Esther Ferrer

 

Biografía

Esther Ferrer.

 

Nace en Donostia-San Sebastián en 1937, es licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo. Entre 1961 y 1968 realiza actividades en la Asociación Artística de Gipuzkoa en San Sebastián. En 1963 crea junto con el pintor José Antonio Sistiaga del "Taller de libre expresión" en San Sebastián y de una Escuela experimental en Elorrio, Bizkaia

En 1967 se integra en el Grupo ZAJ, formado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. Fundado en 1964 por Juan Hidalgo, ZAJ fue el primer grupo de arte conceptual español, el cual en honor a John Cage “su padre” denominaba a sus obras conciertos, los que al estar relacionados con la música durante la época franquista no eran considerados subversivos y por ello no sufrían censura.

Zaj, heredero de Marcel Duchamp, conectaba con las actitudes de las vanguardias experimentales internacionales de los años sesenta, integradas en las tendencias neodadás y que tuvieron en el movimiento Fluxus uno de sus núcleos fundamentales.

Una de las consignas de ZAJ es que las obras perturben, para contribuir a romper con la pasividad del espectador y que éste corrobore que siente, experimenta emociones y sentimientos a través de una obra.

Ferrer emigró a París donde dirigió su trabajo hacía el propio arte a través de una reflexión incisiva, humorística y perturbadora sobre los objetos, el tiempo, el sonido, la acción, el aburrimiento o el ridículo. Actualmente, vive y trabaja en París.

A partir de 1975 ha publicado sus artículos culturales en diferentes periódicos y revistas, entre ellos El País, Ere, Lápiz, El Globo y Jano.

 

Exposiciones individuales

2018
Esther Ferrer - Entre Intimidad Y Exhortación. Espaivisor - Galería Visor, Valencia.
Esther Ferrer: Intertwined Spaces. Museo Guggenheim de Arte Moderno y Contemporáneo, Bilbao.

2017
Todas las variaciones son válidas, incluida esta. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

2016
Esther Ferrer | Musica angelica e musica celestiale. Una Vetrina, Roma.
Esther Ferrer - Entre Líneas Y Cosas. CEART - Centro de Arte Tomás y Valiente, Madrid.

2014
Esther Ferrer "Dans le cadre de l'art (3)”. Galerie Lara Vincy, Paris.
Esther Ferrer Face B. Image/Autoportrait. Galerie Lara Vincy, Paris.
Esther Ferrer - Face B. Image / Autoportrait. Musée d´art contemporain du Val-de-Marne MAC/Val, Vitri-sur-Seine (Francia)

2012
Esther Ferrer. Angels Barcelona, Barcelona.
Esther Ferrer. Trinta Arte Contemporánea, Santiago de Compostela.
Esther Ferrer. Es Baluard Museu d’Art Modern, Palma de Mallorca.

2011
En cuatro movimientos. Artium, Vitoria-Gasteiz.

2010
Por Partes. Espaivisor - Galería Visor, Valencia.

2009
La parte de los ángeles. Casal Solleric, Palma de Mallorca.
Galerie Lara Vincy Esther FERRER : "Dans le cadre de l'art" (3). Galerie Lara Vincy, París.

2008
Esther Ferrer. Trinta Arte Contemporánea, Santiago de Compostela.
Esther Ferrer - Autorretrato en el tiempo. Angels Barcelona, Barcelona.

2007
Esther Ferrer. No ritmo do tempo. Museu Nacional de Belas Artes, Río de Janeiro.

2005
Performance X - - Trace. Installaction Art Space, Cardiff (Gales) (closed, 2007).

2002
Galerie Lara Vincy Esther FERRER : Le poème des nombres premiers. Galerie Lara Vincy, París.

2001
Esther Ferrer. Museum of Contemporary Art. Roskilde, Dinamarca.

2000
Sur la photo. Galerie J. et J. Donguy, Paris.
Installation Géométrique. Galeria Arsenal, Bialystok, Polonia.
Lieu commun - Installation: Inter-Vention. Institut Francais, Bremen
Indisposition. Galerie Schüppenhauer, Köln.

