, Madrid (2007).


 

Centro de Arte y Naturaleza Fundación Beulas (2006)

Centro de Arte y Naturaleza Fundación Beulas, Huesca, 2006.

 

Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles (2002)

Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles, Los Ángeles, California, Estados Unidos, 2002.

Edificio Audrey Jones Beck (2000)

Edificio Audrey Jones Beck, Museo de Arte, Houston, Texas, Estados Unidos, 2000.

 

Moderna Musset de Estocolmo (1998)

Moderna Musset, Estocolmo, Suecia, 1998.


Fundació Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca (1992)

Fundació Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca, 1992.



Estación de ferrocarril de Atocha (1988)

Estación de ferrocarril de Atocha, Madrid, 1988.



Museo Nacional de Arte Romano (1985)

Museo Nacional de Arte Romano, Mérida, 1985.



 


 

Ayuntamiento de Logroño (1981)

Ayuntamiento de Logroño, Logroño, 1981.



 


 


 

Edificio Urumea (1973)

Edificio Urumea, Donostia-San Sebastián, 1973.



 



 

Edificio Bankinter (1971-1977)

Casa Gómez Acebo (1966)

Casa Gómez Acebo, Soto de la Moraleja, Madrid, 1966.



 

Obra seleccionada

El Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal, Donostia-San Sebastián, 1999.

El antiguo Casino Gran Kursal de San Sebastián fue inaugurado el 15 de agosto de 1921 y fue considerado como uno de los los casinos más reconocidos de Europa. La palabra Kursaal proviene del término alemán Kur que significa cura y de Saal, que hace referencia a Sala, es de decir sala de curas, al estilo de los balnearios centroeuropeos. El palacio estaba situado frente a la playa de Gros y junto a la desembocadura del río Urumea.

La elegancia era una de sus señas de identidad, con columnas de mármol neoclásico e impresionantes vidrieras en el hall central. El casino contaba además con un amplio teatro.

En 1924, se decretó la prohibición del juego en plena dictadura de Primo de Rivera. Por lo tanto, el casino se vio obligado a transformarse, primero en sala de fiestas y posteriormente en sala de espectáculos, restaurante, cine y teatro. Sin embargo el Kursaal no sobrevivió y en 1965 se anunció su cierre. Al ser un edificio de titularidad privada los dueños trataron de rentabilizar el espléndido solar y en 1972 el Ayuntamiento autorizó su derribo. Se convocó un concurso para un cambio de actividad y fueron varios los anteproyectos presentados, pero ninguno de ellos llegó a hacerse realidad. Durante casi dos décadas en el lugar donde se había ubicado el gran casino quedó un gran solar.

En 1989, y después de que el solar pasara a manos de titularidad pública, se invitó a varios afamados arquitectos a presentar propuestar para el Kursaal: Mario Botta, Norman Foster, Arata Isozaki, Rafael Moneo, Juan Navarro Baldeweg y Luis Peña Ganchegi. Finalmente fue elegido el proyecto de Rafael Moneo que según palabras de los miembros del jurado: "el proyecto del arquitecto navarro Rafael Moneo (cuyo lema era "Dos Rocas Varadas") ha sido elegido por el acierto en la consideración del solar K como un accidente geográfico en la desembocadura del río Urumea, por la liberación de espacios públicos como plataformas abiertas al mar y especialmente por la rotundidad, valentía y originalidad de la propuesta". Memoria del proyecto.

6 Razones para el cubo

La propuesta del arquitecto navarro Rafael Moneo fue la elegida por seis razones principalmente:

1.-Por considerar el solar y la desembocadura del Urumea como un accidente geográfico que debe ser puesto en valor y no anulado por el edificio que en él se levante.

2.-Por tener la rotundidad y expresividad que deben caracterizar a un edificio público como el Kursaal.

3.- Por su imagen claramente diferenciadora de las de los edificios que lo rodean, sin entrar en conflicto con ellos en cuanto volumen o altura, destacando en su entorno, pero sin imponerse.

4.- Por su acertada disposición de los dos prismas que albergan las salas, al orientar cada uno de ellos hacia las referencias geográficas más significativas del entorno que configura la ensenada de la Zurriola, el mar y Urgull en el caso del auditorio principal; y del mar y Ulía en el caso de la sala menor.

5.- Por primar su fachada al mar y la oportunidad que se le ofrece, excepcional para un edificio de carácter plenamente urbano por su situación y utilización de ser percibido en la distancia, aprovechando al máximo las posibilidades que ofrece el solar.