1999
Bienal de Venecia, Venecia.
Experimental Intermedia, Silla ZAJ, Instalación - El Huis, Gante.

1998
De la acción al objeto y viceversa. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla.
Le livre du sexe/Le livre des têtes. C.I.P.M.(Centre International de Poesie de Marseille), Marsella.

1997
Poema de los números primos III. Galería Trayecto,Vitoria-Gasteiz.
De la acción al objeto y viceversa. Koldo Mitxelena Kulturunea, San Sebastián.

1996
Le poème des nombres premiers II. Galería Satellite, París.

1992
"Dans le cadre”. Galería Satellite, París.

1991
"Autoportraits". Galeria Aele, Madrid.

1990
Exposición ZAJ, "25 años de ZAJ". Galeria Estampa, Madrid. ( Walter Marchetti, Juan Hidalgo,Esther Ferrer).
ZAJ, 25 anni, (Groupe ZAJ), Milanopoesia, Milán. (Walter Marchetti, Juan Hidalgo, Esther Ferrer).

1986
Instalación basada en los números primos. Fondation Danae, Pouilly.

1985
El poema de los números primos". Galeria BUADES, Madrid.
Instalación basada en los números primos. Apolohuis, Eindoven, Holanda.

1974
Autour d'une exposition, Chateau de Nancel.
Perfiles, Instalación. Fundació Miró, Barcelona.

 

 

 

Exposiciones colectivas (selección)

2019
la Caixa - Collection of Contemporary Art Selected by Maria Fusco. Whitechapel Art Gallery, Londres.
¡Dulces Sueños! les Abattoirs - FRAC Midi-Pyrénées, Toulouse.
El giro notacional. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Léon.

2018
El poder del Arte. Obras de la colección del Museo Reina Sofía. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Entusiasme: El repte i l’obstinació en la Colecció MACBA. Museu de la Pell d´Igualada i Comarcal de l´Anoia, Igualada (España).
Después del 68. Arte y prácticas artísticas en el país Vasco 1968-2018. Museo de Bellas Artes de Bilbao, Bilbao.
Tom Johnson, Esther Ferrer - Números, músicas y formas. Angels Barcelona, Barcelona.
WOMAN The Feminist Avant-Garde of the 1970s. Works from the Sammlung Verbund Collection Vienna. Stavanger Art Museum, Stavanger(Noruega).
El arte (Acto 1). Colección Artium. Artium, Vitoria-Gasteiz.
Provincia 53. Arte, Territorio y Descolonización del Sáhara. Centro de Arte y Naturaleza - Fundación Beulas (CDAN), Huesca.

2017
El arte y el sistema (del arte). Colección Artium. Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz.

2013
On the revolution and its body. Angels Barcelona, Barcelona.
Steina & Woody Vasulka : Video Vintage 1963-1983. Beirut Art Center, Beirut.

2012
Feminist Genealogies in Spanish Art: 1960-2010. Musac - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Léon.
Steina & Woody Vasulka : Vidéo Vintage 1963-1983. Centre Pompidou - Musée National d´Art Moderne, París.
Pauline Boudry & Renate Lorenz : re.act.feminism #2 - a performing archive. Fundación Antoni Tàpies, Barcelona.

2011
Galerie Lara Vincy Accrochage des artistes de la galerie. Galerie Lara Vincy, París.
Dezgolind-o pe Eva la Muzeul Naţional de Artă Contemporană. National Museum of Contemporary Art (MNAC), Bucarest.
Instituto Cervantes - Berlín.

2010
Autoritratte (Female self portraits) / Sala delle Reali Poste. Galleria degli Uffizi, Florencia.
El Ángel Exterminador - A Room for Spanish Contemporary Art. BOZAR - Palais des Beaux-Arts / Paleis voor Schone Kunsten, Bruselas.
Conceptos: Selección de fondos del Museo Vostell Malpartida. Museo Vostell Malpartida, Malpartida de Cáceres.

2009
Galerie Lara Vincy Accrochage des artistes de la galerie. Galerie Lara Vincy, París.
Rebelle - Kunst & Feminisme 1969 - 2009. Museum voor Moderne Kunst Arnhem - MMKA, Arnhem.
A mancha humana / the human stein. CGAC - Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela.

2008
re.act.feminism - performancekunst der 1960er und 70er jahre heute. AdK - Akademie der Künste, Berlín.
España 1957-2007. L’arte spagnola da Picasso, Mirò e Tápies ai nostri giorni. Palazzo Sant'Elia, Palermo.

2007
A batalla dos xéneros. CGAC - Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela.
Incognitas. Museo Guggenheim de Arte Moderno y Contemporáneo, Bilbao.
2 ou 3 choses que j´ignore d´elles - 49 NORD 6 EST. Frac Lorraine, Metz.

2006
Galerie Lara Vincy Après dAdA ?. Galerie Lara Vincy, París.

2005
El Arte Sucede - Origen de las prácticas conceptuales en España (1965-1980). Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Chronos. Cesac - Centro Sperimentale per le Arti Contemporanee, Caraglio (closed).
Desacuerdos. Museu d´Art Contemporani de Barcelona - MACBA, Barcelona.

2003
Pic Nic A Capri. Dispari & Dispary Project, Reggio Emilia.

2001
Zaj. Galerie und Edition Hundertmark - Cologne, Colonia (closed, 2003).

2000
Narcisse Blesse. Passage de Retz, París.

1999
Intermedia / Tribute to Dick Higgins. Ernst Museum Budapest, Budapest.
El espacio del sonido. Koldo Mitxelena Kulturunea, San Sebastián.

1997
Des femmes. Galerie J et J Donguy, París.

1996
Arte español para el fin del siglo. Santa Tecla, Barcelona.
Galería Trayecto, Vitoria-Gasteiz.

1995
En l’Esperit de Fluxus. Fundació Tàpies, Barcelona.

1994
Riquiqui. Galerie Satellite, París.

1993
Buch Art. FraguenMuseum, Bonn.

1992
L’amour. Galerie Satellite, París.

1991
Papier. Musée d’art et d’histoire, Neufchetel, Suiza.

1990
Múltiples. Galería Estampa, Madrid.
Ubi Fluxus ibi Motus. Bienal de Venecia, Italia.

1989
París ([Francia) por supuesto. Casa de España, París.

1987
Galería Buades, Madrid.

1985
La Revue parlée- L’air et l’eau. Centre Georges Pompidou, París.

1983
Fuera de formato. Centro Cultural de la Villa de Madrid.
La femme et l’Art. 1ª. Trienal de Landeron, Suiza.

 

 

 

Obra

Tras sus inicios en el grupo neodadaísta Zaj, su posterior carrera ha desarrollado una intensa meditación sobre el arte desde el arte, utilizando su cuerpo como soporte de performances e instalaciones reflexivas. Siempre trabaja por series y en su obra el absurdo es un componente de peso.

En sus performances los objetos, junto al tiempo real o la repetición, siempre han tenido gran importancia. Las acciones de Esther Ferrer se han caracterizado a menudo por su ausencia de acción, su elementalidad y su interrogar al espectador. La instalación y el video son los únicos recursos que suele emplear para presentar sus performances. Esther Ferrer invita a quienes se acercan o enfrentan a la obra a experimentarla o vivirla a partir de distintas opciones que pueden o no tomarse en cuenta.

La presencia del ready made, alterada por la artista con objetos vulgares que nunca serían ready mades en el sentido duchampiano, martillos, sillas, despertadores, lechugas, y la idea de duración, del tiempo del espectador como parte de su vida real, han marcado buena parte de sus trabajos. Es también una constante en su obra la utilización del hilo, tanto empleándolo como material constructivo, como manteniendo sus funciones dentro de lo cotidiano. Con él traza geometrías, como en la serie de Números primos, cose y zurce, como en el Homenaje a Fontana, borda sus Autorretratos, o lo enreda en el Libro del sexo. Pero el hilo pierde su autonomía y significado propio en las instalaciones con objetos, en el caso de Madre Patria los hilos hacen de “patas de araña”.

La sillas son un elemento recurrente en la obra de Esther Ferrer al considerarlas un objeto en el que pasamos muchas horas y en el que en la medida en que mayor eres mayor tiempo compartes. De hecho una de sus esculturas es una silla sobre la que coloca la leyenda: “Permanezca en ella hasta que la muerte los separe”.

Instalación Suspended chair.