6.- Y por último, por ofrecer una solución ajustada al programa básico y resolver de manera clara y acertada la organización funcional de los diferentes usos propuestos, liberando una porción importante del solar destinada a espacio peatonal de uso público. Fuente: Kursaal

El proyecto fue redactado entre 1991 y 1994. La obras se iniciaron en 1996 y concluyeron en 1999. En estos años hubo algunos problemas como la falta de financiación o un derrumbe de una escalera en el interior.

El Kursaal fue inaugurado oficialmente el 23 de agosto de 1999 con un concierto de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y Ainhoa Arteta. En un principio algunos donostiarras acogieron el edificio con frialdad, sin embargo, con los años, se ha convertido en uno de los iconos de la ciudad.

El edificio del Kursaal está formado por dos grandes cubos de vidrio traslúcidos que albergan en su interior un auditorio, con capacidad para 1.806 espectadores, salas de reuniones y áreas de exposición. Entre estos dos cubos se encuentra una terraza transitable con vistas al mar, tanto a la Playa de la Zurriola como a la desembocadura del Urumea.

El edificio ha sido distinguido con el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe,  por “el carácter excepcional” del proyecto y su “innovación conceptual, estética, técnica y constructiva”.

 

 

+ Fotografías:

Vídeo de Rafael Moneo en el Kursaal:

 

 

Recursos


Bibliografía

Monografías


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Moneo, Rafael. Contra la indiferencia como norma. Santiago de Chile: Ediciones ARQ, 1995.


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Revistas (monográficos)


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A&V Monografías de Arquitectura y Vivienda. Rafael Moneo 1986-1992. N. 36, julio-agosto 1992.


Anales de arquitectura. Museo de Arte Romano de Mérida. N. 1, 1989.


Architecture. Rafael Moneo. N. 1, enero 1994.


Área 67. Rafael Moneo. Marzo-abril 2003.


Arkinka. Rafael Moneo. Obras recientes. N. 94, agosto 2003.


Boden. José Rafael Moneo. Abril 1976.


El Croquis. Rafael Moneo. n. 20, abril 1985.


El Croquis. Rafael Moneo 1990-1994. N. 64, febrero 1994.


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Hogar y arquitectura. Obras de Rafael Moneo. N. 76, mayo-junio 1968.


Nueva Forma. La obra arquitectónica de Rafael Moneo 1962-1974. N. 108, enero 1975.


Pasajes. Centro Kursaal. N. 13, enero 2000.


Prototipo. Álvaro Siza / Rafael Moneo. N. 009, septiembre 2004.


Tectónica. Museo de Arte Moderno y Aquitectura en Estocolmo. N. 8, 1998.


Tectónica. Kursaal. N. 12, octubre 2000.


 


Artículos


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"Rafael Moneo, Madrid: [finalista sin premio en el concurso internacional de arquitectura para la ampliación y remodelación del Museo del Prado]". A & V: monografías de arquitectura y vivienda. N. 62 (noviembre- diciembre 1996).


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"Kursaal, San Sebastián = Kursaal, San Sebastián [de] Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 81-82 (enero-abril 2000); pp. 32-39.


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"Macizo terroso: Fundación Beulas, Huesca [de] Rafael Moneo". Arquitectura viva. N. 99 (noviembre-diciembre 2004); pp. 44-47.


"Manzana Diagonal, Barcelona = Diagonal block, Barcelona [de] Rafael Moneo & Manuel de Solà-Morales". A&V: monografías. N. 79-80 (septiembre-diciembre 1999); pp. 82.


"Ampliación del Ayuntamiento, Murcia = Town Hall extension, Murcia [de] Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 79-80 (septiembre-diciembre 1999); pp. 142-143.


"Kursaal, San Sebastián = Kursaal, San Sebastián [de] Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 79-80 (septiembre-diciembre 1999); p. 158.


"Celebración de la materia = In celebration of matter / Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 77 (mayo-junio 1999); pp. 16-27.


"Casa de cultura, Don Benito (Badajoz) = House of culture, Don Benito (Badajoz) [de] Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 69-70 (enero-abril 1998); pp. 54-58.


Frampton, Kenneth. "La luz es el tema: Museo de Arte Moderno, Estocolmo = Light is the theme: Museum of Modern Art, Stockholm [de] Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 71 (mayo-junio 1998); pp. 12-27.


"Ampliación del Ayuntamiento, Murcia = Town Hall extension, Murcia [de] Rafael Moneo". A&V: monografías. N. 75-76 (enero-abril 1999); pp. 34-39.


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"La ciudadela del tesoro: Sucursal del Banco de España: Jaén 1980-1988". A&V: monografías. N. 36 (jul.- ag. 1992), pp. 18-25.