 

A partir de los años 80 empezó a hacer una serie de fotografías de partes de su cuerpo: la cabeza, el sexo, la mano… eran una serie de autorretratos que componían libros: El libro de las cabezas, El libro del sexo, etc., estos se expusieron por primera vez en la muestra Fuera de formato, Madrid. Tras esta llego la serie de Números Primos.

   El libro de las cabezas Autorretrato en el tiempo. 1981/1999.

 

El poema de los números primos

“Tras algunos años, en la década de los 70, realizando proyectos con estructuras geométricas definidas únicamente en función de mis propios criterios, sentí la necesidad de pensar otras en las cuales mis preferencias estéticas jugaran un papel secundario. Estructuras libres que pudieran evolucionar por si mismas, según su lógica interna...

Durante algún tiempo no conseguí un resultado que me satisficiera hasta que una noche soñé con los números primos, así empecé la serie, EL POEMA DE LOS NÚMEROS PRIMOS.

Al principio fue bastante descorazonador, amigos matemáticos me decían que nunca conseguiría una estructura válida, pues los números primos no son previsibles. Lo único que se sabe, me decían, es que su frecuencia disminuye a medida que se avanza en la serie.

Efectivamente tardé bastante tiempo en comprender que era mejor no prever nada, dejar que la estructura evolucionara en función de la dinámica interna de la serie, lo que da como resultado que cada obra es diferente, aunque aplique el mismo sistema para visualizar el movimiento de la serie, algunas veces comienzo por 1, 2, 3, 4 etc. , pero también lo puedo hacer por 3.000 ó 4.000 e incluso 15.000.000 o más o por 41, según la observación de Stanislav Ulam, lo que da una línea interrumpida de 40 números primos. Otras veces, decido privilegiar los números gemelos, es decir aquellos dos números primos que están únicamente separados por un número entero, como 11 y 13 por ejemplo. Hace ya muchos años realicé un cuadro (hilo sobre lienzo) con los dos números primos gemelos más grandes que se conocían en la época, tenían 703 cifras; en 1993 el número primo más grande tenía ya 258.716, con la evolución de las computadoras supongo que hoy se pueden calcular primos con un número de cifras mucho más importante.

Lo primero que sorprende cuando se comienza a trabajar con la serie de los números primos es que - cualquiera que sea el sistema utilizado - el resultado es siempre equilibrado, hermoso, y lo segundo es que cuanto más grande es la obra, es decir cuanto más números la forman, más interesante es la estructura, nunca simétrica, siempre en movimiento, por ello siempre he pensado en realizar obras monumentales como suelos, muros, tapicerías etc.

Al penetrar el universo de los números primos se tiene la sensación de que son la traducción, el reflejo, de un caos universal, magnífico, continuamente en evolución, que no se repite jamás, pero que pese a ello, es siempre el mismo. Un caos en cuyo interior parece existir un orden, un orden extraño, curioso.

Trabajar con esta serie es fascinante y tranquilizador al mismo tiempo, es una tarea minuciosa - nunca estoy segura de no haber cometido algún error - obsesionante, tan obsesionante, que llega un momento en que hay que abandonarlo, al menos durante cierto tiempo, pues al intentar penetrar ese hipotético y curioso orden que imagino puede existir en el caos, se corre el riesgo de partir muy lejos, incluso demasiado lejos... allí donde quizás no hay retorno posible”.

Esther Ferrer

Instalaciones basadas en la serie de los números primos Galería Trayecto (Cinta adhesiva sobre suelo. Medidas variables).
 
 

Los números primos: matemáticas y arte

Para empezar, la serie de los números primos es curiosa:

1, 2, 3, 5, 7, 11, 13, 17, 19, 23, 29, 31 ......

¿Por qué salta seis números, del 23 al 29?

¿Por qué encontramos con frecuencia números primos con una diferencia de dos, lo que se llama números gemelos, como por ejemplo 17 y 19 ó 29 y 31?

Hoy se sabe que habrá números primos hasta el infinito y que la distancia media entre ellos será cada vez más grande, incluso se puede probar que algunos mega números son primos, como por ejemplo:

2216091 - 1

que será un número de 65.050 cifras, si se escribe normalmente.