"Una esquina monumental: Edificio de Previsión Española: Sevilla, 1982-1988". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 26-33.


"Construir sobre ruinas: Sede del Colegio de Arquitectos: Tarragona, 1983-1992". A&V: monografías. N. 36 (julio- agosto 1992); pp. 34-41.


"Sobre las vías oblicuas: Ampliación de la Estación de Atocha: Madrid, 1984-1992". A&V: monografías. N. 36 (julio- agosto 1992); pp. 42-51.


"De la tierra al cielo: Nueva terminal del aeropuerto de San Pablo: Sevilla, 1987-1991". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 52-60.


"Huecos escalonados: Manzana Diagonal : Barcelona, 1986-1992". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 62-65.


"La galería del jardín: Fundación Pilar y Joan Miró: Palma de Mallorca, 1987-1992". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 66-73.


"Dos piezas sinfónicas: Auditorio de Música: Barcelona, 1988-1993". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 74-77.


"Cubo de luz: Davis Center, Wellesley College: Wellesley, Massachusetts, 1989-1993". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 6-7.


"Una plaza de cristal : Sala de exposiciones del Messepalast : Viena, 1986". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 90-93.


"Música junto al lago: Sala de Conciertos y Centro Cultural: Lucerna, 1990". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 94-97.


"Rocas varadas: Centro cultural y auditorio del Kursaal: San Sebastian, 1990". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 98-103.


"El dosel de las estrellas: Palazzo del Cinema: Lido, Venecia, 1991". A&V: monografías. N. 36 (julio-agosto 1992); pp. 104-107.


 


 


 



 


 

Recursos en línea

Entrevista a Rafael Moneo. Canal + España [Recurso electrónico]. Gijón arquitectura. Dirección URL: <http://gijonarquitectura.blogspot.com.es/2013/02/entrevista-rafael-moneo-inaki-con.html> [Consulta: 08 de junio del 2015].

*Entrevista realizada por el periodista Iñaki Gabilondo a Rafael Moneo en Canal + España. En ella, se repasa no sólo su trayectoria profesional sino también su infancia en Tudela, sus inicios con Francisco Javier Sáenz de Oíza y su visión de la arquitectura y el crecimiento de las ciudades.
 

Espejo, Bea. "Rafael Moneo: Confundir arquitectura con obra de arte da lugar a muchos excesos" [Recurso electrónico]. El cultural.es. Dirección URL: <http://www.elcultural.es/noticias/BUENOS_DIAS/2248/Rafael_Moneo> [Consulta: 08 de junio del 2015].

*Entrevista al arquitecto Rafael Moneo.

Marqués, M.S. "Moneo, cumpleaños con premio" [Recurso electrónico]. Premiosprincipe.es. Dirección URL: <http://www.premiosprincipe.es/rafael-moneo-premio-principe-asturias.html> [Consulta: 08 de junio del 2015].

*Rafael Moneo premiado con el Príncipe de las Artes.

Rafael Moneo [Recurso electrónico]. Wikipedia. Dirección URL: <http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Moneo> [Consulta: 08 de junio del 2015].

*Introducción a la vida y obra del arquitecto Rafael Moneo.

Rafael Moneo [Recurso electrónico]. Epdlp. Dirección URL: <http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=113> [Consulta: 08 de junio del 2015].

*Selección de algunos de los mejores trabajos de Rafael Moneo.

Rafael Moneo - Artes 2012 [Recurso electrónico]. Fundación Príncipe de Asturias. Dirección URL: <http://www.fpa.es/es/2012-rafael-moneo.html?texto=trayectoria> [Consulta: 08 de junio del 2015].

*La Fundación Príncipe de Asturias premia la labora del arquitecto Rafael Moneo.

Zabalbeascoa, Anatxu. "Hay que vigilar que el sentimiento de omnipotencia no se adueñe de ti" [Recurso electrónico]. El país. Dirección URL: <http://elpais.com/diario/2010/12/19/eps/1292743615_850215.html> (19 de diciembre de 201) [Consulta: 08 de junio del 2015].

*Entrevista con el arquitecto Rafael Moneo.
 

 

 

Vídeos

Rafael Moneo dialoga con Antonio San José


 

Rafael Moneo - Taller y Obra


 

Conferencia de Rafael Moneo en el Colegio Oficial de Arquitectos de Granada

 

 

Conferencia de Rafael Moneo


 

Discurso de Rafael Moneo, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2012


 

Rafael Moneo nos abre las puertas de su estudio