Pero hay muchas cosas que no sabemos, por ejemplo no se ha encontrado todavía una fórmula para calcular el 500° número primo por, ni la fórmula exacta que nos dé la cantidad de números primos entre 9.000 y 10.000. Cuando se pregunta a un matemático si 791 es un número primo o no, la respuesta es consultar una tabla o pedir a la computadora que divida 791 por todos los números primos hasta 23.

Por todas partes encontramos dilemas, frustraciones, cuestiones no resueltas desde Euclides y Eratostenes, pero el hombre es pretencioso y piensa que puede llegar a encontrar un orden en el universo, convencido de que existen fórmulas para los fenómenos naturales y que un día comprenderá también la serie de los números primos.

Mientras los matemáticos intentan progresar en sus investigaciones, hay artistas que intentan mostrar cosas que ni las tablas ni los ordenadores consiguen, y este es el objetivo principal de muchas de las obras que Esther Ferrer ha dedicado a este tema. En cada obra, distribuye, relaciona, colorea, enmarca los números primos según un sistema diferente de reglas estrictas y en cada obra la red de los números primos se manifiesta de una manera diferente.

¡Miren, cuenten, midan! ¡Observen el orden del universo!

Tom Johnson

París, 1986

 

Obras radiofónicas

Au rythme du temps - Para Radio Nacional de España - Madrid.
 
TA TE Tl TO TU o la Agricultura en la Edad Media- Para Radio Nacional de España-Madrid.
 

The artist in the Swarming Stage of Manking

Texto para el Symposium de Hetapollohaus, Eindhoven (Holanda), 1995. Sobre el papel del arte y el artista en nuestra sociedad post-moderna.

(Original en inglés, traducción de Esther Ferrer)

“Realmente no puedo dar una respuesta a esta cuestión, al menos no una respuesta general o una respuesta abstracta. No sé lo que el arte debe ser en este fin de siglo y de milenario.

Cuando hago arte, no soy consciente de interpretar un papel específico, lo hago como persona no como artista.

 

Performance.

 

La mayoría de las veces, además, no me identifico con el discurso artístico en boga.

Normalmente asocio la creatividad (creación) con el anarquismo. Empleo la palabra creación en lugar de arte conscientemente, porque para mí el arte es otra cosa, en cierta manera algo mucho más limitado que la creación.

Cuando hablo de creatividad o creación lo hago insistiendo en su sentido placentero, de producción de placer, algo que sirve sobre todo y en primer lugar a quien lo practica. Una práctica que se realiza sin prestar atención a las consecuencias (juicios de los otros, dificultades materiales etc.) y sin dejarse condicionar por obligaciones o compromisos. En la creación no hay más dueño que uno mismo, exactamente lo mismo que el anarquismo.

 A. Saifran.

 

La creación, como el anarquismo, es una elección completamente gratuita, que no compromete más que a uno mismo y que uno libremente decide practicar.

Normalmente me gusta definir el anarquismo, como defino la creación, como una práctica de la libertad, primero individual y luego social. En realidad, no comprendo el significado del arte ni el papel del artista fuera del pensamiento anárquico.

En este sentido considero que la creación (como el anarquismo), puede servir en todos los periodos de la historia, porque es algo fuera del tiempo, diría incluso que es a-temporal, algo anclado en la naturaleza humana - existirá tanto como dure la especie humana como tal - y por esta razón individualista e individualizado. Desgraciadamente soy perfectamente consciente de que hay muchas otras cosas ancladas también en la naturaleza humana.

Este carácter individualista de la creación (y del anarquismo) es precisamente la fuente de su atractivo y también naturalmente de sus enormes riesgos, lo que precisamente en mi opinión, es lo que le hace más interesante.

Creación pues como anarquismo (o anarquismo como creación), es simplemente un problema de asumir la responsabilidad individual. Es reflexionar sobre la idea que cada cual tiene de sí mismo como ser pensante capaz de tomar las decisiones sin delegar esta capacidad en otro, sea cual sea ese otro: un rey, un dios, un partido, un líder o un artista genial. Nuestra libertad está limitada por las características de nuestra propia especie en el sentido más físico del término y por nuestra decisión personal de emplear la libertad inteligentemente, es decir, considerando a los otros como seres que practican su libertad también.

Además me gusta esta manera de pensar anarco-creativa porque no tiene una meta oficial. No hay paraíso ni artificial, ni real ni proletario al final del camino. Un camino que, como desgraciadamente nos ha demostrado la Historia, es generalmente autoritario.

En la creatividad anarquista o viceversa no hay camino marcado, pues como escribió Machado, el camino se hace al andar. Un andar nutrido de un individualismo positivo, creativo, que lo opone automáticamente a la conducta subordinada.

En la conducta creativa, no hay nada subordinado, el ser es ÚNICO diferente de otro, porque solo en esta UNICIDAD del ser puede existir la creatividad. Me gusta imaginar el trabajo artístico como la expresión de esta UNICIDAD.

De acuerdo con Max Stirner, podemos decir que esta UNICIDAD que me separa de los otros, es precisamente la condición que me permite la unión libre con el otro.

Aunque me sea difícil hablar del papel del artista en nuestra sociedad - pues pienso que es en primer lugar un trabajo personal que cada cual tiene que encontrar por sí mismo - supongo que el hecho de ser el testigo de esta UNICIDAD (frente a la cada día mayor masificación) puede ser interesante e incluso útil. Útil en primer lugar para el mismo artista y luego quizás también para los otros.

Quizá esta función de testimonio de individualidad es algo que puede justificar la inutilidad del artista.

Para recoger quizá el tema de este simposium, y partiendo de mi propia experiencia, creo que el hecho de producir objetos artísticos, consumibles y vendibles de acuerdo con el gusto del consumidor (y no lo digo en sentido peyorativo) no es lo que yo hoy quiero o debo hacer. Cada vez más pienso en la posibilidad de crear sólo situaciones.

Felizmente el hecho de dedicarme fundamentalmente a la performance me facilita la tarea, sobre todo porque puedo realizarlas fuera del lugar artístico, por ejemplo en la calle.

Sinceramente creo que el arte debe salir a la calle, pero no en el sentido en que se hablaba en los años 6O y 70 de acercar el arte al pueblo generoso, sino porque creo que es en la calle donde perturba más. Quizás el artista debiera ser el gran perturbador, el perturbador profesional, aquel por el cual el des-orden llega. Sé que esto es más bien difícil, que para ello hace falta mucho coraje... y que es precisamente quizás lo que nos falta.

Quizás el artista debiera ser un agente de cambio, de transformación de la mentalidad utópica, si es cierto como dicen algunos que el pensamiento utópico es necesario para la evolución de la sociedad. 

Mallarmé Revisé, 1992.Intimo y personal. Agua y aire, 1985.

 

Hablo de utopía porque alguien hablaba de ello en la carta que me enviaron para invitarme a este simposium. Parece que de acuerdo con Marcusse o Backmister Fuller estamos llegando al fin de las utopías.

Estoy de acuerdo con ellos, pero no por las mismas razones que ellos apuntan: desarrollo económico o progreso técnico que permite la realización de la utopía, sino porque las utopías que nos han sido propuestas desde la antigüedad hasta hoy son en general autoritarias, cerradas sobre sí mismas, universos donde el individuo no existe como entidad ÚNICA, sino como utopista, es decir, como alguien viviendo en una sociedad utópica ya establecida o que debe establecerse siguiendo normas pre-establecidas. Pienso que ha llegado el momento en que no se puede seguir considerando como motivadoras este tipo de utopías (el estado papá en nuestras llamadas sociedades democráticas es la única utopía, que sobrevive todavía).

En general la utopía es un universo cerrado, selectivo, jerárquico, moralista y pudiéramos hablar de muchos otros aspectos negativos del pensamiento utópico, por ejemplo su sexismo (generalmente el papel que se le asigna a la mujer en ellas es el de ser madres transmisoras de valores).

La utopía se basa en la seguridad, la eficiencia y el orden, y habría que analizar las características de este orden pues a lo mejor tiene razón Wallace Stivens cuando escribe "Un orden violento es un desorden y un gran desorden es un orden. Estas dos cosas son una sola".

Quizás en este orden de cosas, el artista puede jugar un papel. Pero la forma en que puede jugar ese papel, para mí es completamente personal, individual, cada artista debe encontrar la suya, todas diferentes, porque felizmente en esto, aunque algunos se empeñen en instalarlas, no hay normas sino libertad.

Bueno, una vez dicho todo esto, en realidad yo creo que no somos libres en absoluto, y que no podemos soñar con serlo o quizás es lo único que podemos hacer, soñar.

Que en realidad no elegimos nada, que estamos condenados a remar en esta galera de la vida sin saber ni de dónde viene ni a dónde va. Quizá mi discurso de hoy estaba ya programado en mis genes y me es imposible decir otra cosa que lo que estoy diciendo. Quizás mi pensamiento es el resultado de una máquina que un día se puso a funcionar y que escapa perfectamente a mi control, aunque yo tenga la ilusión de lo contrario, pero como es una máquina inteligente esto último forma parte del juego.

Feliz o desgraciadamente no sé nada sobre esto y quizá sea por ello por lo que mi mente puede creer, imaginar maravillosas teorías sobre el arte, sobre el papel del artista en nuestras sociedades post-modernas y globalizadas, sobre la libertad y un etcétera muy largo.

Mientras paso el tiempo de vida que se me ha acordado remando en la galera, reo pensar que tengo un papel que jugar y que si lo juego como es debido, algo puede cambiar.

Finalmente, quizás, solo podemos o debemos continuar pretendiendo que creemos...”

 

Exposiciones en Artium

EL ARTE (ACTO 1). COLECCIÓN ARTIUM
Del 26 de abril de 2017 al 26 de agosto de 2018

EL ARTE Y EL SISTEMA (DEL ARTE). COLECCIÓN ARTIUM
Del 26 de abril de 2017 al 1 de octubre de 2017.

LA TRAMPA EN LA SONRISA. COLECCIÓN ARTIUM
Del 02 de octubre de 2015 al 28 de agosto de 2016.

ESTHER FERRER. EN CUATRO MOVIMIENTOS
Del 08 de octubre del 2011 al 08 de enero del 2012.

LAOCOONTE DEVORADO. ARTE Y VIOLENCIA POLÍTICA
Del 06 de mayo al 03 de octubre de 2004.

 

 

Obra en Artium

 
El autorretrato en el tiempo, 1981. Fotografía b/n e hilo sobre cartón.

 

Autorretrato en el tiempo, de 1994, es un work in progress formado por una serie de fotografías, en el que se yuxtaponen dos medios rostros de la artista en épocas diferentes. Un punto de partida y una llegada -provisional- conviven en la imagen de una mujer desdoblada en la que la distancia queda marcada por el concepto del paso del tiempo. El antes y el después se unen en una misma imagen provocando una visualización del desgaste de la vida y el deterioro del cuerpo. En esta pieza se encuentra el tiempo adherido a la piel: una imagen de vanitas, pero sobre todo un ejercicio de autoconciencia, ya que independientemente de la erosión del tiempo sobre el rostro, lo que permanece es la identidad inalterada de la artista.

 

Recursos

 

Recursos en línea

 
Canals, Xavier. «Cage: Tan Lejano y Tan Cercano» [Recurso en línea]. Corner. Dirección URL: <http://www.cornermag.net/corner03/page02.htm> [Consulta: 9 de junio de 2016].
 
*Recurso en el que se puede acceder a una entrevista realizada a Esther Ferrer. El tema central de esta, es John Cage.
 
 

 

Bibliografía

Audiovisual: Esther Ferrer, artista invitada. Bilbao: Universidad del País Vasco,1993.

Danvila, Josu Ramón «El grupo ZAJ lleva al Reina Sofía la transgresion en el arte». El Mundo.

Festival Internacional De Video. Madrid: Círculo De Bellas Artes, 1985.

Gari, Clara. «Una acción es (solamente) una acción: entrevista con Esther Ferrer». Coclea. N. 3, 1997. 

Janicot, Franuoise. Poesie En Action. Paris: Loques/Nupe, 1984.

Labellerejoux, Arnaud. L'act Pour L'art. París: Les Evidant, 1988.

Marchan Fiz, Simón. Fuera de formato. Madrid: Centro Cultural de la Villa Madrid, 1982.

Ubi fluxus ibi motus. Biennale de Venise, Italia, 1990.

 

Vídeo

Metrópolis (RTVE.ES) 18 noviembre 2011